第一篇：劇本寫作基礎

劇本寫作基礎——從大綱都劇本

寫戲前先做個大綱，它的作用就像寫文章前先打個草稿一樣。

盡量將認為最重要的要素先列出來，評估一下想象中的做法的可行性，等調整到最理想的時候，再寫時就不會遇到意想不到的困難。

什么是戲劇創作的要素呢？一般而言包括人物表、空間與時間、地點及情節或開場情境的簡要說明等。如果才開始構思就有重要的人物對白從腦海里「跑」出來，能將這些重要對白放到的相對的場次下，也是非?？扇〉摹Ｆ渌缛宋镪P系的糾葛或是角色外觀的描述能加上去也是很好的。

大綱也并不是越詳細越好。簡略的大綱也有它的好處，它可以預留一些彈性發展的空間。因為許多重要因素有時是在寫戲時才臨時決定下來的，只要沿著基本的框架走，其實也不容易浪費筆墨。

但詳細的大綱也有它的好處，對于初學者而言，它可以增加創作者的信心。同時在強調人物心理的寫實劇中，事先將人物性格及彼此愛恨關系的糾葛描述出來，是非常有必要的，因為人物的動機在此種戲劇中十分被強調而且不能出錯。

大綱所列出來的創意，并不是全部都要用上，相反的有時為了整體的考量，許多創意都必須舍棄。取舍的標準是要讓每一部分都是不可或缺而且都恰如其分。若是嘗試拿掉一部份而對整體并不造成什么影響，便可以大膽舍棄這部份不用＊。事先計畫好讓一出戲的每一部份，都為一個主旨或作品的完整性服務，并且讓整部戲成為一個結構嚴謹的有機體，這是對大綱工作最主要的目的之一。

具體而言，舞臺劇的大綱必須包括人物說明、演出劇場的屬性、每場戲布景的安排說明，以及提示每場戲有關時空背景、開場情境或具體事件的額要說明文字。

如果這出戲是按照時間順序即正敘手法敘事的結構，幾句簡單界定整出戲情節故事發展方向的文字，不僅必要，而且可以在真正寫戲時始終維持一定的方向感。

如果是遲著眼點的寫法，亦即開場時已瀕臨事態爆發的邊緣的情形，將開場前已發生過的事先做個草稿式的詳細描述，等正式寫戲時遇有對話內容涉及前情時，便可不留痕跡地逐漸加以揭露，此時寫來覺得胸有成竹，不會有掛一漏萬、前情交代不清的憂心。

舞臺劇的分場過去有分為五幕式及「法國景」的，后者也就是按照人物每上下場，臺上出現新的人物組合時，就算新的一場。五幕制盛行于文藝復興時期，是將一出戲依啟程轉合等一般原則分成五幕，即五個大段落，再在每幕下區分為若干場﹙現在所看到的經后人整理過后的莎士比亞劇作，即是此種分場形式﹚。五幕制的分場方式現在已經很使少用了，目前實踐的情形，多半是加以變化的方式居多。如一個獨立事件做一場，或是一個新的情境及其演繹告終做為一場，都是常見的分法。

分場的方式其實直接反應了一出戲的構思方式，在最后劇本的文字呈現上，它的作用就好比文章斷落的功能那樣。

電影劇本大綱方面，包括人物說明，以及交代每場戲的時間、地點及場景環境。電影劇本有拍攝的考量，在構思大綱時交代每場戲的時間與地點，對于決定拍攝時的光線，及結合同一地點的幾場戲集中作業，都有許多的好處。

大綱寫下來后，還必須做許多的調整。用計算機Word軟件或是其它文字處理軟件來擬大綱，日后調整起來要比寫在白紙上的方便得多。以Word5.0以上的版本為例，在〔大綱模式〕下，可以任意搬動調整個別一場戲的標題及其說明到最適當的位置；也可以將每一場戲的文字說明部份縮起來，只看各場戲的標題，感受一下從頭到尾逐場排列順序的邏輯關系，考慮看看有沒有問題。總之利用計算機調整大綱工作起來十分方便。不然若是無法使用計算機時，可將每場戲的說明文字分別寫在個別的一張資料卡片上，再加以排列調整，也不失為一種可行的方法。

幾種產生劇本大綱的應用方法

實際動手寫一個初步的大綱，對于初學者可能是最困難的一步。

古典學者將一出戲從頭到尾的變動稱作「動作」。什么又是「動作」呢？有的解釋為「從情緒到情緒」，就是說開場時的「情緒」到結尾時的「情緒」之間的變動過程。這種解釋對實際要寫戲的人，似乎算不得什么具體可依循的規則。與「動作」相似的概念還有故事情節，或是主人翁的成長等。

不論把「動作」解釋成什么，最好不要劃地自限，認定它一定是什么或是一定不是什么。戲劇是時間的藝術，只要達到一定的時間篇幅，戲劇是可以不必一定要講故事的。講故事的戲劇好寫，不講故事的戲劇就難上許多。有人說《特洛伊的女人》沒有「動作」，但實際上還是表現了眾女俘虜們最后命運揭露的過程?，F代劇作家貝克特的《等待果陀》一般認為是沒有「動作」的戲劇的代表。兩個流浪漢等來等去什么都沒等到，戲劇終了時只有荒地上的樹少了幾片葉子…。這樣的戲重點之一是落在他們充滿隱喻與嘲諷的幾近默劇風格的互動上。劇作者熟練大綱的寫法后，有空可以嘗試更多無拘無束的「動作」形式的劇本創作。

這里提供兩則產生初步大綱的實用方法，兩個都是講故事或有故事情節的大綱寫法。

一個是將題材轉換成一連串的事件。一開始擬大綱的時候，最方便的的方法就是先將大小事件按照時間順序來排列。這只是初步的大綱，日后還要調整。有了這時間序列事件的排列，再填上每個事件的時間地點，便能夠清楚看出中間是否有戲劇時間中斷的情形。之后再考慮是否需要變換成「正敘」以外的敘事觀點，來調整事件的先后次序。

其次一種方法是一提筆就先列出最重要的戲劇情境。這情景可能是創作者一接觸題材時，感受最深刻的戲劇時刻。比如梁山伯知道英臺原來是女兒身喜出望外的時刻。有了這關鍵的時刻，又可以推出同樣重要或次要的時刻。又比如梁山伯知道祝英臺許配了馬文才的時刻，又或是梁山伯在不知情的情形下，與祝英臺結拜的時刻等。將這些大大小小的戲劇時刻串起來，再加上中間銜接劇情用的過渡性的場景，如主人翁在行路時的獨白等，就做出了可以持續對它工作的初步大綱。

有了初步的大綱，第二步就是要審視大綱，決定處理的原則。

一個劇本的處理原則與它的取材的特性有很大的關系。一般針對題材制成的分場大綱，它能

選擇的處理方式每個大綱都是不相同的，有些素材適合某些處理方式，而某些則適合別的處理方式，換句話說題材的決定因素是很大的。

「高調」或「低調」的處理原則，是劇作者最初考量的處理原則之一。

「高調」意味者偉大的作品，劇作家有當作傳世之作的企圖。在風格上傾向精致或堆砌修飾的語言，整部戲的感情是濃郁、甚至超越日常生活水平而激蕩的。戲劇情境是極度壓抑，以致于隨時瀕于爆發的高度張力或緊張的狀態。人物多半是崇高偉大的人物，或是包含風貌完整深刻的人物內在性格的著墨。以及充滿壯麗的場面，或是高度肖真的寫實布景等，都屬于「高調」的處理范圍。

「低調」的處理原則與「高調」的處理原則是相對的，但并不表示「低調」處理的劇作就較沒有價值。

「低調」處理的作品可能出于新風格的嘗試或游戲之作，風格上傾向通俗易解的語言。整部戲的感情較「高調」的處理不那么沉重，它可以是從溫馨、詼諧、妙念到喜鬧、感傷等各色各樣的不同調子。劇中情境也較生活化、一般化，并不刻意緊縮事態的過程﹙為了增加劇情的張力與動能﹚。此時在以劇情趣味為主的前題下，一些方便交代劇情的演出程序也會拿來使用﹙比如舞臺劇演出時借用戲曲中人物上場說一段話，以交代身世、履歷和前情的演出程序，即「上場白」）。人物面貌并不刻意表現心理的深度與情感的特質，有時甚至為了語言的趣味，而采用類型化、夸張、非寫實的人物性格，此時雖不免給人一種人物性格「扁平」的印象，但仍不失演出時的趣味。在場面與布景上，并不刻意求工，有時替代性的道具，或是象征性的使用方式，都能塑造出一種溫馨而具有親和力的劇場空間特質。

高調的處理與低調的處理原則雖然有上述的差別，但這并不表示兩者是涇渭分明、沒有交集的兩個獨立的風格范圍，其實這只是一種有用而便利的區分罷了。比如蔡明亮的電影用的是一貫的「低限」的處理手法，比如他的人物對白甚至比日常生活中的更簡單﹙「低調」的語言處理原則﹚，但透過人物的行動充分顯示出人物豐富的內心活動與精神、感情的活力﹙「高調」的人物性格刻化﹚。

一般而言，一部劇本各部份處理方式能夠做到彼此相互協調，而能呈現出鮮明的整體效果，就可以稱的上是具有「風格」的作品?！革L格」可以借用，也可以原創。多觀摩、多思考具有水準的作品或演出，能幫助創作者掌握各種處理方式彼此間相互協調的邏輯與關鍵考量所在。

此外，在寫一出戲的時候，預先決定采用「高調」或「低調」的處理原則，可以避免過多的企圖心與精力，花在不適宜的題材上，或是用了過少的努力在具有潛力的素材上等，缺乏效率或浪費好題材的情形。

第二篇：劇本寫作基礎

劇本寫作基礎

首先明確一點，劇本區別于任何一種文體形式，我經常看到有的朋友把劇本寫成了小說或人物傳記，這是不對的，至少是不專業的。劇本有自己專署的格式，寫劇本從某種程度上說是個技術活。

寫劇本也不是什么很崇高的藝術創作，這只是一個普通的工種，劇作家和清潔工人沒什么區別，都是很普通的工作而已，所以每個人都可以寫劇本，每個人都可以當導演。當然，既然是一個工種，就有自己的規范。這些規范也許不會讓你迅速變成一個專家，但至少能使你看上去像一個專家?；蛘撸恢劣谧屇阍愀獾母袷匠蔀閷徃迦藰寯滥愀遄拥睦碛?。因為一個審稿人每天要看三到四篇稿子，如果你的劇本格式看上去不怎么專業的話，他完全有理由翻上幾頁就把你的劇本扔在角落里涼快。

