第一篇：我對中國畫的感受

我對中國畫的感受

在沒有學習中國畫之前，我一直以為中國畫就是畫畫山，畫畫水，最重要的是在學習這門課之前，我根本就不懂中國畫，或者說理解的很淺顯。雖然說中國畫這個課程僅僅不到一個學期的時間，這短短的時間里讓我來感受它、走進它、體會他，這讓我的時間突然變得緊張起來。

我這個從來沒有拿過毛筆的來畫中國畫，這叫我一開始就不知所措。幸好遇到了一位好的專業老師，他教我們畫國畫時要用意念來畫，雖然說我現在還不能夠體會到其中的真諦，但在我這些天學習的過程中慢慢的我了解到原來中國畫光靠認真仔細是不行的，而是要靠心神一起，就像老師說的中國畫里要有一種氣，要有一種神韻在里面，畫中國畫就像在表達一個人的思想，反映著一個人的性格，表達著作者當時的一種心情。

中國畫畫到現在我感覺到，要想把中國畫畫好就必須要用心來畫，要把你的思想融會貫通到畫里，畫的要磊磊落落，要瀟灑，要渾然天成。畫中國畫是一種享受，我到現在才明白過來，不享受的狀態下畫中國畫是畫不好的。盡管我現在的狀態還不是很好，還沒

能夠領會中國畫的精神，但是在幾天的學習中我領悟到中國畫確實是最偉大的藝術，它是在塑造有靈氣的畫面，畫中的山山水水具有靈性，活靈活現，從中能體現出作者大氣磅礴的豪邁與灑脫。

中國畫的學習是我所學課程中最叫我放松的一門課程，雖然有時我不在狀態，但是我會盡量把心情調節好后再繼續進入狀態，我認為不在狀態的時候最好不要動筆，不然的話會越畫越糟糕。中國畫讓我又一次找到了放松心情的良藥，就如寫毛筆字一樣，雖然我沒有寫過毛筆字，但是我想應該一樣吧。

學國畫到最后我才慢慢懂得李老師課上所說的話，心神一致，屏氣凝神，專注又不失灑脫，大氣又不失凝滯。再畫到某種程度的時候，就會在不知不覺中超脫自然，在筆墨之間把個人的情感個性在無形中流露出來，使個人與畫渾然一體。但是在灑脫之余又要格外注意整幅畫的筆墨布局以及視覺效果，我認為這是比較困難的。對中國畫的感悟 在學習美術史后，就知道有兩種完全不同的繪畫： 一種是以再現客觀世界為主的寫實型 繪畫，它以西方古典油畫為代表；一種是以表現主觀心緒與情感為主的浪漫、表現型繪畫。中國畫就是以后者為其基本特征的。

一、似與不似之間 中國畫是一種抒發主管內心情感，不重形似，而追求一種形神兼備藝術，“外師造化，中得心源”。中國畫大師齊白石曾經談過中國畫的藝術在于“似與不似之間” 而“繪畫以。形似，見與兒童鄰”也正是蘇軾對先賢們藝術實踐的理論總結。可以看出中國畫的創作，高尚的品德，不為名利所動，有理想，有見解，畫要有書卷氣，有了他，就有文野之分，就是說要有文明的素質，直接反映到畫上 去，簡單地說這樣就是好畫。而讀書也可以明悟，能夠辨識，這對于一個中國畫者來說是非 常重要的。中國畫的發展是數千年文化藝術嬗變的積累和傳承的結果。在中國畫的發展過程中，宗 教的影響，哲學的影響，書法的影響，詩文的影響等都促進了中國畫的積累，其中蘊涵的共同的中國精神品格引導著傳統中國畫一步步的自我完善。在我國文化藝術的殿堂中，中國畫是瑰寶，是國粹。長期以來，它以獨特的表現形式，贏得了東方乃至世界畫壇的贊譽。當今社會，隨著改革開放的不斷深入，西方各種畫種畫材影響著中國畫的表現方法。但越是民族的，越是優秀的，我們可以學習了解其它畫種來豐富自己，為中國畫的創新服務，但不能照搬。馬遠、夏圭、范寬、倪瓚、石濤、揚州八怪、齊白石、黃賓虹、傅抱石等一批中國畫大師，他們無不在傳統的基礎上發揮一種創新精神，他們的創新之舉，對中國畫的發展起到了推動作用。

