第一篇：中外音樂簡史與名作賞析-期末復習

第一單元 中國古代音樂與名作欣賞

● 遠古時期的音樂文化具有歌、舞、樂相互結合的特點。比較大型的樂舞有黃帝的《云門》、堯的《咸池》、舜的《韶》等。其中以《韶》的藝術水平最高。● 夏商時期的《大夏》歌頌了原始社會氏族部落首領夏禹治水的事跡，而《大濩[hù]》則歌頌了商湯伐桀[jié]的功績。這些音樂已變成為帝王歌功頌德、“以昭其功”的工具。

● 商朝巫風盛行，出現了專司祭祀的巫（女巫）和覡[xí]（男巫），他們不僅參與神權統治，還充當職業音樂舞蹈家。

● 西周建立了我國歷史上第一個龐大的王家音樂機構——大司樂，負責全國的音樂行政、音樂教育、音樂表演三方面的工作。周代的宮廷音樂大體可分為“六代之樂”、“頌樂”、“雅樂”、“房中樂”、“四夷之樂”。

● 春秋戰國時期，從奴隸制到封建制轉變，在思想、學術上出現百家爭鳴的局面。在新思潮的影響下，雅樂逐漸退居到儀式樂的地位，俗樂在音樂生活中漸漸地占據重要地位。民間的歌唱藝術盛行起來，形成了我國第一部詩歌總集——《詩經》，還出現了獨特的說唱形式“成相篇”。

● 從西周到春秋戰國，在樂律和音樂理論方面，出現了音階、調式、和轉調的理論。十二個半音的音律結構已經形成，管仲的“三分損益法”是世界上最早制定的十二平均律的理論。

● “樂府”是秦漢時期建立的音樂機構，在漢武帝時期最為興盛。由音樂家李延年擔任協律都尉，司馬相如等十八位文學家擔任歌詞編寫工作，樂府促進了漢代民間音樂的繁榮。

● “相和歌”是樂府中最主要的音樂形式，始于漢初，是我國北方各地普遍流行的一種民間音樂。相和歌的最高形式是相和大曲。● 以相和歌為代表的漢族音樂與南方民歌“吳聲”、“西曲”相結合，形成了“清商樂”。

● 隋唐時期的宮廷音樂，一般稱為“燕樂”。● 宮廷樂隊的演奏分為“坐部伎”“立部伎”。坐部伎的演奏員水平高于立部伎。● 曹柔創立了減字譜的古琴曲記譜法。

● 曲子（詞）是宋代比較流行的一種藝術歌曲，它是在民歌的基礎上發展起來的。曲調被稱為“曲子”。歌詞被稱為“曲子詞”，簡稱“詞”。● 鼓子詞是宋代比較流行的說唱形式。

● 鼓詞是明清時期流行于我國北方的一種說唱形式。● 彈詞是明清時期流行于我國南方的一種說唱形式。

● 說唱音樂，又叫曲藝音樂，是我國民族民間音樂體裁的一種，具有以敘述性為主，兼有抒情性，并有語言密切結合的有說有唱的音樂特征。說唱音樂包括唱腔和器樂兩部分。唱腔的結構基本上分為曲牌體和板腔體兩種。

● 我國民族民間音樂在長期發展過程中形成了五大類：民歌、曲藝、戲曲、民間樂器、民族歌舞。

● 明末清初，北方以陜西秦腔為代表的“梆子腔”得到很快發展。● 中國戲曲經歷了：元雜劇——昆曲——京劇 三大高峰。元雜劇是第一個戲曲高峰，昆曲是第二個戲曲高峰，京劇是第三個戲曲高峰。

● 晚清，由西皮和二黃兩種基本曲調構成的皮黃腔，在北京開始形成，爾后產生了影響遍及全國的京劇。（京劇的音樂體式屬板腔體，聲調以西皮和二黃為主。其中，稱為“三鼎甲”的三位杰出藝術家程長庚、余三勝、張二奎。譽為“四大名旦”的有梅蘭芳、程硯秋、尚小云、荀慧生）● 《陽關三疊》是唐代一首著名的藝術歌曲，又稱《陽關曲》、《渭城曲》。歌詞原是唐代著名詩人王維的七言絕句《送元二之安西》。

● 《流水》是我國流傳最為久遠的一首古琴曲，約產生于春秋時期。（俞伯牙和鐘子期）● 《廣陵散》，又名《廣陵止息》，東漢末年流行于廣陵地區（今江蘇揚州一帶），是一首以敘事見長的大型琴曲。

● 《花木蘭》取材于南北朝時五言體長詩《木蘭辭》。

第二單元 中國近現代音樂文化與名作欣賞

● 鴉片戰爭以后，中國進入了半殖民地半封建社會，以學堂樂歌為中心的啟蒙階段可上溯到1898年以康有為、梁啟超為代表的維新派主張開辦新式學堂開始，至1919年“五四”運動爆發之前。學堂里開設了“樂歌課”，教唱新的歌曲，稱為“樂歌”。隨著學堂樂歌的流行發展，出現了西洋樂器組成的軍樂隊，風琴、鋼琴也開始流行，五線譜、簡譜也傳入我國。學堂樂歌的流行與西洋音樂的傳入，是我國近代音樂文化的重要開端。

● 1919年（五四運動）開始，相繼在北京、上海等城市建立起各種新型的音樂社團。創建了一批我國最早的專業音樂教育機構。1927年，在蔡元培先生的積極倡導下，由我國著名的音樂教育家蕭友梅帶頭，在上海創建了我國第一所專業音樂學院“國立音樂學院”。（1927年創立第一所專業音樂學院）● 1931年“九.一八”事變“一二.九”運動后，全國抗日救國，群眾性的救亡歌詠運動蓬勃發展，出現了以上海為中心的救亡音樂團體。● 聶耳《義勇軍進行曲》、《畢業歌》。

● 麥新《大刀進行曲》是第一首向日本喊出抗戰的歌曲。● 賀祿訂的《游擊隊之歌》、《嘉陵江上》、《秋水伊人》、《四季歌》。● 洗星海的《在太行山上》、《到敵人后方去》和象征中華民族不屈精神的《黃河大合唱》。

● 中國秧歌劇是歌劇的基礎。● 蕭友梅代表作：歌曲《問》、《五四紀念愛國歌》、《從軍歌》。● 黃自代表作：《思鄉》、《玫瑰三愿》、《花非花》、《西風的話》、清唱劇《長恨歌》。

★《黃河大合唱》的主題思想是什么？作品在當時起了什么作用？ 答：《黃河大合唱》創作于1939年。作品以我們偉大民族的發源地黃河為背景，以雄偉的氣魄，熱情奔放的旋律，真實地反映了在抗日戰爭年代里中國人民的苦難與斗爭，表現了中華民族威武不屈的精神和堅不可摧的力量，塑造了偉大的中華民族的英雄形象。

《黃河大合唱》的音樂，具有非常嚴謹的內在聯系，感情的發展也一浪高過一浪。八個樂章的音樂都各有一定的獨立性，但通過朗誦和樂隊又把它們全部串聯起來，形成了一個完整的統一體。整部作品以《黃河船夫曲》、《黃水謠》《怒吼吧，黃河》為基本主題。

這部氣勢磅礴、感人至深、具有民族特色的交響性大合唱，強烈地反映了時代精神，鼓舞了億萬人民的斗志，是我國音樂創作中的一座光輝的里程碑，是中華民族音樂寶庫中的瑰寶。

《黃河大合唱》八個樂章的名稱：第一樂章：《黃河船夫曲》（混聲合唱）、第二樂章：《黃河頌》（男高音或男中音獨唱）、第三樂章：《黃河之水天上來》（配樂詩朗誦，三弦伴奏）、第四樂章：《黃水謠》（女聲二部合唱，原稿為齊唱）、第五樂章：《河邊對口曲》（男聲二重唱及混聲合唱，原稿是男聲對唱）、第六樂章：《黃河怨》（女高音獨唱，音樂會上常按修訂稿加入女聲三部伴唱）、第七樂章：《保衛黃河》（輪唱）、第八樂章：《怒吼吧，黃河》（混聲合唱）● 《百鳥朝鳳》（嗩吶曲）原是流行與山東、安徽、河南、河北等地的民間樂曲。● 《喜相逢》原是一首流行于內蒙的民間小曲，后被吸收入山西梆子及二人臺中作過場的音樂，經馮子存改編為笛子獨奏曲。

第三單元 中國當代音樂文化與名作賞析

● 1949年10月1日，中華人民共和國成立。（中國當代音樂開始）

● 20世紀50、60年代，社會主義音樂事業取得了巨大成就，這一時期的歌曲同建設社會主義新生活的事業緊密聯系在一起，具有很強的思想性、群眾性。進行曲風格的群眾歌曲占據了相當的數量。● 合唱音樂：《祖國頌》、《辛福河大合唱》、《長征組歌》 ● 突出的民族器樂作品：黃海懷的二胡曲《賽馬》、王惠然的琵琶曲《黎族舞曲》 ● 比較突出的鋼琴作品：汪立三《藍花花》 ● 小提琴作品：秦詠誠《海濱音詩》、陳鋼《苗嶺的早晨》 ● 交響樂：辛滬光《嘎達梅林》

● 此時期被奉為藝術上最高典范的是“革命樣板戲”，比較著名的作品有：京劇《紅燈記》、《智取威虎山》、《沙家浜》、舞劇《紅色娘子軍》、《白毛女》等。● 劉熾代表作品：歌劇《阿詩瑪》、大合唱《祖國頌》、歌曲《我的祖國》、《讓我們蕩起雙槳》。

● 《長征組歌》作于1965年。歌詞是參加過長征的肖華將軍為紀念長征勝利30周年而作的一部長詩。

● 《祝酒歌》詞：韓偉 曲：施光南 ● 施光南代表作：《祝酒歌》、《打起手鼓唱起歌》、《潔白羽毛寄深情》、《吐魯番的葡萄熟了》、《在希望的田野上》。

● 《我愛你，中國》詞：瞿琮 cóng、曲：鄭秋楓 ● 《年輕的朋友來相會》詞：張枚同 曲：谷建芬 ● 谷建芬主要作品：《年輕的朋友來相會》、《蘭花與蝴蝶》、《采蘑菇的小姑娘》、《思念》、《那就是我》、《綠葉對根的情意》、《燭光里的媽媽》、《今天是你的生日，中國》。

● 辛滬光主要作品：交響詩《嘎達梅林》、管弦樂《草原組曲》、馬頭琴協奏曲《草原音詩》、清唱劇《草原英雄小姐妹》、電影音樂《祖國啊，母親》 ● 《梁山伯與祝英臺》是何占豪、陳鋼于1959年創作的小提琴協奏曲。

● “風、雅、頌”是我國最早的一部詩歌——《詩經》總集中的三個部分總稱。作品選取了《梅花三弄》、《幽蘭》等著名古琴曲和古老民歌的音調素材，并吸收近現代作曲手法，樂曲由風、雅、頌三個樂章組成，譚盾曲。● 張千一主要作品：交響音畫《北方森林》、《A大調弦樂四重奏》、歌曲《青藏高原》

● 歌劇是綜合音樂、戲劇、詩歌、舞蹈、舞臺美術等藝術要素，以歌唱為主的一種戲劇形式，通常以詠嘆調、宣敘調、重唱、合唱、序曲、間奏曲、舞蹈場面等組成。● 詠嘆調是一種旋律性強、優美動聽、突出聲樂演唱技巧、抒發人物內心思想感情的抒情歌曲，常出現在歌劇劇情發展的關鍵時刻。（伴奏豐富，音域比較寬廣，篇幅較大）

● 宣敘調，亦稱朗誦調，是一種速度自由、伴奏簡單、建立在語言音調基礎上的吟誦性獨唱曲，在歌劇中用以代替對白。（音樂性不如詠嘆調，具有語言特點）

第五單元 歐洲早期音樂文化與名作賞析 ● 格里高利圣歌是“單音音樂”，專用拉丁文，只用人聲演唱，不要樂器伴奏，不用任何變化音與裝飾音。《格里高利圣歌（lntroit）》是在圣母瑪利亞升天節時演唱的一首優美曲調。● 什么是格里高利圣歌？

答：格里高利圣歌是用拉丁語演唱、不帶樂器伴奏、旋律為單聲部的宗教歌曲。其旋律吸取了古代東方及古希臘的音調和當時民間音樂的特點而形成，其歌詞內容大多從《圣經》的詩篇中選取。

● 文藝復興——意為再生、復活。文藝復興的思想基礎是“人文主義”。提倡的是人類的智慧，人的力量，人對生活的追求和熱愛，以人為核心。● 法國和意大利的“新藝術”派。“新藝術”派是采用新式作曲法的作曲家們，他們以法國音樂家菲.德.維特里音樂理論著作《新藝術》的題目命名自己。新作曲法實質是復調音樂藝術。

● 尼德蘭樂派——史稱勃艮第-佛蘭德斯樂派。勃艮第指現在的法國北部和比利時、荷蘭一帶；佛蘭德斯指現在的比利時一帶。尼德蘭樂派的音樂家們大多居住、活躍在歐洲各地，他們發展了復調技巧，形成具有高度藝術性的聲樂復調。創作了大量的彌撒曲、經文歌、歌曲。文藝復興時期人文精神在音樂中突出體現者是拉索。

第六單元 歐洲古典主義時期音樂文化與名作賞析

● 1600-1750年巴洛克時期，1750年巴赫去世，巴洛克時期結束。巴洛克意為形狀不規則的珍珠。

● 巴洛克時期真正含義的歌劇誕生，歌劇產生于16世紀末17世紀初意大利的佛羅倫薩，最早完成的第一部歌劇作品是意大利詩人里努契尼和作曲家佩里與1594年寫的《達芙妮》，由于原稿遺失，現在公認他們1600年創作的《尤麗狄茜》為最早。● 意大利有威尼斯樂派，拿波里樂派等。意大利歌劇成就的代表是17世紀威尼斯歌劇樂派領袖是蒙泰威爾第的創作，其代表作是1607年創作的《奧菲歐》。● 合奏曲的體裁分為三類：組曲、奏鳴曲、變奏曲。

● 17世紀末期（80至90年代）產生了巴洛克時期最重要的合奏形式——協奏曲。托萊里是最早寫協奏曲的作曲家。協奏曲分為：大協奏曲、樂隊協奏曲、獨奏協奏曲。（大協奏曲是三人一組和小樂隊組合完成的，聽起來像個樂隊，沒有哪個樂器特別突出，如《第四勃蘭登堡協奏曲》就是兩個豎笛加小提琴完成的）

● 巴洛克時期音樂的特點：

巴洛克時期的音樂文化，在與之相關的人文學科的影響下，形成其獨特的結構宏大、精美華麗、夸張任意、端莊穩定的風格。首先是體裁的多樣化：有反映宗教內容的受難曲、清唱劇、康塔塔；有世俗特征的歌劇；還有從聲樂與舞蹈音樂伴奏地位中掙脫而出的獨立完整的器樂奏鳴曲體裁形式。第二，創作技巧得以豐富和發展。主調音樂發展迅速，大小調體系得到鞏固，和聲理論開始建立。復調音樂在保持其原有魅力的基礎上地位開始弱化，數字低音（或稱通奏低音）的寫法成為多聲部旋律和聲思維的必經道路，其技巧極為時尚流行（巴洛克也被稱為數字低音或通奏低音時期）。第三，各種速度、力度、表情記號被人們充分認識并廣泛使用，加強了音樂的表情功能。

巴洛克時期出現的優秀音樂家有：蒙泰威爾第、拉莫、呂利、斯卡拉蒂、維瓦爾第、塔蒂尼、庫普蘭、巴赫、亨德爾。● 古典主義時期音樂的主要特征：

古典主義時期一般指1750-1820年，新興資產階級開始壯大，掀起了主張民主、自由，反封建主義，爭取個性解放的法國“啟蒙運動”、德國“狂飆運動”。啟蒙主義思想在觀念上直接影響和極大程度上支配著當時的音樂行為、音樂創作、審美標準。音樂在題材、內容、形式、技巧、風格上經歷了深刻的發展變化。其人文內涵豐富與資產階級革命、啟蒙運動精神相關聯的英雄性題材也不斷出現。在體裁上，交響樂與奏鳴曲的確立和定型是古典主義時期極重要的藝術成就。

● 奏鳴曲式：不同于奏鳴曲，分三個部分組成：顯示部、展開部、再現部（尾聲）。一般奏鳴曲3樂章，交響曲4樂章，大型套曲必須有一個樂章以上，由奏鳴曲式寫成。

● 典范的4個樂章的交響曲形式，到18世紀古典主義中期，在奧地利作曲家海頓、莫扎特的作品中確立。德國作曲家貝多芬在之后將古典主義交響音樂創作推向頂峰。他擴大了奏鳴曲式結構中的展開部和尾聲，擴大了樂隊編制，確立了現代管弦樂隊的編制，極大地豐富和發展了交響曲體裁的表現力，為奏鳴交響套曲的發展、創新作出極重要的貢獻。

● 協奏曲、弦樂四重奏均定型，主調音樂占了統治地位，主調和聲風格達到完全成熟的地步，并產生意大利與法國喜歌劇體裁。● 維也納古典樂派：海頓（交響樂之父）、莫扎特、貝多芬。

● 清唱劇：是一種包括獨唱、重唱與合唱，用管弦樂隊伴奏的大型聲樂套曲。與康塔塔、歌劇等幾乎同時起源于16~17世紀之交。最初以《圣經》故事為題材，由演員化裝演出。之后，其題材大多脫離宗教范圍。17世紀三四十年代，成為音樂會中演出的大型聲樂作品，其中合唱居于重要地位。舉世公認的杰作是亨德爾的《彌賽亞》。（獨唱一般用詠嘆調，宣敘調寫）