先來看看劇本寫作常犯的錯誤：

1：把劇本寫成了小說

剛剛上面提到有的朋友把劇本寫成了小說，不是不可以，但那個是文學劇本，根本不能用來指導拍攝和制作。舉個例子，你可以在小說里花幾頁的筆墨來寫一個人的身世，背景，家庭組成，或是用幾頁的筆墨來描寫主角的心理斗爭過程，但這些東西是無法表現在電影屏幕上的。你的劇本就是一個屏幕，你所要表現的是電影屏幕上能被觀眾直接看到感受到的東西。像心理活動這類東西是無法很好的表現出來的。加旁白？當然可以，除非你能忍受主角的畫外音在一動不動的鏡頭里讀幾頁小說。電影*畫面表達情緒，你的劇本就是電影畫面，要通過攝像機的角度來寫，這可能引起第二個問題。

2：不必要的攝象機標注

如果你這樣寫劇本：在5號升降臺，用盤納為升70型相機，60mm鏡頭，由8.5m搖至2m對焦…………如果你這樣寫，就算過了審稿人這一關，你的劇本也會被導演扔掉。你不需要教他怎么拍，這不是你的事。你在寫劇本的時候完全不用擔心相機的事。但是不是劇本就不要考慮相機了呢？也不是，你需要考慮相機的關系而不是位置。劇本里有自己的專用相機術語，多多使用這些術語，能讓你的劇本很專業，至少看上去很專業。

1.Angle on 角度對準：比如BILL走出便利店，相機對準BILL。

2.Favoring 主要表現：BILL在一個大廣場，人很多，但主要表現BILL。

3.Another angle 另一個角度：換個角度的相機表現BILL在大廣場玩的很開心。

4.Wilder angle 更寬的角度：先表現BILL在廣場的一角喝可樂，然后鏡頭拉遠，表現BILL所在的廣場。

5.New angle 新角度：換個角度表現BILL喝可樂，使鏡頭豐富。

6.POV 視點：從BILL的視點看東西。就是第一人稱視角。

7.Reverse angle 反拍角度：BILL和SALLY在一起跳舞，先拍BILL看到的SALLY，再拍SALLY看到的BILL，通常是兩人的POV互反。

8.Over shoulder angle 過肩鏡頭：相機越過BILL的肩頭看到SALLY，BILL的肩頭能把畫面自然的分割，很常用的類型。

9.Moving shot 運動鏡頭：包括跟拍，搖移，追隨等等，反正鏡頭是運動的，至于具體怎么動，還不是現在考慮的問題。

10.Two shot 雙人鏡頭：BILL和SALLY在邊喝可樂邊交談，這種鏡頭的相機不要隨意移動，防止“越軸”。把BILL和SALLY兩人連起來有一條軸線，相機只能在軸線一側運動，如果越過這條軸線，在畫面上BILL和SALLY的位置就會左右互換，引起觀眾視覺上的邏輯混淆。

11.Close shot近景：強調SALLY美麗的眼睛，但一般少用為妙。

12.Insert 插入鏡頭：某物的近景，比如天色已晚，SALLY問BILL幾點了，BILL抬起手來，接下來可以接一個BILL手表的特寫，當然你還可以用此種鏡頭來換景，比如BILL移開手表時攝象機里看到的已經是夜晚的舞會了。

以上就是劇本里的鏡頭描寫格式，看個例子就明白了。這是具體的寫作格式： 場景說明要黑體，時間地點要黑體，居左

場景中出現的音效要黑體標出

第一次出現的人物名要黑體居中

人物的對話要居中，兩邊留空，不同人物的對話要另起一行

標明攝象機的關系

標明場景的切換，“切至”就是硬切，“化至”就是加轉場的效果，全部居右

如有特效運用，也要用黑體標出

劇本寫作入門

這是我在大學修讀劇本寫作課程時所得到的體會。記得當年導師和我們說：「要想寫好劇本，就必須懂得劇本的基本知識和理論，搞明白電影的規律！」

今天，身為其中的一員，有幸和大家分享一下我所懂得的劇本理論知識，如有錯漏，還望大家多多包容。

簡單來說，要寫好一個故事，首先要構思好你的故事走向，人物關系，情節高潮，主題思想等…… 美國好萊塢有一套編劇規律：即開端、設置矛盾、解決矛盾、再設置矛盾，直至結局。中國也有自己的編劇規律：起、承、轉、合。

在下面的文字，本人會分類將寫作劇本的基本和重要的元素詳加論述，并會舉出實例加以說明。

< 第 一 節 >

劇本基本理論 ：態度、主題

<<態度(Attitude)>>

寫故事最重要的是對故事的態度，不同的態度會產生不同的效果。舉一個簡單的例子，同樣是寫一個青樓女子的故事，如果作者是以一個淫穢、色情的態度去寫，故事自然集中于男女之間歡愛的部份。相反，如果作者是以一個同情、尊重的態度去寫，故事便會集中于描寫青樓女子被迫賣身，身不由己的可憐、無奈……

<<主題(Theme)>>

在下筆寫故事之前，你必須要問自己：你要講一個怎樣的故事？是朋友之間的友情(如電影午夜牛郎—midnight cow boy)，男女之間的愛情(鐵達尼號—Titanic)，外星人入侵地球的故事(天煞地球反擊戰)，還是一個控訴戰爭的故事(殺戮戰場—platon)等。這就是主題。

主題必須十分明確、貫徹、毫不懷疑。你不能寫一套戰爭片段，一時就懷疑戰爭，一時就歌頌戰爭。主題有如一支指南針，它會引導你創作故事，和貫穿故事中的枝節。而最重要的是它能避免你在寫作中偏離主道。試舉一例，清朝皇帝雍正在野史是一個殺弟、殺父奪位，強奸弟弟妻子的禽獸。但在雍正皇朝(早期亞視播出的電視劇)作者筆下的雍正，卻是一個好皇帝。因為作者的主題是要寫一個好皇帝，所以在故事中只會見到雍正徹夜不眠批奏章、視察農民、減稅、推行德政等場面，并沒有殺弟、殺父等場面。

所以，一套成功的劇本是要讓觀眾看完后，清楚明白作者想表達的思想和主題。< 第 二 節 >

創造角色沖突(create character conflict)

角色沖突是吸引觀眾的不二法門。這包括故事角色和角色之間的沖突，角色和他自身價值觀的沖突等。

<<方法一： Potogonist Vs Antogonist>>

故事里的人物想做一些事，但有一股力量抗衡他，這就是Potogonist /Antogonist

例如電影怒火風暴(Falling Down)故事中，主角剛剛經歷完痛苦的勞獄生涯，當他出獄時，他一心想見回自己的妻子，重過正常人的生活(Potogonist，他想追求的事)。但他的妻子逃避他，不認他，而四周的人也因他的犯罪紀錄而歧視他(Antogonist，阻止他達到目的的力量)。

<<方法二： 不能分解的關系(unbreakable bonding)>>

當角色和角色之間存在沖突，而且有一個不能分開的結把他們拉在一起，好戲便來了。舉一個簡單的例子，男主角的妻子是個三姑六婆、八卦的女人，而男主角的母親則是個守禮節的傳統婦女。因為環境的因素，主角和他的妻子必須搬進家里和媽媽一起住。試想兩個完全沖突的人：媳婦和奶奶被一個 unbreakable bond 拉在一起時，會是怎樣。

< 第 三 節 >

創造表面張力(create dramatic tension)

<<方法一： 讓你的觀眾知道一些事而故事中的角色是不知道的>>

例如故事中的主角闖進了敵人的基地，有支槍在黑暗處伸出來瞄準著他(觀眾知道但主角不知道)，敵人就快要開槍了，觀眾也為主角擔心。

<<方法二： 讓你的觀眾感到故事中的角色是走在一條錯誤的路上>>

主角的母親病了，他全身家只有一百元，于是他便去睹場碰碰運氣。很好運地，主角不停地贏錢，已有幾千元，有足夠的醫藥費了。但他竟然貪勝不知輸，繼續賭下去，結果輸了一局又一局(觀眾已知他已走在一條錯誤的路上)。最后連手上的一百元也輸了，竟然還去問大耳窿借錢(他用錯誤的方法企圖達到目的)。

<<方法三： 時間限制(deadline)>>

故事中某些事件若存著時間的限制，或計時炸彈，能夠給觀眾一股緊張的情緒，并且這股緊張情緒能維持一段長時間。

還有十二個小時，隕石便會撞擊地球，地球上超過一半的生物會死亡。(電影--隕石撞地球)

這輛巴士必須維持在時速一百二十公理，否則車上的炸彈便會爆炸。(電影--生死時速)

<<方法四：轉折點(Turning Point)>>

使用轉折點能制造意外的效果，引起觀眾的預期心理，加強情節張力，從而持續觀眾對故事的興趣。轉折點最常出現于故事的前段和后段。劇本前段的轉折點一般用于開啟故事和陳列出主角即將面臨的各項選擇。至于后段的轉折點則指向主角解決危機，收攏故事。

例如著名電影「生于七月四日」(Born on the fourth of July)，主角在故事開始面臨第一個轉折點：是否要參加越戰。主角最后選擇參戰，走上戰場。但好景不常，在戰爭中主角被打破了雙腳，要終生坐輪椅。原本愛國主戰的他經歷了多件事件后，改變了他的想法。導致故事結局出現了很出人意表的轉折點，他由主戰派變成反戰派，從而帶出反戰的主題。< 第 四 節 >

其它技巧

<< 伏筆(Planting)>>

相信有作文的人都會知道什么叫做伏筆吧！埋下伏線可以吸引觀眾追看劇情。例如在電影心計中，主角湯美一早便表露了他有模仿人簽名和行為的能力(伏線)，到故事發展到他殺了有錢人迪奇后，觀眾憑借伏線已經估到主角會假冒迪奇。

<< 關鍵匙(Payoff)>>

所謂 Payoff，就是最能象征整個故事的對象。例如在電影”Apartment”中，那條門匙就是Payoff。又如著名電影「舒特拉的名單」中，那張猶太人的名單也是Payoff。

<<蒙太奇(montage)>>

有兩個畫面，梅花間竹地播出，這就是蒙太奇。例如在電影教父中，畫面一邊播出教會里正在舉行的神圣儀式，如神父替孩子洗禮，向天主祈禱等。但另一邊畫面卻轉接地播出教會中邪惡的一面，例如教會中的領袖為求奪權，去反對他的人的住所，不停地大開殺戒。