就我個人長期創作的感受，學習中國畫，臨摹是必要的手段，在臨摹過程中，可以學習了解古人的用筆、用墨、用水、構圖等技法，了解古人是怎樣將山水、樹石、車船、屋宇、人物、動物等提煉到畫面中的。書畫同源，寫得好才有可能畫得好，但畫得好，不一定都寫得好。書法的學習對國畫的作用意義重大，研練書法，使柔軟的筆毫在紙上形成力度，以至力透紙背，這便達到了古人所說的“骨法用筆”的境地。吳昌碩擅寫石鼓文，用肩力去寫，功力深厚，后在任伯年的幫助下，將此筆法運用于畫花卉的枝干上，取得了極好的效果。此外還要廣泛閱讀畫論畫史，學習詩詞歌賦。藝術是相通的，詩書畫是一個家里走出來的兄弟。一個優秀的國畫家必需以古典文學作支撐，從中國的詩詞歌賦中吸取豐富的藝術素養，形成高雅超越的胸襟，這樣才能使自己的畫作具有深厚博大的文化之根。而要做到這一步，非一朝一夕之功，必須長期作戰才行。

中國畫的基本構成有筆、墨、紙、水，所謂點、線、面，墨分五色，與水的控制密不可分，墨通過水的調配以及落筆行筆的輕重徐疾，在宣紙上可達到千變萬化氣韻生動的效果，如此反復練習，可望熟能生巧。師法造化，親近自然，這是藝術的規律。有了筆墨的基礎后，還必須深入生活，才能創作出有生命力的作品。寫生是將生活中的自然景物加以提煉，記錄下來，同時尋找古人的表現方法。寫生一般用鋼筆、碳筆，我更喜歡用毛筆，把看到的景物加以自己當時的想法即時地在紙上表現出來。這使得以后進一步的創作因擁有第一手資料而方便得多。寫生要與大自然交朋友，領悟大自然千變萬化的神奇奧秘，它不但可以幫助你找到古人的繪畫技法，還可以使你發現未表現過的素材。我在川藏高原寫生途中，發現山有紅色、黑色和紫色，水也有紅色黑色，高大雄奇的川藏山體，各種山川式的地貌，要在古人皴法的基礎上加以變化才能表現出來。

第二篇：我對中國畫的認識

我對中國畫的認識 班級：建筑092 姓名：胡曄 學號：24

我對中國畫的認識

-----胡曄

中國畫是中華民族傳統的繪畫，它扎根于中華民族濃厚的土壤之中，歷經數千年文化積累、發展，已成為中華民族獨特的文化瑰寶之一。它包含了中國人的文化素養、審美意識、思維方式、美學思想、哲學觀念以及技法、理論等程工具有鮮明的中華民族特色、特點和風格、氣魄，區別于世界各國的繪畫藝術，不僅為中國人民所喜愛，而且也受到世界各國人民所贊賞，能與西方沒畫相媲美，是另一座藝術高峰，立于世界藝術之林。

一．中國畫的分類：

簡單的來講就是兩大類：工筆和寫意 嚴格來說中國畫的分類很復雜：

從畫的內容來看可分為：人物畫、山水畫、花卉畫、禽鳥走獸蟲魚畫、界畫等。從畫的形式或顏色上可分為：水墨、青綠、金碧、淺絳等。從畫的技巧上可分為粗筆（潑墨）、細（工）筆、寫生、寫意、皴法、白描、沒骨、指頭畫等。

從畫的時代上可分為：古畫、新畫、近代畫、現代畫等。

二.中國畫歷史發展過程：

中國畫發展和演變分為六個時期：

1.先秦兩漢時期民族繪畫風格的初步形成 戰國時代，那時已出現了畫在絲織品上的繪畫——帛畫，這之前就已經有了原始巖畫和彩陶畫，這些早期繪畫奠定了后世中國畫以線為主要造型手段的基礎。