● 巴赫：1685~1750年，巴洛克音樂時期著名代表人物，德國偉大的古典作曲家之一。代表作：《平均律鋼琴集》、《創意曲》、《法國組曲》、《英國組曲》 ● 交響曲：是一種由管弦樂隊演奏的大型套曲作品。音樂結構龐大、復雜、完整，用奏鳴曲套曲形式寫成，它具有深刻的哲理性和高度的藝術概括力。交響曲通常包括四個樂章，每個樂章各自獨立，相互之間又有內在聯系。（一定要有一個樂章以上用奏鳴曲式）

● 海頓：交響樂之父，維也納古典樂派大師。代表作有交響曲104首，鋼琴奏鳴曲52首，弦樂四重奏83首，神劇、歌劇24部，還有彌撒曲、清唱劇、康塔塔等多種作品，其中以清唱劇《創世紀》，交響曲《驚愕》、《告別》等最為著名。

● 《費加羅的婚禮》劇本是根據法國作家博馬舍的同名喜劇撰寫，莫扎特1786年創作歌劇并首演于維也納。莫扎特：被譽為天才，歷史上第一個獨立音樂家，是維也納古典樂派大師，奧地利作曲家。

● 歌劇是一種綜合性的戲劇形式，包括戲劇、詩歌、音樂、舞蹈、美術等藝術要素，是以歌唱為主的舞臺藝術。★貝多芬《第五交響曲》：

這部交響曲又被稱作“命運交響曲”，這部作品博大精深，通過兩個對立的音樂形象（命運的挑戰、人對命運的抗爭）之間矛盾的戲劇性沖突，刻畫出光明與黑暗的斗爭并取得勝利，體現出作者“通過斗爭，取得勝利”的堅定信念。作品深刻的哲理性，極高的思想性和藝術性，二百多年來一直鼓舞人民不懈地堅定信念，堅定理想，去戰勝黑暗勢力，取得勝利，迎接光明！★ 貝多芬：德國作曲家，古典樂派大師，被后世尊稱為“樂圣”。在藝術上勇于創造革新，確立了奏鳴曲形式結構的新原則，擴展了交響樂隊的規模與表現力。代表作9部交響曲：第三（英雄）、第五（命運）、第六（田園）、第九（合唱）。

第七單元 歐洲浪漫主義時期音樂文化與名作賞析

● 浪漫主義時期音樂的主要特征：表現在內容風格、藝術技法、民族性等方面。在內容風格上，作品淡漠社會性重大題材及啟蒙運動時代崇高的“理性”，強調個人的情感和幻想。

● 舒伯特：藝術歌曲之王，奧地利著名作曲家，浪漫樂派代表人物，作品：《未完成交響曲》、《“鱒魚”五重奏》、歌曲《魔王》、《野玫瑰》及聲樂套曲《美麗的磨坊女》。

● 強力集團：穆索爾斯基、里姆斯基-科薩科夫、巴拉基列夫、居伊、鮑羅丁。★管弦樂隊：又稱交響樂隊，一般是指大型的器樂演奏團體，由木管樂器組、銅管樂器組、打擊樂器組、弦樂器組四個部分組成。木管樂器組：長笛、短笛、雙簧管、單簧管、英國管、大管。銅管樂器組：圓號、小號、大號、長號。打擊樂器組：可分為有固定的打擊樂器（用五線譜記譜）和無固定音高的打擊樂器（用一線記譜）。（有固定音高的打擊樂器：定音鼓、鐘琴、木琴、排鐘、鋼片琴。無固定音高的打擊樂器：大鼓、小軍鼓、鈸、鈴鼓、三角鐵、響板。）

● 《自由射手》韋伯作于1820年，是德國第一部浪漫主義歌劇，表現善良與愛情戰勝邪惡與黑暗。（韋伯—德國作曲家，早期浪漫主義樂派代表人物，德國民族歌劇創始人，其作品《邀舞》最著名）

● 門德爾松：德國浪漫樂派作曲家，生于銀行家之家。主要貢獻：①重新認識巴赫。1829年以獨有的膽識和目光，倡導、組織、演出巴赫作品，讓世人重新認識其藝術價值。②1843年于萊比錫創辦德國第一所音樂學院。③以交響曲標題性序曲成就最高。如：浪漫主義特性的鋼琴曲《無詞歌》，代表作《蘇格蘭交響曲》、《意大利交響曲》、《仲夏夜之夢序曲》、《芬格爾山洞》。● 三B：巴赫（音樂之父、出生于有50多位音樂家的音樂世家）、貝多芬（樂圣）、勃拉姆斯（德國作曲家，其創作發揚古典主義音樂傳統又具有浪漫主義的熱情，極重視民間音樂素材。）。

● 肖邦：音樂詩人。波蘭著名鋼琴家，作曲家。有強烈的民族情結和愛國熱忱，作品有深刻的民族性和思想性。有馬祖卡舞曲52首，對推動鋼琴藝術的發展起著巨大作用。

● 馬祖卡：18世紀波蘭舞曲之一，節奏明顯，三拍子。● 狂想曲：起源于19世紀初，帶有幻想性質的器樂曲。多為鋼琴獨奏曲，技術復雜艱深。以民間敘事詩等為題材，以民歌和民間曲調為創作素材，形式不拒。狂想曲大多由慢速的歌曲和快速的民間舞曲相結合，通過主題發展和變奏手法達到高潮。

● 李斯特：匈牙利著名作曲家、鋼琴家。首創交響詩體裁（交響詩-單樂章的帶標題的管弦樂體裁，又稱“音畫”、“交響音畫”、“交響素描”，李斯特1850年首創，并寫有《瑪捷帊》等13部交響詩，具有敘事性、抒情性、戲劇性、描寫性。交響詩常用奏鳴曲式、變奏曲式、回旋曲式、三部曲式等。），代表作《匈牙利狂想曲》（第一部分“拉索”主題，情緒傷感。第二部分“費里斯”主題，速度急迫，展現活潑性格。）● 瓦格納：《婚禮進行曲》 ● 勃拉姆斯：《匈牙利舞曲》第五號。一生寫了21首匈牙利舞曲。● 比才：《卡門》

● 施特勞斯：圓舞曲之父，奧地利著名輕音樂家。498首圓舞曲，以《維也納森林的故事圓舞曲》、《藍色多瑙河圓舞曲》、《藝術家的生涯圓舞曲》為著名。歌劇17部，以《蝙蝠》、《吉卜賽男爵》著稱。（圓舞曲又稱華爾茲，起源于奧地利的民間舞曲，三拍子。）● 柴可夫斯基：俄國作曲家，主要作品：歌劇《葉甫根尼.奧涅金》、《黑桃皇后》；芭蕾舞《天鵝湖》、《睡美人》 ● 《塞維利亞理發師》：羅西尼曲。法國劇作家博馬舍的戲劇巨著《費加羅三部曲》曾被兩位偉大作曲家譜為歌劇。1786年莫扎特先用《費加羅三部曲》中的第二部，寫成歌劇《費加羅的婚禮》。事隔三十年后的1815年，意大利作曲家羅西尼又用《費加羅三部曲》第一部中的故事，創作出《塞維利亞理發師》

● 羅西尼：意大利著名歌劇作曲家。《塞維利亞理發師》、《威廉.退爾》最為著名。

● 威爾第：意大利作曲家，歌劇大師，被譽為“意大利革命的音樂大師”。《弄臣》、《游吟詩人》、《茶花女》、《假面舞會》、《奧賽羅》 ● 格林卡：俄羅斯樂派奠基人。《卡馬林斯卡亞幻想曲》俄羅斯第一部民族交響樂作品。

● 組曲：是器樂套曲體裁之一，由各具相對獨立性的若干樂曲或樂章組成，可分為古典組曲與現代組曲。古典組曲（17、18世紀）由四首樂曲組成，其速度、節拍相互形成對比。即：阿勒曼德（德國）-三拍子；庫朗（16世紀意大利、法國）-三拍子、稍快；塞拉班德（西班牙、南美）-三拍子、慢速；基格（英國）-快速。

● 斯美塔那：捷克民族樂派的奠基人，創辦捷克第一所音樂學校，交響詩《我的祖國》（6首交響詩組合成，最著名的是第二首《伏爾塔瓦河》）● 格里格：挪威民族樂派創立者，《挪威舞曲》、《培爾.金特》第一、二組曲。● 西貝柳斯：交響詩《芬蘭頌》

第二篇：中外音樂簡史與名作賞析-期末復習精簡版匯總

第一單元 中國古代音樂與名作欣賞

● 遠古時期的音樂文化具有歌、舞、樂相互結合的特點。比較大型的樂舞有黃帝的《云門》、堯的《咸池》、舜的《韶》等。其中以《韶》的藝術水平最高。● 夏商時期的《大夏》歌頌了原始社會氏族部落首領夏禹治水的事跡，而《大濩[hù]》則歌頌了商湯伐桀[jié]的功績。這些音樂已變成為帝王歌功頌德、“以昭其功”的工具。

● 商朝巫風盛行，出現了專司祭祀的巫（女巫）和覡[xí]（男巫），他們不僅參與神權統治，還充當職業音樂舞蹈家。

● 西周建立了我國歷史上第一個龐大的王家音樂機構——大司樂，負責全國的音樂行政、音樂教育、音樂表演三方面的工作。周代的宮廷音樂大體可分為“六代之樂”、“頌樂”、“雅樂”、“房中樂”、“四夷之樂”。

● 春秋戰國時期，從奴隸制到封建制轉變，在思想、學術上出現百家爭鳴的局面。在新思潮的影響下，雅樂逐漸退居到儀式樂的地位，俗樂在音樂生活中漸漸地占據重要地位。民間的歌唱藝術盛行起來，形成了我國第一部詩歌總集——《詩經》，還出現了獨特的說唱形式“成相篇”。

● 從西周到春秋戰國，在樂律和音樂理論方面，出現了音階、調式、和轉調的理論。十二個半音的音律結構已經形成，管仲的“三分損益法”是世界上最早制定的十二平均律的理論。

● “樂府”是秦漢時期建立的音樂機構，在漢武帝時期最為興盛。由音樂家李延年擔任協律都尉，司馬相如等十八位文學家擔任歌詞編寫工作，樂府促進了漢代民間音樂的繁榮。

● “相和歌”是樂府中最主要的音樂形式，始于漢初，是我國北方各地普遍流行的一種民間音樂。相和歌的最高形式是相和大曲。● 以相和歌為代表的漢族音樂與南方民歌“吳聲”、“西曲”相結合，形成了“清商樂”。

● 隋唐時期的宮廷音樂，一般稱為“燕樂”。● 宮廷樂隊的演奏分為“坐部伎”“立部伎”。坐部伎的演奏員水平高于立部伎。● 曹柔創立了減字譜的古琴曲記譜法。

● 曲子（詞）是宋代比較流行的一種藝術歌曲，它是在民歌的基礎上發展起來的。曲調被稱為“曲子”。歌詞被稱為“曲子詞”，簡稱“詞”。● 鼓子詞是宋代比較流行的說唱形式。

● 鼓詞是明清時期流行于我國北方的一種說唱形式。● 彈詞是明清時期流行于我國南方的一種說唱形式。

● 《陽關三疊》是唐代一首著名的藝術歌曲，又稱《陽關曲》、《渭城曲》。歌詞原是唐代著名詩人王維的七言絕句《送元二之安西》。

● 《流水》是我國流傳最為久遠的一首古琴曲，約產生于春秋時期。（俞伯牙和鐘子期）● 《廣陵散》，又名《廣陵止息》，東漢末年流行于廣陵地區（今江蘇揚州一帶），是一首以敘事見長的大型琴曲。

● 《花木蘭》取材于南北朝時五言體長詩《木蘭辭》。

第二單元 中國近現代音樂文化與名作欣賞 ● 1927年，在蔡元培先生的積極倡導下，由我國著名的音樂教育家蕭友梅帶頭，在上海創建了我國第一所專業音樂學院“國立音樂學院”。（1927年創立第一所專業音樂學院）

★《黃河大合唱》的主題思想是什么？作品在當時起了什么作用？ 答：《黃河大合唱》創作于1939年。作品以我們偉大民族的發源地黃河為背景，以雄偉的氣魄，熱情奔放的旋律，真實地反映了在抗日戰爭年代里中國人民的苦難與斗爭，表現了中華民族威武不屈的精神和堅不可摧的力量，塑造了偉大的中華民族的英雄形象。

《黃河大合唱》的音樂，具有非常嚴謹的內在聯系，感情的發展也一浪高過一浪。八個樂章的音樂都各有一定的獨立性，但通過朗誦和樂隊又把它們全部串聯起來，形成了一個完整的統一體。整部作品以《黃河船夫曲》、《黃水謠》《怒吼吧，黃河》為基本主題。

這部氣勢磅礴、感人至深、具有民族特色的交響性大合唱，強烈地反映了時代精神，鼓舞了億萬人民的斗志，是我國音樂創作中的一座光輝的里程碑，是中華民族音樂寶庫中的瑰寶。

《黃河大合唱》八個樂章的名稱：第一樂章：《黃河船夫曲》（混聲合唱）、第二樂章：《黃河頌》（男高音或男中音獨唱）、第三樂章：《黃河之水天上來》（配樂詩朗誦，三弦伴奏）、第四樂章：《黃水謠》（女聲二部合唱，原稿為齊唱）、第五樂章：《河邊對口曲》（男聲二重唱及混聲合唱，原稿是男聲對唱）、第六樂章：《黃河怨》（女高音獨唱，音樂會上常按修訂稿加入女聲三部伴唱）、第七樂章：《保衛黃河》（輪唱）、第八樂章：《怒吼吧，黃河》（混聲合唱）● 《百鳥朝鳳》（嗩吶曲）原是流行與山東、安徽、河南、河北等地的民間樂曲。● 《喜相逢》原是一首流行于內蒙的民間小曲，后被吸收入山西梆子及二人臺中作過場的音樂，經馮子存改編為笛子獨奏曲。

第三單元 中國當代音樂文化與名作賞析

● 歌劇是綜合音樂、戲劇、詩歌、舞蹈、舞臺美術等藝術要素，以歌唱為主的一種戲劇形式，通常以詠嘆調、宣敘調、重唱、合唱、序曲、間奏曲、舞蹈場面等組成。

● 詠嘆調是一種旋律性強、優美動聽、突出聲樂演唱技巧、抒發人物內心思想感情的抒情歌曲，常出現在歌劇劇情發展的關鍵時刻。（伴奏豐富，音域比較寬廣，篇幅較大）

● 宣敘調，亦稱朗誦調，是一種速度自由、伴奏簡單、建立在語言音調基礎上的吟誦性獨唱曲，在歌劇中用以代替對白。（音樂性不如詠嘆調，具有語言特點）

第五單元 歐洲早期音樂文化與名作賞析 ● 格里高利圣歌是“單音音樂”，專用拉丁文，只用人聲演唱，不要樂器伴奏，不用任何變化音與裝飾音。《格里高利圣歌（lntroit）》是在圣母瑪利亞升天節時演唱的一首優美曲調。● 什么是格里高利圣歌？

答：格里高利圣歌是用拉丁語演唱、不帶樂器伴奏、旋律為單聲部的宗教歌曲。其旋律吸取了古代東方及古希臘的音調和當時民間音樂的特點而形成，其歌詞內容大多從《圣經》的詩篇中選取。● 法國和意大利的“新藝術”派。“新藝術”派是采用新式作曲法的作曲家們，他們以法國音樂家菲.德.維特里音樂理論著作《新藝術》的題目命名自己。新作曲法實質是復調音樂藝術。

● 尼德蘭樂派——史稱勃艮第-佛蘭德斯樂派。勃艮第指現在的法國北部和比利時、荷蘭一帶；佛蘭德斯指現在的比利時一帶。尼德蘭樂派的音樂家們大多居住、活躍在歐洲各地，他們發展了復調技巧，形成具有高度藝術性的聲樂復調。創作了大量的彌撒曲、經文歌、歌曲。文藝復興時期人文精神在音樂中突出體現者是拉索。

第六單元 歐洲古典主義時期音樂文化與名作賞析

● 1600-1750年巴洛克時期，1750年巴赫去世，巴洛克時期結束。巴洛克意為形狀不規則的珍珠。

● 巴洛克時期真正含義的歌劇誕生，歌劇產生于16世紀末17世紀初意大利的佛羅倫薩，最早完成的第一部歌劇作品是意大利詩人里努契尼和作曲家佩里與1594年寫的《達芙妮》，由于原稿遺失，現在公認他們1600年創作的《尤麗狄茜》為最早。● 意大利有威尼斯樂派，拿波里樂派等。意大利歌劇成就的代表是17世紀威尼斯歌劇樂派領袖是蒙泰威爾第的創作，其代表作是1607年創作的《奧菲歐》。● 合奏曲的體裁分為三類：組曲、奏鳴曲、變奏曲。

● 17世紀末期（80至90年代）產生了巴洛克時期最重要的合奏形式——協奏曲。托萊里是最早寫協奏曲的作曲家。協奏曲分為：大協奏曲、樂隊協奏曲、獨奏協奏曲。（大協奏曲是三人一組和小樂隊組合完成的，聽起來像個樂隊，沒有哪個樂器特別突出，如《第四勃蘭登堡協奏曲》就是兩個豎笛加小提琴完成的）

