第一篇：西方古典音樂和中國傳統音樂的區別

西方古典音樂

和中國傳統音樂的差異

1.西方古典音樂

1.1西方古典音樂的定義 1.2古典音樂的感受

2.中華民族音樂

2.1中華民族音樂的定義

3.中國傳統音樂和西方古典音樂的差異

目錄：

1.西方古典音樂

1.1西方古典音樂的定義

古典音樂是一個含義廣泛的術語，廣義的西洋古典音樂是指那些從西方中世紀開始至今、并在歐洲主流文化背景下創作的音樂，或者指植根于西方傳統禮拜式音樂和世俗音樂，其范圍涵蓋了約公元9世紀至今的全部時期。主要因其復雜多樣的創作技術和所能承載的厚重內涵而有別于通俗音樂和民間音樂。在地理上，這些音樂主要創作于歐洲和美洲，這是相對于非西方音樂而言的。另外，西洋古典音樂主要以樂譜記錄和傳播，和大多數民間音樂口傳心授的模式不同。

亦有人認為“古典”是對應于“流行”而言的，因為這些音樂經得起時間的考驗，能夠引起不同時代聽眾的共鳴，故認為應當稱之為“經典”（classic）的音樂。

但如果細究古典一詞，本意可以理解為古代留傳下來堪稱經典的音樂作品（古代+經典），但是一般來說，古典音樂是具有規則性本質的音樂，具有平衡、明晰的特點，注重形式的美感，被認為具有持久的價值，而不僅僅是在一個特定的時代流行。這也體現于“古典”（classical）與“經典”（classic）的不同。

古典音樂（classical music）本來是專指德奧在1750—1830年間以海頓、莫扎特、貝多芬為代表的音樂，即所謂“維也納古典樂派”的音樂（或翻譯為“維也納古典主義音樂”）。這就是狹義的古典音樂。

從這個狹義的古典音樂概念出發，我們可以向前追溯到巴赫、韓德爾，乃至更早的宗教音樂（含天主教即羅馬公教，東正教，基督新教），向后延伸到浪漫主義、民族樂派，以及20世紀西方的現代音樂。這些都是廣義的古典音樂，也就是基于這個傳統的，無論是繼承和發揚這個傳統，還是試圖以創新來突破這個傳統的音樂創作嘗試，都可以歸入古典音樂之內。而在這個傳統外獨立發展的音樂，雖然有借鑒和影響古典音樂創作的，但是一般也不歸入古典音樂之內，比如爵士樂、搖滾樂，以及東方一些民族的音樂。

因此對于廣義的“古典音樂”這個詞來說，歐洲藝術音樂的定義更加準確。

歐洲藝術音樂與其他的非歐洲音樂和流行音樂體系的主要區別是記譜法有所不同，其規則大約源自于16世紀便開始使用的記譜法。在西方記譜法中，作曲者給演奏者規定了音調、格律、速度，獨特的節奏和對于一同段音樂準確的演奏方式。這種即興演奏發揮空間很小的記譜法模式，極大的不同于非歐洲藝術音樂（相對于傳統的日本音樂和印度音樂）和流行音樂。

古典音樂作為音樂中類別的稱呼，是相對于輕音樂、通俗音樂等類別而存在，它本身并沒有嚴格明確的解釋或者定義。在輕音樂范圍里，有時也采用“古典”的概念來指某些經過時間檢驗，被人們奉為楷模的輕音樂作品，如古典輕歌劇、古典爵士樂等，這里的 classical理解為“古代+經典”，似乎更為合適一些。

1.2古典音樂的感受

當人們聽到貝多芬、莫扎特、舒伯特等古典音樂家的音樂作品時，它帶給人們的不僅僅是優美的旋律，充滿意趣的樂思，還有真摯的情感，或寧靜、典雅，或震撼、鼓舞，或歡喜、快樂，或悲傷、惆悵?? 欣賞歐洲古典音樂最高層次是理智的欣賞，也就是說不僅體驗、理解音樂的情感，還能對音樂作品的形式、內容、民族特征、社會價值和藝術價值等作出分析和評價。要想達到這個層次，我們必須了解欣賞歐洲古典音樂的三元素，即創作背景、演奏者的再創作；欣賞者自身的理解。歐洲古典的創作背景一般可分為四個時期：第一時期巴洛克時期，這個時期的代表人物有德國巴赫也稱音樂之父，亨德爾也稱清唱劇大師；意大利的維瓦爾弟等，這個時期的音樂風格旋律優美、柔和。第二時期是古典主義時期代表人物有海頓、莫扎特、貝多芬等，這個時期的音樂特征主題鮮明、有一定的沖突性。第三個時期是浪費主義和民族樂派，代表人物有德彪西舒曼、舒伯特、拉威爾、柴可夫斯基、斯美塔那、德沃夏克等，這個時期的音樂背景比較復雜，作曲形式多樣化，音樂表現有些委婉、抽象，且有號召力，有鮮明的民族風格。第四個時期是近代主義樂派，代表人物有斯特萊文斯基、格什溫、馬勒等，作品特征和聲配器豐富，旋律性不太強，內涵深，有的還帶有爵士風味，這個時期的作品較難理解；欣賞者自身的理解是根據自身的文化層次對音樂的理解，音樂不同于其它學科，它反映的東西是比較模糊的，也比較抽象的，因此，可以充分發揮自己的想象力，例如，在欣賞柴可夫斯基《天鵝湖》的場景時，可以想象一群長著翅膀如少女在寧靜的湖面上翩翩起舞、若影若現，也可想象一群天鵝在湖面上輕輕地、慢慢地游蕩。