2.魏晉南北朝時期繪畫的發展階段 兩漢和魏晉南北朝時期，社會由穩定到分裂的急劇變化、域外文化的輸入與本土文化所產生的撞擊及融合，使得這一時期繪畫形成出現以宗教繪畫為主的局面，描繪本土歷史人物、取材文學作品亦占一定比例，山水畫、花鳥畫亦在此時萌芽，同時對繪畫自覺地進行理論上的把握，并提出了一定的品評標準。如南朝畫家張僧繇提出“筆才一二，像已應焉”、“筆不周而意周”的觀念，他畫人物吸收了天竺的暈染法，形成了“張家樣”的風格特征。北周曹仲達的“其體稠疊而衣服緊窄”，他吸收了印度笈多造佛的特點，有曹衣出水的風格特征，形成了“曹家樣”。這時人物畫開始重氣韻，注重人物的精神氣質描寫。以謝赫《畫論》中的六法為主要的美學規范，超越形似追求傳神的傳統為后世繪畫奠定了發展道路，這種追求神似和氣韻的方法，就是中國畫意象和寫意的表現。

3.繪畫趨向全盛的隋唐五代時期

隋唐時期，社會經濟、文化高度繁榮，繪畫也隨之呈現出全面繁榮的局面。山水畫、花鳥畫已發展成熟，宗教畫達到了頂峰，并出現了世俗化傾向；人物畫以表現貴族生活為主，并出現了具有時代特征的人物造型。唐代畫家吳道子的作品有“天衣飛揚，滿壁風動”，的效果，他發展了中國畫線條的表現力，使其更加的簡練生動。畫家張萱和周昉的人物畫刻畫人物內心情緒栩栩如生，這些都奠定了寫意表現的基礎。

4.蓬勃興盛的二宋時期繪畫 五代兩宋時期繪畫又進一步成熟和更加繁榮，人物畫已轉入描繪世俗生活，宗教畫漸趨衰退，山水畫、花鳥畫躍居畫壇主流。五代兩宋是花鳥畫的成熟期，花鳥畫在寫生的基礎上，寄托人的志趣、情操、表達畫家的內心感受。這種自然中美的東西通過比興等藝術手法與人發生關聯，寄托人的感情，這就是意象的思維方式。荊浩的山水強調真與似的區別，注意氣韻和意境的表達，這些都是中國畫意象的反映。由于封建士大夫階層對山水畫的需求，所以這時的作品在寫實的同時，注重整體氣氛，情趣和意境的把握。馬遠、夏圭的作品在構圖上留有大量的空白，虛實結合，給人更多的想象空間，空靈、奇妙。文人畫的出現及其在后世的發展，極大地豐富了中國畫的創作觀念和表現方法。蘇軾、米市等人的作品自娛自樂，追求更高的精神境界，他們的作品不求形似，追求意境、志趣、情感的表達，講求詩、書、畫的結合。南宋由于禪宗的盛行，以梁楷為代表的寫意人物畫出現。中國畫的精髓“意象”和“寫意”兩者，在這個時期表現的淋漓盡致。宋代繪畫對“意境”的開拓和發展，對后世的影響非常的深遠。

5.以筆墨情趣為主流的元代繪畫 元代文人畫以山水畫為大宗，托復古以尋求新路，師古而不泥于古。元四大家，集古人之長，融進已意，自成一家。元文人畫墨竹和墨梅，寄托文人高潔、孤傲的思想情操，以意寫之，多有簡逸秀淡之致。

6.明、清時期繪畫流派的涌現

明末畫家徐渭主張以書法入畫，強調個性。清初畫家朱耷將寫意花鳥發展到一個高水平，完全出自他內心世界白眼向人的魚鳥形象，是他抒發感情的有力的藝術語言。文人畫成為中國畫的主流，但其末期則走向因襲模仿，距離時代和生活愈來愈遠。

三．中國畫的特點：

1.工具材料

采用中國特制的毛筆、墨或顏料，在宣紙或絹帛上作畫。由于采用特制的毛筆來作畫，使得“筆墨”成為中國畫技法和理論中的重要術語，甚至有時成為中國畫技法的總稱。所謂“筆”，是指鉤、勒、皴、點等運用毛筆的不同技巧和方法，使中國畫表現出變化無窮的線條情趣；所謂“墨”，則是指中國畫以墨代色，運用烘、染、潑、積等墨法，使墨色產生豐富而細微的色度變化，也就是常講的“墨分五彩”（指墨色的焦、濃、重、淡、清等五種不的色度）或“興彩”（上述“五彩”再加上宣紙的白色），使得以墨代色的中國畫具有獨特而豐富的藝術表現力。

