第一篇：古典音樂推薦

巴赫：G弦上的詠嘆調、勃蘭登堡協奏曲

貝多芬：九首交響樂（當然三“英雄”、五“命運”、六“田園”最著名啦）、小提琴奏鳴曲“春天”“克魯采”、D小調小提琴協奏曲（四大小提琴協奏曲之一）

莫扎特：第20、21、23、27鋼琴協奏曲（20、21的第二樂章優美……唯美）、第40、41交響樂、弦樂小夜曲（共四個樂章，都很熟悉的）、D小調幻想曲、魔笛、費加羅的婚禮（序曲很好聽）

維瓦爾第：小提琴協奏曲《四季》（其中《春》第一樂章最有名）

柴可夫斯基：第一鋼琴協奏曲、天鵝湖（推薦：圓舞曲、四小天鵝）、胡桃夾子（推薦：花之圓舞曲、糖梅仙子之舞）、睡美人（推薦：玫瑰柔板）、第六交響曲“悲愴”（每個樂章都令人難忘）、鋼琴套曲《四季》（“六月”船歌最經典）、如歌的行板、弦樂小夜曲

德彪西：夜曲、大海、牧神午后（根據象征派作家馬拉美同名作改編）

小約翰·施特勞斯：藍色多瑙河圓舞曲、蝙蝠序曲、春之聲圓舞曲、維也納森林故事圓舞曲、埃及進行曲、皇帝圓舞曲、電閃雷鳴波爾卡、南方的玫瑰圓舞曲、前進波爾卡、安銳波爾卡、撥弦波爾卡（與約瑟夫·施特勞斯共同創作）、吉卜塞男爵、晨報圓舞曲、維也納糖果圓舞曲、維也納氣質圓舞曲、天佑皇帝約瑟夫一世萬歲進行曲（有德國國歌片段）、游覽列車波爾卡、享受生活圓舞曲、爆炸波爾卡、你和你圓舞曲、檸檬樹花開何處圓舞曲、音樂美酒和女人圓舞曲、藝術家生涯圓舞曲、閑聊波爾卡、奧菲歐四對舞

舒曼：童年情景（第七首“夢幻曲”最經典，還有“竹馬游戲”、“在火爐邊”等）、狂歡節

舒伯特：A大調五重奏“鱒魚”（第三樂章“幽默曲”最有名）、D小調第十四弦樂四重奏“死神與少女”

肖邦：19首夜曲（前三首最著名）、第一敘事曲、4首即興曲、多首詼諧曲、多首圓舞曲、多首大圓舞曲（有名波蘭舞曲、波羅乃茲）、升C小調幻想即興曲、多首練習曲、第一第二鋼琴協奏曲（第一協奏曲的第二樂章柔美至極，唯美）

李斯特：匈牙利狂想曲（第二、第六首較有名）、鐘、愛之夢、獻辭、E大調第一鋼琴協奏曲（很特別，加入詼諧曲）、B小調鋼琴奏鳴曲、旅行年代（歐貝曼山谷、埃斯特哈奇莊園的噴泉）

亨德爾：皇家煙火音樂、彌塞亞、D大調第五號大協奏曲、G小調第六號大協奏曲、C大調大協奏曲“亞歷山大的盛宴”、水上音樂

海頓：創世紀（詠嘆調與合唱）、107首交響曲、62首奏鳴曲（我也不記得多少部了）

柏遼茲：幻想交響曲（第二樂章四把豎琴絕無僅有）

門德爾松：仲夏夜之夢（有熟悉的婚禮進行曲）、E大調小提琴協奏曲（三個樂章都很有名，四大小提琴協奏曲之一）《以利亞》

勃拉姆斯：第一（又稱“貝多芬第十交響曲”，第四樂章旋律模仿歡樂頌）、二、三、四交響曲

德沃夏克：第九交響曲“自新大陸”（第二樂章很著名、其他三個樂章也很熟悉）、斯拉夫舞曲

拉威爾：鵝媽媽組曲、波萊羅、茨岡

斯美塔那：我的祖國（第二樂章“伏爾塔瓦河”很有名）、被出賣的新娘

格里格：A小調鋼琴協奏曲、培爾·金特組曲（較著名的有晨曲、阿尼特拉舞曲、在山神廟、索爾維格之歌）

西貝柳斯：芬蘭頌、悲傷圓舞曲、小提琴協奏曲

拉赫馬尼諾夫：帕格尼尼狂想曲（變奏18較著名）、第二鋼琴協奏曲（第二樂章很美）

里姆斯基-科薩科夫：天方夜譚（小提琴主題伴隨四個樂章）、西班牙隨想曲

圣桑：動物狂歡節（其中“天鵝”最著名）

約瑟夫·施特勞斯：奧地利村燕圓舞曲、水彩畫圓舞曲、無憂無慮快速波爾卡、小磨房波爾卡

老約翰·施特勞斯：拉德茨基進行曲、中國人加洛普

瓦格納：漂泊的荷蘭人（前奏曲）、羅恩格林（第一幕序曲）、紐倫堡的名歌手（序曲）、帕西法爾（序曲、圣星期五的奇跡）、湯豪舍（前奏曲）

馬勒：第一進行曲、旅行者之歌（聲樂套曲，古斯塔夫·馬勒作詞）

R斯特勞斯：查拉圖斯特拉如是說 作品30（開頭被選為一電影配樂）、唐璜 作品20、梯爾·艾倫斯皮格爾的惡作劇 作品28

法雅：愛情魔術師

布魯克納：第四交響曲（降E大調“浪漫”）

普羅科菲耶夫：羅密歐與朱麗葉（芭蕾舞劇選曲）

埃爾加：小提琴小品愛的致意（又稱愛的禮贊）、威儀堂堂進行曲、新穎主題變奏曲“謎語”