蒙太奇亦可以指一些不同而沒有關系的畫面,當他們剪接在一起的時候,會產生另一種意義,簡單來說,如第一畫面中有一只手正在投球,而另一畫面是另外一只手接到一個球,然而球不見得是同一個,但當兩個畫面前在一起的時候,就是一個人把球投給另外一個人,注意/若中間再加入另外的畫面,這意思就完全不一樣了！(注：這一段蒙太奇的文字解釋由網友「貝戈」提供)< 第 五 節 >

劇本三大忌

<<寫劇本變寫小說>>

劇本寫作和小說寫作是兩樣完全不同的事，要知道寫劇本的目的是要用文字去表達一連串的畫面，所以你要讓看劇本的人見到文字而又能夠實時聯想到一幅圖畫，將他們帶到動畫的世界里。小說就不同，他除了寫出畫面外，更包括抒情句子，修辭手法和角色內心世界的描述。這些在劇本里是不應有的。舉一個簡單的例子，在小說里有這樣的句子：

「 今天會考放榜，同學們都很緊張地等待結果，小明別過父母后，便去學校領取成績通知書。老師派發成績單，小明心里想：如果這次不合格就不好了。

他十分擔心，害怕考試失敗后不知如何面對家人……』

試想，如果將上面的句子寫在劇本里，你叫演員看了怎樣用動作去表達。

如果要用劇本去表達同樣的意思，就只有寫成如下：

「 在課室里面，學生都坐在座位上，臉上帶著緊張的表情，看著站在外面的老師。老師手上拿著一疊成績通知書，她看了看面頭的一張，叫道：「陳大雄！」大雄立刻走出去領取成績單。小明在課室的一角，兩只手不停地搓來搓去。他看出課室外面，畫面漸漸返回當日早上時的情景。小明的父母一早就坐在大廳上，小明穿好校服，準備出門，看了看父親，又看了看母親，見到他們嚴肅的臉孔，不知該說些什么。小明的父親說：「會合格嗎？」小明說：「會……會的。」

「陳小明！」老師宏亮的聲音把小明從回憶中帶回現實。老師手上拿著小明的成績單看著他，小明呆了一會，才快步走出去領取……』

<<用說話去交待劇情>>

劇本里不宜有太多的對話(除非是劇情的需要)，否則整個故事會變得不連貫，缺乏動作，觀眾看起來就似聽讀劇本一樣，好悶。要知道你現在要寫的是電影語言，而不是文學語言。只適合于讀而不適合于看的便不是好劇本。所以，一部優秀的電影劇本，對白越少，畫面感就越強，沖?力就越大。

舉一個簡單的例子，比如你寫一個人打電話，你最好不要讓他坐在電話旁不動，只顧說話。如果劇情需要，可讓他站起來，或拿著電話走幾步，盡量避免畫面的呆板和單調。

<<故事太多枝節>>

很多人寫劇本都寫得太多枝節，在枝節中有很多的角色，穿插了很多的場口，使故事變得復雜化，觀眾可能會看得不明白，不清楚作者想表達什么主題。試想如果在一幕電影中同時有十幾個重要的角色，角色之間又有很多故事，你叫觀眾在短短時間里那能把每一個角色記得這么清楚。

其實，寫劇本有一句格言：「 Simple is the best!」愈簡單的故事就愈好。大家想想你們所看過的好電影中，它們的劇情是不是都很簡單。例如電影鐵達尼號(Titanic)只是講一艘大船下沉，而下沉當中男女主角產生了愛情。其它電影也一樣，簡單到報紙短評用短短幾十個字就能講出故事大綱。

模式

藝術家與模式

從事藝術行業的人與從事其它工作的人在一點上是相當一致的，那就是他們都希望將復雜的問題簡化，找出能指導從事那一工作的規律來，從而能夠更快地成為那個職業中的行家里手。比如學書法的人，會臨摹顏、歐、柳、趙等不同的字體。他們甚至從描紅模子開始練習。一個人最終能夠建立自己的字體風格，那是以后的事情。如果連臨帖的階段也沒有就想創造自己的字體，那是不可能的。又比如，唱戲也會分成梅派、馬派或別的什么派，你先得“師承”一家，然后方有可能漸漸地建立自己的流派，鼓搗出點新鮮玩意兒來。前些天因為失眠，找出一本《唐五代詞》來讀，卻發現，那時的人雖然個個想創新，寫出點別人所沒寫過的東西，但他們卻嚴守格律。最令我驚訝的是，所用的詞匯都大體相同，有著很高的重復率。比如，詞中抒發的十之八九都是離愁別恨、游子思鄉之情。借以載情的經常就是西風落葉、雨打芭蕉或梧桐。而且一傷心就得上樓，隔著小窗或卷簾、畫簾、繡簾什么的遠眺，然后就開始了“斷腸”過程……我原以為“斷腸”是很高明的創造，可后來才發現，在同一本書中，隔個三五頁就會有人“斷腸”一回哩！細細想來，這也沒什么可驚訝的，因為探求事物內部的規律是作為高級動物的人類的一種本能，而將事物成功的因素提煉成為規律，便形成了模式。

有人試圖區分匠人和藝術家，他們認為，所謂匠人，就是只能按照已有模式復制產品的人；而藝術家卻是在突破模式，是在創新的人。這樣的說法大體上是不會有問題的，然而需要看到的是藝術家和模式之間的關系。首先，他們必須充分了解和掌握模式，之后才有可能突破模式，否則他們會自以為是突破了模式，其實卻仍然在模式中轉悠；再有就是，當他們創造出了全新的形式之后，那個新玩藝就會變成眾人競相摹仿和趨之若鶩的時髦，于是就形成了新的模式。這就好比，一個人在大家的頭發都是黑色的時候將自己的頭發染出一縷黃色是個性化的創造，但你如果去今天的韓國看看，大街上眾多的女性不分老少地都染上一縷黃發，就不再是追求個性化，而是趕大眾時髦了。由此可見，所謂匠人，應該理解作僅僅重復模式創作的人；而藝術家卻是推進創作模式和創作出新模式的人。說來說去，一句話：創作離不開模式和對模式的研究。實際上藝術的發展完全可以看作是一個以新的模式代替就的模式的不間斷的過程。電影劇本創作是不是也應該在研究模式的基礎上進行呢？日本著名劇作家兼導演新藤兼人的說法很坦誠，他認為，一個劇作家首先要有好的“匠人氣質”，他說：“要寫出好的電影劇本，首先要有良好的匠人，必須發揮匠人磨煉出來的技巧。電影劇本的藝術性，可以說就在于技巧精湛的匠人想什么，選定什么樣的主題?！彼挠^點，好象和很多鄙視模式的人相左，然而如果我們考證一下電影劇本創作的實際情況就會覺得他的看法真的是很中肯的。電影劇作的傳統模式

電影劇本創作是有模式的。我們知道，電影最初是向戲劇藝術學習敘事的。在電影成為藝術之前數千年，戲劇已經就有著很高明的敘事本領了，電影在脫離雜耍演化成為一門人們心目中認可的藝術種類的時候，首先就借助了戲劇已經積累了數千年的敘事經驗。而這些經驗其實就是模式。例如，從亞里士多德開始，戲劇就逐漸形成了結構方面的模式：亞里士多德認為，戲劇的結構必須分為頭、中、尾這樣的三段式。后來人們感覺在一出戲里高潮特別重要，應該強調，就出現了“啟、承、轉、合”的說法。是黑格爾總結出“沖突律”的結構思想的，他認為戲劇沖突是布局的依據，他進一步發展了亞里士多德關于“頭、身、尾”的三段式說法：“合式的起點就應該在導致沖突的那一個情境里，這個沖突盡管還沒有爆發，但是在進一步發展中卻必然要暴露出來。結尾則要等到沖突糾紛都已解決才能達到。落在頭尾之間的中間部分則是不同的目的和相互沖突的人物之間的斗爭。”其實，從那以后，直到今天，這已經成為包括電影在內的劇作藝術所普遍遵循的結構法則。例如，在著名的劇作理論家勞遜所撰《戲劇與電影的劇作理論與技巧》一書中，即將以“沖突律”為核心的結構原則引入了電影劇作理論。在電影劇作的教學領域里有一本廣泛流傳的教材：悉德.菲爾德撰寫的《電影劇本的寫作基礎》。其中在論述結構的部分依然將“沖突律”作為劇作家必須嚴格遵守的定律，他認為：一部影片的開端就是建置沖突；中段就是發展沖突并使沖突雙方反復地較量；所謂高潮就是沖突的總爆發是沖突的至高點，因此也就是沖突的決戰時刻；至于結尾，無非是沖突過后所產生的最終結果。可以說，以這樣的原則創作出來的電影劇本在今天仍然是電影結構類型的主流。這種被今天的人們稱作“戲劇式結構”的原則依然是我們進行電影劇作教學的基礎。如果不掌握這樣的結構模式，人們就無法創作出《變臉》、《天地大沖撞》、《生死時速》、《離開雷鋒的日子》、《三大戰役》、《紅河谷》……數不勝數的電影劇本來。北京電影學院的學生經常會輕視傳統的東西，然而他們最終在走向社會之后便發現，傳統的東西會成為看家的本事為他們謀一碗飯吃。

電影劇作情節的模式似乎比結構的模式復雜一些，但模式化的傾向卻是再明顯不過的了。早在18世紀末，西方的戲劇家就將劇作的情節歸結為36種情節模式，這有名的36模式一直傳誦到今天，它依然是人們研究劇作情節的工具。當然，今天的很多電影劇作已經超越出36模式之外，但36模式畢竟最大面積地涵蓋了電影劇作的情節。人們確實追求著對傳統情節模式的突破，例如那些被標榜作“新”的一次次電影運動都是以反叛模式為前提的。但是真正突破模式卻并不象人們想象的那樣容易。例如作為法國“新浪潮”電影主將的戈達爾，幾乎終生都在干著反情節劇的事情，但直到最后他也不得不自嘆未能逃出情節劇的圈子。他的作品《精疲力盡》和《瘋狂的比埃羅》依然是36情節模式中的第5種“捕逃”，顯然繼承了警匪式的道路片。作為“新德國電影”主將的法斯賓德在這個問題上似乎更聰明一點，他非常痛快地說自己追求的是拍攝“德國式的情節劇電影”。他的代表作《瑪麗婭.布勞恩的婚姻》一開始就使用了一個被人們千百次使用過了的情節模式：“誤以為丈夫已死而改嫁，其實未死之類。”這屬于36情節模式的第18種。