2.首重立意構思

中國畫創作，以立意為先，許多繪畫理論家都首先強調這一點，不管是畫山水、畫人物、還是畫花鳥。

唐代張彥遠在《歷代名畫記》中有一段關于”六法”的論述：”夫象物必在于形似，形似須全其骨氣。骨氣形似．皆本于大意而歸乎用筆。”他認為立意在完．畫中才能有變態、有奇意。宋代以畫梅花著名的華光和尚，法號仲仁，傳為華光著作的《畫梅指迷》中，有一段”畫梅全決”，開頭就是”畫梅全決，生意為先”。到了清代的方薰，著有《山靜居畫論》．在這里也強調了立意與作畫之關系，他說：”作畫必先立意以定位置，意奇則奇，意高則高，意遠則遠，意深則深，意古則古”。他認為平庸者作畫必平庸，俗氣者作畫也俗氣，因為缺乏畫家最寶貴的”立意”，所以作品平庸。3.注重意境

中國畫要求筆與墨合，情與景合、現實中無限豐富的景象，繪畫家以強烈的形象感染力。畫家憑借著這種感受，激起描繪這些景象的激情，于是作品作為情景相生的復寫而重現，使情景交融在一起。

至于氣韻生動，即是畫家所創造的藝術靈境，不同于一般的寫生畫，應成為富有生氣，新鮮而活潑，有詩一般的韻味，使觀者神往無窮。如果沒有表現出如此生動、如此韻味豐富的內涵，當然，就不能給予人這一些感受，而達不到中國畫富有引人入勝的意境。

4.構圖方法

中國畫在構圖方法上不受焦點透視的束縛，多采用散點透視法（即可移動的遠近法），使得視野寬廣遼闊，構圖靈活自由，沖破了時間與空間的局限。例如五代后梁畫家荊浩的山水名作《匡廬圖》，就是一幅全景式的絹本水墨畫，將崇山峻嶺、飛瀑流泉、屋宇庭院、行人小船都巧妙地組織在一個完整的畫面里，構圖上錯落有致，變化豐富，形成一個全景山水的壯觀場面。中國畫在構圖時，還可將不同時間和不同空間的事物安排在一個畫面中，猶如一組運動鏡頭把不同的場面集中到一起。例如，五代南唐畫家閎中的不朽名作《韓熙載夜宴圖》，就是以五段連續的畫面來構成一幅長卷，韓熙載這個人物在不同的畫面中多次出現。又如，北宋畫家張擇端的著名風俗畫長卷《清明上河圖》，更是以散點透視法將汴河兩岸數十里的繁華景象組織成一個完整的畫面，通過這種全景式的構圖展現北宋首都汴京從城郊農村到城內街市的熱鬧情景。中國畫在構圖方式上的這一特點，植根于情景交融的美學追求和高度概括的表現手法。因此，中國畫不受空間和時間的限制，非常自由與靈活。在山水畫中可以“以大觀小”，在花鳥畫中可以“以小觀大”，用簡略的筆墨去描繪豐富的內容。

四．中國畫未來發展趨勢：

不同時期的繪畫作品都有其獨特的藝術風格與特色，都是所處時代的文化寫照，因此繪畫的形式風格與時代的特征息息相關。如今的社會是一個相對開放，講究文化交流，多元化發展的世界，因此中國畫會受到不同特色的文化影響而呈現出更多多元化的藝術形式。任何事物都不能停留在一個固定的形式，需要更多地創新與發展，特別是藝術，多元化的藝術形式是時代發展的需要。我們在發揚傳統文化的同時也要積極尋求改變，這才是社會發展的動力，才能保持文化發展的生命力。在積極尋求突破的同時，我們也不能忘記對傳統繪畫的保護與傳承。