霍爾斯特：行星組曲（“木星”樂章很著名的！熟悉的旋律在三分十五秒出現）

第二篇：古典音樂測試題

西方古典音樂知識測試題

1．圓舞曲也稱“華爾茲”，是奧地利的一種民間舞曲，其動作優美，通常采用幾拍子

A.二拍子 B.三拍子 C.四拍子 D.五拍子 2.在《動物狂歡節》中，作者以生動的手法，描寫動物們在熱鬧的節日行列中，各種滑稽有趣的情形。其作者是 A.德國 舒曼 B.法國 圣·桑 C.奧地利 海頓 D.挪威 格里格 3.煙臺保利大劇院于2010年5月上演了一部著名的芭蕾舞劇《胡桃夾子》，這是世界上最優秀的芭蕾舞劇之一。這位偉大的俄國作曲家以及他另外一部經典芭蕾舞劇是

A.柴可夫斯基 《天鵝湖》 B.斯特拉文斯基 《天鵝湖》 C.柴可夫斯基《黑桃皇后》 D.斯特拉文斯基《睡美人》 4.根據所給描述，判斷他是哪位音樂家

①生于奧地利，維也納古典樂派的代表人物之一

②是人類歷史上極為罕見的音樂天才，有“音樂神童”的美譽 ③他一生創作了歌劇、交響樂、協奏曲、奏鳴曲、室內樂、宗教音樂和歌曲等作品；

④是歌曲《渴望春天》的作者。

A.亨德爾 B.貝多芬 C.莫扎特 D.舒伯特 5.門德爾松為德國浪漫樂派最具代表性的人物之一。他的《〈仲夏夜之夢〉序曲》為浪漫主義作曲家描繪神話仙境提供了先例。下面哪首歌曲也是他的作品

A．《回聲》 B.《月夜》 C.《乘著歌聲的翅膀》 D.《致音樂》 6.《卡門序曲》是法國作曲家比才創作的一首管弦樂曲，其結構是回旋曲式，用圖式A+B+A+C+A+D+A??表示。貝多芬創作的一首鋼琴小品也是這種曲式，這首作品是

A．《月光》 B.《獻給愛麗絲》 C.《熱情》 D.《悲愴》 7.下列歌曲與其歌劇對應關系不正確的一組是 A.《獵人進行曲》——《自由射手》 B.《歌墟問答》——《劉三姐》

C.《斗牛士之歌》——《卡門》 D.《今夜無人入睡》——《茶花女》 8.印象主義音樂產生于十九世紀末，是音樂進入現代主義的開端。其創始人是 A.俄國 格林卡 B.法國 德彪西 C.奧地利 勛伯格 D.挪威 格里格

9.《C小調“革命”練習曲》充滿了戰斗性，深刻地反映了作曲家在華沙陷落、起義失敗后的心情，體現出波蘭人民不屈不撓的反抗精神。它的作者及稱號是

A.肖邦 鋼琴詩人 B.約翰·施特勞斯 圓舞曲之王 C.舒伯特 歌曲之王 D.B.B.King 藍調之王 10.音樂的體裁門類很多，如進行曲、圓舞曲、協奏曲、交響曲，下列音樂作品與上面音樂體裁對應正確的是（）①《藍色多瑙河》 ②《 命運 》 ③《梁山伯與祝英臺 》 ④《拉德斯基進行曲》

A.①②③④ B.④①③② C.③④①② D.②③④①

第三篇：古典音樂賞析

懂得欣賞西方古典音樂也是很重要的。最容易進入古典音樂的殿堂就是官能欣賞，即滿足于音樂的直覺感受，也就是說你覺得音樂旋律優美動聽或者有一定的振罕力，給人以力量，振奮精神。你認為是好的聲音、好的音樂不必考慮其他的內涵。如果有一套較好音響，你就更愛聽，聽得輕松聽得舒服，時間長了你就很快進入古典音樂的殿堂。再一進步就是古典音樂情感的欣賞，也就是通過感受音樂的各要素，體驗、理解音樂的情感，在欣賞過程中，對音樂的節奏、旋律和聲、音色、力度、速度、調式、曲式、織體加以了解分析，節奏常被比喻為音樂的骨架，節奏是音樂中重拍弱拍的周期性，有規律的重復進行，基本的節奏所表現的音樂風格我們應該要了解，如慢

三、慢四一般表現抒情、優美，圓舞（快三）表活潑，進行曲表現有力量等;旋律也稱曲調，高低起伏的音樂按一定的節奏有秩序地橫向組織起來，我們在欣賞音樂的過程中思想一定要跟著旋律走，基本的感覺一定要找到，如水平進行時表現的是柔和和優美、寧靜、級進和跳進時就是主題推向高潮，下行一般表現激烈轉為平靜;和聲也稱和弦的運用，一般歐洲古典音樂都是多聲部的音樂，如果說旋律是橫向進行，和聲就是縱向進行的，如此以來，音樂就豐滿起來，也有了氣勢;音樂力度、速度等這些要素我們可以適當學習一些音樂常識得以掌握，歐洲古典音樂作品的曲式、和聲、織體是十分規范嚴謹的，我們可以運用這些知識去體驗理解，再加自興趣進入歐洲的古典音樂情感的欣賞也是不難實現的。

欣賞歐洲古典音樂最高層次是理智的欣賞，也就是說不僅體驗、理解音樂的情感，還能對音樂作品的形式、內容、民族特征、社會價值和藝術價值等作出分析和評價。要想達到這個層次，我們必須了解欣賞歐洲古典音樂的三元素，即創作背景、演奏者的再創作;欣賞者自身的理解。歐洲古典的創作背景一般可分為四個時期：第一時期巴洛克時期，這個時期的代表人物有德國巴赫也稱音樂之父，亨德爾也稱清唱劇大師;意大利的維瓦爾弟等，這個時期的音樂風格旋律優美、柔和。第二時期是古典主義時期代表人物有海頓、莫扎特、貝多芬等，這個時期的音樂特征主題鮮明、有一定的沖突性。第三個時期是浪費主義和民族樂派，代表人物有德彪西舒曼、舒伯特、拉威爾、柴可夫斯基、斯美塔那、德沃夏克等，這個時期的音樂背景比較復雜，作曲形式多樣化，音樂表現有些委婉、抽象，且有號召力，有鮮明的民族風格。第四個時期是近代主義樂派，代表人物有斯特萊文斯基、格什溫、馬勒等，作品特征和聲配器豐富，旋律性不太強，內涵深，有的還帶有爵士風味，這個時期的作品較難理解;欣賞者自身的理解是根據自身的文化層次對音樂的理解，音樂不同于其它學科，它反映的東西是比較模糊的，也比較抽象的，因此，可以充分發揮自己的想象力，例如，在欣賞柴可夫斯基《天鵝湖》的場景時，可以想象一群長著翅膀如少女在寧靜的湖面上翩翩起舞、若影若現，也可想象一群天鵝在湖面上輕輕地、慢慢地游蕩。總之發揮自己的想象，將三元素有機聯系起來，多聽著名作品，感覺是美的???創造力，離科學的距離越來越近了。