電影藝術是比之戲劇更加商業化的形式。有人將好萊塢比喻作制作電影的工廠，人們在這里進行著電影的批量生產。為了觀眾口袋里的錢，電影制作者的天才很大程度上表現在對觀眾喜聞樂見的模式的研究上。一旦某種模式贏得了高票房，那種模式就會成為大量生產的樣板。說來，電影從某種意義上說就是一種“樣式”的藝術，例如在戲劇中，你只知道有“古典主義”、“浪漫主義”、“現實主義”或“自然主義”戲劇等等，卻沒有什么“西部戲劇”、“功夫戲劇”、“驚險戲劇”……然而，在電影藝術中，將作品分為“恐怖片”、“驚險片”、“言情片”卻是天經地義的事。藝術家們可以鄙視模式化生產的電影，但是他們卻無法回避模式化生產帶來的奇跡。好萊塢用模式化生產的方式統治著世界電影市場，創造著一個又一個另人目瞪口呆的票房神話！好萊塢最古老的敘事傳統來自于戲劇的“情節劇”模式，那是一種被稱作西方感傷戲劇的一個種類。劇中所講的通常是一個弱女子愛情和婚姻生活的不幸，而造成這種不幸的就常常是門第觀念的障礙。這種情節模式屬于36種中的第28種“因為門第或地位不同而不能結為婚姻”。這樣的模式創造出了一部部賺取觀眾眼淚的影片，不久前在全球創造出票房奇跡的《泰坦尼克號》便是這種模式的最新翻版。模式與創新

人人想創新，但真正能夠創新的人絕不是僅僅鄙視模式的人，而是尊重模式并研究模式的人。我在劇作教學中常常發現這樣的情況：一個剛剛從中學校門踏入北京電影學院的學生大多懷著強烈的標新立異之心，希望能搞出點驚世駭俗的東西來。他們言必稱伯格曼、基耶斯羅夫斯基，寫出一些哪怕是伯格曼或基耶斯羅夫斯基也無法看懂的劇本來。然而到了大學三年級，他們便會驚慌或抱怨起來，說是基礎的東西都沒學會，連基本敘事的技巧也沒有。然而時不我待，他們常常就在恍惑之中走出了校門，面向了數億人構成的觀眾……說來老師也有責任，比方說，當他們不屑一顧地說“那些東西太傳統”的時候，我們如果逼問一句：“那你能說說傳統的意義是什么嗎？”是不是會給他們一個提醒？

事實上，我們如果踏實地研究，就會發現電影劇作觀念的發展并不是對傳統模式的徹底摧毀，而是對它不合乎時代要求和觀眾的新的審美習慣的那些部分的改革。就以前面我們提到過的“情節劇電影”的模式為例，它實際上也是隨著時代而發生著變化的。當第二次世界大戰爆發或剛剛終結時，盡管描寫女人在婚姻愛情生活中歷盡磨難的情節模式依然在《魂斷蘭橋》、《雁南飛》、《鴛夢重溫》、《雨夜物語》、《一江春水向東流》、《白毛女》……一系列影片中重復著，但如果你再將阻礙兩個人美好愛情的原因歸結為門第觀念顯然就太不合時宜了。因為那時人們更加關心的是戰爭對人生的影響，所以在那些影片里，戰爭就代替了門第觀念而成為制造愛情悲劇的罪魁禍首。盡管如此，我們依然可以看到門第觀念的影子就象沒有變化完全的猴子留下了尾巴一樣。

從結構模式上來看，情節劇電影太借重于巧合。千載難逢的偶然機緣幾乎成為制造人物命運大起大伏的原因和形成沖突高潮的契機。在《魂斷蘭橋》和《雁南飛》中，人為制造的誤會決定了人物愛情的悲劇性命運；在《一江春水向東流》中，曠世難尋的巧合使被遺棄在千里之外的妻子恰巧來到了丈夫的豪宅當女傭，并恰巧在丈夫的婚禮上認出了自己那負心漢；《鴛夢重溫》更是將偶然的機緣作為情節突轉的動力，一個在戰爭中失去了記憶的富家男子與一個歌女結婚（這里依然保留著門第觀念的尾巴），但當他外出尋找工作的時候卻意外地（這種意外在那時的影片里卻常常是編劇濫用成癖的）被汽車撞倒，奇跡發生了——他想起了自己的身世，并回到自己戰前的家中當起了富翁，卻把歌女忘記得一干二凈！接下來便是歌女漫長的等待，等待他自己有一天能恢復記憶回到自己的身邊來。終于那一天到來了，觀眾在大團圓的結局中被感動得淚如泉涌……您可以一目了然地看到，這時雖然把戰爭當作了間離情人的罪魁，但實際上影片對戰爭并沒有多少批判，相反，故意制造出來的情節牽引著觀眾的心?，F在，人們都會將法國“左岸派”電影人看作是對傳統情節劇的反叛者。但如果你仔細解剖一下他們的劇作就會很容易看到那些故事與傳統模式之間的親近關系。例如瑪格麗特.杜拉的《長別離》講述的依然是一個與《鴛夢重溫》幾乎一模一樣的故事：一個男人在二戰中失去了記憶，一個女人努力啟發他回憶過去?？磥硭拇_是熟知那樣的傳統情節模式的，而且她利用了它來完成自己的創新。她摒棄了在那個男人身上制造偶然事件的情節劇方式，而是將注意力和筆墨都集中到表現女人的內心創傷上，利用平凡的動作和細節來展示她可憐的希望，甚至直到最后我們也沒有等來一個大團圓的結局——那男子依然沒有恢復記憶。巧合沒有了，人為地煽情沒有了，大團圓的結局也沒有了，但是我們卻看到了對戰爭更深刻的批判和對人物更深層次的內心的揭示。在她的另外一部名篇《廣島之戀》中，我們依然能夠看到傳統情節模式清晰的影子：一個法國女孩在二戰中愛上了一個德國士兵，女孩被家人關入地下室，德國士兵卻被打死。這顯然是36情節模式中的第29模式“愛戀一個仇敵”，即“被愛者為愛人的親族所仇恨”這一款。蘇聯電影《第四十一》便是這樣的情節，甚至在莎士比亞的《羅蜜歐與朱麗葉》時代這樣的故事已經屢見不鮮了。杜拉在這里所做的無非是將情感冷漠化并將這個故事與廣島發生的戀情穿插起來，以此制造出一種跨故事和跨時代的理性思考氛圍。我們很難設想，如果瑪格麗特.杜拉不了解傳統的情節模式，她將如何完成自己的創新。

也許，我國電影的創新嘗試更能證明創新者與情節劇電影的聯系。在文革前的十七年中，我們的觀眾和電影創作者們并沒有對情節劇中過于借重巧合的結構模式有什么反感，相反，人們常常會對失散多年的親人意外相逢這種“認親”模式感興趣。例如《達吉和她的父親》就是圍繞著“認親”展開情節的。甚至在《英雄兒女》這樣表現戰爭的影片中依然會有個兄妹找到親生父親的情節。應該說，直到文革過去的八十年代初期，這樣的觀念依然左右著我們的電影創作，《小花》在“認親”，《小街》在“認親”，《櫻》也在“認親”，甚至在試圖用紀實手法講述的《女大學生宿舍》中，同宿舍的上下鋪女生依然會突然發現對方竟是自己同母異父的姊妹！《紅色戀人》里，國民黨狗特務竟發現自己追捕的對象是自己的女兒！實際上，在此后第四代、第五代、第六代（如果有所謂“第六代”的話）導演的追求中，我們能夠看到的恰恰是對情節劇電影中不符合時代的部分特征的改革。例如在國產影片的創作中流行著一種情節模式：無論你歌頌的主角是醫生、警察還是導彈專家，你都需要將他們放在一種沖突之中：一方面是事業，而另一方面則是由親人或愛人所構成的個人生活。比如一位警察，他不僅常常顧及不了自己的個人安危，而且會顧不上親人病危這樣的重大事情。他無法滿足老婆對生活的抱怨，甚至還要拒絕身邊年輕女性的追求。而他如果是一位身在邊疆的教師或醫生，就一定也會面臨這樣的困境，一方面親人希望他能調到大城市里生活，一方面他卻無法離開自己的崗位。這便是36情節模式中的第20種“為了義務而犧牲了自己的幸?！薄u漸地人們會感覺這樣的情節模式太過說教，就希望能將人物犧牲自己個人生活的過程中設計的困境更加自然一點、感情表達更有分寸一點、最后也不要太明顯的大團圓。例如：《沙鷗》寫的是一個女子為了排球事業犧牲自己個人生活的故事，盡管她的男朋友之死依然有人為安排的痕跡，但比以前的影片要自然得多了，而且在沙鷗的情感處理方面也不再象情節劇電影那樣聲嘶力竭地煽情；張元的成名之作《媽媽》依然寫了一個女人試圖使她所愛的人（盡管這次是兒子）神智康復的故事，這幾乎就是前邊我們所提到過的杜拉的《長別離》情節的現代版，而且這依然是一個“犧牲”模式的變奏——這個母親為作母親的義務而犧牲了自己個人的生活。但顯然他卻表現得更加冷靜。結局更加的冷酷——直到最終，那個母親也沒能使兒子的神智出現一點點可憐的奇跡。電影劇作的新模式

當然，任何量變最終都有可能會帶來質變。今天的影壇上肯定會有很多36種情節模式所框定不住的電影情節。例如你如果細細地查閱一下就會發現在36情節模式中沒有《為戴絲小姐開車》這類影片的情節類型。也就是說，人們在創新，而且創造出了新的情節模式。

在50年代以前的戰爭歲月里，無論個體還是社會都處在生死攸關的激變之中。人們關心的焦點當然就是表現為你死我活的重大事件或一個人出生入死的命運。所以，那個時候真正是“沒有沖突便沒有戲劇”，同樣的“沒有沖突便沒有電影”。電影結構的“沖突律”模式首先是時代所賦予的。而那時的情節幾乎都表現為兩種突出的傾向：要么表現一個驚心動魄的、人命關天的外部事件，要么表現一個人物生生死死的坎坷道路。然而，當生活進入到50年代中期，戰爭已經成為歷史，雖然進入了冷戰時期，但無論東方還是西方的社會內部都出現了相對的穩定。這時，即便西方國家，社會也在逐漸地向中產階級社會過渡，大多數人達到溫飽，失業問題不再象40年代中后期那樣突出。然而新的社會矛盾卻出現了，最突出的矛盾常常發生在兩個方面：