雖然我們不是專業的畫家，也不是專業認識，不可能對繪畫有很深的認識，但中國繪畫是一筆寶貴的財富，具有很高的藝術成就，我們從中能夠學習很多的知識。因此學習一定的美術知識是十分必要的，這也能提高我們對藝術的理解水平。同時，如果我們有初步的一些認識，也對中國畫的傳承和發展有更大的幫助。

建筑092 胡曄 24號

第三篇：初學中國畫的感受

初學中國畫的感受

在沒有學習中國畫之前，我一直以為中國畫就是畫畫山，畫畫水，最重要的是在學習這門課之前，我根本就不懂中國畫，或者說理解的很淺顯。雖然說中國畫這個課程僅僅只有32課時的時間，這短短32課時的時間讓我來感受它、走進它、體會他，這讓我的時間突然變得緊張起來。

我這個從來沒有拿過毛筆的來畫中國畫，這叫我一開始就不知所措。幸好遇到了一位好的專業老師，他教我們畫國畫時要用意念來畫，雖然說我現在還不能夠體會到其中的真諦，但在我這些天學習的過程中慢慢的我了解到原來中國畫光靠認真仔細是不行的，而是要靠心神一起，就像李老師說的中國畫里要有一種氣，要有一種神韻在里面，畫中國畫就像在表達一個人的思想，反映著一個人的性格，表達著作者當時的一種心情。

中國畫畫到現在我感覺到，要想把中國畫畫好就必須要用心來畫，要把你的思想融會貫通到畫里，畫的要磊磊落落，要瀟灑，要渾然天成。畫中國畫是一種享受，我到現在才明白過來，不享受的狀態下畫中國畫是畫不好的。盡管我現在的狀態還不是很好，還沒能夠領會中國畫的精神，但是在幾天的學習中我領悟到中國畫確實是最偉大的藝術，它是在塑造有靈氣的畫面，畫中的山山水水具有靈性，活靈活現，從中能體現出作者大氣磅礴的豪邁與灑脫。

中國畫的學習是我所學課程中最叫我放松的一門課程，雖然有時我不在狀態，但是我會盡量把心情調節好后再繼續進入狀態，我認為不在狀態的時候最好不要動筆，不然的話會越畫越糟糕。中國畫讓我又一次找到了放松心情的良藥，就如寫毛筆字一樣，雖然我沒有寫過毛筆字，但是我想應該一樣吧。

學國畫到最后我才慢慢懂得李老師課上所說的話，心神一致，屏氣凝神，專注又不失灑脫，大氣又不失凝滯。再畫到某種程度的時候，就會在不知不覺中超脫自然，在筆墨之間把個人的情感個性在無形中流露出來，使個人與畫渾然一體。但是在灑脫之余又要格外注意整幅畫的筆墨布局以及視覺效果，我認為這是比較困難的。

第四篇：對中國畫的欣賞

對中國畫的欣賞

中國畫在世界美術領域里獨樹一幟,自成體系,有著悠久的歷史和優良的傳統。中國畫是用中國傳統的繪畫工具,按照中國人的審美觀點進行創作繪畫而成的。傳統的中國畫不講焦點透視、明暗光線,不拘泥于物體外表的肖似,講求“以形寫神”,追求一種“妙在似與不似之間”的感覺,多強調抒發作者的主觀情趣。

中國畫是運用絹和宣紙作畫,特別是生宣紙的滲性,更加發揮了特有的筆趣和墨彩。在用墨方面亦如用色,古有墨分五彩之經驗,亦有惜墨如金的畫風,自由揮灑,酣暢淋漓;用筆方面,使用毛筆的尖錐,講求粗細、疾徐、頓挫、轉折、方圓等無窮變化,奇妙的效果,以表現物體的質感;在敷色方面也有自己的講究,所用顏料多為天然礦物質或動物外殼的粉末,耐風吹日曬,經久不變;意境方面追求自然、含蓄、深沉,樸素淡雅的畫面配以中國書法,題詩落款,再押署印章,彰顯出中國畫的特點,“詩、書、畫、印”的結合完美構成。