2.1中華民族音樂 2.1.1中華民族音樂的定義

中華民族音樂（簡稱民樂），又稱民樂、國樂、華樂，是指中國傳統音樂及以其為基礎發展出來的各種音樂。其音樂型態包括各種中華民族樂器的獨奏曲協奏曲、傳統中國的各種器樂合奏、近代發展出來的民族管弦樂大合奏曲（國樂團合奏）及小合奏曲、以管弦樂團演奏的中華民族風格樂曲、以及中華民族聲樂等。

據目前的考古發現，中華民族音樂可追溯至7000多年前，古代文獻一般追溯到黃帝。中華民族在幾千年的歷史長河中，創造了無論從形式上還是意境上都無比豐富的民族音樂文化。它講究藝術表現的中和、簡約、適度、含蓄、空靈。以五聲音階為主。與西方傳統藝術注重立體感不同，它更著重于表現線形態。20世紀以來，隨著西方音樂的大量傳入，加上思想領域內的“歐洲中心論”以及國人缺乏對民族音樂文化的深層認識，使得中華民族音樂漸受冷落。民國時期的上海產生了不少優秀的中國流行音樂。中華人民共和國成立后，民族音樂得到了很大程度的挖掘與研究，曾一度欲建立“中國樂派”。隨著改革開放的加深，民族音樂受到了港臺流行音樂等諸方面的沖擊與挑戰。近年來，不少音樂人提出了“新民樂”或“民族音樂交響化”的概念，并進行了相關的音樂創作，但也受到了很大的爭議。

3.1中國傳統音樂和西方古典音樂的差異

東西方音樂最大的不同就是音列的不同

調東方音樂主要是五聲調式，宮、商、角、徵、羽，清音多。西方音樂主要是用的大小是七聲，1、2、3、4、5、6、7，其中4、7是兩個半音，所以出現濁音。

東方音樂和西方音樂是兩個大的概念范疇，東方音樂包括很多國家的音樂，不僅僅是中國還有好多別的東方國家的音樂，不同國家的音樂由于調式構成的不同，在聽覺上有很不同的地域特色；西方音樂也包含了很多國家的音樂，來自德奧、法國等不同國度的音樂各有不同。別說是東西方有差別，就是同一個國家不同省份、不同少數民族的音樂有時也大相徑庭，這也就是風格的不同。所以，不是一兩句話能說的清楚的。不過大致的說，中國傳統音樂主要以五聲調式為基礎，西方以大小調為基礎，中國傳統音樂比較質樸。西方音樂色彩變幻多，不過都不是絕對的，不同國度也有相似的音樂。音樂是在世界各地是相通的，是無國界的，相互影響、相互融合的技術層面上西方古典音樂有理論，有規范，有大量的文字和音響文獻，易于流傳；而中國傳統音樂，沒有一套完備的作曲理論與法則，較易失傳。中國傳統音樂以線條為主，而西方古典音樂更講究和聲。中國傳統音樂注重氣息，而西方古典音樂更講究節奏。兩者技術方面的最大不同在于音色與演奏方法。

藝術層面上中國傳統音樂主要表達儒家、道家、佛家的思想，并且講求悟性慧根，因此比較主觀。

西方古典音樂著重美學及功能性，故此比較客觀。中國傳統音樂境界的表現特點與西方古典音樂不同，西方古典音樂以深刻嚴肅見長，突出主客對立，大都帶有正劇或悲劇色彩，體現出來的是一種藝術精神的“壯美”；而中國傳統音樂以曠達悠深見長，突出“情”和“景”的交融，主客統一，體現出來的是一種“和合”精神的“幽美”。

一般說來，西方國家的古典傳統交響樂最能反映西方人的思維方程式，西方的交響樂的聲樂波是以數種不同的音色為進階，分成數段展開，溶入模擬生物的自然成音，精細起伏的器樂聲能把聽眾能從紛亂糟雜的現時中理出一絲的頭續，從而讓人的思維漸進的趨向于理性。如果用聲樂波來說的話，西方的這類交響樂的聲波遞進與人的大腦神精思維進度有著相似的脈動。所以從這個方面講，西方音樂大師的交響樂或多或少的影響著西方人的思維定性。我們暫時把西方的樂波稱為“輔助思維脈動樂波”。