一、人際關系的危機。物質文明常常會帶來社會的異化和人類心靈的間離，盡管在繁華熱鬧的都市里人們依然感到難以派遣的孤獨。雖然你每天都在和人打交道，但真正的溝通卻成為了普遍的社會障礙。人們近在咫尺，心靈卻遠隔天涯。

二、個人心靈深處的危機。物質的滿足不能解決心靈的問題，人是唯一一種會探求生存意義的動物。這種探求在沒有衣食之憂的時代反而變得更加突出，因為只有這樣的時候人們才有可能思考這樣內省的問題。正因如此，電影劇作關注的生活焦點也就必然從社會外在的危機（比如戰爭和失業），轉移到人類的內部危機中來，將鏡頭對準了人與人之間的關系和他們的內心情感甚至不成形的潛意識。如果好萊塢在過去的歲月里編織過灰姑娘變成公主的夢，今天人們似乎更需要編織的是在任何不同的個體之間都最終能夠突破障礙，結成親密關系的夢。

于是，一種新的情節模式便應運而生了。首先，你得找來兩個性格存在著差異的人物。這些差異有可能產生于如下原因：

1、性別；

2、種族；

3、年齡；

4、宗教；

5、文化；

6、國度；

7、民族；

8、生理；

9、地位；

10、愛好；

11、氣質……總之，你可以找來任何你想象得出來的差異，但這些差異并不會給人物與人物之間帶來你死我活的沖突，相反，作者所關注的是他們如何一步步地突破這些隔膜和障礙達到真正動人的溝通和交流的。這類影片的情節線實際就是兩個人物之間關系漸近的歷史。例如《雨人》表現的是兩兄弟間的關系發展變化線，他們不僅性格氣質和價值觀念有很大差異，就連生理上也差異很大（弟弟是個很機靈的人，而哥哥卻是個病態的智障者）；再如《為戴絲小姐開車》表現的是一個性情怪異的猶太闊老太太和她的性情溫和的黑人司機之間的關系變化過程。兩人之間除了性情差異外，還存在著種族、地位方面的差異；捷克影片《給我一個爸》（KOLIYA）則選擇了一老一少；日本影片《談談情，跳跳舞》則選擇了一個呆板的中年男子和一個美麗的舞蹈教師……影片總是從這兩個過去毫不相干的人由于偶然的機緣相遇開始的，他們的關系常常開始于相互的反感甚至對立，但影片不是通過激烈的外部事件來近一步強化和發展他們之間的沖突，相反，總是利用一些有趣的生活細節逐漸化解兩人的隔膜，最終將他們之間的關系升華作動人的親密感情或愛情。所以，傳統的結構模式“沖突律”在這里失去了作用，因為據“沖突律”的規定，沖突的制高點應該發生在影片鄰近結尾的部分。然而這種情節模式下的沖突卻常常發生在影片的開場，然后沖突漸漸緩解，直到最后竟演化成親情、愛情或友情！這并不意味著這種模式里沒有情節的高潮，但那高潮不再是沖突，而是情感的高潮。

也許在最初人們會將這種情節的嘗試看作大逆不道的對傳統模式的挑戰，例如安東尼奧尼的《奇遇》，人們期待著講述一個富有懸念的破案故事（妻子突然失蹤，丈夫和妻子的女友一道開始了尋找），然而，人們看到的全部情節卻是對丈夫和妻子女友之間關系的逐漸演化過程。那時人們真的是很不習慣，十分驚訝。然而在今天，誰又會對一部影片將兩個人物的關系逐漸演進作為情節主題而大驚小怪呢？我信手就能為您開列出大量的這一情節模式制造出來的作品：《相見恨晚》（大衛.里恩導演）、《兩個人的車站》、《辦公室的故事》（梁贊諾夫導演）、《遠山的呼喚》（山田洋次導演）、《老姑娘》（法國影片）、《花邊女工》（法國影片）、《火車》（施奈德主演）、《中央車站》（巴西）……其實，即便是在我國，這樣的影片也已經開始出現，例如《大撒把》、《不見不散》等等，便是這類情節模式的典型。

今天的美國喜劇片幾乎都是在重復地使用著這種情節模式。與歐洲電影不同，歐洲電影并不刻意夸張所選擇的兩個人物之間的差異距離，相反，他們追求自然。例如《兩極天使》中，兩個打工妹之間雖然在性格和氣質上不同，但地位和境遇差異不大。然而，美國喜劇電影卻有意將兩個人物之間的差異拉得盡可能大，例如《綠卡》中，男方是一個外來的非法移民，他不僅教養不佳，而且外表邋遢，而女方卻是個熱衷于環保事業的白領美女，有著極好的職業和生活地位。劇作者硬是將他們二人拉到了一起，為了各自的目的不得不假扮作戀人。最終使他們產生了愛情。更極端的例子是《漂亮女人》，男方為財大氣粗的大老板，女方竟是個街頭妓女。編劇卻用不到兩個小時的時間里讓他們產生了愛情！《四月的傻瓜》也驚世駭俗，男方是新到一家大公司里的打工族，他土頭土腦，傻里傻氣，為公司里所有的人都看不起；而女方卻是高高在上的老板夫人！最后的結局是，老板夫人竟為了這個被人戲稱作“四月的傻瓜”的男人拋家舍業，和他私奔了。從主題意義上看，這樣的喜劇是好萊塢一種新的夢幻，它們都一再告訴人們無論人與人之間有多么大的障礙，只要心誠，最終會達到相愛的最高境界。這種夢對于今天巴勒斯坦和以色列人、南韓與北朝鮮人、南斯拉夫塞族與阿族人……對立的時刻，無疑會使人們的心靈得到虛妄的撫慰。從情節意義上看，這簡直就是一種智力游戲，對編劇是一種挑戰。如何在短短的兩個小時放映時間里順理成章地完成在現實生活中根本無法想象的人際溝通呢？現在，這樣的喜劇太多了，而且在美國電影中已經到了泛濫成災的程度。所以，當我在網上看到一個網友稱贊“《漂亮女人》象一首詩”的時候，就對他說：“教你一招兒，你也能寫出那種詩來。”我讓他寫的故事是這樣的：一個女大學生租了一間公寓房來寫論文，但當她搬進去的時候才發現那是個兩室一廳的房子，另外一間竟然租給了一個河南來的“偷自行車的人”！我給這位朋友的任務是先讓他們沖突起來，然后在結尾的時刻讓他們產生動人的愛情。當然，千萬別忘記最后來一個好萊塢式的擁抱，注意在處理擁抱的時候不要到游泳池里，因為那樣的方式太濫了；也不要再讓一方爬樓梯上去，因為那個《漂亮女人》用過了；踩著人的頭頂過去擁抱？還是不行，《鱷魚鄧迪》里使過了。哈哈！也許可以讓他們到熱氣球上或翻滾過山車上什么的！別有畏難情緒，國人在這方面也不是沒有天賦，你瞧《東宮西宮》，在警察和被抓住的同性戀者之間都產生了愛情哩！

第三篇：劇本寫作基礎：劇本的格式

劇本寫作基礎：劇本的格式

首先明確一點，劇本區別于任何一種文體形式，我經常看到有的朋友把劇本寫成了小說或人物傳記，這是不對的，至少是不專業的。劇本有自己專署的格式，寫劇本從某種程度上說是個技術活。

寫劇本也不是什么很崇高的藝術創作，這只是一個普通的工種，劇作家和清潔工人沒什么區別，都是很普通的工作而已，所以每個人都可以寫劇本，每個人都可以當導演。當然，既然是一個工種，就有自己的規范。這些規范也許不會讓你迅速變成一個專家，但至少能使你看上去像一個專家?；蛘撸恢劣谧屇阍愀獾母袷匠蔀閷徃迦藰寯滥愀遄拥睦碛?。因為一個審稿人每天要看三到四篇稿子，如果你的劇本格式看上去不怎么專業的話，他完全有理由翻上幾頁就把你的劇本扔在角落里涼快。

先來看看劇本寫作常犯的錯誤：

Ｉ：把劇本寫成了小說

剛剛上面提到有的朋友把劇本寫成了小說，不是不可以，但那個是文學劇本，根本不能用來指導拍攝和制作。舉個例子，你可以在小說里花幾頁的筆墨來寫一個人的身世，背景，家庭組成，或是用幾頁的筆墨來描寫主角的心理斗爭過程，但這些東西是無法表現在電影屏幕上的。你的劇本就是一個屏幕，你所要表現的是電影屏幕上能被觀眾直接看到感受到的東西。像心理活動這類東西是無法很好的表現出來的。加旁白？當然可以，除非你能忍受主角的畫外音在一動不動的鏡頭里讀幾頁小說。電影*畫面表達情緒，你的劇本就是電影畫面，要通過攝像機的角度來寫，這可能引起第二個問題。

ＩＩ：不必要的攝象機標注

如果你這樣寫劇本：在5號升降臺，用盤納為升70型相機，60mm鏡頭，由8.5m搖至2m對焦…………如果你這樣寫，就算過了審稿人這一關，你的劇本也會被導演扔掉。你不需要教他怎么拍，這不是你的事。你在寫劇本的時候完全不用擔心相機的事。但是不是劇本就不要考慮相機了呢？也不是，你需要考慮相機的關系而不是位置。劇本里有自己的專用相機術語，多多使用這些術語，能讓你的劇本很專業，至少看上去很專業。

1.Angle on 角度對準：比如BILL走出便利店，相機對準BILL。

2.Favoring 主要表現：BILL在一個大廣場，人很多，但主要表現BILL。

3.Another angle 另一個角度：換個角度的相機表現BILL在大廣場玩的很開心。

4.Wilder angle 更寬的角度：先表現BILL在廣場的一角喝可樂，然后鏡頭拉遠，表現BILL所在的廣場。

5.New angle 新角度：換個角度表現BILL喝可樂，使鏡頭豐富。

6.POV 視點：從BILL的視點看東西。就是第一人稱視角。

7.Reverse angle 反拍角度：BILL和SALLY在一起跳舞，先拍BILL看到的SALLY，再拍SALLY看到的BILL，通常是兩人的POV互反。

8.Over shoulder angle 過肩鏡頭：相機越過BILL的肩頭看到SALLY，BILL的肩頭能把畫面自然的分割，很常用的類型。

9.Moving shot 運動鏡頭：包括跟拍，搖移，追隨等等，反正鏡頭是運動的，至于具體怎么動，還不是現在考慮的問題。

10.Two shot 雙人鏡頭：BILL和SALLY在邊喝可樂邊交談，這種鏡頭的相機不要隨意移動，防止“越軸”。把BILL和SALLY兩人連起來有一條軸線，相機只能在軸線一側運動，如果越過這條軸線，在畫面上BILL和SALLY的位置就會左右互換，引起觀眾視覺上的邏輯混淆。