詩書畫印的結合,是中國畫特有的表現形式,融多種藝術為一體,相互輝映。其相互結合是中國畫發展到一定歷史階段的產物,是文人畫家登上畫壇后才具有的現象。當繪畫還是工匠們的專職時,詩書畫印是獨立的。東漢至北朝,雖有蔡邑、顧愷之這樣的文人畫家,但并無詩書畫印結合的作品。唐朝、五代的文人畫家雖多,也沒有詩書畫印結合的實例。北宋后期,許多文人畫家活躍畫壇,如蘇軾、文同、王晉卿、米芾等,倡導詩書畫印結合,并且身體力行,為詩書畫印的完美結合奠定了基礎。到元代迅速發展,詩書畫印結合的藝術形式為畫家們 1

普遍采用,乃至明清兩代,詩書畫印結合的藝術形式日臻完美。詩畫結合包含著兩層意義:一是畫本身沒有題款,但充滿詩意,可謂詩畫意境結合。二是畫上題詩書款,詩畫相配,相得益彰。詩畫作為兩門藝術,各有其長短。“畫”表現事物比較直觀、具體、真實,便于領略,但它受時間和空間的限制,只能選取瞬間靜止狀態。而“詩”則不同,它可以寫事物在不同時間、不同地點的發展變化,容量比較大。二者的結合,使靜止的畫面動起來,空間拉長,容量立刻膨脹開來。繪畫史稱唐代王維是詩畫結合的創始人,他說自己是“宿世謬詞客,前身應畫師,不能舍余習,偶被世人知。”蘇軾說:“味摩詰(王維字)之詩,詩中有畫;觀摩詰之畫,畫中有詩。”王維是“詞客”和“畫師”合為一體的人。在蘇東坡的贊賞之下,王維被視作是“詩中有畫,畫中有詩”的代表人物。

畫上題詩書款,還可起到畫龍點睛的作用。一幅精美的山水畫或花鳥畫,讓人較難猜透作者的心思或想表達的意境,但通過畫上的題詩書款,人們就易領會作者的意圖。宋徽宗趙佶的繪畫尤其是花鳥畫作品,經常有御制詩題、款識、簽押、印章。詩詞一般題在屬于精工富麗一路的畫作上,如《芙蓉錦雞圖》軸,左下角秋菊一叢,稍上斜偃芙蓉一株,花鳥錦雞依枝,回首仰望右上角翩翩戲飛的雙蝶,順著錦雞的目光,導向右邊空白處的詩題:“秋勁拒霜盛,峨冠錦羽雞;已知全五德,安逸勝鳧翳。”全圖開合有序,詩彌補了畫未盡之意,畫因詩更顯圓滿。這首詩題,實際上已巧妙地成了畫面構圖的一部分,從中可以見出趙佶對詩畫合一的大膽嘗試和顯著成就。畫上的題字和簽名一般都是

用他特有的“瘦金體”,秀勁的字體和工麗的畫面,相映成趣。從而使北宋末年的繪畫走向一個注重畫外情韻的表現途徑。轉有的畫中題詩書款,意在闡明畫理,幫助讀者理解畫家的藝術風格,如元代畫家倪瓚,為張以中畫竹,畫上題曰:以中每愛余畫竹,余之竹,了以寫胸中逸氣耳,豈復較其似與非,葉之茂與疏,枝之斜與直哉!或涂抹久之,人視以為麻為蘆,仆亦不能強辯為竹,真沒奈覽者何!(《清閣集》)清代揚州八怪之一鄭燮(鄭板橋)為竹石畫作題詩:咬定青山不放松,立根原來破巖中。千磨萬擊還堅勁,任爾東西南北風。其題詩書款更強調了畫中意境,體現了畫家的思想境界。

中國畫的“書”(指書法)與“畫”由于工具相同,操作時又有許多共同之處,所以二者早已結下不解之緣。書畫的結合也包含兩層意思:一是畫家本人兼長書法,作畫時常常以書入畫;二是以書題詩寫款在畫面上,與畫面構圖協調。書與畫在某些方面是有相通之處,但二者畢竟是兩種不同的藝術門類,各有不可替代的某些特點。繪畫是以塑造完美的造型藝術為主,充實畫面內容為首任,書法則以其特有的風格,作為補充畫面的不足之處,使一幅國畫作品更加完美。