國內目前傳統的聲樂藝術流行的似乎只有一些戲曲樂。通過仔仔細細的分析這些傳統戲曲的聲樂，發現我們的戲樂聲停留在一種感觸的平面，不管是從戲曲的演唱風格還是戲曲聲樂的波譜來看，我們傳統的戲曲聲樂總是平和的跳躍式，以曲線輻度做漸進式的跳躍，這類聲樂最大的特性是與人的隱層情感神經思維有著相似的脈動性。所以我們在觀看戲曲、聽戲樂的時候，很容易觸動我們的非理性情感神經。當然，這種非理性情感神經受到戲曲聲樂波的觸動，自然就能喚醒人的情感記憶，久而久之，就會讓人的理性思維神經處于一種抑制冬眠狀態。我們姑且把我們傳統戲曲的聲樂波稱為“觸動感性思維脈動樂波”。

參考資料

1.http://baike.baidu.com/view/44483.htm 2.http://zh.wikipedia.org/wiki/%E8%A5%BF%E6%96%B9%E5%8F%A4%E5%85%B8%E9%9F%B3%E4%B9%90 3.http://zh.wikipedia.org/wiki/%E4%B8%AD%E5%9B%BD%E6%B0%91%E6%97%8F%E9%9F%B3%E4%B9%90#.E7.BE.8E.E5.AD.A6.E7.89.B9.E5.BE.81 4.http://wenku.baidu.com/view/82f78b0b7cd184254b3535e3.html

第二篇：欣賞西方古典音樂有感

最早接觸西方古典音樂是小時候的音樂課上學習貝多芬的《歡樂頌》，那時候就對西方古典音樂產生了好感，由于母親是音樂教師，因此接觸音樂的機會也比較多。直到現在也依然保存著幾首比較喜歡的曲子，隨時拿來聽一聽，會讓人感覺心情愉悅。

歐典古典音樂的創作背景一般可分為四個時期，第一個時期便是巴洛克時期，這個時期最著名的代表人物就是巴赫，也被稱之為音樂之父，是我最喜歡的音樂家之一。這一時期的音樂風格旋律優美，柔和，這也是我喜歡它的重要原因。

第一次聽到巴赫的《G大調小步舞曲》是在聽fall in love的《一千零一夜》的間奏。那一小段音符的回旋清新自然輕盈讓人真的想跟著它跳一支小步舞。這首曲子是巴赫題獻給自己賢內助安娜·瑪格達雷納的作品。安娜是巴赫的第二任妻子是一位典型的賢妻良母除了照料好一家人的衣食起居外她還經常幫巴赫抄寫譜子而且水準一流。巴赫出于對安娜的感激和愛意先后在1722和1725年創作出兩卷曲集送給妻子。后來兩卷曲子被合并，并且去除了其中的聲樂演唱部分成為了《為安娜·瑪格達雷納.巴赫而作的古鋼琴小曲集》。小曲集一共有45首，其中第26首《G大調小步舞曲》便是此曲比較通俗但是卻自然有一股純凈的味道。原來小步舞曲是用于西方宮廷舞蹈的充滿了奢侈浮華的意味，曾聽過陳慧琳的《lover's concerto》便是改編自此曲。很喜歡她輕輕淡淡的唱法一改宮廷樂曲的浮華，用最純凈簡單的聲音將小步舞曲娓娓道來讓人感覺心情愉悅暢快。從此以后我遍喜歡上了巴赫的作品，將巴赫的作品都一一聽過，也開始聽同一時期的其他音樂家的作品，諸如德國音樂家亨德爾，以及英國音樂家普塞爾的作品。不過最喜歡的還是巴赫的作品。

其實在現在這個快節奏的時代，很少有人會靜下心來去感受經典的音樂，充斥在我們周身的是那些不到一年便被人遺忘了的流行樂。我想如果真正靜下心來欣賞的話，西方古典音樂會帶給我一種脫俗、清新的感覺，對我們自身修養的提高有很大幫助。

第三篇：西方古典音樂鑒賞（共）

西方古典音樂鑒賞

摘要：音樂是一個宇宙，音樂中有一切。莫扎特的音樂風格優美、秀麗、典雅、熱情，聽后是使人能產生心曠神怡的感覺；貝多芬的音樂集中體現了他那個時代人民的痛苦和歡樂、斗爭和勝利。因此貝多芬的音樂作品重視激勵著人們，鼓舞著人們的氣質，即使在現在也使人們感到親切和鼓舞；肖邦的音樂風格處處透露著優雅、細膩、精致，色彩性的和聲處理的很有獨特性，使人陷入一種無法自拔的浪漫。

關鍵詞：西方古典音樂海頓莫扎特貝多芬肖邦

霍夫曼曾說過“音樂是所有藝術中最富浪漫主義——幾乎可以說是唯一的真正浪漫主義的藝術，因為它的唯一主題就是無限物。音樂向人類揭示了未知的王國，在這個世界中，人類拋棄所有明確的感情沉浸在無法表達的渴望中?！?/p>