● 巴洛克時期音樂的特點：

巴洛克時期的音樂文化，在與之相關的人文學科的影響下，形成其獨特的結構宏大、精美華麗、夸張任意、端莊穩定的風格。首先是體裁的多樣化：有反映宗教內容的受難曲、清唱劇、康塔塔；有世俗特征的歌劇；還有從聲樂與舞蹈音樂伴奏地位中掙脫而出的獨立完整的器樂奏鳴曲體裁形式。第二，創作技巧得以豐富和發展。主調音樂發展迅速，大小調體系得到鞏固，和聲理論開始建立。復調音樂在保持其原有魅力的基礎上地位開始弱化，數字低音（或稱通奏低音）的寫法成為多聲部旋律和聲思維的必經道路，其技巧極為時尚流行（巴洛克也被稱為數字低音或通奏低音時期）。第三，各種速度、力度、表情記號被人們充分認識并廣泛使用，加強了音樂的表情功能。

巴洛克時期出現的優秀音樂家有：蒙泰威爾第、拉莫、呂利、斯卡拉蒂、維瓦爾第、塔蒂尼、庫普蘭、巴赫、亨德爾。● 古典主義時期音樂的主要特征：

古典主義時期一般指1750-1820年，新興資產階級開始壯大，掀起了主張民主、自由，反封建主義，爭取個性解放的法國“啟蒙運動”、德國“狂飆運動”。啟蒙主義思想在觀念上直接影響和極大程度上支配著當時的音樂行為、音樂創作、審美標準。音樂在題材、內容、形式、技巧、風格上經歷了深刻的發展變化。其人文內涵豐富與資產階級革命、啟蒙運動精神相關聯的英雄性題材也不斷出現。在體裁上，交響樂與奏鳴曲的確立和定型是古典主義時期極重要的藝術成就。

● 奏鳴曲式：不同于奏鳴曲，分三個部分組成：顯示部、展開部、再現部（尾聲）。一般奏鳴曲3樂章，交響曲4樂章，大型套曲必須有一個樂章以上，由奏鳴曲式寫成。

● 協奏曲、弦樂四重奏均定型，主調音樂占了統治地位，主調和聲風格達到完全成熟的地步，并產生意大利與法國喜歌劇體裁。● 維也納古典樂派：海頓（交響樂之父）、莫扎特、貝多芬。

● 清唱劇：是一種包括獨唱、重唱與合唱，用管弦樂隊伴奏的大型聲樂套曲。與康塔塔、歌劇等幾乎同時起源于16~17世紀之交。最初以《圣經》故事為題材，由演員化裝演出。之后，其題材大多脫離宗教范圍。17世紀三四十年代，成為音樂會中演出的大型聲樂作品，其中合唱居于重要地位。舉世公認的杰作是亨德爾的《彌賽亞》。（獨唱一般用詠嘆調，宣敘調寫）

● 交響曲：是一種由管弦樂隊演奏的大型套曲作品。音樂結構龐大、復雜、完整，用奏鳴曲套曲形式寫成，它具有深刻的哲理性和高度的藝術概括力。交響曲通常包括四個樂章，每個樂章各自獨立，相互之間又有內在聯系。（一定要有一個樂章以上用奏鳴曲式）

● 海頓：交響樂之父，維也納古典樂派大師。代表作有交響曲104首，鋼琴奏鳴曲52首，弦樂四重奏83首，神劇、歌劇24部，還有彌撒曲、清唱劇、康塔塔等多種作品，其中以清唱劇《創世紀》，交響曲《驚愕》、《告別》等最為著名。

● 《費加羅的婚禮》劇本是根據法國作家博馬舍的同名喜劇撰寫，莫扎特1786年創作歌劇并首演于維也納。莫扎特：被譽為天才，歷史上第一個獨立音樂家，是維也納古典樂派大師，奧地利作曲家。★貝多芬《第五交響曲》：

這部交響曲又被稱作“命運交響曲”，這部作品博大精深，通過兩個對立的音樂形象（命運的挑戰、人對命運的抗爭）之間矛盾的戲劇性沖突，刻畫出光明與黑暗的斗爭并取得勝利，體現出作者“通過斗爭，取得勝利”的堅定信念。作品深刻的哲理性，極高的思想性和藝術性，二百多年來一直鼓舞人民不懈地堅定信念，堅定理想，去戰勝黑暗勢力，取得勝利，迎接光明！★ 貝多芬：德國作曲家，古典樂派大師，被后世尊稱為“樂圣”。在藝術上勇于創造革新，確立了奏鳴曲形式結構的新原則，擴展了交響樂隊的規模與表現力。代表作9部交響曲：第三（英雄）、第五（命運）、第六（田園）、第九（合唱）。

第七單元 歐洲浪漫主義時期音樂文化與名作賞析

● 強力集團：穆索爾斯基、里姆斯基-科薩科夫、巴拉基列夫、居伊、鮑羅丁。★管弦樂隊：又稱交響樂隊，一般是指大型的器樂演奏團體，由木管樂器組、銅管樂器組、打擊樂器組、弦樂器組四個部分組成。木管樂器組：長笛、短笛、雙簧管、單簧管、英國管、大管。銅管樂器組：圓號、小號、大號、長號。打擊樂器組：可分為有固定的打擊樂器（用五線譜記譜）和無固定音高的打擊樂器（用一線記譜）。（有固定音高的打擊樂器：定音鼓、鐘琴、木琴、排鐘、鋼片琴。無固定音高的打擊樂器：大鼓、小軍鼓、鈸、鈴鼓、三角鐵、響板。）

● 《自由射手》韋伯作于1820年，是德國第一部浪漫主義歌劇，表現善良與愛情戰勝邪惡與黑暗。（韋伯—德國作曲家，早期浪漫主義樂派代表人物，德國民族歌劇創始人，其作品《邀舞》最著名）

● 狂想曲：起源于19世紀初，帶有幻想性質的器樂曲。多為鋼琴獨奏曲，技術復雜艱深。以民間敘事詩等為題材，以民歌和民間曲調為創作素材，形式不拒。狂想曲大多由慢速的歌曲和快速的民間舞曲相結合，通過主題發展和變奏手法達到高潮。● 《塞維利亞理發師》：羅西尼曲。法國劇作家博馬舍的戲劇巨著《費加羅三部曲》曾被兩位偉大作曲家譜為歌劇。1786年莫扎特先用《費加羅三部曲》中的第二部，寫成歌劇《費加羅的婚禮》。事隔三十年后的1815年，意大利作曲家羅西尼又用《費加羅三部曲》第一部中的故事，創作出《塞維利亞理發師》

● 組曲：是器樂套曲體裁之一，由各具相對獨立性的若干樂曲或樂章組成，可分為古典組曲與現代組曲。古典組曲（17、18世紀）由四首樂曲組成，其速度、節拍相互形成對比。即：阿勒曼德（德國）-三拍子；庫朗（16世紀意大利、法國）-三拍子、稍快；塞拉班德（西班牙、南美）-三拍子、慢速；基格（英國）-快速。

第三篇：中外音樂簡史與名作賞析課程教學綜述

《中外經典名曲賞析》課程教學綜述

《中外經典名曲賞析》是一門針對成人脫產本科學生的層次特點，進行新的課程整合之后的一門專業理論課程。由于該層次學生的特點是：一部分由本分院培養的音樂教育專科學生升本構成，一部分是來自全疆的需要再深造的音樂專科人才構成，因此，將《中國音樂史》與《西方音樂史》兩門課程進行整合，教學中以中外經典音樂作品的賞析為主，相關時期的音樂文化知識講授為輔。針對學生未來就業需要，通過該門課程的開設，教授學生如何在中小學音樂教學中開展音樂鑒賞課程的教學工作。注重方法掌握，結合學生實際需要。下面就對該門課程教學特點、內容及方法等方面的內容，做詳細論述。

一、教材分析

該門課程開設學期是在第一學期，開課總學時為36課時，每周兩課時，除去最后兩周的復習及考試的4課時，中外音樂史理論知識與經典名曲的賞析內容要壓縮在16周完成。針對有限的課時數，及龐雜的課程內容，在教材方面，選用上海音樂出版社出版的、田明俊主編的《中外音樂簡史與名作賞析》，該本教材是適合于高等院校小學教育專業、學前教育專業選修音樂方向的學生、參加職后繼續教育(音樂方向)的小學教育學前教育的工作者,以及高職、高專音樂專業的學生。因此，就教材的難度和廣度方面適合目前培養的學生層次特點。該本教材內容包括中外音樂簡史與名作賞析兩大部分。貫穿以中外史學教授為主線,以中外經典作品賞析為主體,做到古今中外名曲兼容并包的特點。在編寫體例上采用“欣賞導引”、“信息點擊”、“拓展與探討”三大板塊

學科知識的傳授與基礎教育中教學方法的啟迪相結合。在中外經典名曲賞析這門課程的實際教學中，既要關注音樂史學學科知識理論體系的教授，又要關注基礎教育中的中外音樂文化的教學內容和學院對于分院音樂理論課程改革發展的實際。注意在教學內容和教學過程中貫穿滲透先進的教育思想和科學的教學方法，為學生積極投身于基礎教育的音樂課程改革實踐奠定基礎。提高音樂審美能力與促進創造性思維發展相結合。在對中外各歷史時期、各民族、各地域音樂的鑒賞、演奏、演唱和即興創作等學習活動中，培養學生探究音樂藝術規律和文化內涵的興趣，提高學生創造性思維能力。充分利用本地音樂資源，邀請當地音樂史學專家來校舉辦專題講座，提高學生的學習興趣，增強學生未來進行研究性學習的動力。

當代教育的理念是“以人為本”、“以學生為中心”，因此，教學宗旨應將學生作為教學的主體，教師起到主導作用，課堂教學過程中，應賦予學生較大的學習自由度，提高學生上課的積極性和主動性，采用符合現實需要的教學方法，為學生構建完整的學科知識體系。課堂中，根據不同程度學生的實際需要和特點，進行有針對性的內容教學。教師在教學過程中要注重將繁雜、艱深的音樂史學知識與輕松簡單的音樂作品鑒賞靈活緊密地結合，用更加通俗易懂的語言結構，將各個歷史時期的重要人物及事件，通過一個個小故事串聯起來，激發學生獲取知識的興趣。理論知識講授過程中，教師必須做到靈活掌握powerpoint制作技巧，利用鮮活的幻燈片制作技巧，將文字、動態圖片及動畫設計技巧巧妙結合，使理論知識講授更加生動，之后選擇播放一些較為經典的作品視頻片段，邊觀看邊分析，將鑒賞與理論知識講授緊密結合，將課時時間安排緊湊，這樣就能使學生留下深刻印象，提供的視聽資料也可以作為學生未來的教學資料進行儲備，進而更好地達到教學目的，真正解決學生知識結構中存在的問題。

學習過程與學習態度的考察，促進學習積極性的發揮。形成性評價的主要方式是課堂問答、討論和課外視聽感受，藝術實踐；終結性評價的主要方式是階段性考查、期終考試。最后，要將教師與學生的自評、互評、他評相結合。學生可以從學習過程、學生態度、學習方法、學習效果的縱向比較等方面進行評價。教師可以從教學態度、教學方法、教學效果等方面進行評價。師生之間可就以上各方面開展互評及他評。考試形式可采用以下幾種方式。筆試、口試以及筆試和口試相結合；開卷、閉卷以及開卷與閉卷相結合。學生的課程成績評定由平時成績和期末成績兩個部分構成。其中，平時成績應包含作業、提問、口頭分析、寫作小論文等；期末成績含閉卷或開卷考試中的筆試、口試成績等。平時（包括：考勤、上課提問、作業與期中考試等）30%；期末理論考試70%。

第四篇：西方音樂名作賞析

《音樂基礎及鑒賞》知識點

音的 4 個基本屬性

1、音的高低，簡稱音高。

2、音的長短，簡稱音值。

3、音的強弱，簡稱音量。

4、音的色彩，簡稱音色。

音樂的 12 個表現要素

音樂表現要素所涵蓋的內容歸納起來大致包括四個方面： 1．對自然界和生活中的各種聲音的感受與體驗。2．對人聲(童聲、女聲、男聲等)和樂器聲(常見民族樂器和西洋樂器等)的 感受與聽辨。3．對力度、速度、音色、節奏、旋律、和聲等音樂要素的聆聽與體驗。4．對音樂結構的感知。

節奏、曲調、和聲、旋律、音色，以及力度、速度、調式、曲式、織體等。

交響樂隊由哪些樂器組組成？列舉每組的樂器。

交響樂隊是一種大型的管弦樂隊。交響樂隊大約定型于 19 世紀 20 年代，并開始 在歐洲及全世界流行。交響樂隊一般包括四組樂器，即弦樂組、木管組、銅管組 和打擊樂組。弦樂組是一個提琴的家族，包括小提琴、中提琴、大提琴和低音提 琴；木管組包括短笛、長笛、雙簧管、單簧管、英國管、大管等；銅管組包括圓 號、小號、長號、大號等；打擊樂組則有定音鼓、小軍鼓、大鼓、三角鐵、鈸、鑼、排鐘等。

列舉、介紹幾部歌劇、舞劇、音樂劇作品。

歌劇《卡門》是法國作曲家比才的最后一部歌劇，完成于 1874 年秋，也是當今 世界上上演率最高的一部歌劇。四幕歌劇 《卡門》主要塑造了一個相貌美麗而 性格倔強的吉卜賽姑娘——煙廠女工卡門。卡門使軍人班長唐·豪塞墮入情網，并舍棄了他在農村時的情人——溫柔而善良的米卡愛拉。后來唐·豪塞因為放走 了與女工們打架的卡門而被捕入獄，出獄后他又加入了卡門所在的走私販的行 列。卡門后來又愛上了斗牛士埃斯卡米里奧,在卡門為埃斯卡米里奧斗牛勝利而 歡呼時,她卻死在了唐·豪塞的劍下。本劇以女工、農民出身的士兵和群眾為主人公，這一點，在那個時代的歌劇作 品中是罕見的、可貴的。也許正因為作者的刻意創新，本劇在初演時并不為觀眾 接受，但隨著時間的推移，這部作品的藝術價值逐漸得到人們的認可，此后變得 長盛不衰。這部歌劇以合唱見長，劇中各種體裁和風格的合唱共有十多部。

歌劇的序曲為 A 大調，回旋曲式。整部序曲建立在具有尖銳對比的形象之上，以 華麗、緊湊、引人入勝的音樂來表現這部歌劇的主要內容。序曲中集中了歌劇內 最主要的一些旋律，而且使用明暗對比的效果將歌劇的內容充分地表現了出來，主題選自歌劇最后一幕中斗牛士上場時的音樂。本劇的序曲是音樂會上經常單 獨演奏的曲目。四幕芭蕾舞劇，作品作于 1876 年。故事取材于俄羅斯古老的童話，由別吉切夫 和蓋里采爾編劇，是柴科夫斯基最著名的代表作之一。由于原編導在創作上的平庸以及樂隊指揮缺乏經驗，致使 1877 年 2 月 20 日首演失敗。直到 1895 年，在 彼得堡的演出，才獲得了驚人的成功，從此成為世界芭蕾舞的經典名著。《天鵝湖》 至今仍是舞蹈家們所遵循的楷模，同時也是一部現實主義舞劇的 典范。劇情大致是： 被魔法師羅德伯特變成天鵝的奧杰塔公主，在湖邊與王子 齊格弗里德相遇，傾訴自己的不幸，告訴他：

只有忠誠的愛情才能使她擺脫魔法 師的統治，王子發誓永遠愛她。在為王子挑選新娘的舞會上，魔法師化成武士，以外貌與奧杰塔相似的女兒奧吉莉雅欺騙了王子。王子發覺受騙，激動地奔向湖 岸，在奧杰塔和群天鵝的幫助和鼓舞下，戰勝了魔法師。天鵝們都恢復了人形，奧杰塔和王子終于結合在一起。《天鵝湖》的音樂象一首首具有浪漫色彩的抒情詩篇，每一場的音樂都極出色 地完成了對場景的抒寫和對戲劇矛盾的推動以及對各個角色性格和內心的刻劃，具有深刻的交響性。這些充滿詩情畫意和戲劇力量，并有高度交響性發展原則的 舞劇音樂，是作者對芭蕾音樂進行重大改革的結果，從而成為舞劇發展史上一部 劃時代的作品。其中許多音樂都是流芳百世佳作，這里只能選擇其中著名的幾首 加以介紹。舞劇的序曲一開始，雙簧管吹出了柔和的曲調引出故事的線索，這是天鵝主題 的變體，它概略地勾劃了被邪術變為天鵝的姑娘那動人而凄慘的圖景（片段 1）。全曲中最為人們所熟悉的是第一幕結束時的音樂。這一幕是慶祝王子成年禮的盛 大舞會，音樂主要由各種華麗明朗和熱情奔放的舞曲組成。在第一幕結束時，夜 空出現一群天鵝，這是樂曲第一次出現天鵝的主題，它充滿了溫柔的美和傷感，在豎琴和提琴顫音的伴隨下，由雙簧管和弦樂先后奏出（片段 2）《匈牙利舞》。，即是匈牙利民間的《查爾達什舞》。音樂的前半段舒緩而傷感，如舞蹈前的準備（片段 3）,音樂后半段節奏強烈,顯示出舞蹈者的粗獷，是一首狂熱的舞曲（片 段 4）《西班牙舞》。，音樂富有濃厚的西班牙民族風味，西班牙響板的伴奏色 彩明亮,更加重了音樂的民族特色。音樂前半部分熱情奔放,氣氛熱烈（片段 5），后半部分則充滿了歌唱性和旋律性（片段 6）《那波里舞曲》是一首十分著名的。意大利風格的舞曲，整個舞曲以小號為主奏，音樂活潑，前半段平穩，后半段 則節奏越來越快，氣氛越來越熱烈，是一首塔蘭泰拉風俗舞曲（片段 7）《四。小天鵝舞》也是該舞劇中最受人們歡迎的舞曲之一，音樂輕松活潑，節奏干凈利 落，描繪出了小天鵝在湖畔嬉游的情景，質樸動人而又富于田園般的詩意（片段 8）。