11.Close shot近景：強調SALLY美麗的眼睛，但一般少用為妙。

12.Insert 插入鏡頭：某物的近景，比如天色已晚，SALLY問BILL幾點了，BILL抬起手來，接下來可以接一個BILL手表的特寫，當然你還可以用此種鏡頭來換景，比如BILL移開手表時攝象機里看到的已經是夜晚的舞會了。

以上就是劇本里的鏡頭描寫格式，看個例子就明白了。這是具體的寫作格式：

場景說明要黑體，時間地點要黑體，居左。

場景中出現的音效要黑體標出。

第一次出現的人物名要黑體居中。

第四篇：劇本規范寫作及基礎常識

創作劇本會出現的問題

一、微電影劇本格式不規范

格式不規范是新手作品常出現的問題，很多人甚至搞不清劇本跟小說的寫法到底有什么不同。微電影劇本怎么寫、如何寫好微電影劇本是一部優秀微電影成功的關鍵，愛微網（197c.com）藉此推出微電影劇本作基礎教程。

微電影本并沒有一個標準格式，但仍存在被廣泛認可的格式。其中認可程度最高的規范格式是（以某微電影本《混混》開場為例））：

1、商業步行街，日，外

行人三三兩兩地穿梭著。馬小帥慢騰騰地走著，不時東張西望。

對面漂亮的女孩甲走過來，馬小帥迎上去。

馬小帥：（壓低聲音，一本正經地）小姐……

女孩甲下意識地往旁邊讓了讓，沒吭聲。

馬小帥：請問你媽單身嗎？

二、人物的言談舉止不符合人物性格及身份

我們知道，不同性格、不同身份的人說出的話是不一樣的，但很多微電影本都忽略了這一點。在這些作品中，或者不同身份、不同背景的人操著相同的口頭禪、有著相同的語氣（其實是作者自己的口頭禪和語氣），或者農村人說出的話文縐縐的像知識分子，或者孩子說的是大人話，等等。

在設置人物的時候，我們應該充分了解他們，我們要明確地知道他們的身份、性格，同時要清楚這種身份、這種性格的人是怎么說話的、怎么做事的，并在劇本中一絲不茍地體現這一點。如果你要給他們一個口頭禪、一個小動作也不要緊，但一個口頭禪、一個小動作最好只給一個人物，這才能體現出人物的個性，當然，為營造喜劇效果而進行的設置則不受此限。

三、微電影對白不夠生活化、口語化

微電影是一種非常生活化的文藝作品，這就要求人物對白要口語化、生活化（古裝劇除外），換言之，就是要求劇中人物說出的話要像我們生活中說話一樣。

關于這一點，常犯的錯誤是對白文學化，或者句子很長。這樣的對白呈現出來的常常是文學人物，而不是生活中的人物。在構思人物對白時，微電影編劇要常問自己：生活中，我會這么說話嗎？如果不會，那就應該改掉。

例如：“這事有點不妥，會給我爸帶來不好的影響！”這句對白就不夠口語，如果你換成“不太好，對我爸影響不好?！边@就是生活中的語言。

對白中有些句子盡管不是文學語言，但句子太長，也不行。長句子很容易讓人覺得拗口，影響演員發揮，也會影響觀眾的理解。

四、微電影劇本無法用于實際拍攝

微電影劇本的最終目的是用于拍攝，所以你寫出的劇本必須是可以拍攝的（換言之，必須是演員能表現出來的），如果寫出的東西無法拍攝，那么就不合規范。舉例說明：

“老張五十多歲，人很善良”。這句話中“五十多歲”可以用鏡頭表現，但“人很善良”卻無法拍出來，你必須通過他的處事去體現。

“小李抿著嘴，美得像三月的桃花?！边@句話中，“美得像三月的桃花”是拍不出來的。

“老馬心里罵了句娘，轉身離去?！边@句話中“心里罵了句娘”沒法拍，如果你一定要讓老馬罵娘，可以讓他小聲罵，這樣觀眾才能聽到。

“二十分鐘后，他們抵達山河村?！逼渲械摹岸昼姾蟆币脖仨殦Q成一種可拍攝的鏡頭語言（如果時間概念不是必須的，“二十分鐘后”可以刪除）。

五、細節描寫不夠

細節描寫是體現人物內心及性格的最佳方式，同時也是檢閱微電影編劇功力的一個重要方面。但很多微電影編劇沒有通過細節表現人物的意識。

記得有一次我在一個電視臺的欄目劇中演一個40多歲、很迂腐的男主人公。有一場戲是吃飯的時候跟老婆意見不合，老婆一怒之下把我的筷子和沒吃完的飯收走了。在表演的時候，我突然想到了一個表現人物的細節：等老婆把飯端走以后，我憤憤地扭頭看著她離去的背影，然后轉過頭，猛地用手從盤子里抓了一把土豆絲塞進嘴里，又扭頭看著老婆，示威一樣地大口嚼起來。這個細節很好地表現了一個對老婆敢怒不敢言的形象，但這是演員的創作，如果微電影編劇在寫劇本的時候能多構思一些這樣的細節，人物就會非常生動。

六、忽略人物肢體語言表達

很多微電影編劇只會用對白去表達人物，卻忽略了肢體語言（包括人物表情）的巨大作用。

影視作品是一種影像藝術，如果可以不用對白，那么你就盡量不要用。肢體語言的內涵及表現力遠比對白要強大得多。不僅如此，在很多時候，對白反而會大大削弱人物內心情緒的表達。

我們假設一個情境：男主人公要遠行，他的女友為他送行。在最后分別時刻，女主人公緊緊抓著男友的手，淚流滿面，想說什么但最終什么也說不出，要比她對男友說一句“我會想你的，你要早點回來”的表現力更加深刻。

七、不注意平衡

很多微電影編劇都有這樣一種情況：有靈感的時候寫起來收不住筆，因而那場就顯得比較臃腫，而當沒有靈感的時候筆下無物，于是絞盡腦汁寫了點東西，算是對自己的一個交代。這種情況造成了劇本的一種不平衡：場與場之間的不平衡。需要說明的是，場與場之間的平衡并不是要求每一場的長度都差不多（場的長度是根據劇情來定的），而是要求該長的長，該短的短，微電影編劇要懂得控制。

除此之外，劇本中經常出現的幾種不平衡現象有以下幾種：

風格的不平衡。比如一個喜劇劇本，前面一直很搞笑，突然有很長一段（或者是電視連續劇的一集劇本）沒有笑料了，這就是風格的平衡把握的不夠好。本人的《混混》也存在這個問題，前半部分喜劇成分很足，但后半部分笑料相對就顯得少了很多。

主要人物與次要人物戲份的不平衡。如劇本中很長的篇幅內找不到主要人物了。

矛盾沖突設置的平衡。如果你的電視連續劇劇本有的劇集沖突很多，懸念很足，但有幾集連續的很平淡，幾乎沒什么懸念，那就是矛盾沖突設置的不夠平衡，應該將沖突進行相對均勻的設置，不要太偏。

八、多余的元素

有些微電影編劇喜歡在劇本中表現自己的“全能知覺”，比如加入一些諸如“音樂起”、“音樂止”、“高機位”、“特寫”、“鏡頭推”等不必要的元素。

影視是一個典型的團隊藝術，她需要不同方面的人才共同完成一個最終的作品，每個角色各司其職，有著自己明確的工作內容。微電影編劇的任務是給導演、演員寫出一個可供拍攝的精彩的故事藍本，至于音樂、鏡頭等方面的工作會有其他專門的人去完成。如上所述，即使你標出了什么地方啟用音樂，什么地方用什么鏡頭，最后也幾乎不會被采用——除非你在這方面確實很有建樹。-------------------------

劇本創作，該怎么樣寫

劇本寫作基礎：劇本的格式。首先明確一點，劇本區別于任何一種文體形式，我經?？吹接械呐笥寻褎”緦懗闪诵≌f或人物傳記，這是不對的，至少是不專業的。劇本有自己專署的格式，寫劇本從某種程度上說是個技術活。

寫劇本也不是什么很崇高的藝術創作，這只是一個普通的工種，劇作家和清潔工人沒什么區別，都是很普通的工作而已，所以每個人都可以寫劇本，每個人都可以當導演。當然，既然是一個工種，就有自己的規范。這些規范也許不會讓你迅速變成一個專家，但至少能使你看上去像一個專家?；蛘?，不至于讓你糟糕的格式成為審稿人槍斃你稿子的理由。因為一個審稿人每天要看三到四篇稿子，如果你的劇本格式看上去不怎么專業的話，他完全有理由翻上幾頁就把你的劇本扔在角落里涼快。

先來看看劇本寫作常犯的錯誤：

1：把劇本寫成了小說 剛剛上面提到有的朋友把劇本寫成了小說，不是不可以，但那個是文學劇本，根本不能用來指導拍攝和制作。舉個例子，你可以在小說里花幾頁的筆墨來寫一個人的身世，背景，家庭組成，或是用幾頁的筆墨來描寫主角的心理斗爭過程，但這些東西是無法表現在電影屏幕上的。你的劇本就是一個屏幕，你所要表現的是電影屏幕上能被觀眾直接看到感受到的東西。像心理活動這類東西是無法很好的表現出來的。加旁白？當然可以，除非你能忍受主角的畫外音在一動不動的鏡頭里讀幾頁小說。電影*畫面表達情緒，你的劇本就是電影畫面，要通過攝像機的角度來寫，這可能引起第二個問題。

2：不必要的攝象機標注 如果你這樣寫劇本：在5號升降臺，用盤納為升70型相機，60mm鏡頭，由8.5m搖至2m對焦…………

如果你這樣寫，就算過了審稿人這一關，你的劇本也會被導演扔掉。你不需要教他怎么拍，這不是你的事。

你在寫劇本的時候完全不用擔心相機的事。但是不是劇本就不要考慮相機了呢？也不是，你需要考慮相機的關系而不是位置。劇本里有自己的專用相機術語，多多使用這些術語，能讓你的劇本很專業，至少看上去很專業。