音樂在日常生活中時刻伴隨我們，音樂已經不知不覺成為我們生活的一部分，很難想象沒有音樂的日子是什么樣的。絕大多數人偏愛于流行音樂，它時尚、動感、充滿現代的活力與氣息。但是提到古典音樂會想起一個現在很少提的概念—嚴肅。容易讓人產生誤會，會認為是比較刻板、沉重的音樂。大多數人認為像這類的古典音樂，年代悠久，離我們的時代好遙遠。比起古典音樂，青年人更喜歡聽流行音樂。一直以來我也是抱著這種思想，以前我只關注流行音樂，偶爾在電視上看到交響音樂會，聽到古典音樂只是匆匆掃過，只是覺得氣勢很磅礴，場面很壯觀而已。對古典音樂只是些感性認識、比較膚淺。

可是這學期，我上了古典音樂賞析的選修課，我開始真正接觸到古典音樂，深入了解欣賞并剖析。抱著欣賞與學習的態度，通過每節課欣賞古典音樂，我漸漸對古典音樂產生了濃厚的興趣與強烈的情感。我發現古典音樂與我之前感覺的完全不一樣，它是完美、優秀、經典的。要真正聽懂古典必須具備一定的音樂理論知識和西方歷史背景知識。這樣才能更理性更深刻的認識，所獲得的審美感受也會更高一個層次。音樂能陶冶人的性情，當你真正沉浸在音樂中時，你會忘掉世俗中一切繁雜的事，盡情的暢游在音樂中!學會欣賞音樂便走出了欣賞美的關鍵一步，因此學習欣賞音樂是很重要的！在古典音樂鑒賞這門課程的學習中我學到了很多東西。

古典音樂的發展主要分為以下4個時期：

1、文藝復興時期。這個時期的作品我們接觸得相對很少。

2、巴洛克時期。大概從1600年到1750年左右。此時期的音樂大多整齊優美，充滿活力?；钴S而不斷反復的的節奏、精致且裝飾音很多的旋律也是其重要特征。多旋律交織的復調音樂在巴洛克時期也占很大的分量。

3、古典主義時期。古典主義時期的音樂指的是大約1755至1825年這五十年間、以海頓、莫扎特、貝多芬為主要代表的音樂家們所作的音樂。古典主義時期的一個偉大成就就是出現了真正意義上的交響曲——它是由海頓奠定了基本結構，并通過莫扎特、貝多芬這些天才的創作走進了巔峰時期的。

4、浪漫主義時期。從貝多芬之后，西方古典音樂就進入了浪漫主義時期。浪漫主義音樂家們要么更側重于個人情感的抒發，要么著迷于表達文學作品中強烈的戲劇性。他們不停地打破古典

主義的條條框框，只是為了能讓人們更易為自己表達的獨特內容而感動。很多音樂的旋律性大大加強，和聲的處理也是變化多端，所以這些音樂大都有了更為細膩的情感色彩的變化。交響詩、更為自由的鋼琴曲是浪漫主義時期的產物，同時古典主義時期就已經很完善的交響曲又得到了進一步的發展，出現了不少宏偉之作。

有人說：建筑是凝固的音樂，音樂是流動的建筑。音樂是人類靈魂的藝術表現，從古典音樂中尋找精神寄托。在古典音樂賞析的課上，我對著名作曲家有了更深層次的了解，如“交響樂之父”海頓、“樂圣”貝多芬、“音樂神童”莫扎特、“歌曲之王”舒伯特、“鋼琴詩人”肖邦、“圓舞曲之王”約翰·施特勞斯等等。對于著名的古典音樂更是欣賞至極、如約翰·施特勞斯《藍色多瑙河》、維瓦爾蒂《四季》、貝多芬《第五交響曲“命運”》、比才《卡門》、莫扎特《g小調 四十號交響曲》、巴赫《小步舞曲》、門德爾松《婚禮進行曲》、肖邦《E大調 練習曲“離別曲”OP.10》等等。然而海頓、莫扎特、貝多芬這三位古典主義音樂大給我留下了最為深刻的印象。

巴赫（1685~1750），最偉大的德國作曲家之一，他把前人發展起來的主要風格、形式和傳統概括地加以研究并匯集在一起，使之更加豐富多彩。巴赫的音樂作品可以說是汗牛充棟，他把復調音樂推向了后世無人能夠超越的、完美的頂峰。巴赫的音樂有不少都充滿了沉思冥想的意味，當然也不乏生機勃勃、激動人心者。

從音樂審美的角度來說第一位大師是海頓，它是交響音樂的泰斗。他的音樂典雅、華麗、結構方整、旋律流暢很少有戲劇性沖突，可以使人飄飄欲仙、悠悠欲睡。交響樂和弦樂四重奏之父的美譽，對海頓來說是當之無愧的。是他奠定了古典樂派的形式和風格，并使其發揚光大。在他創作的黃金期，對音樂的形式與語法的掌握已是爐火純青，樂曲風格精致、曲思豐富，似乎具有無窮無盡的想象力