學習歐洲古典音樂，理解古典音樂，欣賞歐洲古典音樂，將給我們的生活增添無限的樂趣。

特別喜歡肖邦的《幻想即興曲》，第1次聽我就立刻被這激騰飛越的曲調所征服。奔放激蕩的曲調，溢滿絢麗斑斕的色彩，深深觸動我的靈魂，心像是打著旋飛蕩，高歌，狂舞，如有一雙潔白翅膀，我想展開雙翅，在碧藍的天空自由自在飛翔。愛，沐浴在這樣感人的音調中，如熾熱的火焰更加繽紛絢爛，光彩照人，寧愿在輝煌中粉身碎骨，隨風而去。顆粒狀的音符飛濺，如天使在跳舞。噴涌般的激情，恰似，洶涌澎湃的大海，一瀉千里的江水，氣勢磅礴的瀑布。心有多深，溶的下這樣蕩氣回腸起伏跌宕的天籟之音和燃燒的熱情，心太小，盛不下，唯有思緒翻滾，跳蕩，沸騰。夢中，這輝宏的曲調也早已將魂魄吞沒。

肖邦，性格敏感細膩，憂郁多情，瘦弱的身體中，卻蘊藏如此浩浩蕩蕩的能量與氣魄。中間部分是如歌的行板，抒情、明朗、流暢的迷人旋律，在清澈如流水般的音型伴奏下，自然酣暢的傾瀉，輕靈縹緲而悠遠，像風中翻飛的白色紗簾，與前后熱情的幻想色彩形成鮮明的對比。夢幻般的意境。輕柔的琴聲，深情的傾訴，恬靜的沉思，飄搖的思緒，清麗婉轉，嫵媚動人。小溪輕幽的撥動琴弦，紫羅蘭在岸邊嬌柔的綻放，露珠玲瓏的掛在葉尖，云雀婉轉歌唱。情侶們，手牽手，雙眸星辰點點，蜂蜜般香甜的陽光下，編織著玫瑰色愛情的花環。

華麗而富有詩意的曲調，演繹了人生最美妙的幻想與愛情，像是一場美麗的夢．在幻想中迷離，旁徨，沉醉．夢幻中，亦點燃希望與光明的火種，憧憬美好燦爛的未來。

霍夫曼曾說，“音樂是所有藝術中最富浪漫主義——幾乎可以說是唯一的真正浪漫主義的藝術，因為它的唯一主題就是無限物。音樂向人類揭示了未知的王國，在這個世界中，人類拋棄所有明確的感情，沉浸在無法表達的渴望中。”

第四篇：古典音樂鑒賞

摘要：音樂是人類富有精神價值的文化藝術，它和人的生活情趣、審美情趣、語言、行為、人際關系緊緊相連。它是表達人們思想感情、反映現實生活的藝術，它是人們的精神糧食，在社會中是不可缺少的。作為音樂中的瑰寶，古典音樂也在人們的生活中充當了重要角色。它集聚了大師們的思想和靈魂，凝聚了他們的辛勤和汗水。傾聽古典音樂，就像是在撫慰我們的靈魂。時代在前進，但歷史留給我們的珍寶也不能丟失。因此現在的人們需要重溫古典音樂，讓古典音樂不會因時代的改變而被拋棄。

關鍵詞：古典 音樂 問題 解決 辦法

每當我聆聽古典音樂時總是會隨著曲子去想象，仿佛是自己的思想和大師的思想的碰撞。每一首古典音樂的曲子都有屬于它自己的靈魂，靜靜地聆聽它，你會創造出一個有一個的場景，場景之中隨著曲調你的靈魂也仿佛受過洗禮一般。面對自己喜愛的古典音樂，又看著現代社會，內心總有一絲涼意，為的是我喜愛的古典音樂的立足之地。21世紀，隨著時代步伐的前進，社會也在前進，同時音樂也隨著前進發展。如今人們戴著耳機聽著的是流行音樂，商店里放著的也是流行音樂，甚至走在街上人們口中哼這著的也是流行歌曲。那古典音樂的立足之地又在哪呢？古典音樂已經被那些時而高昂，時而舒緩的流行音樂排擠了。人們如果在發展中將這一寶貴的財富丟失了，那該是多大的損失。古典音樂不僅僅是一種娛樂消遣，更是一種精神修養的提升，因此作為新世紀人才我們應該去重溫古典音樂，追求高的精神境界。面對現在古典音樂的現狀我們得找到相應的對策，讓古典也變為流行。一古典音樂的含義

古典音樂這一流傳較廣的詞語有狹義和廣義兩層含義。狹義的古典音樂是指十八世紀后期至十九世紀初的歐洲古典主義時期的音樂．這是西方音樂史上一個特定時代的概念。廣義的古典音樂是指受過專業訓練的作曲家通過藝術構思創造出來的一種音樂類別，它還需要音樂家的“二度創作”，即：通過歌唱家、演奏家或指揮家在音樂會或歌劇舞臺上的表演達到藝術傳播的目的。所以，在古典音樂領域．作曲家是創作的主體，樂譜是承載藝術蘊含的“文本”，音樂表演是作品闡釋的藝術結果，這種廣義的古典音樂也被稱為“嚴肅音樂”或“藝術音樂”。如果以西方音樂史來界定，通常是指巴洛克時期開始一直到20世紀早期的音樂。二古典音樂的歷史沿革