當鮑伯利和勛伯格以《悲慘世界》(Les Miserables)與《西貢小姐》(Miss Saigon)造成轟動，來自法國的作品逐漸獲得世人的喜愛。近年一部來自法國的音樂劇新作品，改編自雨果名著 的《巴黎圣母院》，又在國際上引領矚目的風潮。雨果這位被譽為 19 世紀法國浪漫主義大文豪，除了《悲慘世界》之外，還創作了《巴 黎圣母院》、《克倫威爾》等文壇名著，他的一生經歷了漫長而動蕩的歷史時期，當時法國 文壇正處于古典及浪漫主義沖突之際，他力主浪漫風格，以磅礴的氣魄、豐富的想象力、華 麗的詞藻傲視文壇，更以曲折離奇的情節撼動讀者心弦。《巴黎圣母院》講述了這樣的一個 故事：擔任全劇“主述”的游唱詩人葛林果，是吉普賽女郎艾斯梅拉達(Esmeralda)有名無實 的丈夫，艾斯梅拉達出于同情心，為了讓他免于被族人處死才允諾和他結婚。天生畸形、被 巴黎圣母院收容而擔任敲鐘人的加西莫多(Quasimodo)，以及圣母院的副主教弗侯洛(Frollo)與侍衛隊的隊長腓比斯(Phoebus)，都情不自禁地愛上了美麗的艾斯梅拉達。一生侍奉天主 的弗侯洛，明知男女之愛是神職人員的禁忌，仍然難以自拔。而腓比斯雖然已有嬌美的未婚 妻百合(Fleur-de-Lys)為伴，卻因為生性風流而意圖染指艾斯梅拉達。他們三個人共同合唱 的“Belle”，在法國單曲市場創下了 300 萬張的傲人成績。加西莫多自慚形穢，只敢把愛意 深埋心中。艾斯梅拉達愛上了腓比斯，引起弗侯洛的妒恨，他趁著艾斯梅拉達與腓比斯幽會 時，刺傷了腓比斯，然后嫁禍給艾斯梅拉達，要脅她以身相許，否則就要將她處死。她拒絕 服從，被送上了絞刑臺。加西莫多奮不顧身到法場劫人，把她藏在圣母院中。不久，吉普賽 人的領袖克婁潘率眾攻打圣母院，意圖解救艾斯梅拉達。腓比斯率領衛隊擊潰了吉普賽群眾，克數潘被殺，葛林果取代了領導人的地位。自知無力對抗軍隊的加西莫多，讓弗侯洛把艾斯 梅拉達交給腓比斯，因為他以為腓比斯是來解救她的。未料及腓比斯由于不敢再觸怒未婚妻，而宣布將艾斯梅拉達處死。悲憤之中，加西莫多把弗侯洛從鐘樓頂端推下，然后去解救艾斯 梅拉達，只可惜為為時已晚。他哀求劊子手的同意，抱走了艾斯梅拉達的遺體，躲藏在巴黎 公墓的地窖里，為艾斯梅拉達以死殉情。

常見音樂曲式：變奏曲 回旋曲

變奏曲是指主題及其一系列變化反復，并按照統一的藝術構思而組成的樂曲。“變奏”一詞, 源出拉丁語 variatio,原義是變化，意即主題的演變。從古老的固定低音變奏曲到近代的裝飾 變奏曲和自由變奏曲，所用的變奏手法各不相同。作曲家可新創主題，也可借用現成曲調。然后保持主題的基本骨架而加以自由發揮。手法有裝飾變奏、對應變奏、曲調變奏、音型變奏、卡農變奏、和聲變奏、特性變奏等。另外，還可以在拍子、速度、調性等方面加以變化 而成一段變奏。變奏少則數段。多則數十段。變奏曲可作為獨立的作品，也可作為大型作品的一個樂章。

回旋曲，西洋音樂曲式結構之一。其基本原則是：主要主題周而復始地循環往復，在其重復之間，插以對比性格的‘插部’（副題），在回旋曲中，主要主題至少要呈現 3 次。奏鳴 曲、交響曲、四重奏等套曲結構中的末樂章常采用這一曲式。回旋曲式（rondo）屬于“循環曲式”范疇，其原則是：在一首樂曲中，有一個主題至少 出現兩次，在它的前后有與之形成對比的材料。前面介紹的帶再現單二部、三部以及帶再現 復二部、復三部曲式，都具有“循環”的特點，因為它們的第一主題都出現了不止一次，中間 也都插有不同的材料。但更加典型的循環結構是回旋曲式。回旋曲式： A+B+A+C+A+D+A+E+A??

其中的 A 是多次出現的回旋曲主要主題，B、C、D、E 是新材料，專用名詞是“插部”。一首回旋曲至少要有兩個插部。上例共有四個插部，分別稱作第一、第二、第三、第四插部。回旋曲可分為：單式回旋曲（各部分以樂段為單位）和復式回旋曲（各部分以樂部為單 位）。按時期可分為：古回旋曲（巴洛克時期），古典回旋曲（古典與浪漫中早期）和浪漫 回旋曲（浪漫派末期）再例如貝多芬的鋼琴小曲《致愛麗絲》，它的曲式結構是 A+B+A+C+A。

爵士音樂的形成爵士樂成形時間是 19 世紀末、20 世紀初。公認的發祥地是美國南部路易斯安那 州的一個亞熱帶城市―新奧爾良。在眾多流行音樂中，爵士樂是出現最早并且是在世界上影響較廣的一個樂種，爵 士樂實際就是美國的民間音樂。歐洲教堂音樂、美國黑人小提琴和班卓傳統音樂 融合非洲吟唱及美國黑人勞動號子形成了最初的“民間藍調”，“拉格泰姆”和“民間 藍調”構成了早期的爵士樂。從 17-18 世紀西方殖民主義者，將大批非洲黑人販賣到美洲，成為那里白人的奴 隸之后，他們被強迫勞動、受盡折磨。在田間、在勞動之余，黑奴 們懷念故鄉 和親人，常常唱一種哀歌，以表達他們痛苦的心聲。這種音樂也滲透在一些宗教 歌曲中。由于藍色在美國人民中，被看作是憂郁的色彩，這種悲哀的歌曲，也就 統稱之為 Blues(藍色)。中國音譯之為“布魯斯”。我們常常從美國音樂作品中發 現帶有 Blues 的曲名，如《藍色狂想曲》、《藍色的探戈》、《藍色的愛情》等。

巴洛克音樂風格 巴赫的歷史地位

巴洛克音樂 大致從 17 世紀初到 18 世紀中葉（約 1600—1750 年）‘巴洛克”一 詞是葡萄牙語“Barroco”的譯音，原意為“畸形的珍珠”，引申為不規范、不完美。通常所說的巴洛克時期是指歐洲文藝復興后的一段歷史時期，特征：這時的西方文化藝術風格較文藝復興時期有了很大變化，文藝復興時期 的莊嚴、明凈、均衡、和諧已不再取悅于人，而崇尚富麗堂皇、精雕細琢，注重 精巧而華麗的裝飾風格，即稱“巴洛克風格”（因最初有人認為這是一種藝術的變 質現象，故貶稱為“巴洛克”，后來德國史學家韋爾夫林研究了這種風格特點，認 為這是一種特定歷史時期的藝術潮流，遂給予了肯定評價。現稱“巴洛克”僅是一 種名稱而已，不再合貶義），它最早主要體現在建筑、繪畫。雕刻等方面，后來 由美籍德國音樂學家薩克斯首次引用到音樂領域，我們就把它稱為“巴洛克音 樂”。代表人物：這一時期的代表人物有我們熟悉的巴赫和亨德爾。

巴赫是一位復調音樂大師，正是在他的不懈努力下，巴洛克的復調音樂才發展到 了前所未有的高度。如他所著的兩卷（平均律鋼琴曲集）其中的四十八首前奏曲 和賦格由，就是最杰出的代表作品，其各聲部的對位法達到了出神入化的境地，被稱為鋼琴音樂的“舊約全）”。

巴赫被后世尊稱為“西方音樂之父”。

維也納古典樂派 貝多芬的歷史地位世紀下半葉“交響樂之父”海頓、“音樂天才”莫扎特和“樂圣”貝多芬三位音樂 大師，先后以維也納為生活、創作的中心而形成了一個群體，這個群體就是人們常說的“維 也納古典樂派”。這一樂派的主要特征是反映人類普遍的思想要求，他們追求美的觀念、強 調風格的高雅，給予人們樂觀向上的進取精神。這三位作曲家既存在共同的藝術理想和藝術 風格，同時又保持著傳承關系。

貝多芬是世界藝術史上的偉大作曲家之一，他的創作集中體現了他那巨人般的性 格，反映了那個時代的進步思想，它的革命英雄主義形象可以用“通過苦難--走向 歡樂；通過斗爭--獲得勝利”加以概括。他的作品了既壯麗宏偉又極樸實鮮明，它 的音樂內容豐富，同時又易于為聽眾所理解和接受。貝多芬的音樂集中體現了他 那個時代人民的痛苦和歡樂，斗爭和勝利，因此它過去總是那樣激勵著人們，鼓 舞著人們的斗志，即使在現在也使人們感到親切和鼓舞。他集古典樂派之大成, 同時開創浪漫主義之先河!

浪漫樂派 民族樂派 電子音樂

浪漫主義音樂（Romantical Music)音樂派系之一，亦稱“浪漫樂派”或“浪漫派音樂”。一般指 十八世紀末到十九世紀初發始于德奧，后又波及整個歐洲各國的一種音樂新風格.這種新風 格同時在其他文藝領域也有所反映，其內容大多表現了理想與現實之間的深刻矛盾。并通過 生與死、孤獨與愛情、熱愛大自然等抒情題材，表達出知識分子階層對現實生活的不滿，對 自由、幸福的向往和渴求。浪漫派的音樂家一般偏重于幻想的題材與著重抒發主觀的內心感 受，因而抒發古典樂派某些形式的限制，使音樂創作得到了新的進展。

代表人物：舒伯特、舒曼、肖邦、門德爾松、李斯特、約翰施特勞斯、柴可夫斯基。

民族樂派是指十九世紀中葉以后活躍于歐洲樂壇，與資產階級民族主義文化運動密切聯系的 一批音樂家。他們中的大多數人，政治上是激進的，同情或參加本國的資產階級革命，具有 強烈的民族意識。在藝術上他們主張創造出具有鮮明民族特性的新音樂。民族樂派的音樂家 經常采用本國優秀的民間音樂素材去表現具有愛國主義的英雄主題，借以激發本國人民反抗 封建和外族統治。民主性、人民性、民族性，始終是他們藝術活動的鮮明標志。代表作，如： 斯美塔那的《我的祖國》、西貝柳斯的《芬蘭頌交響詩》等。代表人物：斯美塔那（Bedrich Smetana，1824—1884）是捷克民族藝術音樂的奠基人。著名 的代表作交響詩套曲《我的祖國》。

代表人物：挪威——·格里格（Edward Grieg，1843—1907）是北歐民族樂派中最有影響的 作曲家之一。著名代表作幻想詩劇《培爾.金特》。

從廣義 廣義上來說，電子樂這個詞可以指很多的音樂類型，因為電子樂器的使用變得越來越普遍 廣義 電子樂 了，而且很多 80 年代后期的跳舞音樂 跳舞音樂都是電子樂。廣義而言，只要是使用電子設備所創造 跳舞音樂 的音樂，都可稱為電子樂。任何以電子合成器、效果器、電腦音樂軟件、（drummachine）鼓機 效果器 電腦音樂 等樂器所產生 產生的電子聲響，都可合理地稱為電子音樂。廣義電音的范圍相當廣泛，電影配樂、產生 廣告配樂，甚至某些流行歌、搖滾樂中都會出現，只是常人不易發覺。以狹義而言，電子音樂指涉科技(Techno)、出神(Trance)等種類的樂曲。然而事實上，狹 只要是使用電子設備所創造的音樂，包括浩室 浩室(House)、鼓打貝斯 鼓打貝斯(DrumandBass)等音樂類 浩室 鼓打貝斯 型，甚至是只是使用電子放大器（amplifier）的爵士樂與民歌，也可以是電音。其實電子樂 這個詞可以指很多的音樂類型，因為電子樂器的使用變的越來越普遍了，而且很多 80 年代 后期的跳舞音樂都是電子的。電子音樂，其范圍相當廣泛 廣泛，電影配樂、廣告配樂，甚至某些 廣泛 流行歌、搖滾樂中都會出現，只是常人不易發覺。

介紹西方浪漫樂派中著名的一位音樂家及其代表作

弗里德里克·弗朗索瓦·肖邦（F.F.Chopin 1810─1849）波蘭作曲家、鋼琴家，肖邦 1810 年 3 月 1 日生于華沙近郊，父親是法國人，僑居華沙任中學法文教員，母親是波蘭人。肖邦從 小就表現出非凡的藝術天賦，六歲開始學習音樂，7 歲時就創作了波蘭舞曲，8 歲登臺演出，不足 20 歲已出名。他是歷史上最具影響力和最受歡迎的鋼琴作曲家之一，是波蘭音樂史 上最重要的人物之一，是歐洲 19 世紀浪漫主義音樂的代表人物。肖邦一生的創作大多是鋼 琴曲，被譽為“鋼琴詩人”。《夜曲》 《夜曲》為英國作曲家費爾德（1782—1837）所首創。他采用平靜的和弦伴奏下的優美 旋律這種形式，表現夜的幽靜和夢幻的情調。肖邦繼承了這種形式，又極大地發展、創新了 這種形式。肖邦的《夜曲》，包含了相當多樣的意境，甚至是熱情的戲劇性形象。令人驚疑 的是，無論音樂多么復雜、激動，卻仍不失“夜”的總的感覺。由于肖邦賦予了《夜曲》 以新面貌，后人都將《夜曲》看作是肖邦創作特有的標志之一。肖邦的 《夜曲》 幾乎每一首都是那么迷人。其中最為廣大聽眾熟悉的可能是第二號 bE 大 《 調夜曲》，它的主旋律早已深入人心：中段開始是圣詠般的和弦進行，從容而又威嚴，蘊涵 著內在的力量。這力量開始是片斷的顯露，逐漸積累，顯露的片斷在增大，終于，釀成雙手 八度齊奏從上往下排山倒海式的暴發，此時，真是身在 “黑夜”心在 “白晝”了。經過 中段的暴發，“夜”再也無法平靜，當第一

段再現時，同樣的曲調用了織體完全不同的伴 奏，原來嚴整的節奏現在變成了惶惶不安的三連音，音樂變得哀怨、悲痛，久久不能平息。在增加了一段擴充的終止后，才勉強安靜下來，最后消失在延長音里，可留下的沉重心緒始 終沒有消失。

介紹 20 世紀一位音樂家及其代表作

阿希爾·克勞德·德彪西，Achille-Claude Debussy，1862～1918 法國作曲家，音樂評論家，在三十余年的創作生涯里，形成了一種被稱為“印象主義”的音樂風格，對歐美各國的音樂產 生了深遠的影響。第一次世界大戰期間，他寫過一些對遭受苦難的人民寄予同情的作品，創 作風格也有所改變。此時他已患癌癥，于 1918 年德國進攻巴黎時去世。

這首夢幻一般的交響詩《牧神午后前奏曲》是德彪西的第一部具有代表性的印象主義作品，可以認為，德彪西通過這一音詩而開創了一個新的時代，因而此曲被后人譽為“德彪西的第 一顆管弦樂定時炸彈”。從這個標題可以知道，他的音樂是受他的朋友斯蒂芬·馬拉美的著名 詩篇啟發而寫的《牧神午后》。雖然這首短小的音詩以其異國情調的旋律和難以捉摸的和聲 使許多聽眾困惑不解，但是，另人感到驚奇的是，它獲得了普遍的贊賞，始終是作者最膾炙 人口的管弦樂杰作之一。這首樂曲帶有些神秘和虛幻的氣氛，內容是： 烈日當空，半神半獸的牧神躺在樹蔭下休息。他似睡非睡，胡思亂想，感到自己模模糊 糊地進入了埃特納山仙境。在那里，他見到仙女在舞蹈，并且和愛神維納斯度過了魂消魄散 的時刻。正當他因為褻瀆神明要受到懲罰的時候，他又昏昏沉沉睡著了。德彪西解釋這個作 品時說：“我不是用音樂來作為馬拉美這首詩的姊妹篇，它可能只是這首詩的背景，為了把 人們帶到和詩相似的意境之中”。馬拉美聽到德彪西的這首音樂之后說：“德彪西的音樂，大 大地豐富了和超過了我的詩意”。

第五篇：《西方音樂史與名作賞析》教案

第三章 上帝至高無上——中世紀音樂文化

（一）教學目的：

1．了解格里高利圣詠及復調音樂的發展 2．理解中世紀的世俗音樂 3．掌握中世紀的音樂特點

（二）教學重、難點：

1．重點：歷史文化背景及音樂特點概述 2．難點：復調音樂的興起和早期發展

（三）教學方法、手段：教師講授，多媒體教學，學生講述。相關教學內容 【教師講授部分】

一、歷史文化背景

中世紀音樂（the Middle Ages）屬于西方音樂斷代史中的第二部分，它的時間劃分大致是從公元5世紀西羅馬滅亡（基督教興起）到14世紀末、15世紀初（“新藝術”）。