海頓在交響樂上的貢獻是巨大的，柴可夫斯基說：“海頓是交響樂創作的鎖鏈中一個不可缺少的、牢固的環節。沒有他也就沒有莫扎特、貝多芬了?！北M管他不如莫扎特、貝多芬那樣輝煌，但他的改革具有重大的時代意義是維也納音樂真正的奠基者。莫扎特、貝多芬無比輝煌的器樂成就都是建立在他的基礎上發展完善的。

第二位大師是“音樂神童”莫扎特。他的音樂則甜美、活躍，富于歌唱性和古典美、突出對比性和層次感，像清泉潺潺似流水滔滔。莫扎特一生的曲風大約可以分為三個時期。早期以1770年為界，此時作品中可以看到前古典樂派和意大利古典樂派的強烈影響。中期以1786年30歲為界，此時作品富有典雅的嘉蘭特風格和海姆樂派樣式的投影。30歲以后的略偏向巴洛克樣式，并以此在古典的樂型之外植入更深遠的意境。莫扎特的音樂細膩、華貴、含蓄、典雅，風格明朗、旋律優美、結構嚴謹，具有強烈的古典色彩和超然物外的特點。偉大的音樂天才往往各有千秋，而莫扎特的音樂創作則完美地體現了歌德的一句名言即“藝術就是自然，自然就是藝術”。藝術的端莊與藝術的完美在形式、內容互異的作品中得到統一，這正是莫

扎特的才華所在。

第三位大師貝多芬，他的音樂則升華為美中有“奮”、樂中有“哲”、激情洋溢、形象鮮明、矛盾紛呈、英雄氣勢撼人，如同熊熊烈焰無比輝煌。音樂家大多注意形式與情感的結合，貝多芬《命運》與《合唱》交響曲中把音樂審美中的表現派與形式派的融合推到了極致。貝多芬被后人評為“集古典派之大成，開浪漫派之先河”的作曲家，可以看出在音樂創作從古典走向浪漫的進程中，貝多芬是一塊里程碑。貝多芬一生與苦難命運搏斗,對人生的感觸極深,因此在作品中融入了不少前人不曾想象的感情,處處充滿自信.總結；音樂由人創作自然表達的是人的情感，音樂的欣賞是要在欣賞音樂的過程中體味創作者的情感，從而達到人與音樂的共鳴。古典音樂讓人心曠神怡。。伴隨著社會的發展與進步，音樂在人們的日常生活中扮演著越來越重要的角色，成為生活的調和劑。在日常生活中我們可以深刻的感受到音樂的意義所在。在情緒低落時適合聽激情澎湃的音樂，如交響曲與進行曲；在心情煩躁的時候，輕音樂是不錯的選擇，能讓人平靜下來，認真的思索。

參考文獻：

【1】 羅曼·羅蘭.《古代音樂家》

第四篇：西方古典音樂鑒賞論文。cpp

內容摘要：音樂在我們的生活中無處不在無所不能，它可以提高我們的節操，升華我們的靈魂。讓我們生活在一個美妙的動聽的世界，隨時隨刻的滿足我們的精神世界。讓我每時每刻都能體會到音符的美妙。而西方古典音樂更是音樂的精品，更能讓我們的精神和靈魂都能的到放松。對藝術作品風格的把握，離不開對其形式要素的考察。海頓、莫扎特所在的維也納古典樂派時期是一個思想變革和社會發展的重要歷史階段。通過對兩人所處的時代背景、作品的藝術風格和必需的技術規范的考察，以及對他們一些共同特點的分析和研究，可以形成對古典樂派藝術風格的基本認識，為音樂風格概念的形成和鋼琴技術要領的掌握打下良好的基礎。

關鍵詞：古典主義 風格 海頓 莫扎特 西方音樂

當鋼琴彈奏水平達到一定程度時,準確把握和理解作品的藝術風格的問題便凸顯出來。這是每一位琴者理解音樂必不可少的重要素質和基本能力。周光仁先生曾說過：“為了更好地理解音樂作品,就必須對音樂風格有深入、正確的把握??音樂風格把握的錯誤,在某種程度上比彈錯音還嚴重?！比魏我粋€演奏者如果不能對其彈奏的作品風格作出正確的把握,就談不上對音樂作品有深刻的理解。因此, 風格的把握在詮釋鋼琴作品中的重要地位是不言而喻的。以海頓、莫扎特為代表的維也納古典樂派占據了鋼琴發展史中的重要地位,而鋼琴作品也是兩人創作的重要領域。本文正是從兩人鋼琴作品中的共同特點

來探討這一時期，他們對鋼琴作品風格的把握。

一、古典主義音樂的一般特點

“古典的”即為“classic”，在古代文法學家筆下是指“最優秀的”“經典的”之意。而在中國，我們譯為“古代的”和“典范的”兩層意思。在這里我們所說的“古典主義時期”，只是狹義地指18世紀中下葉，在維也納形成的以海頓、莫扎特、貝多芬為代表的德、奧音樂。這一時期，由于受法國大革命的巨大沖擊和啟蒙主義“返回自然”思想的影響，要求音樂質樸化和平民化，音樂特征慢慢地完善成熟，其音樂特點主要如下：