中世紀（1450年前）

這一時期主要是羅馬天主教會所保存的在教堂中廣為演唱的單身歌曲集。大多用于兩種禮拜儀式：一是彌撒，歌詞為紀念基督最后晚餐及其獻身事跡，這是教堂儀式的中心；二是日課，就是修道院每天詠唱的八課圣事，主要以詩篇為主。

巴洛克時期（約公元1600—1750）

這一時期的音樂是現代演奏會的先河。作曲家手下的巴洛克音樂帶有顯見的特性：華麗、復雜、藻飾、扭曲，著重于超現實和雄偉宏奇，這些特質都能彼此融會貫通。如果說文藝復興時代(以及后來的古典時代)代表著井然的秩序和澄澈的表現，那么巴洛克時代（及后來的浪漫時代）就代表著騷動、不安和疑慮。四聲部的和聲，以及加上文字指示和弦的數字低音都產生與巴洛克時期。同時舊的教會調式消逝，大小調音階系統和沿用至今的相關調性崛起。另外節奏思想也在這個時期萌芽。

古典主義時期（約公元1750—1820）

因為這一時期的三位代表性人物：海頓、莫扎特、貝多芬的生活與創作主要都在維也納，因此又被稱為“維也納古典樂派”或“維也納古典主義音樂”。此時期作家中，莫扎特的小夜曲，嬉游曲等都很有親和力。海頓的第一、二號大提琴協奏曲也會是很適合入門者欣賞的曲目。至于貝多芬的作品有小提琴鳴奏曲《春》、鋼琴奏鳴曲《悲愴》等

浪漫主義時期（約公元1820—1900）

這一時期的音樂更注重表達人的精神境界與主關感情，對自然景物的表現也越加突出，創作名族和名間音樂的利用更加重視與頻繁。19世紀中后期出現了以振興本名族音樂為己任的名族樂派。在音樂體裁上出現了新的樂器獨奏體裁，如夜曲、即興曲、敘事曲、諧謔曲、幻想曲和無詞歌。三古典音樂的存在的問題

“在音樂世界如此火爆、鬧騰、騷亂的今天，古典音樂猶如一潭死水。從CD銷售量來看，在西方和日本只有8%的市場份額，其他地方更是少的可憐：音樂廳的聽眾們頭發花白，數量不斷減少。”這是伊凡.休伊特在《修補裂痕》中說的。通過我們的生活也不難發現這 一點，通常在寬敞的CD店中“古典音樂”總是被擠在最不起眼的邊角里，然而人們接觸更多的是流行音樂，人們追逐著自己崇尚的明星，滿屋全是明星的照片，屋內放滿了他們的專輯，爭取著每個和明星見面的機會，爭著取得明星的簽名，甚至一次次花錢去看演唱會，這是源于很多人對流行音樂的熱愛。從而流行音樂越來越流行，它在人們的社會占據著更大的區域。那古典音樂呢？為什么古典音樂被人們冷落著？為什么人們選擇了流行音樂而不是古典音樂？

也許有的人會說我不是不喜歡古典音樂，而是覺得它太深奧，自己不容易懂，因此就不會靜心去聽，慢慢地也就不會去聽了。是的，古典音樂是大師們心靈與肉體的結晶，它具有高深層的含義，也許正是由于它那高深的精神境界讓我們遠離它。因此有的人不敢接受，許多愿意嘗試接受它的人卻又不知道該如何去欣賞它。

另外，古典音樂的曲目和演奏形式都太單調，又都太強調嚴肅性，也許是因為古典音樂需要一個嚴肅的氛圍，但音樂本身就有嚴肅性，那么再加上它的宣傳方式，那不就加大了古典音樂和人們的距離。當作曲家的經典作品像出土文物一樣被開發出來時，就會被眾多樂團和指揮大師們翻來覆去地演奏了一百多年，縱然經典作品數量眾多，但畢竟還是有限，當一部作品被大量樂團演奏了無數遍，當一部作品被聽眾欣賞了無數遍之后，需求的減少也就成了必然。然而和其相比流行音樂曲目風格不斷變化，數目也無限制，表演形式也多變化，正迎合了人們的興趣。還有如果想要獲得一張古典音樂會的門票是多么的難，也因為其票額高讓很多人在音樂會場前止步。

還有隨著社會的進步，古典音樂也受著商業化浪潮的沖擊，但由于其不論是內容還是形式都不能迎合商業化浪潮，它也不會有利益可圖，因此在商業化浪潮面前它是力不從心的。但怎么能因此將古典音樂逼向絕路。在諾曼.萊布雷的《誰殺了古典音樂》中指責音樂明星利欲熏心，經紀公司幕后操作，唱片業主唯利是圖，從而聯手將古典音樂推向死路。

其次，人們對音樂的欣賞還停留在表面，只聽旋律而不感受其他的，因此那些歡快旋律的，朗朗上口的流行音樂便成了人們的摯愛。總之從外在的表征觀察，古典音樂聽眾的老齡化，市場份額縮小；就社會支撐而論，體制運轉不暢，財政危機四伏；以內在機制來說，曲目普遍保守，新作缺乏沖擊。

四解決問題的辦法

在的古典音樂進入了轉折關頭，那么我們又該采取什么手段來保存我們寶貴的歷史文化財富，我們該付出什么努力來拯救古典音樂。首先，就其本身而言古典音樂應該從宣傳方式上減少它的嚴肅性從而縮短與人的距離。它可以用多樣式的宣傳方式來宣傳，并且要用更加貼近大眾的姿態來展示自己。另外，在擁有其本身的精髓的基礎上，古典音樂應該努力與時代“合拍”，不僅僅與其他音樂進行溝通，而且也與當代的形式、技術、和生活發生聯系。這樣古典音樂也跟上時代的步伐，縮短和人們的距離。