近千年的中世紀時期，音樂是為了禮拜和舉行宗教儀式服務。其目的雖然是功利性、目的性很強，但卻以極其理性的方式在各個領域為未來的發展打下堅實的根基。隨著羅馬帝國的滅亡而流失，西方音樂史的發展在這里出現了斷層，而之后能得以延續的就是以宗教精神為指引的基督教教會禮拜音樂，它成為了西方專業音樂發展的基石。

中世紀音樂的發展狀況：

第一階段，約5～10世紀，是中世紀音樂發展的早期階段。政權割據后的社會各方面發展都較為緩慢，音樂上格里高利圣詠的確立及擴展使局面的統一成為了可能。

第二階段，約11～13世紀，是中世紀音樂的盛期。社會各方面發展進入軌道，政治、經濟和文化都有條不紊地走入繁榮，音樂上復調音樂的興起，使以宗教音樂為核心的西方專業音樂的發展上了一個新的臺階，同時，民間世俗音樂逐漸活躍，新風格為人們的生活帶來新的體驗。

第三階段，14～15世紀初，是“新藝術”時期，圍繞法國和意大利的宗教音樂和世俗音樂，有的音樂史書將其劃為文藝復興早期，但我們思想上要明確，“新藝術”時期算是一個承前啟后的過渡時期，因而它的發展中有沖突，有揚棄，尤其是世俗音樂成為了與宗教音樂并行發展的領域，世俗音樂的多樣性和表現性逐漸與宗教音樂的技巧性相結合，從而為文藝復興的發展開啟了新的發展道路（雅俗共賞）。

二、單聲部教會音樂的狀況（格里高利圣詠）1．概念：

用一句簡單的話描述格里高利圣詠的定義就是：以教皇格里高利一世命名的基督教禮拜儀式音樂，稱為格里高利圣詠（gregorian chant），因其表情肅穆、風格樸素亦稱為素歌（plainsong）。應該說它是西方專業音樂歷史的源頭，它不僅僅具有宗教文化的職能，而且孕育出專業音樂的萌芽。

2、發展歷史：

基督教成為官方宗教后，很快在各地廣泛傳播，隨之而來的禮拜儀式也逐漸形成規模和系統，但各地的禮拜形式及其音樂部分——圣詠各具地方色彩。為了讓基督教的儀式音樂得到統一，教皇格里高利派人到各地搜集圣詠，在羅馬儀式音樂的基礎上綜合了其他地區的圣詠，匯編成了了兩本圣詠集，以供基督教會統一使用，因此產生了格里高利圣詠。

3．基本特征（見書本P20-21）

4．圣詠的擴展：繼敘詠、附加段、宗教劇 [欣賞]《格里高利圣詠》

三、多聲部教會音樂的形成和發展 1．奧爾加農（organum）

9世紀初，最早出現的復調音樂類型是奧爾加農（organum），它以格里高利圣詠為基礎，在其旋律的上加入新的旋律（聲部）的復調形式，也多半是即興演唱。

（1）平行奧爾加農：在已有的圣詠旋律的下方加入相距四度或五度的平行聲部，它還有復合的形式，就在兩個聲部各自疊置八度。德彪西擅用這種古音程，突出中空效果，作為一種和聲上的色彩（中古調式）。平行奧爾加農的變化形式，看譜例15，同度到四度再到同度。

[欣賞]《平行奧爾加農》

（2）定旋律奧爾加農：12世紀初，奧爾加農產生新的變化，法國利摩日的瑪夏爾修道院的一些手稿中有新風格的奧爾加農出現。原來是圣詠曲調作為低聲部并已發生了變化，音變得長了，曲調已不十分明顯，僅有支撐聲部的作用。它作為低聲部，是音樂的基礎，稱為“持續聲部或定旋律”。高聲部則是華麗、寬廣、條約定旋律，一個音節對一連串音符。

2．圣母院樂派的復調 12、13世紀多聲部音樂的發展，主要來自法國，尤其是以巴黎圣母院為中心，由修士和一些二流、三流的作曲者所領導，因而音樂史上將他們稱為圣母院樂派，他們使中世紀音樂發展至頂峰。以作曲家萊奧南和佩羅坦為代表，他們倆是中世紀復調音樂中兩位重要的人物。

（1）第斯康特（discant）

奧爾加農的花腔旋律從自由的節奏改為按照確定的節奏來演唱，就產生了新的復調形式（風格）——第斯康特。兩個聲部（圣詠定旋律和上方添加聲部）都按照節奏模式來組織旋律，從而形成上下聲部幾乎同時進行的一音對一音的織體，而且上方聲部的曲調更為靈活、更加突出。

（2）孔杜克圖斯(conductus)它最早是單聲部，后來逐漸發展成為多聲部的孔杜克圖斯。特點在于低聲部不象奧爾加農、第斯康特使用圣詠曲調，而是由作曲者自己創作的，并且有靈活的節奏組織；織體有二到四個聲部的類型，三聲部較為常見，聲部進行具有統一性，基本為音對音的第斯康特風格；歌詞為拉丁文，但不象奧爾加農使用的散文體式的禮拜儀式用語，而是音節式有格律的詩體，一般為非禮儀性內容（宗教題材和世俗題材）。

[欣賞] 孔杜克圖斯《贊美至貞的圣母》（3）回旋歌

（4）克勞蘇拉（clausula）

二聲部的宗教歌曲，低聲部是圣詠固定歌詞，歌詞只有簡短的幾個詞，高聲部無歌詞，旋律裝飾性較強，節奏較活躍。

3．經文歌(motet)13世紀產生的上方聲部（一個或兩個）有獨立歌詞的復調聲樂曲，是廣為傳唱的三聲部的宗教歌曲，在克拉蘇拉的基礎上進行創作。低聲部為拉丁文演唱的、節奏話的圣詠固定歌詞，上方兩個聲部添加宗教或者世俗的不同歌詞，用本國語的世俗內容，這樣就形成了旋律較活躍，歌詞超出宗教范圍的體裁類型。它是宗教音樂受世俗音樂影響的典型。

13世紀后期，上方兩聲部為不同歌詞的三聲部經文歌較為常見，于是在此基礎上產生了更多的變化形式。一條定旋律可以配以不同的上方聲部，從而會創作出多種多樣新的二聲部、三聲部和四聲部的經文歌。經文歌中僅存的一些宗教成分，被越來越豐富多變的世俗因素所同化，在很多情況下，經文歌成為了世俗環境中的流行音樂體裁，而沒有更重要意義的定旋律常常變成樂器演奏聲部（法文經文歌常用這樣的形式），它可以說是器樂正式介入聲樂的開端。

經文歌在節奏上的迅速發展直接導致了“新藝術”時期等節奏經文歌的繁榮，并且在復調創作的理念上開始有更多的創新。

[欣賞] 三聲部經文歌《有些人嫉妒-愛情傷害人心-慈悲經》

4．彌撒曲

彌撒是基督教禮儀中最為重要的儀式，它在西方音樂史早期發展中占有相當重要的地位，尤其在文藝復興時期更成為了宗教音樂中重要的體裁。

（1）分類：

A、常規彌撒曲（ordinary）：是固定的，內容和順序在每次進行時都不變。B、專用彌撒曲（proper）：是可變的，不是每次都使用所有的部分，而是根據不同節日有選擇的使用，歌詞可變

四、教會音樂的理論

音樂理論仍包含兩個方面：美學理論和技術理論 1．音樂美學

中世紀非常有影響是羅馬的波埃修斯，他的音樂思想在很大部分來自于古希臘（柏拉圖），他的著作《音樂的體制》就以古希臘一些思想家的音樂理論編著而成，強調音樂的道德力量和教育作用，強調音樂對人的性格影響。把音樂分為三種類型：一是宇宙音樂（“天樂”），即行星運動、四季變化中體現出的宏觀的和諧，這被認為是最高等的音樂；二是人的音樂（“人樂”），來自靈魂深處，人的身體、靈魂及各部分的和諧；三是樂器音樂（“器樂”），被認為是低等的，樂器（包括人聲）制造的可聽音樂。

2．音樂實踐理論：

最早提出字母記譜的是波埃修斯；

最早論述多聲部音樂實踐、線譜的是僧侶胡克巴爾德；

貢獻最大的是意大利的規多，提出了四線譜，發明了“規多手”的記憶法，以左手的各關節代表各音。專著《音樂藝術法則淺論》

五、中世紀的記譜法與調式 1．記譜法

記譜法的發展在音樂史中的非常重要的。最早記錄出現在瑞士。（1）紐姆記譜法： 抄寫圣詠的教士們發明的，有了音樂的長短和旋律的大致走向，后來開始用彩色橫線指明半音的位置。紅色表示F音，之前標以F(演變為F譜號，就是低音譜號)；黃線代表C音，之前標以C（演變為C譜號）。格里高利圣歌紐姆譜手稿，11世紀紐姆譜，原譜中C線為黃色，F線為紅色

（2）四線譜：

后來規多又增加了兩根黑線，成為<四線譜>，在線譜記譜法上的貢獻極其重要。按三種譜號（F,G,C）基本確立，確定了音的唱名do到la，規多以此形成唱法體系。

（3）有量記譜法：

13世紀下半葉，它更為完善，由教士弗朗科提出的。它表明單個音符之間時值比例，有四種音符（都是黑色的）：倍長、長、短、倍短，節拍并不是我們現在的二等分，而是三等分，他們認為二是不完美的，三才是最完美的，它代表至高無尚的三位一體（圣父、圣子和圣靈）。

到14、15世紀，音符的時值逐漸朝細分的方向發展。2．教會調式

中世紀教會調式的形成是以對格里高利圣詠整理、歸類為標準的，主要依據是結束音、吟誦音和音域，因而形成八種調式：四個正調式和四個副調式，空符頭帶雙杠的是結束音，不帶雙杠的是吟誦音。這里調式的名稱沿用古希臘的調式名稱，但內容完全不同，二者毫無關聯，音階排列是從下至上。（至16世紀，瑞士理論家格拉瑞安提出12種教會調式，在此基礎上加上伊奧尼亞（現在的自然大調），副伊奧尼亞和愛奧尼亞（現在的自然小調），副愛奧尼亞。形成大小調的調性體系）

具體調式見書本P26-27

【學生講授部分】

六、兩類世俗音樂的狀況 1．民間音樂 2．騎士音樂

七、“新藝術”時期的音樂 1．這一時期的音樂特點 2．作曲家：馬肖

[欣賞] 馬肖《圣母彌撒曲》

八、歐洲最早的作曲學派 1．尼德蘭樂派的概述 2．作曲家：杜費、班舒瓦

[欣賞] 杜費《臉色蒼白》

第四章 恢復人的尊嚴——文藝復興時期音樂文化

（一）教學目的：

1．了解各樂派的代表人物和發展特點 2．理解世俗聲樂體裁

3．掌握文藝復興時期的音樂特點

（二）教學重、難點：

1．重點：歷史文化背景及音樂特點概述

2．難點：宗教改革對文藝復興時期音樂的影響

（三）教學方法、手段：教師講授，多媒體教學，學生講述。

相關教學內容： 【教師講授部分】

一、歷史文化背景：

從14世紀，中世紀末期，歐洲的社會開始了一些新的變化，封建主義制度開始衰退，十字軍東征而帶來的騎士階層文化的繁榮逐漸變得落寞，神圣不可侵犯的羅馬帝國和教皇的統治開始變得動搖，因為以城市為中心的中層階級開始發展，從物質生活到精神生活，都有了很大的飛躍，尤其是在精神方面，經院哲學所宣揚的基督教神學遭到蔑視，人們的視線開始從神那里轉到人自己的身上，開始發現自己，發現自己的價值，于是一種新的價值觀和世界觀給予了人類文明一段新的歷史，就是文藝復興時期，大致的歷史時段是從1300－1650年。

文藝復興(Renaissance)有雙重含義：

1．狹義上講是復興古代文化，古希臘、古羅馬的哲學和藝術價值。從古代文化那里找到了人作為自然的一部分的本來屬性。

2．廣義上講是人的思想上的“復興”。

人文主義成為了文藝復興的核心。人文主義者主張人的主觀創造力，人的價值和力量，人要逐漸從宗教中解放出來，要求個性解放，主張理性。抨擊禁欲主義，肯定人可以追求世間的歡樂和幸福，榮譽和財富。這就標志著歐洲社會從專一的宗教傾向向世俗方面過渡，從一個絕對信仰和神秘主義的時代向理性信念和科學探索時代的過渡。帶著這種滲透人性的思想，文藝復興時期，繪畫方面，出現了米開朗基羅、拉斐爾和達·芬奇三位杰出人物；科學方面，哥白尼（否定地心說，創立日心說，自然科學突破神學的進步）和伽利略（落體定律，推翻了亞里士多德的“物體落下的速度和重量成比例”的學說）成為近代科學的奠基人；文學方面，塞萬提斯、喬叟和莎士比亞對世界文學產生了深遠影響；而在音樂方面，出現了尼德蘭樂派、羅馬樂派、威尼斯樂派并鼎立于當時的樂壇。所有這些成就都遠遠超越了古希臘和古羅馬時期，因此說文藝復興的意義不僅是在于復古，更重要的是創造。

二、文藝復興音樂概況

（一）世俗復調音樂體裁得到了很大的發展

（二）宗教復調音樂因受到社會人文主義思想和世俗生活與藝術的沖擊，發生了許多變化。

1517年由馬丁·路德提出宗教改革，一方面是對抗羅馬教會，提出一些對政治和神學的異議；另一方面，其改革的性質卻又并不是完全推翻前人成果，創建新的理想模式，而是在保留傳統的某些因素基礎上作進一步的革新。換言之，以路德為首的新教仍與羅馬天主教保持一定的聯系，從教義到宗教儀式都承襲了天主教的傳統。音樂作為宗教改革中較為重要的一部分，當然也產生了不同于以往的面貌。為了使音樂成為被普遍理解和接受的形式，路德將原有的、被天主教會統一使用的格里高利圣詠體系作了相應于符合新教宗旨的改動。

1．新教音樂的核心體裁是眾贊歌（chorale），不用拉丁語而譯成德語來演唱。2．常選用流行的德國古老圣歌和民歌作為曲調，簡單易唱。

3．吸取弗蘭德樂派的復調藝術，使單聲部的新教歌曲成為四部和聲的圣詠合唱，旋律在高聲部，接近后來的主調風格。

[欣賞]眾贊歌《上帝是我們的堅固堡壘》 于此同時出現了宗教大型體裁——清唱劇。

（三）器樂逐漸擺脫對聲樂的依賴和模仿而成為獨立的音樂品種。

文藝復興時期，是以宗教音樂為帶領的聲樂復調音樂發展的繁榮時期，樂器一直被認為是不能登大雅之堂的，而隨著民間世俗音樂的興起，一些樂器和器樂逐漸普及，從最初可以為人聲伴奏到脫離聲樂而獨立發展，文藝復興時期可以說是器樂音樂發展的起步，器樂表現力的寬泛、豐富及靈活等方面是聲樂所不能比的。（同時，出現了許多描述樂器和指點如何演奏樂器的書籍）。之后，巴羅克時期音樂發展逐漸從以聲樂為主過渡到以器樂為主，聲樂和器樂成為兩個并行發展的形式。

1．樂器

文藝復興時期（1450—1600年），樂器的類別增多，延續中世紀以來的一些樂器，主要為管樂、弦樂和鍵盤樂器。

樂器類別的增多，作曲家開始創作一些器樂作品，努力挖掘各類樂器的表現力，專門為各種樂器而作的器樂曲開始逐漸增多。

2．器樂

器樂的來源主要有幾個途徑：

（1）由舞曲演變而來。帕凡舞曲、加亞爾德舞曲等；

（2）自由創作（即興風格）的器樂。幻想曲、前奏曲，托卡塔等；

（3）由聲樂曲改編或根據聲樂體裁原則創作的器樂曲。利切卡爾、坎佐納等。

（四）音樂表演和音樂創作實踐在這個時期的發展也很顯著。這時期產生了主調和聲風格

（五）音樂理論的研究在音樂表演和音樂創作的推動下也迅速發展。

總之：這時期的音樂具有過渡性質，由復調對位風格向主調和聲風格過渡。

【學生講授部分】

三、著名樂派和作曲家

（一）尼德蘭樂派

早期作曲家——杜費、班舒瓦（前一章已經講過了）第二代作曲家——奧克岡、奧爾布雷赫特

奧克岡的主要成就在彌撒曲方面。他大約寫了13首彌撒曲，其中有一半采用了定旋律彌撒曲的創作方法，選用的定旋律有宗教的也有世俗的。與迪費不同的是，奧克岡有時把定旋律放在最低音部，并把定旋律當作樂曲的主要結構因素，每個樂章都要至少完整地呈示一次。奧克岡也有些彌撒曲沒有引用定旋律，較自由地進行創作，常常使用“卡農”手法，包括復雜的有量卡農。

[欣賞] 奧克岡《用Mi-Mi音的彌撒曲》 第三代作曲家——若斯堪 若斯堪創作了20首彌撒曲、27部世俗作品和百余首經文歌，其中經文歌最為突出。他的經文歌中復調的各個聲部地位平等，大多采用一種連續模仿對位的形式。在當時意大利人文主義精神的影響下，若斯堪在創作經文歌時很注意如何通過音樂來表現歌詞的內容和意義，無論是宗教的拉丁文歌詞還是世俗的方言歌詞。若斯堪的彌撒曲大多繼承前人的傳統技法，但也體現出他技術上的獨創性。他在彌撒曲《不幸向我襲來》中創造了一種“模擬彌撒曲”手法。