1．主調音樂代替了復調音樂。盡管古典音樂在巴洛克時期孕育并且帶有巴洛克時代的印跡，但在這一時期“以旋律與和聲背景”為主體的主調音樂仍然占據了主要地位。

2．和聲進一步發展，由“主——下屬——屬——主”建立起來的功能和聲及其調性關系體系成為音樂結構骨架。和聲語匯更加豐富，大膽采用了離調、轉調手法，使旋律更富于表現力，更加立體。

3．受法國大革命和“啟蒙思想”的影響，這一時期的音樂逐漸擺脫了宗教內容，取而代之的是以“人”為中心的人文主義內容。“人”取代“神”成為音樂作品的主角。

4．音樂結構形式發生變化。這一時期，奏鳴曲代替了古組曲、二部性古奏鳴曲、托卡他等曲式，形成了結構清晰嚴謹、織體細致、音樂語言平易近人等特點。同時，這一時期，變奏曲也被廣泛運用。

二、海頓、莫扎特的鋼琴作品風格

海頓和莫扎特的大部分鍵盤作品被認為是為鋼琴而非羽管鍵琴而寫的。雖然當時的鋼琴聲音音質比現代鋼琴更加輕薄，但它的延音踏板以及強弱方面細微的變化對古典風格的形成是必不可少的因素。

在約瑟夫·海頓（1732—1809）的整個音樂創作中，鍵盤作品并不是他創作 的主體。海頓把主要精力放在了交響樂及弦樂四重奏的創作上。但不管怎么說，海頓卻預示著莫扎特風格的成熟。海頓的鋼琴作品初聽時并不像莫扎特作品那樣迷人，反而有些冗長、粗暴，有時甚至有些野性。莫扎特鋼琴作品中的聲音因素在海頓作品中幾乎找不到。海頓不十分關心鋼琴上的歌唱性，而是更致力于純正的表情。他的鋼琴作品中有一種樸實的熱情，并有著無比的幽默感。他并不熱衷于炫技。和莫扎特相比，莫扎特用很多的“Aallegro”，而海頓更愿意選擇“allegro moderato”，甚至“moderato”。

莫扎特（1756—1791），一位墜入人間的音樂精靈。他的精巧、典雅、純凈、澄澈，在歡樂中隱含淡淡哀愁的鋼琴音樂，使他在鋼琴藝術發展史上獨樹一幟。他的形式感和對稱感似乎與生俱來，而且那種適度的均衡與他來自直覺和靈感的技藝緊密結合在一起。他的鋼琴

作品很少追求激情表現或炫技因素，而是忠實于更為親切和家庭式的奏鳴曲。除去個別較簡易的樂曲外，莫扎特的作品幾乎無難易可言，每一首都需要極透明的音質、典雅的情趣、準確的分寸、嚴密的控制、敏感的指觸、均勻的走動等，因而都很難演奏得天衣無縫、完美無缺。

我們知道，一切藝術風格的把握，都離不開對其形式要素的考察。因此，通過以上對海頓、莫扎特的了解，我們可以粗略地把握一些古典主義風格的要素。

三、演奏古典作品所需要注意的幾個問題

達到古典主義風格的要求、在技術環節上的完善，需要正確處理以下幾個方面的關系。

1.速度和力度

在彈奏古典鋼琴作品時，正確的速度和力度是極其重要的，隨意地變化速度和力度，都不符合古典作品的音樂風格。正確地把握和知道速度究竟多快是彈奏古典鋼琴作品所必需的。古典時期的演奏速度比巴洛克時期有了很大的提高，速度向兩頭擴張。這一時期的快板樂章比巴洛克時期快得多，而且表現力深刻的慢板樂章往往更慢。海頓和莫扎特從不為他們的作品標上速度記號，現在版本上所標記的速度記號都是后來人加上去的。但我們在演奏他們的作品時也應該有個速度的定量，根據當時的時代背景和我們對這一時期音樂的了解，我們

一般把它定量為：快板（allegr48—50左右?？傊?，要充分保持穩定、統一的速度，絕對不能時快時慢。

而在力度的表現上，由于“槌子琴”的出現，音量較過去增大了，可以用不同的觸鍵來表現漸強漸弱等變化了，因而音樂表現力較巴洛克時期更為豐富。雖然這一時期鋼琴制造上有所發展，但還遠不如現今鋼琴音色豐富、洪亮，聲音也不能像現在的鋼琴延續得那么長，因此，其力度比現代鋼琴整整低了一個等級。由此看出，在演奏古典時期作品時，現代鋼琴演奏最大音量也僅僅相當于“mf”，最輕音量則相當于“ppp”。到貝多芬時期，鋼琴制造和鋼琴演奏又有了一定發展，力度幅度增大。因此在演奏這一時期作品時，我們可以有所變化，但應考慮當時的特點，把握好限度與分寸，彈出盡量符合當時時代背景的音樂。