其次，對于人們來說不僅僅要去聆聽古典音樂，還應該從深層次上去品味，欣賞它，體味其內在的寓意。因此我們要加強古典音樂的欣賞的積極性，主動了解古典音樂，多聽古典音樂，找出自己喜歡的類型，此外，自己除了在家聆聽外還可以走進音樂會場感受真正的音樂盛宴。另外，對于青少年的古典音樂素養還要加強，在音樂教程中多加古典音樂曲目，在教授過程中要求學生明白基本的古典音樂知識點，學會聆聽并自己對其內在的精華進行品味形成自己的思想。還應該從小培養兒童的古典音樂素養，這樣日積月累對古典音樂進行正確的認識有很大幫助。

另外，在現在商業化浪潮的沖擊之下，政府應該給予更大的支持。這樣在便可以同那些古典樂迷一起保護這一文化。

讓古典音樂重新煥發光彩不僅僅是樂音工作者的任務，每一個普通公民都有責任去拯救屬于我們自己的燦爛文化。如今的社會繁華，喧鬧，然而當耳朵里響著古典音樂時，閉上眼你會感受到一個純凈的世界，在這個世界里你會遠離城市的喧囂，煩惱，這就是古典音樂的魅力。古典音樂是心靈的音樂，因此我們要齊心協力將它帶回現代生活，讓它走進大眾生活，讓它重新綻放光芒。

參考文獻：

《修補裂痕：音樂的現代性危機及后現代狀況》(英)伊凡.休伊特著 孫紅杰譯 華東師范大學出版社

《誰殺死了古典音樂》（英）諾曼.萊布雷希特著 查修杰等譯 《音樂鑒賞教程》（中）余甲方等 復旦大學出版社

第五篇：古典音樂知識

古典音樂知識

音樂有兩類，一類是交響樂和輕管弦樂，另一類是舞蹈音樂、流行音樂和爵士音樂。

古典音樂往往指稱嚴肅音樂，也指一些已得到公認的經典作品。

一般演奏人數在10人以內，演奏古典音樂均稱室內樂。每一樂器各擔任一個聲部演奏時，兩件樂器合奏的稱二重奏，三件樂器合奏的稱三重奏......八件樂器合奏的稱八重奏，但以鋼琴三重奏、弦樂四重奏及鋼琴五重奏最盛行。編制在十人以上者，稱為室內管弦樂。大規模的器樂演奏稱為管弦樂，近代管弦樂團又稱交響樂團和交響管弦樂團。古典交響樂團的編制在30人以上，有時可多達100人或150人。演奏輕音樂及爵士音樂的樂隊，通稱為小爵士樂隊，一般人數較少，但輕音樂隊也有超過30人以上編制的。現代伴舞樂隊不使用弦樂器而單純以銅管和木管樂器為主要旋律樂器，與維也納圓舞曲樂隊截然不同。

大型管弦樂團的配置，弦樂器的人數約占60％，木管樂器的人數約占15％，銅管樂器的人數約占15％，打擊樂器的人數約占10％。通常左前邊是小提琴，中音提琴在中間偏右，右前邊是大提琴，最右是倍大提琴。弦樂器后面是木管樂器組，定音鼓在后排中心位置。大小軍鼓、鈸等其它打擊樂器在定音鼓左側。銅管樂器組在定音鼓右側。豎琴、鋼琴在左中部。

管弦樂團有4個主要的聲部：

(1)弦樂器

小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴(倍司)。

(2)木管樂器

長笛(橫笛)、短笛、雙簧管(英國管)、單簧管(豎笛、黑管)、低音管(大管、巴松管)。

(3)銅管樂器

小號、長號(拉管)、圓號(法國號)、大號。

(4)打擊樂器

定音鼓、大鼓、小鼓、鈸、三角鐵、鈴、銅鑼、木琴、鋼片琴等。

音樂的元素是音，作曲家不能像文字般明確表達感情，只能用聲音的表現來引起人們的情緒。音樂的四個基本要素是節奏、旋律、和聲及音色。節奏使人們聯想起形體動作，旋律使人們聯想起精神情緒。音樂以旋律的差別，節奏的快慢，聲音的高低強弱，和聲的變化，以及音色的不同等方法來表現其情感。比如以大調表示愉快、雄壯，小調表示悲哀、憂郁；緊張而短促的節奏表現奮發激怒，和緩而悠長的節奏表現婉轉柔和，音高且強為熱情，音低而弱為沉靜；不協和音表示奮斗爭執，協和音表示和平寧靜；小號表現戰爭，雙簧管表現田園等等。

怎樣欣賞音樂？

每個人都根據自己不同的欣賞能力和愛好來傾聽音樂。為便于分析，我們把對音樂的欣賞分成3個方面。

(1)美感

聽音樂純粹是對音樂的樂趣，只求悅耳，僅是知覺的欣賞，不需要任何形式的思考，任由音樂的感染力將自己帶進一個幻想的境界。如干某件事時，將音響打開，心不在焉地沉浸在音樂中。這時單憑音樂的感染力就把人帶到一種無意識然而又有魅力的心境中去。

美感在音樂中占有非常重要的位置，但不應讓它占過多位置。即使在這個聆聽音樂的初級階段，也應采用更有意義的聆聽方式。

(2)表達

所有音樂都有表達能力，音符后面總具有某種涵義，這種涵義構成作品的內容，能喚起情感，這是情感的欣賞。

(3)純音樂

音樂除了令人愉快的音響和所表達的感情外，還存在于音符和對音符的處理之中。為了追隨作曲家的思路，有意識地探求樂曲的結構、主題的變化及作曲家技巧的運用，這是理智的欣賞，也是欣賞音樂的高級階段。

大多數聽者并不能充分意，識到這第3方面。明智的聆聽者必須準備加強自己對音樂素材及其發展情況的意識。他必須更有意識地聆聽旋律、節奏、和聲及音色。尤為重要的是，追隨作曲家的思路，懂得一些音樂曲式的原理。