[欣賞] 若斯坎 經文歌《唯你獨自創造奇跡》 最后一位代表人物——拉索 [欣賞]拉索《回聲》

（二）威尼斯樂派:加布里埃叔侄

叔侄二人先后擔任圣馬可大教堂的管風琴師，同時他們又是杰出的作曲家。他們創作的復合唱經文歌，使原有的復合唱風格得到了充分的發展。

A.加布里埃利按音區把合唱隊分成兩組，使高聲部和低聲部有時對唱、有時混唱，來取得音色的變化。

在G.加布里埃利的復合唱作品中，采用兩個、三個、四個甚至五個合唱隊，每個合唱隊都有不同聲部的組合，大量使用各種樂器，除管風琴外，還有小提琴、短號等；合唱隊之間相互問答，或與獨唱聲部交替演唱，或全體加入共同形成無比宏大的音響高潮，將教堂音樂的音響擴展到前所未有的宏偉程度。

[欣賞] G.加布里埃利《圣樂交響曲——為多聲部而作》

（三）羅馬樂派： 1．特蘭托會議：

迫于德國宗教改革的威脅，羅馬教會1545年在意大利北部的特蘭托召開宗教會議，商討應變措施來反對宗教改革，遏制新教的發展。對于出席會議的主教們來說，失去的已經失去了，關鍵是如何保住現有的一切。

2．帕勒斯特里那的創作風格：

帕勒斯特里那的創作主要集中于宗教音樂，以彌撒曲最為突出。他的風格是一種平靜勻稱、清晰協調的復調無伴奏合唱風格。音樂里有喜有悲，但是感情節制、安詳，避免了大起大落的戲劇性感情沖動，而是表現一種崇高、詩意的感情。作品織體以四聲部居多，歌詞不再為復雜的聲部所遮掩，可以聽得清楚；各聲部旋律平靜、流暢，以級進為主，三度以上跳進后必反行，具有高潮的對位技術而主旋律突出；不用半音語匯，堅持采用自然音的調式音階；總是給不協和音以充分準備和規則的解決，或是作為經過音安排在弱拍。這種謹慎的處理使他的音樂具有別人音樂所沒有的純凈和透明度。

[欣賞] 帕勒斯特里那《馬爾切里教皇彌撒曲》

四、其他幾位著名的作曲家 雅內坎[法] 托馬斯.塔利斯[英] 馬倫齊奧[意] 杰蘇阿爾多[意] [欣賞] 雅內坎 尚松《百鳥之歌》

第五章 豪華與秀麗——巴洛克與洛可可音樂文化

（一）教學目標：

1．了解巴洛克時期歌劇的發展 2．理解世俗聲樂體裁

3．掌握巴洛克時期的代表人物及創作特點

（二）教學重難點：

1．歷史文化背景及音樂特點 2．歌劇的誕生與發展 3．巴洛克時期的代表人物

（三）教學方法、手段：教師講授，多媒體教學，學生講述。

相關教學內容：

【教師講授部分】

一、歷史文化背景：

大約1600年到1750年這一個半世紀，西方音樂史上稱之為巴羅克時期。“巴羅克”（baroque）這個詞是從建筑學、繪畫史上借用來的專用術語，來源于葡萄牙語baroco，原意是指形狀不規則的珍珠。

這是歐洲從封建主義向資本主義過渡的時期，兩種體制處在不斷的斗爭之中；基督教教會雖屢受沖擊，總的來說地位仍居高不下，具有強大的勢力；人文主義精神在繼續發展，莎士比亞、高乃依、拉辛、彌爾頓等人的作品表現出深刻的思索和批判精神；伽利略、哥白尼、笛卡爾、牛頓等人的探索發現都是這個時期的偉大成果。巴羅克時期的各種藝術形式都在尋找自己的出路，繪畫、建筑、雕塑、音樂等都充滿了蓬勃的生機，顯示出新興資產階級的旺盛生命力。

巴羅克時期的音樂也同樣具有與當時的造型藝術很相似的特征，是一種宏偉、壯觀、充滿活力的藝術，崇尚富麗堂皇，強調情感的表現，在細節上又注重裝飾性，精雕細鑿，作曲家和演奏家都更注重發揮即興演奏技巧，力求旋律的裝飾和變化。

這一時期的音樂開始采用完整的大小調功能和聲體系；主調音樂風格在歌劇和器樂中得到鞏固，復調音樂在與主調音樂的相互滲透中并沒消失，在巴赫的創作中達到了高峰；數字低音沿用整個巴羅克時期，是巴羅克音樂的重要標志，所以巴羅克時期也通常被認為是數字低音的時代。

二、意大利音樂發展狀況

（一）歌劇的誕生——佛羅倫薩歌劇

16世紀末17世紀初，意大利佛羅倫薩的“卡梅拉塔”（意大利語camerata）小組以巴爾迪公爵為首，包括作家、畫家、音樂家等，經常在巴爾迪伯爵家里討論人文主義和音樂方面的問題。

他們研究了古希臘羅馬的音樂思想，對古代單聲部音樂的簡樸風格很是認可，認為自己身邊的復調音樂容易把聲樂中的歌詞攪得混淆不清，因此他們主張向復調的聲樂作品進行斗爭。16世紀末有不少的作曲家為此作過試驗，產生一種被稱為“單聲音樂”的新風格：歌唱的旋律近似于說和唱之間，伴奏被減縮到最低限度，只用鍵盤樂器和低音弦樂器來支持上方的旋律。他們繼而發現這種在和聲伴奏下自由吟唱的音調，不但可以用在一首詩歌中，而且還可以用來表現一出戲劇，這樣便產生了最早的一批歌劇。

歐洲歷史上的第一部歌劇是由詩人里努契尼寫劇本、佩里作曲的歌劇《達夫尼》（Dafne），可惜樂譜已經失傳。現存的第一部歌劇是《優麗迪茜》，由里努契尼寫腳本，佩里和卡契尼作曲。

（二）威尼斯歌劇——蒙特威爾第

蒙特維爾第（Montverdi,1567-1643）是早期意大利歌劇最突出的作曲家。他出生在意大利的一個醫生家庭，從小在當地的大教堂里接受音樂訓練，后來成為重要的宮廷音樂家。

蒙特維爾第創作的第一部歌劇《奧菲歐》，是早期歌劇中藝術成就最高的一部。歌劇題材與佩里的歌劇《優麗迪茜》相同，只是采用了原神話的悲劇結局，即冥王再次奪取了優麗迪茜的生命，最后，阿波羅神把奧菲歐變成一個星座，使他發出永恒的光芒，與優麗迪茜同在。

蒙特維爾第是第一個使歌劇戲劇化的作曲家，在他的創作中，一切音樂手法都服從于戲劇的需要。他主張音樂要有強烈的感情色彩，要去挖掘人的內心世界。他把音樂作為表現人的最有力的手段，這個人是指整個的人，包括他的一切欲望、幸福、失望、憤怒、痛苦等等。他的歌劇中的人物都是有真實情感的人物，用歌聲來表達喜怒哀樂。

在《奧菲歐》這部歌劇中，蒙特維爾第為了力求準確地表達歌詞中的情感，首次在作品中使用了弦樂震音和撥弦奏法。他從情節的戲劇性出發，在這部歌劇中自由地運用了獨唱、重唱、合唱，并大膽運用不協和和弦（當時被視為“尖銳”的二度、七和弦等和聲手法）來增強情緒表現。蒙特維爾第的這種音樂風格被稱為“激情風格”（stile concitato）。

同時蒙特維爾第是第一個用管弦樂隊來為歌劇伴奏的作曲家，并基本確立了早期樂隊的編制。佩里的《優麗迪茜》只用了幾個硫特琴和羽管鍵琴，而蒙特維爾第在《奧菲歐》中運用了40多件樂器，這在當時是個創舉。

歌劇的結構在蒙特維爾第的作品中初步定型：獨唱（宣敘調、詠嘆調）、重唱（二重、三重）、合唱、管弦樂隊以及舞蹈綜合在一起。蒙特維爾第的創作貢獻對歌劇后來的發展有著極其深遠的影響。

[欣賞] 歌劇《奧菲歐》的詠嘆調片段

（三）那不勒斯歌劇

到了18世紀，意大利歌劇的重心轉移到那不勒斯這座城市，那不勒斯歌劇不但稱雄意大利，而且統治整個歐洲歌劇舞臺長達一個世紀。

在那不勒斯歌劇中，音樂與戲劇的關系已高度地程式化，用宣敘調來展開和敘述劇情，詠嘆調則集中進行音樂表現；和戲劇相比，那不勒斯歌劇中的音樂被提到了第一位，注重旋律的華美和外在的效果，尤其是歌唱者聲音的美感，聲樂獨唱技巧達到了高峰。

歌劇中普遍使用“返始詠嘆調”（Da Capo Aria），即ABA的三段體，第一段提示主要主題，抒發基本情緒；第二段發展第一段的主題或是出現對比性的材料；第三段重復第一段，歌唱者可以即興變化，隨意添加裝飾音和花腔來炫耀美妙的歌喉，亂用難度較高的裝飾音和經過句嘩眾取寵。

這種單純地追求“美聲”以至于后來發展為只重形式而忽略戲劇內容的不良傾向，演員和觀眾都只注重歌唱的技巧，歌劇成為由一系列彼此孤立的詠嘆調組成的“化妝音樂會”。正因為如此，那不勒斯歌劇作曲家極度多產，卻又很少有優秀的作品流傳下來。

那不勒斯歌劇學派的創始人和代表——A.斯卡拉蒂

（四）協奏曲 協奏曲是巴羅克時期產生的大型合奏的新體裁，也是18世紀最重要的體裁，它的意義在于可以用音樂來體現對比和競爭的原則。當時的協奏曲分大協奏曲和獨奏協奏曲兩類。

1.大協奏曲是器樂協奏曲中的一種最早的形式：是以一組獨奏樂器（常由兩把小提琴和通奏低音組成）與整個樂隊相競奏。是一種多樂章的樂隊曲。

2.獨奏協奏曲是以一件獨奏樂器與樂隊相競奏，突出獨奏樂器與樂隊之間的對比。

對巴羅克時期協奏曲的發展作出最重要貢獻的是意大利作曲家安東尼奧?維瓦爾第（Antonio Vivaldi，1678-1741）。

【學生講授部分】 維瓦爾第 維瓦爾第出生于威尼斯，父親是圣馬可大教堂的小提琴手，他從小隨父親學習小提琴。22歲時成為神父。一家人都長著紅頭發，他被稱為“紅發神父”。維瓦爾第的協奏曲有500多首，其中獨奏協奏曲350首。

他完善了獨奏協奏曲的形式，一般為三個樂章，速度是快、慢、快，三個樂章基本上同等重要。他摒棄復調手法，偶爾用對位，因此在風格上更接近主調音樂。他的音樂具有威尼斯人的熱情和平民的開朗，音色華麗、節奏活躍，旋律性和色彩性都很強。

維瓦爾第著名的大協奏曲《四季》，四首分別標記為春、夏、秋、冬，描寫春的到來、夏日的雷雨、秋日的狩獵和收獲、冬日的冰上游戲等情景，每一首都是快-慢-快的速度，每一首的前面都冠有一首維瓦爾第寫的詩句，洋溢著詩情畫意。

[欣賞] 維瓦爾第 小提琴協奏曲——《春》第一樂章，分析曲式結構和音樂所表達的意境

【教師講授部分】

三、法國音樂發展狀況

（一）歌劇

法國有著深厚的戲劇傳統，15世紀時就有了專業的戲劇社團，17世紀出現了三位杰出的戲劇家：高乃伊、拉辛、莫里哀。

此外，法國的芭蕾舞傳統由來已久，16世紀末在宮廷里就已流行豪華的芭蕾舞藝術，凡爾賽宮里每逢節日宴會就有盛大、裝飾豪華的芭蕾舞表演，富麗堂皇、賞心悅目。這些條件對法國歌劇的形成都有重要的影響。

不過，誕生于意大利的歌劇仍是法國歌劇的主要樣板。當時一些意大利的歌劇團來法國演出時，豪華的機關布景、美妙動聽的音樂深深地吸引住了法國人。法國人利用意大利歌劇的經驗，創作出了具有本國特點的歌劇藝術。

法國早期歌劇的主要代表是呂利（Lully，1632-1687）。

呂利創作出一種他自己稱之為“抒情悲劇”的法國歌劇形式。歌劇大多取自歷史和神話題材，包括一個序幕和五幕戲，劇中穿插著有宮廷時尚的愛情情節、高雅的騎士風度，并大量使用華麗的芭蕾舞和舞臺裝飾，很適合宮廷欣賞趣味。

在音樂上，呂利不注重詠嘆調的炫技，他卻非常重視宣敘調，創作出能突出法語詩文的宣敘調，極力發揮法語的音色變化和抑揚頓挫的特點。

呂利的歌劇中感情的表達往往十分薄弱，甚至是在很動人的時刻，他寫的旋律也常常僅僅是優雅、對稱、高貴。

呂利的歌劇序曲被稱為“法國序曲”，法國序曲包括一個莊嚴緩慢的慢板段落和一個模仿復調織體的快速段落，以開頭慢板部分的簡短再現結束，形成慢——快——慢的結構。序曲充滿了莊嚴、尊貴的氣氛，很能體現法國宮廷的風格。

[欣賞] 呂利 歌劇《阿爾米德》序曲

（二）古鋼琴曲 巴羅克時期的古鋼琴包括兩種類型，撥弦古鋼琴（harpsicord)和擊弦古鋼琴（clavicord）。

古鋼琴音樂的體裁主要有主題與變奏、組曲兩種。

（1）主題加變奏是巴羅克時期器樂創作的最普遍的手法，與之相關的還有恰空（chaconne）和帕薩卡利亞（passacaglia），它們也都是變奏曲，一般采用通奏低音，三拍子，慢速。

（2）組曲這種體裁是由不同國家的四種不同風格的舞曲組成的。阿雷曼德（德國，中速，二拍子）庫朗特（法國，三拍子，快速）薩拉班德（西班牙，三拍子，慢速）

吉格（英國，三拍子，極快）

【學生講授部分】

弗.庫普蘭

法國鍵盤音樂的代表人物是庫普蘭（F.Couperin le grand,1668-1733）

庫普蘭的家族和巴赫家族一樣也是一個多達數代人的音樂家族，其中有很多人是優秀的管風琴師，由于弗朗索瓦?庫普蘭最優秀，他也常被稱為“大庫普蘭”，任教堂管風琴師和宮廷的羽管鍵琴師。

大庫普蘭創作了200多首古鋼琴曲，分成四卷，每卷包括若干首組曲，每一首小曲都有標題，多以田園風光、景物、肖像為體裁，如《小飛蟲》、《蝴蝶》、《神秘的夫人》、《打鐵者》等等，纖美秀麗，每一首曲子都表現一定的情緒，沒有強烈的感情、沒有深刻的思想，顯然受到當時宮廷藝術中洛可可風格的影響。

這些作品旋律明快、流暢，很少有音程大跳，有豐富而考究的裝飾音，是一種簡潔明晰、典雅優美、輕松明快的藝術風格，富于精美的裝飾和雕琢，代表了法國宮廷的藝術趣味。

[欣賞] 庫普蘭古鋼琴曲《莫妮卡小姐》

四、英國音樂發展狀況

（一）歌劇

在英國，歌劇受到意大利和法國的雙重影響。英國歌劇最重要的作曲家是普塞爾（Purcell,1659-1695）。他的歌劇代表作是《迪多和埃涅阿斯》，這部歌劇體現出普賽爾的歌劇創作才能。

這部歌劇明顯受到法國歌劇和意大利歌劇的影響，如一開始使用了法國序曲，迪多的兩首詠嘆調都按照意大利歌劇詠嘆調的方式寫成。盡管如此，這部歌劇仍具有英國的民間音樂風格，音樂的旋律性和抒情性都基于本國的民歌基礎上發展而來，并顯露出作曲家的個人風格，如一些歌舞中使用了英國人熟悉的音樂語匯，旋律、節奏依照語言的音調韻律，注重表達人物的感情和心理，把人物刻畫的栩栩如生等。[欣賞]

（二）亨德爾

1、生平

【教師講授部分】

2、作品

亨德爾的創作數量浩瀚，包括40多部歌劇、26部清唱劇、以及大量的康塔塔、協奏曲、奏鳴曲、古鋼琴曲、管弦樂曲等。

（1）歌劇

亨德爾是巴羅克后期最偉大的意大利歌劇作曲家。歌劇和舞臺音樂是亨德爾最喜歡的體裁，他一生都在追求創作歌劇的理想，用了35年的時間致力于歌劇的指揮和創作。

亨德爾創作的40多部意大利歌劇中，絕大多數是正歌劇，延續了意大利正歌劇的體例，題材大多取材于歷史和神話，既有英雄事跡，又貫穿著愛情情節；在音樂上也遵循了意大利原有的范例，劇情的發展靠宣敘調來敘述，角色的性格及內心的刻畫由詠嘆調來表現。

亨德爾最優秀的歌劇作品有英雄故事《凱撒》、《羅德林達》；奇幻故事《阿爾西那》、《呂納爾多》。

[欣賞]歌劇《賽爾斯》選段“綠葉青蔥”（2）清 唱 劇

清唱劇是為亨德爾帶來持久聲譽的音樂體裁，他創作了23 部，采用英國群眾熟悉的圣經作為清唱劇的題材，直接引用其中的段落、詞句，并配上氣勢雄偉的合唱、領唱，賦于清唱劇一種宏偉壯麗的風格，使其具有前所未有的英雄性和史詩性。亨德爾清唱劇由宣敘調、詠嘆調、獨唱、合唱組成，但歌詞全用英文，用英語演唱的清唱劇是他首創的。在亨德爾清唱劇中，戲劇的中心是合唱，他最有創造性的特點是對合唱的運用，合唱在清唱劇中往往處于中心地位，用合唱表現人民群眾，表現強大的集體感情，作為整體結構的支柱，來參與、評論、敘述故事的發展。