2．觸鍵與音色

古典時期的鋼琴發音明亮、顆粒清脆，是我們的現代鋼琴很難做到的。莫扎特鋼琴作品聲音靈巧而華麗，而海頓有時比莫扎特更富朝氣，更具幽默感。因而可以看出，彈奏古典作品要達到我們想要的音色，就要通過均勻清晰的顆粒、活躍的節奏、流暢的氣息的途徑來實現古典主義特有的高貴氣質。而良好的音色的實現是通過觸鍵來完成的，因此，通過海頓、莫扎特我們可以看出彈奏古典作品應遵循以下原則：

①彈奏古典作品時，觸鍵應以指尖，尤其是第一關節為主要部位，下鍵時，指尖要輕，觸鍵要快，指尖在發音后一定要輕輕支撐住，而力量則應立即松開。不能用臂力壓迫鍵盤，必須控制好聲音的“點”。

②彈奏出的音色應明亮而圓潤，演奏者要控制好自己的肌肉，通過手臂“松”而不“懈”的力量，彈奏出富于明快、透明、純凈的音色。

③音階的走句應干凈，流暢。用手指奏出富有彈性的音。指尖動作越小越好，其觸鍵速度在單位距離內應該較快，彈奏出顆粒清楚、以“nonlegato”為主的音。

④在手腕配合下，彈奏出有“呼吸”的樂句。鋼琴演奏就像聲樂演唱一樣，都是有“呼吸”的。演奏者通過力量的“上抬”和“下沉”，來實現樂句起伏中形成的“氣息”，并根據演奏者本人對樂句的理解來決定使用連奏還是斷奏，通過演奏者的手腕、手臂來調節樂句，使聲音和諧、統一，彈奏出美妙細膩的樂句。

3．裝飾音的彈奏

裝飾音一直是個比較復雜的問題。周廣仁先生曾指出過：在裝飾音記號統一以前，我們很難認定統一的標準。而且，在實際彈奏中，對同一個裝飾音，每一位演奏者又有不同的彈法。再者，隨著鋼琴演奏的發展，后人編撰前人樂譜的版本日益增多，給我們研究這個問題帶來了更多的紛擾。古典主義時期的裝飾音基本繼承了巴赫的傳統，以下只是對裝飾音的一些一般規律進行的探討。

①顫音（tr）或回音（∽）。顫音的數量較為自由，不像巴洛克時代的那樣嚴謹，速度和數量由演奏者根據對樂曲的理解而決定。這

里需要指出的是在海頓、莫扎特時期，所有奏法都從標明的主要音符上方二度開始，而到貝多芬時期，則演變成從原音開始。

②長倚音一般具有留音效果，甚至彈奏效果是將音符時值對分。如則應彈奏為。這在莫扎特K283第一樂章，K311第一樂章，海頓的HOBXVI37第三樂章中都能遇到。

③回音應包括在主要音符時值內。裝飾音的第一個音應彈在拍子上。如貝多芬的OP.49第一樂章中回音的彈奏。但有時，回音也從拍子后開始彈奏，這就要看演奏者具體的喜好而定。

另外，貝多芬的裝飾音略微復雜，如半顫音、分解和弦或琶音、短倚音、長倚音等。我們不可能用某種規范加以限定，只有演奏者根據音樂的時代背景和自身的喜好同時參考大師們的演奏來彈奏。

4．踏板的運用

18世紀后30年，有不少鋼琴被裝備了一個膝部杠桿，近似于現代鋼琴的制音器踏板。踏板就是這一時期發展起來的。在海頓、莫扎特時期，鍵盤作品基本上都是為古鋼琴而作，由于古鋼琴與現代鋼琴結構完全不一樣，因此，據考察，他們的作品中沒有踏板使用的標記。但這并不等于演奏他們的作品時不需要使用踏板，所以很多演奏者在彈奏他們的作品時感到迷茫，他們不知道，在任何風格中，右踏板最重要的作用之一是給予更多的共鳴和音色。這一點對古典樂派作品同樣適用。因此，演奏者應始終記?。涸谑褂锰ぐ鍟r首先講究織體的清晰度，句法和奏法絕對不能含糊不清。即使要使用踏板，也要盡量保

持音的清晰，使聽者覺察不出來。其次，在有長時值音符的慢速、歌唱性段落中，右踏板不能踩得過深，在這里使用踏板的功能主要應幫助避免聲音發干，使整個樂句有一個很好的過渡、連接，起到潤色的作用；最后，句法、連線和所有其他奏法應保持清楚，包括休止符都不能用得模糊不清。踏板的運用不能影響以上所述的劃分。

隨著時代的進步，鋼琴制造業的發展為演奏者的踏板運用提供了基礎，左踏板的出現也增強了作品的表現力。在這種背景下，演奏貝多芬作品，運用踏板自然比海頓、莫扎特多得多，復雜得多。但不管是演奏貝多芬還是海頓、莫扎特的作品，我們應始終記住古典時期使用踏板的總原則就是：增強樂句的連貫性，使音響獲得更豐富飽滿的效果。