理想的聆聽者是既能進入音樂又能超脫音樂的人，他一面品評音樂，一面欣賞音樂，不斷加深對音樂的理解。

要對音樂加以理解，唯一的方法就是傾聽，只有從頭至尾地反復認真地傾聽，直到熟悉，才能加深理解

當你聽到一個旋律，能把它辨認出來時，你就具備了欣賞音樂的條件。若能聽出不同演奏家演奏同一首曲子時表現方法的差別，并了解作曲家的想法，那你已經踏入欣賞音樂的大門。

音樂都有表達能力，從而具有某種涵義，但無法用語言說清楚，也沒有必要去找恰當的言詞來表達音樂的涵義。

音樂的表現方法大致可分為純音樂(absolute music)和標題音樂(programme music)兩類。以音樂本身為目的的音樂，稱為純音樂，它只以音和形式來構成，是與音樂本身以外任何事物無明確聯系的音樂。絕大部分器樂曲，如交響曲和奏鳴曲即屬此范疇。把文學、思想、繪畫等內容以具體性的標題暗示的音樂，總稱為標題音樂。

奏鳴曲(Sonata)是包含4個獨立樂章的器樂大曲，各樂章都具有獨立的結構與風格，由鋼琴、小提琴、大提琴分別演奏。鋼琴演奏時稱鋼琴奏鳴曲，小提琴演奏稱小提琴奏鳴曲，大提琴演奏稱大提琴奏鳴曲，室內樂所奏者、亦為奏鳴曲。

協牽曲(Concerto)是獨奏樂器與管弦樂隊以平等地位聯合演奏的器樂大曲。協奏曲通常以小提琴、鋼琴、大提琴或長笛為獨奏樂器。

交響曲(Symphony)是由管弦樂聯合演奏的奏鳴曲型器樂大曲，通常它分為4個樂章，音色之復雜、色彩之豐富為一切樂曲之冠。

組曲(Suite)是由若干短曲連為一體的管弦樂或鋼琴套曲，其中各曲相對獨立。

序曲(Overture)原指歌劇、清唱劇或戲劇配樂等開場前由管弦樂隊演奏的器樂大曲，但近代有專為音樂會演奏而作的單樂章管弦樂序曲。

前奏曲(Prelude)多為短小的管弦樂曲，常用于大型樂曲及影劇的前奏。

間奏曲(Intermezzo)是戲劇或歌劇各幕之間演奏的音樂，具有暗示場面與轉換聽眾氣氛的作用，亦有獨立形式的作品，它的形式比較自由，篇幅較為短小。

托卡塔(Toccata)是一種形式自由能展示各種華麗技巧的鍵盤樂曲。

小夜曲(Serenade)是一種于黃昏或夜晚在戶外演奏的獨唱或器樂曲，音樂情緒纏綿委婉。

夜曲(Nocturn)是一種格調高雅、充滿浪漫色彩的樂曲，旋律富于歌唱性，往往有精致的裝飾音，伴奏用琶音或和弦。它是小夜曲的一個分支。

即興曲(1mpromptu)是一種即興創作的器樂小品。

敘事曲(Ballade)原有敘述故事意味，是一種具抒情浪漫性格的器樂曲。

練習曲(Study)是用于提高器樂演奏技巧的樂曲。

詼諧曲(Scherzo)又稱諧謔曲，是一種速度較快，節奏活躍明確，常出現突發性強弱對照的器樂曲。

幽默曲(Humoresque)瀟灑而自由、具有幽默與幻想特點的曲目。

隨想曲(Capriccio)作曲家憑幻想創作的樂曲的通稱，是一種以自由形式表現出富于變化的樂曲。

狂想曲(Rhapsody)是作曲家為具英雄氣概題材、民族題材或情辭并茂的題材而作的器樂曲。

幻想曲(Fantasia)是具有幻想和自由奔放特點的器樂曲，是一種含有浪漫色彩而無固定曲式的器樂短曲。

田園曲(Pastoral)曲調柔和，是模仿牧羊人所用的樂器發展而成的田園音樂。

船歌(Gondoliera)緩慢而搖蕩的音樂，旋律優美流暢。

變奏曲(Variation)是根據某一主題為藍本，運用各種不同方法陸續變化奏出的器樂曲

交響詩(Symphonicpoem)又稱音詩，李斯特首創，通常表現詩情畫意等文學性內容，只有一個樂章，結構上可自由發揮，音樂形式不限，是較交響曲要短得多的交響性作品。

進行曲(March)是用以伴隨群體前進的音樂，多為四拍子，突出強拍。通常用管樂演奏，常用于軍隊，使行列整齊并鼓舞士氣。還有婚禮、喪禮、凱旋慶祝等進行曲。

搖籃曲(Berceuse)亦稱催眠曲，形式簡單，速度徐緩，主旋律柔婉抒情，節奏搖蕩，以模擬搖籃擺動的節奏使嬰兒入睡。

圣詠曲(Chorus)原為德國民謠和基督教贊美歌，后變成器樂曲。

舞曲

分為6種。①圓舞曲(Waltz)也有譯作華爾茲的，是一種每小節一個重拍的三拍子舞曲，兼具實用性與藝術性。其伴奏由低音的第一拍與高音和弦的第二、第三拍組成。主旋律流利舒展，和聲和曲式結構簡單明晰。②加沃特舞曲(Gavotte)，一種法國舞曲，2／2拍子充滿活潑氣氛。⑧小步舞曲(Minuet)，原為法國土風舞曲，中速3／4拍子，是速度徐緩、風格典雅的舞曲。④馬祖卡舞曲(Mazurka)，一種中速到快速的三拍子的波蘭民間舞曲，流行于農村。⑤波洛奈茲舞曲(Polonaise)，與馬祖卡舞曲同為波蘭的代表性舞曲，流行于貴族社會，在熱烈的氣氛中透著壯大華麗感，節奏為獨特的三拍子，快慢適中，莊重的節奏始終如一。又譯作波蘭舞曲。⑥波爾卡舞曲(Polka)，19世紀盛行于波希米亞的快速二拍子舞曲。