1.Angle on 角度對準：比如BILL走出便利店，相機對準BILL。

2.Favoring 主要表現：BILL在一個大廣場，人很多，但主要表現BILL。

3.Another angle 另一個角度：換個角度的相機表現BILL在大廣場玩的很開心。

4.Wilder angle 更寬的角度：先表現BILL在廣場的一角喝可樂，然后鏡頭拉遠，表現BILL所在的廣場。

5.New angle 新角度：換個角度表現BILL喝可樂，使鏡頭豐富

6.POV 視點：從BILL的視點看東西。就是第一人稱視角。

7.Reverse angle 反拍角度：BILL和SALLY在一起跳舞，先拍BILL看到的SALLY，再拍SALLY看到的BILL，通常是兩人的POV互反。

8.Over shoulder angle 過肩鏡頭：相機越過BILL的肩頭看到SALLY，BILL的肩頭能把畫面自然的分割，很常用的類型。

9.Moving shot 運動鏡頭：包括跟拍，搖移，追隨等等，反正鏡頭是運動的，至于具體怎么動，還不是現在考慮的問題。

10.Two shot 雙人鏡頭：BILL和SALLY在邊喝可樂邊交談，這種鏡頭的相機不要隨意移動，防止“越軸”。把BILL和SALLY兩人連起來有一條軸線，相機只能在軸線一側運動，如果越過這條軸線，在畫面上BILL和SALLY的位置就會左右互換，引起觀眾視覺上的邏輯混淆。

11.Close shot近景：強調SALLY美麗的眼睛，但一般少用為妙。

12.Insert 插入鏡頭：某物的近景，比如天色已晚，SALLY問BILL幾點了，BILL抬起手來，接下來可以接一個BILL手表的特寫，當然你還可以用此種鏡頭來換景，比如BILL移開手表時攝象機里看到的已經是夜晚的舞會了。

以上就是劇本里的鏡頭描寫格式，看個例子就明白了。

這是具體的寫作格式：場景說明要黑體，時間地點要黑體，居左 場景中出現的音效要黑體標出 第一次出現的人物名要黑體居中 人物的對話要居中，兩邊留空，不同人物的對話要另起一行 標明攝象機的關系 標明場景的切換，“切至”就是硬切，“化至”就是加轉場的效果，全部居右 如有特效運用，也要用黑體標出 二劇本寫作入門 這是我在大學修讀劇本寫作課程時所得到的體會。

記得當年導師和我們說：「要想寫好劇本，就必須懂得劇本的基本知識和理論，搞明白電影的規律！」 今天，身為其中的一員，有幸和大家分享一下我所懂得的劇本理論知識，如有錯漏，還望大家多多包容。簡單來說，要寫好一個故事，首先要構思好你的故事走向，人物關系，情節高潮，主題思想等…… 美國好萊塢有一套編劇規律：即開端、設置矛盾、解決矛盾、再設置矛盾，直至結局。中國也有自己的編劇規律：起、承、轉、合。在下面的文字，本人會分類將寫作劇本的基本和重要的元素詳加論述，并會舉出實例加以說明。

< 第 一 節 > 劇本基本理論 ：態度、主題 <<態度(Attitude)>> 寫故事最重要的是對故事的態度，不同的態度會產生不同的效果。舉一個簡單的例子，同樣是寫一個青樓女子的故事，如果作者是以一個淫穢、色情的態度去寫，故事自然集中于男女之間歡愛的部份。相反，如果作者是以一個同情、尊重的態度去寫，故事便會集中于描寫青樓女子被迫賣身，身不由己的可憐、無奈…… <<主題(Theme)>> 在下筆寫故事之前，你必須要問自己：你要講一個怎樣的故事？是朋友之間的友情(如電影午夜牛郎—midnight cow boy)，男女之間的愛情(鐵達尼號—Titanic)，外星人入侵地球的故事(天煞地球反擊戰)，還是一個控訴戰爭的故事(殺戮戰場—platon)等。這就是主題。主題必須十分明確、貫徹、毫不懷疑。你不能寫一套戰爭片段，一時就懷疑戰爭，一時就歌頌戰爭。主題有如一支指南針，它會引導你創作故事，和貫穿故事中的枝節。而最重要的是它能避免你在寫作中偏離主道。試舉一例，清朝皇帝雍正在野史是一個殺弟、殺父奪位，強奸弟弟妻子的禽獸。但在雍正皇朝(早期亞視播出的電視劇)作者筆下的雍正，卻是一個好皇帝。因為作者的主題是要寫一個好皇帝，所以在故事中只會見到雍正徹夜不眠批奏章、視察農民、減稅、推行德政等場面，并沒有殺弟、殺父等場面。所以，一套成功的劇本是要讓觀眾看完后，清楚明白作者想表達的思想和主題。

< 第 二 節 > 創造角色沖突(create character conflict)角色沖突是吸引觀眾的不二法門。這包括故事角色和角色之間的沖突，角色和他自身價值觀的沖突等。

<<方法一： Potogonist Vs Antogonist>> 故事里的人物想做一些事，但有一股力量抗衡他，這就是Potogonist /Antogonist 例如電影怒火風暴(Falling Down)故事中，主角剛剛經歷完痛苦的勞獄生涯，當他出獄時，他一心想見回自己的妻子，重過正常人的生活(Potogonist，他想追求的事)。但他的妻子逃避他，不認他，而四周的人也因他的犯罪紀錄而歧視他(Antogonist，阻止他達到目的的力量)。

<<方法二： 不能分解的關系(unbreakable bonding)>> 當角色和角色之間存在沖突，而且有一個不能分開的結把他們拉在一起，好戲便來了。舉一個簡單的例子，男主角的妻子是個三姑六婆、八卦的女人，而男主角的母親則是個守禮節的傳統婦女。因為環境的因素，主角和他的妻子必須搬進家里和媽媽一起住。試想兩個完全沖突的人：媳婦和奶奶被一個 unbreakable bond 拉在一起時，會是怎樣。

< 第 三 節 > 創造表面張力(create dramatic tension)

<<方法一： 讓你的觀眾知道一些事而故事中的角色是不知道的>> 例如故事中的主角闖進了敵人的基地，有支槍在黑暗處伸出來瞄準著他(觀眾知道但主角不知道)，敵人就快要開槍了，觀眾也為主角擔心。

<<方法二： 讓你的觀眾感到故事中的角色是走在一條錯誤的路上>> 主角的母親病了，他全身家只有一百元，于是他便去睹場碰碰運氣。很好運地，主角不停地贏錢，已有幾千元，有足夠的醫藥費了。但他竟然貪勝不知輸，繼續賭下去，結果輸了一局又一局(觀眾已知他已走在一條錯誤的路上)。最后連手上的一百元也輸了，竟然還去問大耳窿借錢(他用錯誤的方法企圖達到目的)。

<<方法三： 時間限制(deadline)>> 故事中某些事件若存著時間的限制，或計時炸彈，能夠給觀眾一股緊張的情緒，并且這股緊張情緒能維持一段長時間。還有十二個小時，隕石便會撞擊地球，地球上超過一半的生物會死亡。(電影--隕石撞地球)這輛巴士必須維持在時速一百二十公理，否則車上的炸彈便會爆炸。(電影--生死時速)

<<方法四：轉折點(Turning Point)>> 使用轉折點能制造意外的效果，引起觀眾的預期心理，加強情節張力，從而持續觀眾對故事的興趣。轉折點最常出現于故事的前段和后段。劇本前段的轉折點一般用于開啟故事和陳列出主角即將面臨的各項選擇。至于后段的轉折點則指向主角解決危機，收攏故事。例如著名電影「生于七月四日」(Born on the fourth of July)，主角在故事開始面臨第一個轉折點：是否要參加越戰。主角最后選擇參戰，走上戰場。但好景不常，在戰爭中主角被打破了雙腳，要終生坐輪椅。原本愛國主戰的他經歷了多件事件后，改變了他的想法。導致故事結局出現了很出人意表的轉折點，他由主戰派變成反戰派，從而帶出反戰的主題。

< 第 四 節 > 其它技巧 << 伏筆(Planting)>> 相信有作文的人都會知道什么叫做伏筆吧！埋下伏線可以吸引觀眾追看劇情。例如在電影心計中，主角湯美一早便表露了他有模仿人簽名和行為的能力(伏線)，到故事發展到他殺了有錢人迪奇后，觀眾憑借伏線已經估到主角會假冒迪奇。<< 關鍵匙(Payoff)>> 所謂 Payoff，就是最能象征整個故事的對象。例如在電影”Apartment”中，那條門匙就是Payoff。又如著名電影「舒特拉的名單」中，那張猶太人的名單也是Payoff。<<蒙太奇(montage)>> 有兩個畫面，梅花間竹地播出，這就是蒙太奇。例如在電影教父中，畫面一邊播出教會里正在舉行的神圣儀式，如神父替孩子洗禮，向天主祈禱等。但另一邊畫面卻轉接地播出教會中邪惡的一面，例如教會中的領袖為求奪權，去反對他的人的住所，不停地大開殺戒。蒙太奇亦可以指一些不同而沒有關系的畫面,當他們剪接在一起的時候,會產生另一種意義,簡單來說,如第一畫面中有一只手正在投球,而另一畫面是另外一只手接到一個球,然而球不見得是同一個,但當兩個畫面前在一起的時候,就是一個人把球投給另外一個人,注意/若中間再加入另外的畫面,這意思就完全不一樣了！(注：這一段蒙太奇的文字解釋由網友「貝戈」提供)