四、結語

綜上所述，通過對海頓、莫扎特鋼琴演奏風格的研究以及對彈奏技術的分析，我們可以看出，維也納古典樂派時期的鋼琴作品的彈奏風格所需要把握的分寸，在于內在的深刻和外表的含蓄、有節制的統一。演奏不同時期、不同流派的鋼琴作品需要有符合這個流派音樂的演奏風格。鋼琴300年演奏藝術的發展過程表明，風格作為一種音樂文化趣味和形式要素、一種演奏中必不可少的認知概念和外顯形態,是反映作品思想主題、精神內涵、情緒情感和審美趣味的重要因素，是每一位演奏者在彈奏實踐中不能忽視的。我們只有將作品與藝術流

派的共性相結合，深、挖掘作品內涵，準確把握和理解作品的藝術風格，同時，不斷提高自身音樂修養和彈奏的技能技巧，才能為培養良好的音樂審美能力及所衍生的各個方面打下堅實的基礎。

參考文獻：

[1]趙曉生《鋼琴演奏之道》

[2]黃瑩《風格的研究——鋼琴教學中一個值得重視的問題》（《鋼琴藝術》）

[3]羅曼·羅蘭《古代音樂家》《當代音樂家》

[4]修海林、李吉提 《西方音樂的歷史與審美》

[5]鄭興三《論莫扎特鋼琴曲的演奏風格》（《廈門大學學報》）

第五篇：最好聽的西方古典音樂

最好聽的西方古典音樂

·格里高利（意大利）540-604

圣詠★ ●

■

·維瓦爾蒂（意大利）1680-1743

四季★ ● ▲

·巴赫（德國）1685-1750 無伴奏大提琴組曲★ ●

■ 小提琴協奏曲★ ●

小提琴大鍵琴奏鳴曲●

■

·亨德爾（德國）1685-1759 豎琴協奏曲●

▲

·莫扎特（奧地利）1756-1791 小提琴協奏曲★

小夜曲★ ●

▲ 鋼琴三重奏★ ●

▲ 小提琴奏鳴曲★

·貝多芬（德國）1770-1827 小提琴協奏曲★

·帕格尼尼（意大利）1782-1840 小提琴吉他奏鳴曲★ ● ▲ ■

·羅西尼（意大利）

弦樂奏鳴曲★ ● ▲

■

·門德爾松（德國）1809-1847

小提琴協奏曲★ ●

▲

·肖邦（波蘭）1810-1849

夜曲★ ●

■

圓舞曲★ ▲

·柴科夫斯基（俄羅斯）1840-1893

小提琴協奏曲★

鋼琴協奏曲★

·德沃夏克（捷克）

新世界交響曲★

大提琴協奏曲★

·格里格（挪威）1843-1907

鋼琴協奏曲★

·拉赫馬尼諾夫（俄羅斯）1873-1943

鋼琴協奏曲2★

珍藏古典：

1、莫扎特鋼琴三重奏

2、莫扎特弦樂四重奏

3、巴赫小提琴大鍵琴奏鳴曲

4、巴赫無伴奏大提琴組曲

5、格里高利圣詠

6、亨德爾豎琴協奏曲

7、莫扎特第40交響曲

8、莫扎特弦樂小夜曲

9、維瓦爾第小提琴協奏曲《四季》

10、羅西尼弦樂奏鳴曲

11、肖邦夜曲

12、莫扎特小提琴奏鳴曲

13、莫扎特第3、5小提琴協奏曲

14、帕格尼尼小提琴吉他奏鳴曲

15、貝多芬小提琴協奏曲

16、門德爾松小提琴協奏曲

17、巴赫小提琴協奏曲

18、斯美塔那交響詩伏爾塔瓦河

19、貝多芬第6田園交響曲 20、貝多芬第5交響曲

21、貝多芬第3交響曲

22、貝多芬第9交響曲

23、舒伯特未完成交響曲

24、柴科夫斯基第1鋼琴協奏曲

25、柴科夫斯基第4、5、6交響曲

26、柴科夫斯基小提琴協奏曲

27、德沃夏克第9新世界交響曲

28、德沃夏克大提琴協奏曲

29、德沃夏克美國四重奏 30、格里格鋼琴協奏曲

31、拉赫瑪尼諾夫第2鋼琴協奏曲

32、馬勒第4交響曲

33、貝多芬鋼琴奏鳴曲

34、貝多芬小提琴奏鳴曲

35、肖邦圓舞曲

36、柴科夫斯基天鵝湖組曲

37、勃拉姆斯匈牙利舞曲

38、斯特勞斯圓舞曲

39、里姆斯基-科薩科夫舍赫拉查達 40、羅德里哥阿蘭胡埃斯吉他協奏曲

41、格什溫藍色狂想曲

42、柴科夫斯基洛可可主題變奏曲

43、拉赫瑪尼諾夫帕格尼尼主題狂想曲

44、西貝柳斯小提琴協奏曲

45、貝多芬三重協奏曲

46、貝多芬鋼琴三重奏

47、比才卡門

48、威爾第茶花女

49、威爾第弄臣 50、奧爾夫布蘭詩歌

摘自張銘音樂人生