嬉游曲(Divertimento)是一種輕松愉快的組曲。

浪漫曲(Romance)原為以傳奇敘事詩為歌詞的某些抒情歌曲、器樂曲。

序曲是最古老的器樂體裁之一，它對其他一些器樂體裁的發展，特別是交響曲和交響詩，起著很重要的作用。顧名思義，序曲可以比作一部作品的序言或緒論，它在音樂中最初是指歌劇、清唱劇、大合唱、舞劇或其他戲劇作品演出之前的一段前奏式的器樂曲，即主要是一種鬧場性質的音樂。但是，這種早期的鬧場音樂非常簡單，實際上只是幾聲響亮的號聲而已，相當于現今劇場演出之前的三遍鈴聲。最古老的民間市集戲臺或木偶戲演出就是這樣，甚至十七世紀初在意大利歌劇中，像蒙特威爾第(Monteverdi，1567-1643)的歌劇作品，有時也還是這樣。

十七世紀末，開始出現兩種不同范型的戲劇前奏——法國序曲和意大利序曲。所謂法國序曲，是法國民族歌劇的奠基者呂里Lul1y（1632—1687）所創立的。這種序曲從一段宏偉、壯嚴、緩慢，而且往往是進行曲式的引子開始,當中接上快速、活躍的一段音樂，多半用復調的風格寫成，最后重復開頭那段慢速度的音樂，或用慢速度的小步舞曲作為結束。法國的這種歌劇序曲具有“慢-快-慢”的結構。意大利序曲則相反，它也可以分成明顯的三段，但是它的開頭一段速度疾快、活躍而有力，當中則插入一段緩慢如歌的旋律，最后又是快速度的舞曲性段落，而且時常運用意大利民間的塔蘭臺拉舞曲或基格舞曲的節奏。這樣，意大利序曲構成的是“快-慢-快”的結構。這種意大利的歌劇序曲主要是由意大利作曲家阿·斯卡拉蒂(A．Scarlatti，1660-1725)創立的,這種序曲可以說就是在一個世紀之后出現的多樂章交響曲的雛型。由于當時的法國歌劇主要用于波旁王朝的節日慶典，而意大利歌劇卻擁有更廣大的觀眾，因此很自然地，意大利歌劇序曲在風格和內容方面都不如法國序曲那般“雍容高貴”。不過，十七至十八世紀的這兩種歌劇序曲，同歌劇本身的內容和情緒并沒有深刻的聯系。因為當時輕浮的觀眾在角色出臺之前，總是忙于應酬他們的朋友，劇場秩序安靜不下來，而作曲家也知道觀眾從不注意序曲的演奏，因此也不想在這方面多花功夫。這樣一來，一首歌劇序曲多次被用于不同的歌劇，已經司空見慣，無論是作者或是聽眾，誰也不在意。

序曲作為一種藝術形式，成為戲劇中的重要組成部分，始于十八世紀下半葉。那時，德國歌劇作曲家格魯克在進行歌劇改革時，曾為序曲定出一條劃時代的準則—— 他在自己的歌劇《阿爾刻提斯》的緒言中寫道：“我認為，序曲應該暗示出作品的主旨，為觀眾即將觀賞的戲劇先在情緒上做好準備”。格魯克的歌劇《伊菲革涅亞在奧利斯》序曲，就是當時這種歌劇序曲的優秀范例之一。由格魯克始創的這種古曲歌劇序曲，直到十八世紀末才最后定型，基本上采用奏鳴曲形式的結構，莫扎特的歌劇序曲多半屬于這一類。

歌劇序曲要同歌劇本身保持有機的聯系，再簡便不過的方法，就是直接摘用歌劇中同劇中發展關系最密切的片段或者最能體現歌劇主角的性格的旋律(如詠嘆調等)作為主題。莫扎特的歌劇《唐-璜》序曲和格林卡的歌劇《魯斯蘭與柳德米拉》序曲，都是這方面的范例。但有的序曲同歌劇本身并沒有主題上的聯系，例如莫扎特的歌劇《費加羅的婚姻》序曲和羅西尼的歌劇《塞維勒的理發師》序曲等。

貝多芬的序曲在音樂史上具有非常重要的意義，他在序曲這種規模不大的體裁中，用樸實簡潔和高度概括的音樂形象，表達出深刻的思想內容；他的戲劇序曲已經遠遠超過一般的“緒言”作用，而變成了整部戲劇作品的中心內容的集中體現。

然而，貝多芬的才華畢竟還是集中反映在交響曲方面，序曲的發展終于落到他的年輕的同時代人、德國浪漫主義歌劇之父——威柏身上。威柏的歌劇序曲無論是音樂主題，或者是情緒色彩，都同歌劇本身密切相關，成為一種精致的音畫，把聽者引入歌劇的情緒氛圍之中。威柏的歌劇《自由射手》、《奧布朗》和《優蘭蒂》序曲，都是這類作品中的杰作。

十九世紀上半葉是浪漫主義歌劇序曲的黃金時代，隨后，序曲的影響便明顯消退了。這方面有兩個原因：第一，十九世紀下半葉有些作曲家，例如瓦格納，認為歌劇本身已經足以說明戲劇故事的情節，序曲無須再涉及故事的內容，因此，許多作曲家傾向于壓縮序曲的規模。寧愿改用前奏曲這種比較簡短的體裁，只限于在幕前醞釀一種情緒；第二，當時抒情劇院的新觀眾，一般都是真心來看演出的，而且也有一定的欣賞能力，因此也沒有必要用很響的音樂去延遲開幕的時刻。結果是：像十九世紀末意大利作曲家普契尼的歌劇《波希米亞人》，幾乎只有幾個小節的引子，便立即轉入歌劇的第一幕。

除了歌劇序曲之外，十九世紀許多作曲家還熱衷于創作一種并非起“序言”作用的新型序曲，這種序曲并不從屬于任何戲劇作品，但它往往帶有標題，同一定的詩意內容、如古典文學或民間創作的形象和情節以及民間生活的畫面有聯系。這種獨立的標題性序曲叫做音樂會序曲，它的創始者是德國作曲家門德爾松，第一首專為音樂會演奏而寫的這種序曲，便是他的《仲夏夜之夢》序曲。標題性音樂會序曲的數量很多，如門德爾松的《芬格爾的巖穴》序曲、格林卡的《西班牙序曲》、柴科夫斯基的《一八一二年》莊嚴序曲和《羅密歐與朱麗葉》幻想序曲等，這類序曲有的實際上是標題性交響曲或交響詩的一個變種。