亨德爾最著名的清唱劇是《彌賽亞》，“彌賽亞”是希伯來語，愿意是“被澆圣油者”，也是“救世主”的意思。它的內容是哲理性的，中心思想是擺脫苦難、追求永恒的幸福。作品以圣經和英國國教祈禱書的詩篇為基礎，由三大部分組成，分別敘述耶穌的誕生、受難和復活。

另有清唱劇《以色列人在埃及》、《掃羅》、《參孫》也是傳世杰作。[欣賞]清唱劇《彌賽亞》選段“哈利路亞”，講解創作背景和歷史淵源（3）器樂音樂

器樂音樂不是亨德爾的主要創作領域，但他也寫了許多器樂作品。一些鍵盤音樂包括羽管鍵琴組曲、獨奏奏鳴曲、三重奏鳴曲、前奏曲、賦格等。作品主題鮮明，音樂形象具體，顯然是面向廣大聽眾的。

管弦樂方面比較突出的是他的歌劇及清唱劇的序曲、管弦樂組曲《水上音樂》、《焰火音樂》，其中管弦樂組曲《水上音樂》、《焰火音樂》都是為露天演奏而寫的，以活潑歡快的舞曲為主，很富有生活氣息，是雅俗共賞之作。

[欣賞]管弦樂《水上音樂》選段，講授創作背景

五、德國音樂發展狀況

（一）歌劇

巴羅克時期的德奧歌劇一直受到意大利歌劇的強烈影響，意大利歌劇主宰了整個德國舞臺。特別是在德國南部，大批的意大利作曲家活躍于德國的各大城市和宮廷。這些宮廷幾乎只上演意大利歌劇，人們習慣于把意大利文和譯成德文的唱詞都印在節目單上。

到18世紀上半葉，德國歌劇的題材范圍擴大了，包括神話故事、歷史傳說、喜劇性內容等等。德國作曲家在創作本國歌劇時有一個共同特點，那就是使宣敘調適應德語的語調，保留意大利式的詠嘆調。

德國第一部歌劇《達夫尼》（1627年），由許茨創作。

（二）巴赫

【學生講授部分】 1.生平

【教師講授部分】 2.創作特點

巴赫的環境和他的社會地位及經歷，使他在音樂創作中既表現了強烈的宗教感情，如對上帝、天國及美好理想的歌頌追求，同時也寫進去了他對現實生活的真切感受、體驗和思考，如對時代的沉重感、民族的苦難、教友之間的情誼、市民生活的消遣娛樂等，都融匯于他豐富的音樂之中。

巴赫的創作博大精深、浩如煙海，除了歌劇以外，各種聲樂和器樂作品無不涉獵。在音樂風格方面，巴赫的貢獻并不在于創新，而在于他融會貫通了幾個世紀以來歐洲音樂和他同時代人的音樂創作的豐富經驗，特別是對法國、意大利等不同民族的音樂傳統兼收并蓄、博采眾長，與德國的音樂傳統相結合。盡管他不出國門，他的創作卻并沒有受到地方性的限制。

巴赫嫻熟地駕馭各種復調手法，使發展了幾個世紀的復調音樂在他的手中達到了最后的高峰，同時他又表現出創作主題旋律的才能，旋律個性鮮明而精煉，高度的復調思維和新穎生動的主調手法并用的成就，使巴赫在音樂歷史上成為一個繼往開來的人物，后人在他的作品中所得到的啟迪是無法估量的。

3、重要器樂作品：（1）管風琴音樂

作為一位優秀的管風琴師，巴赫創作起管風琴作品來尤為得心應手。他在這方面的一些代表作如《d小調托卡塔與賦格》、《a小調前奏曲與賦格》、《g小調幻想曲與賦格》、一些眾贊歌前奏曲等，樂曲中嚴謹的對位邏輯、所表現的宏偉悲壯的感情以及樂觀明快的抒情性，充分體現出巴赫發揮管風琴這件樂器的表現力的才能和技巧。

[欣賞] 巴赫復調作品 《d小調托卡塔與賦格 》(2)古鋼琴音樂

巴赫的《創意曲》包括二部和三部創意曲各15首。其創作意圖是“為了讓學生學習歌唱性的演奏風格”。每一首都是以一個樂思為基礎，用各種復調手法來加以發展。

巴赫的兩冊《平均率鋼琴曲集》也是很重要的器樂作品。兩冊共48首，各包括24首前奏曲與賦格，分別置于各個大調和小調，每一首均由在同一個調性上的前奏曲與賦格組合成一套，用24個大小調證明了平均率在鍵盤樂上的可行性和藝術性。

這套樂曲是驚人的藝術寶庫，是鍵盤藝術的經典，不僅在技巧上是無與倫比的，而且具有豐富而深刻的精神內涵，堪稱是鋼琴家的“《舊約全書》”，與后來貝多芬的32首奏鳴曲（“《新約全書》”）交相輝映。

[欣賞] 巴赫鋼琴作品 《二部創意曲 》BWV 779（3）器樂合奏曲

在小型合奏中，巴赫的主要作品包括：小提琴和羽管鍵琴的奏鳴曲、長笛和羽管鍵琴的奏鳴曲等，多數是三重奏鳴曲。全曲象一首組曲，很有宮廷氣派，對演奏技巧的要求很高。

在大型合奏曲中，巴赫著名的創作是協奏曲，他的6首《勃蘭登堡協奏曲》是他的管弦樂曲中的典范之作。這套樂曲是巴赫在1721年應勃蘭登堡的一位侯爵的要求而創作的。許多人認為《勃蘭登堡協奏曲》是大協奏曲的最高典范！

《勃蘭登堡協奏曲》是按照大協奏曲的體裁進行創作的，通常由快、慢、快三個樂章組成，規模較大，使用了多種多樣的樂器組合。它作為巴赫最早的一部大型器樂作品，展現了華麗而高超的復調技法、活躍而宏偉的旋律、絢麗多彩而有富于獨創性的對比。

[欣賞]巴赫 《F大調第一勃蘭登堡協奏曲》 第一樂章（4）復調藝術

兩部復調的偉大精品：《音樂的奉獻》和《賦格的藝術》。

《音樂的奉獻》是巴赫在1747年應邀訪問普魯士腓特列大帝的宮廷時，根據腓特烈大帝當場給的主題即興創作完成的。

這部作品包括兩首利切卡爾；一首四個樂章的長笛、小提琴與通奏低音的三重奏鳴曲；10首卡農；顯示出巴赫爐火純青的復調寫作技巧。

（5）組曲

巴赫把組曲這個流行已久的體裁也推向了頂峰。他共創作有3集組曲，分別是《法國組曲》、《英國組曲》和《帕蒂塔》，每一集均包括6首組曲，每一首組曲都以巴羅克組曲中的4首舞曲為主并在薩拉班德和吉格之間附加一些其它的樂章。

“法國”和“英國”并不是巴赫本人起的名稱，而是反映了巴赫在創作中吸取了其它民族風格的影響，《法國組曲》是因為按照法國的風格寫成，而《英國組曲》是為英國的貴族而創作。

（6）變奏曲

巴赫的《戈德堡變奏曲》，巴赫稱這部作品是“為音樂愛好者消遣用的詠嘆調及各種變奏”。據說作品是巴赫應俄國駐德累斯頓大使的要求而創作的，這位大使晚上總是失眠，巴赫便為他創作了這套變奏曲，由巴赫的學生戈德堡每天晚上為大使演奏。

在這一套變奏曲中巴赫使“主題加變奏”這種形式達到了一個高度發展的水平。主題是一首優美的薩拉班德舞曲風格的曲調，隨后是30個變奏，以3個變奏為一組，每組的最后一曲都是卡農。最后一首變奏是集腋曲（quodlibet,指即興串聯起來的若干熟悉的樂曲或歌曲。），把兩個流行曲調“我離開你已經很久”、“青菜蘿卜”的曲調巧妙地結合在一起。

4、重要的聲樂作品

巴赫的聲樂作品大多是宗教內容的，另一小部分是世俗性的，創作的聲樂體裁主要有康塔塔、經文歌、受難曲和彌撒曲。

（1）康塔塔

巴赫現存的康塔塔有200多首，占他全部作品的一半。

宗教康塔塔的特點：格式基本相同，以一首復調性的合唱曲開始，中間是一系列的宣敘調和詠嘆調，最后以四聲部的眾贊歌合唱結束。內容豐富，表現手法多樣，有的重抒情，表現內心情感；有的具有史詩性，表現宏偉壯麗的氣勢。

世俗康塔塔多是為貴族而創作，是巴赫的音樂中最生動活潑、輕松有趣的一部分。世俗康塔塔不用眾贊歌，而是象歌劇一樣，由獨唱或重唱的宣敘調、詠嘆調、合唱以及管弦樂隊組成。有些作品直接采用民歌小曲做素材，帶有農村生活的情趣和城市生活的風情。

[欣賞]巴赫 《咖啡康塔塔》片段（2）經文歌

經文歌發展到巴赫的時代，以采用圣經或眾贊歌歌詞的合唱曲為主。巴赫的6首經文歌都很長，多數采用了眾贊歌的曲調。

（3）彌撒曲

《b小調彌撒》是巴赫彌撒曲的力作。包括15首合唱、6首詠嘆調、3首二重唱，不僅有莊嚴的重唱和合唱，還有充滿人情味的獨唱詠嘆調。

[欣賞] 《b小調彌撒》片段（4）受難樂

巴赫一生中并沒有寫過歌劇，但是歌劇的形式、戲劇性、音樂語匯都在他的受難樂中體現出來。

在巴赫的受難樂中，只有《馬太受難樂》和《約翰受難樂》完整地保存下來，同時也是這兩部受難樂，使德國的受難樂體裁達到了一個輝煌的頂點。

[欣賞]巴赫 《馬太受難樂》片段，并講解作品重現天日的故事

[討論歸納]巴洛克時期音樂的總體特征：

旋律：樂句長度不一，氣息較長，無論是聲樂還是器樂，旋律都空前地華麗復雜，有相當多的裝飾音和模進音型。

節奏：一種是自由、松散的節奏，帶有頻繁的急緩變化，常用于托卡塔、前奏曲等體裁中；另一種是以有規律重復出現的重音為基礎，持續律動的節奏，多用于賦格曲、舞曲中。兩種節奏常常前后結合。

情緒：音樂的情緒在一個相對獨立的范圍內不會有繁復、細膩的變化，如一個樂章或一首詠嘆調之內基本保持一種情緒，在樂章與樂章之間才形成情緒對比。

力度：巴羅克音樂在進行時采用一個相當穩定的音量，一段始終響亮的樂段后面跟上一段始終低柔的樂段，前后兩段形成明暗對比的效果。這種從一個響度到另一個響度的轉換叫做“階梯式力度”（terraced dynamics）。

主要音樂體裁：（聲樂）彌撒、經文歌、眾贊歌、歌劇、清唱劇、康塔塔、受難樂以及各種獨唱、合唱曲；（器樂）托卡塔、前奏曲、幻想曲、賦格曲、變奏曲、組曲、奏鳴曲（以獨奏奏鳴曲與三重奏鳴曲為主）、協奏曲（樂隊協奏曲、大協奏曲、獨奏協奏曲）。

第六章 理性的主宰——古典主義音樂文化

（一）教學目的：

1．了解古典主義時期的器樂體裁

2．理解喜歌劇的興起和格魯克歌劇改革 3．掌握古典時期的代表人物及創作特點

（二）教學重、難點：

1．重點：歷史文化背景及音樂特點概述 2．難點：古典主義時期代表人物

（三）教學方法、手段：教師講授，多媒體教學，學生講述、討論。

相關教學內容： 【教師講授部分】

一、歷史文化背景：

（一）啟蒙運動的影響：

18世紀歐洲最重要的思潮是產生于法國并迅速波及歐洲的“啟蒙運動”（The Enlightenment）。啟蒙運動繼承了文藝復興時期的人文主義但又發展了它，是以先進的思想教育民眾，啟迪民眾。法國的伏爾泰、盧梭、狄德羅等人是當時的代表人物，他們提出了“自由、平等、博愛”的口號，反對封建君主專制及貴族特權，提倡個人平等、自由；主張發展科學和知識，揭露和批判宗教迷信。啟蒙運動的影響遍及政治、經濟、文化各個領域。

為了傳播啟蒙思想，這一時期的歐洲在文學、藝術等方面都出現了“大眾化”的傾向。越來越多的小說、戲劇表現普通人的日常生活和思想感情。如，控訴和鞭撻封建專制的戲劇作品《塞維利亞理發師》、《費加羅的婚禮》（博馬舍），《陰謀與愛情》（席勒）；表現新興資產階級堅強不屈、崇尚科學精神的小說《魯濱遜漂流記》（迪福）等等。

古典主義美術在形式上強調結構穩定、色彩單純，以樸素自然代替華麗裝飾，以理性取代夸張，以全人類的至高理想取代少數人的權勢和享樂。

18世紀的音樂生活進一步走向了世俗化、民眾化，一些專供普通市民欣賞的音樂會開始繁榮起來。當然，在18世紀中下葉政治情景的重重矛盾中，藝術生活也是多重并列發展的，音樂家的創作與演出必須符合各個階層人的需要，因此服務于王宮貴族的娛樂性作品也大量存在。

（二）前古典主義時期

“古典主義時期”是西方音樂史發展到高峰的一個階段，它包含了兩大時段：“前古典時期”（Pre--Classical）和“維也納古典時期”（Viennese Classical）。

音樂史上有一些專門的術語來形容“前古典時期”的音樂風格，如“洛克克風格”（Rococo）、”華麗風格”（Gallant Style）和“情感風格”（empfindsamkeit），它們與已處于尾聲階段的巴羅克風格同時并存，反映了18世紀音樂風格衍變的進程。

1、創作風格

對于18世紀新風格的構成要素，可歸納為以下幾個方面：

（1）旋律追求優美動人的氣質，傾向于方整性結構，與民間音調及舞蹈節奏的聯系更為緊密。

（2）調性、和聲的安排上升為結構作品的重要因素，段落或樂章有明顯的終止式，強調更加簡潔的和聲風格。

（3）從短小動機孕育出豐富樂思的技巧得到蓬勃發展，樂章中主題的對比變化取代了巴羅克單一主題模進展開。

（4）通奏低音逐漸被明確的樂器記譜所取代。

（5）當時常用的體裁是奏鳴曲、協奏曲、交響曲和四重奏等，常用的曲式，除了二部曲式、三部曲式及變奏曲式外，奏鳴曲式的發展最為充分。

古典主義時期的音樂風格，可以概括為：理性主義。在古典樂派的作品中，注重形式的統一和結構的嚴整，笑不可以大笑，哭不可以大哭。在內容與形式的關系上追求二者平衡。

【學生講授部分】

2、代表作曲家（1）曼海姆樂派：

18世紀中葉，在曼海姆地區（現屬捷克）宮廷的公爵是一個藝術修養很高的業余音樂家，他在自己的宮廷里建立起當時全歐洲最完備的一支管弦樂隊。生于捷克的約.斯塔米茲在這支樂隊里擔任首席小提琴手，同時他還是一個優秀的作曲家。他和來自歐洲各地的作曲家、演奏家云集這里，創作和演出十分活躍，被稱為“曼海姆樂派”。

交響曲的直接來源是“意大利歌劇序曲”。由于意大利序曲與歌劇的關系不大，意大利作曲家薩馬蒂尼就把意大利歌劇序曲從歌劇中獨立出來，組成二或三個樂章的單獨的管弦樂曲在宮廷、酒館、咖啡館等等各種音樂會舞臺上演出。

（2）C.P.E巴赫

C.P.E巴赫是J.S巴赫的兒子，在普魯士腓特列大帝的宮廷里任羽管鍵琴師，音樂史上稱他叫“柏林巴赫”。

在以 C.P.E巴赫為代表的柏林作曲家的作品中，認為表達感情，引起聽眾的共鳴是演奏的目的，是一種反理性主義的“情感風格”。這種情感風格和德國文學中興起的“狂飆運動”的精神一致，是浪漫主義的先聲。

他的奏鳴曲通常是快-慢-快三個樂章的結構，增加了奏鳴曲這種體裁的戲劇性因素，奏鳴曲式主題之間的對比度加強，各樂章之間運用了遠關系轉調的并置手法。C.P.E巴赫開創了近代鋼琴奏鳴曲的前河。

[欣賞] C.P.E.巴赫《a小調鋼琴奏鳴曲》第三樂章（3）J.C巴赫

J.C巴赫1762年定居倫敦，因此常被稱為“倫敦巴赫”。在協奏曲領域里，他創作了近40首獨奏協奏曲和15首樂隊協奏曲。

J.C巴赫的協奏曲顯示出鮮明的新風格：明確確立為三個樂章，第一樂章已經預示了奏鳴曲式的主要原則，即主題在調性及材料之間的對比并置和變化統一；第二樂章常采用小步舞曲。

華麗風格在J.C巴赫的協奏曲中也很明顯，旋律流暢，顯得優美從容、靈活敏捷，還融進了蘇格蘭民歌的流行曲調。

（三）格魯克歌劇改革

1、改革的背景：

歌劇自誕生后經過了一百多年的發展，已形成了以意大利、法國為中心的兩大派別。但歌劇，尤其是意大利正歌劇（opera seria）卻逐漸成為貴族宮廷節慶社交的裝飾品，內容逐漸變得貧乏、空洞，形式也日益僵化。對閹人歌手的崇尚趨之若鶩。華麗的服裝、精美的舞臺布景更是必不可少。到18 世紀初，意大利正歌劇由于這些明顯的弊端而遭到人們普遍的反感。