< 第 五 節 > 劇本三大忌：

１、<<寫劇本變寫小說>> 劇本寫作和小說寫作是兩樣完全不同的事，要知道寫劇本的目的是要用文字去表達一連串的畫面，所以你要讓看劇本的人見到文字而又能夠實時聯想到一幅圖畫，將他們帶到動畫的世界里。小說就不同，他除了寫出畫面外，更包括抒情句子，修辭手法和角色內心世界的描述。這些在劇本里是不應有的。舉一個簡單的例子，在小說里有這樣的句子： 「 今天會考放榜，同學們都很緊張地等待結果，小明別過父母后，便去學校領取成績通知書。老師派發成績單，小明心里想：如果這次不合格就不好了。他十分擔心，害怕考試失敗后不知如何面對家人……』 試想，如果將上面的句子寫在劇本里，你叫演員看了怎樣用動作去表達。如果要用劇本去表達同樣的意思，就只有寫成如下： 「 在課室里面，學生都坐在座位上，臉上帶著緊張的表情，看著站在外面的老師。老師手上拿著一疊成績通知書，她看了看面頭的一張，叫道：「陳大雄！」大雄立刻走出去領取成績單。小明在課室的一角，兩只手不停地搓來搓去。他看出課室外面，畫面漸漸返回當日早上時的情景。小明的父母一早就坐在大廳上，小明穿好校服，準備出門，看了看父親，又看了看母親，見到他們嚴肅的臉孔，不知該說些什么。小明的父親說：「會合格嗎？」小明說：「會……會的?！?「陳小明！」老師宏亮的聲音把小明從回憶中帶回現實。老師手上拿著小明的成績單看著他，小明呆了一會，才快步走出去領取……』

２、<<用說話去交待劇情>> 劇本里不宜有太多的對話(除非是劇情的需要)，否則整個故事會變得不連貫，缺乏動作，觀眾看起來就似聽讀劇本一樣，好悶。要知道你現在要寫的是電影語言，而不是文學語言。只適合于讀而不適合于看的便不是好劇本。所以，一部優秀的電影劇本，對白越少，畫面感就越強，沖?力就越大。舉一個簡單的例子，比如你寫一個人打電話，你最好不要讓他坐在電話旁不動，只顧說話。如果劇情需要，可讓他站起來，或拿著電話走幾步，盡量避免畫面的呆板和單調。

３、<<故事太多枝節>> 很多人寫劇本都寫得太多枝節，在枝節中有很多的角色，穿插了很多的場口，使故事變得復雜化，觀眾可能會看得不明白，不清楚作者想表達什么主題。試想如果在一幕電影中同時有十幾個重要的角色，角色之間又有很多故事，你叫觀眾在短短時間里那能把每一個角色記得這么清楚。其實，寫劇本有一句格言：「 Simple is the best!」愈簡單的故事就愈好。大家想想你們所看過的好電影中，它們的劇情是不是都很簡單。例如電影鐵達尼號(Titanic)只是講一艘大船下沉，而下沉當中男女主角產生了愛情。其它電影也一樣，簡單到報紙短評用短短幾十個字就能講出故事大綱。但是，簡單永遠是最困難的

當你學不進去的時候，試試“普瑞馬法則”

一般在學習和生活中，我們都可能有這樣的經驗，就是當說想要作某件事情的時候，但過了好久發現還是沒有做；或者覺得有力氣使不出來；或者總覺得生活是灰色和抑郁的，等等。

這類情況反映在生活中，就是生活好像總是被一種惰性纏繞，知道那不好，但又不知道從何處入手來改變。以心理學操作性反射的原則為基礎，對于人類的行為方式進行觀察后，心理學家提出這樣一種改進方式，以糾正惰性生活方式，并由這種惰性生活方式的結束而帶來整個人生的良性改變。這也叫普瑞馬法則。

你如果有興趣堅持嘗試一周以下方式，你會發現你整個人會很不同了，如果能繼續堅持，那惰性生活方式就會永遠不敢再接近你，而你將在人生獲得你愿意的成就。

先可以用一天到兩天時間給自己做一個行為記錄，把你通常每天要做的事情記下來，包括記錄你所有的生活活動。這樣，即使粗粗地記，大約也會有幾十件。然后把其中一些吃飯穿衣等必須完成的事情剔除。此后，你把剩余下來的幾十件事情按照你的興趣排列，把你最不喜歡做的事情放在第一位，把你最喜歡做的事情放在最后一位。

最后，你就可以在以后一周內進行行動了。每天一早起來，從你最不喜歡的事情開始做起，并且堅持做完第一件事情，再做第二件事情??一直做到最后一件你喜歡的事情。

在整個過程中，你開始會稍覺得困難，但你只要花很少的力氣稍稍堅持，你就能順利進行下去。千萬在中途不要跳躍那些你不喜歡做的事情。

這種方式是一種強化作用的方式———先處理困難的事情，再處理稍困難的事情，那是一種對于前面行動的強化，然后繼續，強化的效果會越來越大，一直大到你覺得你有力量來完成任何事情。

對于改變惰性生活方式，這種方式具有很大的效果。而對于經常有抑郁心情的人，這種生活方式將直接改變表現為抑郁的行為，而很容易地使抑郁的情緒結束，而只要堅持，抑郁的生活方式就會永遠結束。通過結束惰性或抑郁的行為，而結束惰性或抑郁的心理。

如果你試試，并且多一些堅持，你將發現，生活著，工作著，是多么輕松有趣的事情！

當你學不進去的時候，不妨看看大腦是怎么想的？

盡管科學家一個接一個的科研成果讓我們對記憶有了越來越多的了解，但直到今天，科學家所發現的所謂大腦的秘密也只是冰山一角，在很大程度上，大腦和記憶仍是神秘的。研究人員認為，記憶是一個過程，并且當你記憶的時候，實際上就是你把保存在大腦中零零碎碎的信息進行重建。但讓人不解的是，究竟是什么東西引發大腦開始這個重建過程？這個謎團繼續等待科學家們去尋找答案，但有20個事實是已經科學家證實了的。

1.大腦喜歡色彩。平時使用高質量的有色筆或使用有色紙，顏色能幫助記憶。2.大腦集中精力最多只有25分鐘。這是對成人而言，所以學習20到30分鐘后就應該休息10分鐘。你可以利用這段時間做點家務，10分鐘后再回來繼續學習，效果會更好。

3.大腦需要休息，才能學得快，記得牢。如果你感到很累，先拿出20分鐘小睡一會兒再繼續學習。

4.大腦像發動機，它需要燃料。大腦是一臺珍貴而復雜的機器，所以你必須給它補充“優質燃料”。垃圾食品、劣質食品、所有化學制品和防腐劑，不僅損害身體，還削弱智力。英國一項新研究顯示，飲食結構影響你的智商。

5.大腦是一個電氣化學活動的海洋。電和化學物質在水里能更好地流動，如果你脫水，就無法集中精力。專家建議，日常生活要多喝水，保持身體必需的水分，而且一天最好不要飲用相同的飲料，可以交換著喝礦泉水、果汁和咖啡等。另外，研究資料顯示，經常性頭痛和脫水有關。

6.大腦喜歡問題。當你在學習或讀書過程中提出問題的時候，大腦會自動搜索答案，從而提高你的學習效率。從這個角度說，一個好的問題勝過一個答案。

7.大腦和身體有它們各自的節奏周期。一天中大腦思維最敏捷的時間有幾段，如果你能在大腦功能最活躍的時候學習，就能節省很多時間，會取得很好的學習效果。

8.大腦和身體經常交流。如果身體很懶散，大腦就會認為你正在做的事情一點都不重要，大腦也就不會重視你所做的事情。所以，在學習的時候，你應該端坐、身體稍微前傾，讓大腦保持警覺。

9.氣味影響大腦。香料對保持頭腦清醒有一定功效。薄荷、檸檬和桂皮都值得一試。

10.大腦需要氧氣。經常到戶外走走，運動運動身體。

11.大腦需要空間。盡量在一個寬敞的地方學習，這對你的大腦有好處。

12.大腦喜歡整潔的空間。最近的研究顯示，在一個整潔、有條有理的家庭長大的孩子在學業上的表現更好。為什么，因為接受了安排外部環境的訓練后，大腦學會了組織內部知道的技巧，你的記憶力會更好。

13.壓力影響記憶。當你受到壓力時，體內就會產生皮質醇，它會殺死海馬狀突起里的腦細胞，而這種大腦側面腦室壁上的隆起物在處理長期和短期記憶上起主要作用。因此，壓力影響記憶。最好的方法就是鍛煉。

14.大腦并不知道你不能做哪些事情，所以需要你告訴它。用自言自語的方式對大腦說話，但是不要提供消極信息，用積極的話代替它。

15.大腦如同肌肉。無論在哪個年齡段，大腦都是可以訓練和加強的。毫無疑問，不要尋找任何借口。不要整天呆在家里無所事事，這只能使大腦老化的速度加快。專業運動員每天都要訓練，才能有突出表現。所以你一定要“沒事找事”，不要讓大腦老閑著。

16.大腦需要重復。每一次回顧記憶間隔的時間越短，記憶的效果越好，因為多次看同一事物能加深印象，但只看一次卻往往容易忘記。

17.大腦的理解速度比你的閱讀速度快。用鉛筆或手指輔助閱讀嗎？不，用眼睛。使用這種方法的時候，需要你的眼睛更快地移動。

18.大腦需要運動。站著辦公效率更高。

19.大腦會歸類，也會聯系。如果你正在學習某種東西，不妨問問自己：它讓我想起了什么？這樣做能幫助你記憶，因為大腦能把你以前知道的知識和新知識聯系起來。

20.大腦喜歡開玩笑。開心和學習效率成正比，心情越好，學到的知識就越多，所以，讓自己快樂起來吧??！

第五篇：2011動畫劇本寫作基礎試題二

動畫劇本寫作基礎試題

一、問答題（共3小題； 每小題15分，滿分45分）

1、角色創作在動畫文化中的重要性？

2、動畫角色的類型？

3、什么是臺詞，臺詞的類型？

二、綜合題（共2小題；第一小題25分，第二小題30分，滿分55分）

1、試編寫一個動畫故事，并談談編寫這個故事的體會。

2、編寫一個自己想要創作的動畫角色形象，并敘述他具有的性格。

動畫劇本寫作基礎試題答案

一、問答題

1、答案要點：角色“取代”人物；經典角色的創作深入人心；動畫角色帶動整個動漫文化及周邊產品；動畫劇本的角色創作對劇作的影響更加巨大。

2、答案要點：好人和壞人、英雄與魔鬼是動畫作品中角色創造的基本類型，動畫作品用這種最基本、最具有沖突感的角色類型來對壘，來使人們在觀看中完成一種懲惡揚善的情感訴求和道德確認。

3、答案要點：臺詞就是人物語言，是劇作者用以展示劇情、刻畫人物、體現主題的主要手段。通常把動畫片的臺詞分為對白、旁白、和獨白，歌曲是一種特殊的臺詞。

二、綜合題

1、答案要點：體現動畫劇本故事的特征。（詳略）

2、答案要點：角色塑造應包含：性格塑造、外表塑造、行為及場景塑造。（詳略）