在音樂的歷史上，樂器分類法通常與配器法（Orchestration）緊密聯系。樂器分類法不僅體現這人們的（民族的、人類的）生活習慣、民風家俗，更重要的是，它還體現著當時的、人類認識各個階段的音樂生活內容、音樂形態、科學技術水平、生產力狀況……我國古代樂器分類法中最重要的一種是“八音分類法”，即根據樂器制作的材料，將中國古代樂器分為八類。西周（約公元前11世紀——公元前771年）已出現。《國語′周語下′伶洲論樂》有述： “故樂器重者從細，輕者從大，是以金尚羽，石尚角，瓦絲尚宮（瓦即土、陶，指塤等），匏竹尚議，革木一聲。”八音為金（如鐘、鐸）、石（如磬）、絲（如琴、瑟）、竹（如簫、篪）、匏（如笙、竽）、土（如塤、缶）、革（如鼗、建鼓）、木（如梆子、木魚）八類。

民間音樂流傳著另一種分法，將樂器大致分為：吹、拉、彈、打四類。如：吹（嗩吶、簫）、拉（胡琴）、彈（三弦、琵琶）、打（揚琴、云鑼）。西方音樂采用五個類別的一種分類法：

（1）木管：豎笛、長笛，用單簧或雙簧（后來用金屬制）的樂器，如雙簧管、大管；

（2）銅管：金屬制，最早是木制的，早期實物只能吹自然音階甚至兩個八度內的泛音列，如小號、圓號、大號；（3）打擊樂：鼓、鈸、響板；

（4）鍵盤：從最初自然音級的鍵盤到后來的揚可式四分音鍵盤（東方傳統樂器沒有與之相類的），如鋼琴，羽管鍵琴、管風琴；

(5)弦樂器：絲弦從紡織物、羊腸、鯨須、鋼到尼龍……如魯特琴、小提琴、吉他、豎琴。庫特′薩克斯（Kurt Sachs 1881——1959）和霍恩博斯特爾按照聲學原理對不同時代和不同文化的樂器進行研究和分類，并于1914年（其年一戰爆發）設計了一套術語，區分五大類樂器[后來被稱為“薩克斯（樂器）分類法“]：

（1）體鳴樂器：用自然發音材料制成的樂器，如磬、三角鐵

（2）膜鳴樂器：繃膜的樂器，如定音鼓、軍鼓、腰鼓；

（3）氣鳴樂器：包括無簧管振和使用自由震動的簧舌的樂器，如管風琴、笙；（4）弦鳴的樂器：用弦的樂器，如小提琴、三弦；

（5）電子樂器：分電子和電聲的，如電子琴和電風琴。八音分法是歷史上存在的一種分類法，現已不用。它體現了中國古代的科技水平，也體現了其時重工藝、重技術、輕理論和科學研究的社會狀況（及其對人文形態的影響）。八音分法其實就是一種較為初級的工藝學的分法。因為中國歷史上從未有過“科學”，有的只是工藝和技術，所以這種分類法也很遺憾地、根本未能體現和貫徹科學的原則。按照這種分法，銅鼓和編鐘同屬于金類，而陶鈴和和銅鈴分屬于土和金類。因此于實際音樂演奏、組織、活動來說，八音分法亦未必實用。它只是體現了中國古代學者物以類聚的初步安排和企圖整飭的意念。吹拉彈打活靈活現的體現了樂器的演奏方法。民間音樂通常是婚喪嫁娶或是自娛自樂之用，未有固定的樂隊編制。參演人數和方式都較為靈活，通常一個人兼奏幾樣樂器。同操月琴的人，可能這一類的琵琶、阮……都會演奏。而且民間音樂樂器學習教授是師徒式的，帶有強烈的手工作坊和手工藝的特色。吹拉彈打的分類是很容易理解而且符合手藝的特點的，類似于泥水匠和皮革匠的區別。所以在民間廣為流傳，占統治地位。

西方古典樂器分類法其實亦帶有濃厚的手工藝的特點，也并不科學——例如現在的木管樂器全部用金屬制成，而最初的銅管樂器是木制的，但木管和銅管的名稱已經固定下來了——也并不體系化。它存在的理由是它背后有另一個體系化、理論化的法則：配器法，使得這種分類法有了它的實用價值和規律。配器法是為管弦樂隊作曲的藝術，講究樂器的音色、技術、性能和有效音域，以及樂器的組合、運用和總譜部署。根本上講，配器法是以這種樂器分類法為出發點、依據和應用指導的，也使這種西方樂器分類法得到了有效的應用——這種應用雖然未必是嚴格科學意義的，但體現著科學的精神和理念。

所謂“薩克斯（樂器）分類法”其實也不是一種準樂器分類法。它只是薩克斯依據自己提出的五個術語（甚至不是概念）對樂器進行的分類，它雖然初步實現了體系化和結構化，卻也未能完全準確、科學—— 實在因為，音樂所應用的聲音材料之廣泛、復雜、多樣??決定了用以產生這樣聲音的工具也日趨精細、趨于無窮的復雜化（包括演奏法）。我們的分類法永遠在后面追趕，這是人類科學的驕傲，也是藝術之癢。樂器分類法一方面致力于嚴謹的科學體系，一方面又要對千變萬化的音樂及音樂生活和實踐進行有效地指導，實非一朝一夕可以促成。“薩克斯（樂器）分類法”是業已存在的最好的分類法，它是目前所有樂器分類法中最富科學精神和嚴謹態度的分類法，我們應當繼續構筑這幢大廈、豐富它、完善它。這甚至需要幾代人的努力，因為這個學科日益溶入越來越多的科學組分和技術含量，而且更重要的還有結構越來越復雜、內容越來越豐富、越來越活靈活現的現代和未來的音樂。