2、改革的措施：

格魯克改革的主旨是：“質樸和真實是一切藝術作品的美的偉大原則。” 他提出：音樂從屬于詩歌與戲劇，要使音樂達到促使劇情發展的作用，追求真實地表達人物的情感，絕不應為了毫無意義的歌唱技巧的炫耀而妨礙劇情的發展，把那些打斷情節的、多余的裝飾統統去掉。

（1）他創作的《奧菲歐與優麗狄茜》和傳統歌劇相比已大相徑庭，原來由閹人歌手演唱的奧菲歐改由男高音擔任，詠嘆調優美簡樸而符合劇情需要，不去迎合歌唱家的炫技興趣。加強了宣敘調的旋律性，使其具有細致的情感表現力，占有重要地位。

（2）長期以來，合唱一直在意大利正歌劇中被忽視，格魯克的歌劇恢復了歌劇中合唱的不可替代的作用。

（3）格魯克認為舞蹈的表演必須要與劇情、人物和情感相符合一致，要與劇情發展有密切聯系，不再為炫耀場景而隨意添加。

（4）格魯克把樂隊的每個聲部都記寫得很清楚，代替了“數字低音”的寫法。（5）意大利正歌劇的序曲往往與劇情沒什么關系，是孤立的，脫離劇情的整體構思，格魯克認為歌劇的序曲應該來暗示劇情，使聽眾預先知道在他們眼前即將要展現的劇情性質，在心理上有所準備。

[欣賞]格魯克《奧菲歐與尤麗狄茜》詠嘆調 “我失去了優麗狄茜怎么辦”

3、喜歌劇（Opera buffa）

意大利喜歌劇是從“幕間劇”（intermezzo）發展而來的，“幕間劇”是在正歌劇的兩幕之間演出的短小、詼諧的片斷。早在17世紀意大利歌劇中就有一些喜劇性的幕間劇，幕間劇與正歌劇的情節毫無聯系，常有一些惡作劇、詼諧的繞口令等。

18世紀初，這些不同正歌劇幕間演出的喜劇場面開始被抽出來獨立演出，它們規模較小，音樂幽默，成為“意大利喜歌劇”的原形。

佩爾格萊西的喜歌劇《女仆作夫人》是第一部喜歌劇，劇情生動有趣。音樂包括一首意大利序曲、5首詠嘆調、宣敘調、2首二重唱，宣敘調半說半唱，近似于說話一般，詠嘆調和二重唱詼諧俏皮、輕松活潑

[欣賞] 喜歌劇《女仆作夫人》選段

二、約瑟夫.海頓 【學生講授部分】

（一）生平

【教師講授部分】

（二）作品介紹

海頓的作品無論是數量還是所涉及的領域，都是驚人的：108首的交響曲、為各種樂器寫的協奏曲、不同類型的室內樂（奏鳴曲、二重奏、三重奏）、小型器樂曲（嬉游曲、小夜曲、小步舞曲）、30多部歌劇、大量的彌撒曲、康塔塔、清唱劇、獨唱聲樂曲。海頓最重要的貢獻是108部交響曲和68首四重奏，在這兩個領域里體現出他永不停息的探求精神。

1、交響曲

海頓被人尊稱為“交響曲之父”，他的成就在于把這種原來較粗糙的音樂形式發展到更新、更完美的高度，通過自己的創作逐漸完善了交響曲的基本模式。海頓早期交響曲的樂章數目并不確定，直到60年代初期，他的三首交響曲“早晨”、“中午”、“晚上”，已明確采用四個樂章的結構。

[聽賞]海頓《第94交響曲“驚愕” 》第二樂章，并介紹創作背景

2、弦樂四重奏

海頓被后人尊稱為“弦樂四重奏之父”，他的68首弦樂四重奏和他的交響曲一樣，逐步達到成熟完善，也是他藝術成就最高的領域。

優秀的弦樂四重奏的結構和技巧逐漸完善：結構確立為四個樂章；奏鳴曲式中音樂展開的手法更加突出，內涵的張力也有所增加；早期的協奏曲往往第一小提琴處于支配地位，成熟時期的協奏曲中四件樂器各有自己的個性，處于同等重要的地位，四個聲部之間更為平等、協調、均衡，讓四件樂器都能得到獨立而充分的發展，各聲部都十分獨立。

[聽賞]海頓《弦樂小夜曲》

3、宗教音樂

宗教作品在海頓的創作中也占據著不小的比重，包括大量的彌撒曲、康塔塔和清唱劇。在各類宗教體裁中，有兩部偉大的杰作完全可以和海頓晚期的交響曲和四重奏相媲美，那就是清唱劇《創世紀》和《四季》。這兩部作品都是海頓在倫敦聽了亨德爾宏偉壯麗的清唱劇《彌賽亞》后，激發了他創作德語清唱劇的熱情而創作的。作品的宗教感情已十分淡薄，更多的是對人世的熱愛。

（1）清唱劇《創世紀》采用了英國詩人彌爾頓根據舊約圣經寫的《失樂園》的詞句，他請人譯成了德語。作品由三個部分組成，第一部分敘述神創造世界的頭四天；第二部分敘述神創造世界的第五天和第六天；第三部分寫園中的亞當和夏娃。

（2）清唱劇《四季》根據英國作家湯姆森的同名長詩而創作，分四個部分，就象是歌劇的四幕，描繪了春夏秋冬、四季景象，描寫農民一年四季的勞動和快樂，對大自然各種聲音的描摹十分生動，并顯示出一種純樸的幽默感，真誠地贊美淳樸農民的日常勞動。

[聽賞]海頓清唱劇《四季——秋》片段

三、莫扎特

【學生講授部分】

（一）生平

【教師講授部分】

（二）作品介紹

莫扎特創作了歌劇、交響曲、協奏曲、奏鳴曲、室內樂、器樂小品等等各類體裁，幾乎包含了音樂的所有領域。他的音樂的特征與最突出的貢獻，可以通過歌劇、協奏曲和交響曲來說明。

1、歌劇創作（1）作品：

優秀的歌劇作品有：意大利喜歌劇《費加羅的婚禮》、《唐璜》、《女人心》，意大利正歌劇《仁慈的狄多》、德奧歌唱劇《魔笛》、《后宮誘逃》等。

（2）創作特征：

A、歌劇是莫扎特音樂創作中最重要的體裁。與格魯克恰恰相反，莫扎特強調詩歌要順從音樂，音樂在歌劇中占據著支配地位。他的歌劇具有強烈的音樂感染力，旋律非常優美流暢，宣敘調也富有歌唱性。

B、莫扎特是個戲劇天才，他巧妙地把音樂的旋律和戲劇情節完美地結合起來，成為名副其實的歌唱戲劇藝術。

C、重唱在意大利正歌劇中一向不重要，在莫扎特的歌劇中卻占有極其重要的地位，被莫扎特作為安排戲劇性沖突和高潮的重要手段。

在《費加羅的婚禮》中，他以重唱刻畫了不同人物的性格，并通過重唱來表達戲劇矛盾沖突。如第二幕的終場，伯爵和伯爵夫人的矛盾通過二重唱表現出來。D、序曲簡練、個性化，在性格上與全劇有了更多的聯系。[聽賞] 費加羅的詠嘆調《不要再去做情郎》，并簡單介紹歌劇的故事情節

凱魯比諾的詠嘆調《你們可知道》

唐璜的詠嘆調《香檳之歌》

2、交響曲

（1）作品：莫扎特共創作了41部交響曲，其中以《第35交響曲“哈夫那”》、《第36交響曲“林茨”》、《第39交響曲“布拉格”》、《第40交響曲“維特”》、《第41交響曲“朱比特”》最有代表性，至今仍是音樂會上的重要曲目。

（2）創作特征：

他的寫作技術是從海頓那兒直接繼承過來的，但他去掉了以往海頓交響曲的引子，加強了奏鳴曲式中兩個主題之間的對比，促進了戲劇性的發展。和聲、調性大膽構思，展開部的不穩定幅度都已大大區別于海頓的交響曲，在一定程度上預示著后來貝多芬交響曲創作的新傾向。

[聽賞]《第40交響曲“維特” 》第一樂章，結合流行歌曲《不想長大》一起欣賞

3、協奏曲（1）作品：

莫扎特一共創作了27首鋼琴協奏曲、6首小提琴協奏曲，他在巴羅克協奏曲的基礎上，確立了18世紀古典主義協奏曲的結構模式,，成為近代協奏曲形式的創始人。優秀作品：《d小調第20鋼琴協奏曲》、《c小調第24鋼琴協奏曲》、《A大調第23鋼琴協奏曲》、《G大調第3小提琴協奏曲》、《D大調第4小提琴協奏曲》、《A大調第5小提琴協奏曲》、《A大調單簧管協奏曲》等。

（2）創作特征：

A、莫扎特仍按照巴羅克協奏曲快-慢-快三個樂章的結構來創作。所不同的是，第一樂章采用“雙呈示部”的奏鳴曲式結構，即先由樂隊演奏出第一呈示部，主部、副部兩個主題均建立在主調上；之后由獨奏樂器與樂隊共同演奏第二呈示部，主部、副部兩個主題分別在主調和屬調上，有時出現新主題。

B、在莫扎特確立的古典協奏曲第一樂章的尾聲前，樂隊停留在主四六和弦的延長音上，這時開始獨奏樂器的炫技段落，稱為“華彩樂段”，華彩樂段具有相當強的即興性質，以顯示獨奏者精湛、高超的演奏技巧為主要目的。

C、協奏曲的第二樂章是慢板，有著抒情而悠長的旋律；第三樂章多采用回旋曲式或奏鳴回旋曲式，速度比第一樂章要快，情緒也更為熱烈，具有明朗樂觀的生活氣息。

[聽賞]《G大調第3小提琴協奏曲》第一樂章

4、莫扎特的其他創作：（1）奏鳴曲

莫扎特創作了有17首鋼琴奏鳴曲、6部小提琴奏鳴曲、35部鋼琴小提琴奏鳴曲。早期風格受海頓影響，是短小的三個樂章形式，結構和內容都偏重第一樂章。70年代后期創作的幾首奏鳴曲有著華麗而細膩的鋼琴技巧和較強的戲劇性。

（2）室內樂

23首弦樂四重奏中，最優秀的是獻給海頓的6首（K387、421、428、458、464、465，1782-1785年），從不同側面反映了莫扎特誠摯、樂觀的精神。

莫扎特在室內樂創作上的天才更多地表現在五重奏上，最為突出的是《g小調弦樂五重奏》、《C大調弦樂五重奏。此外，《A大調單簧管五重奏》（K581，單簧管加弦樂四重奏）也是室內樂中的杰作。（3）小型器樂合奏

主要體裁是嬉游曲和小夜曲，大多是受友人或貴族的委托而創作，用于節慶活動。嬉游曲的樂器以弦樂為主；而小夜曲的樂器以木管為主，具有輕松活潑的特點。

[聽賞]《G大調弦樂小夜曲》第一樂章（4）宗教體裁作品

受到巴羅克時期莊嚴宏偉的風格，特別是巴赫和亨德爾音樂的影響。代表作品有《安魂彌撒》、《c小調彌撒》、《加冕彌撒》。

四、貝多芬

【學生講授部分】

（一）生平

【教師講授部分】

（二）作品介紹

貝多芬在器樂創作里取得了空前的成就，創作了9部交響曲、11首管弦樂序曲和戲劇配樂、5首鋼琴協奏曲、1首小提琴協奏曲、16首弦樂四重奏及其它各種形式的重奏曲。奏鳴曲體裁是他重要的器樂領域，包括32首鋼琴奏鳴曲、10首小提琴奏鳴曲等形式。貝多芬通過自己的創作把奏鳴交響套曲形式推進到最高峰，并對奏鳴曲式結構的成熟與發展起到決定性作用。

1、交響曲

貝多芬一生中共創作了9部交響曲。第一、第二交響曲屬于維也納的早期創作，繼承了海頓交響曲的模式，都是以海頓式的緩慢引子為開端。也有創新之處，如《第二交響曲》的第三樂章首次以諧謔曲取代了小步舞曲，末樂章的主題及發展帶有一種粗獷的性質。最具代表性的典范之作：

《第三交響曲 “英雄”》 《第五交響曲“命運” 》 《第六交響曲“田園” 》 《第九交響曲 “合唱” 》

[聽賞]貝多芬《第三交響曲 “英雄” 》第一樂章

貝多芬《第九交響曲 “合唱” 》第四樂章，結合電影《貝多芬傳》的電影片段

2、鋼琴作品

（1）鋼琴奏鳴曲（32首，被譽為“鋼琴音樂的《新約全書》”）

一般認為，前10首更接近于古典主義早期作曲家的風格，事實上這幾首也已顯示出貝多芬的一些創作個性，如第二奏鳴曲中以諧謔曲取代了小步舞曲，第八首“悲愴”奏鳴曲其中主題間的對比力度，調性轉換的大膽，戲劇性的沖突、大幅度的力度和音區對比，都是貝多芬所特有的。

第17首“暴風雨”、第21首“黎明”、第23首“熱情”等鋼琴奏鳴曲成為中期作品的代表作。第17首“暴風雨”，堅定果斷的音型與柔弱音調之間反復運動前后形成了鮮明的對比，貝多芬本人曾暗示這部作品的內涵與莎士比亞的戲劇《暴風雨》有一定的聯系；第21首奏鳴曲“黎明”充滿了自然界蓬勃的生命力，清新質樸，展開部和尾聲都大大擴展有著強烈的動力性和緊張度；第23首“熱情” 極富有英雄氣概和戰斗氣息，描寫了無數次的戰斗、沖擊，已完全顯示出貝多芬盛期的典型風格。

最后6首奏鳴曲集中體現了貝多芬晚期的創作特征，更注重用音樂表達最內在的自我，手法復雜、深奧，具有抽象性和復雜性，更多地使用復調手法。[聽賞]貝多芬《第八“悲愴”奏鳴曲》第一樂章(2)鋼琴協奏曲

貝多芬創作了5部鋼琴協奏曲，其中后三部作品在精神內涵、風格、技法上都遠遠超過了海頓、莫扎特的同類體裁作品。

五部鋼琴協奏曲中最富有貝多芬個性的是《bE大調第五鋼琴協奏曲》“皇帝”，這部作品在氣質、風格上很接近第三和第五交響曲，富麗堂皇、氣勢豪邁、莊嚴，富有英雄性格，后來常被稱為“皇帝”協奏曲。

[聽賞]《第五“皇帝”協奏曲》第一樂章（下方為“基本主題”）

3、重奏作品

貝多芬一生的幾個時期都寫有室內樂作品。早期重要的有鋼琴三重奏（Op.1，1-3）、為鋼琴和管樂的五重奏（Op.16）等。重要的四重奏體裁他一共寫了16首，代表作有Op.59、Op.74（”豎琴四重奏”）、Op.95等。

作于1806年的3首弦樂四重奏體現出對古典傳統風格的突破，這3首弦樂四重奏是獻給俄國駐維也納大使拉蘇莫夫斯基的，也稱《拉蘇莫夫斯基弦樂四重奏》。

3、聲樂作品（1）歌劇：

《費德里奧》是貝多芬創作的唯一一部歌劇。（2）宗教作品：

《D大調莊嚴彌撒》是一部大型聲樂、管風琴與樂隊的作品，貝多芬認為這是他最偉大的作品。盡管這部作品有宗教的外形框架，但由于虔誠而獲得超脫平靜與歡欣之中滲透著強烈的戲劇性。光輝燦爛是這部作品的特點。

《莊嚴彌撒》按照五段的傳統常規格式，但它像一部包含5個樂章的聲樂交響曲。其中有優美的獨唱、重唱段落，也有雄偉壯麗的合唱；樂隊配器和聲樂一樣精煉；每個段落的音樂結構以及段與段之間的關系被精心設計。第二段“榮耀經”的結束部分用了再現的手段。第三段“信經” 結尾段的歌詞，“我們期待來世的生命”，是以幾乎完全消失了的音響，又重新升起，逐漸積聚直至最后的高潮。

（3）歌曲：

貝多芬還寫有大量的歌曲及一些帶樂隊的合唱曲，從早期的藝術歌曲《阿得拉伊德》到晚期由6首歌曲組成的聲樂套曲《致遠方的愛人》，采用了德國詩人阿羅伊斯?葉特羅斯的組詩。

這些歌曲作品多以愛情為主題，包含了溫柔的幻想和沖動的熱情，尤其是后期的細膩歌調與浪漫主義潮流息息相通，成為舒伯特聲樂套曲的先行者。

[討論歸納] 古典樂派的創作風格：

（1）旋律追求優美動人的氣質，傾向于方整性結構，與民間音調及舞蹈節奏的聯系更為緊密。

（2）調性、和聲的安排上升為結構作品的重要因素，段落或樂章有明顯的終止式，強調更加簡潔的和聲風格。

（3）從短小動機孕育出豐富樂思的技巧得到蓬勃發展，樂章中主題的對比變化取代了巴羅克單一主題模進展開。

（4）通奏低音逐漸被明確的樂器記譜所取代。

（5）當時常用的體裁是奏鳴曲、協奏曲、交響曲和四重奏等，常用的曲式，除了二部曲式、三部曲式及變奏曲式外，奏鳴曲式的發展最為充分。

古典主義時期的音樂風格，可以概括為：理性主義。在古典樂派的作品中，注重形式的統一和結構的嚴整，笑不可以大笑，哭不可以大哭。在內容與形式的關系上追求二者平衡。