印最初只是信物,北宋以前的畫家作畫很少押印,一般只押鑒定人、收藏家的印記,這些印記并非畫面不可缺少的組成部分。至元代時期,水墨畫占壓倒優勢,朱文印章已不僅僅是信物標記,而成為畫家們作畫時不可缺少的構圖需求,并對畫面起到活躍氣氛的作用。有的印文本身就有含意。如王冕在畫上押署“文王子孫”印章,趙孟頫常在畫上押署“趙氏子孫”印章。明清兩代制印技術大發展,畫家對押

署印章部位、大小及印文內容和印章本身的藝術形式都很講究。畫家根據畫面內容、風格的需要,押署形狀大小不一的印章,使畫面構圖更加完整,更加提高了觀賞價值。如文征明《清秋訪友圖》,系青綠山水圖,畫面以石綠、花青染樹,以淡墨、花青、赭石暈染山巒,山澗水流清澈,在這古樸雅靜的環境中,好友二人在巖石旁青草坪上賦詩閑聊,其中紅衣白裳,格外顯目,但以畫面設色構圖看,“萬綠叢中一點紅”有點孤立。畫家在畫面右角題款處押署“征明”一方朱印,使畫面頓時生輝,與人物的紅衣裳相互呼應。

依畫面構圖所需,押署印章也各有不同，均由畫家根據自己畫面所需,配上相關內容的印章,充實畫面內容,達到畫龍點睛的效果,這就是押署印章的妙處。

綜觀中國畫發展的歷史，我們不難看出，中國畫是我們民族美學、哲學、文化、精神的綜合，它代表了我們民族的優良文化和我們的世界觀、人文觀。它一直能夠長久發展和不朽的藝術魅力在于他集中體現了中華民族傳統文化的“意象”思維方式與“寫意”的造型觀，這是中國畫發展的核心。

第五篇：對中國畫的認識

姓名:李歡1006班

院系:物理與電子科學學院電子信息工程

學號:2010112030630

對中國畫的幾點認識

我從小就很喜歡山水畫和花鳥畫,喜歡里面的山山水水,喜歡里面的鳥語花香,更喜歡中國畫所表現出的那種“詩中有畫，畫中有詩”的意境。有時完全被中國畫的深邃所吸引，并且很佩服畫家能在筆墨之間將大千世界表現地淋漓盡致。故而對中國畫有一種獨特的感受，只是一直沒機會去深入的了解中國畫。但通過這學期的學習,對中國畫有了更深的了解，并且學到了許多畫中國畫的技巧，收獲頗多。下面就談談我個人的幾點認識和見解。

中國畫的藝術特點

一、形與象通，意與形合。形與象通，意與形合是中國畫造型的基本要求。形，指外形、輪廓，是中國畫傳神達意的主要要素。象，指自然客觀存在的萬物形象或作畫者在繪畫作品中創造的藝術形象，即作畫者追求神似而不追求形似，是概括化、藝術化的形。形、輪廓是中國畫造型不可缺少的主要依據，師法自然中的形，經過作畫者思想的提煉和加工，創造“似與不似”之藝術的“形象”，形與象；意，指繪畫作品的思想內容、作畫者的構思設想和創作意圖。它具有三方面的意義：（1）、作畫者主觀的意，即繪畫的立意（2）、畫面形象所體現的意。（3）、繪畫對象的意。作畫者的立意是主觀的，繪畫對象的意是客觀的，畫面形象的意是作畫者師法自然，熔鑄丹青，抒寫胸臆的藝術結晶，這種意是建立在形的基礎之上的，遺物象而取意取神，但舍形不能求意。中國繪畫的藝術形式美是為了表現“神似”，這“神”是一種意，即作畫者對物象本質的認識、審美的感受。

二、境與性會，因心造境。意境是中國傳統美學的范疇，是自我與自然自然的高度融合。境，是畫面中有情趣的自然景象。性，是作畫者的性情、興趣喜好、習性。境與性會是指畫境要與作畫者的性情合一，達到情境交融的地步，意即客觀的自然景物與作畫者的性情有機地結合起來，有如水乳交融，渾然一體，興會神交；因心造境是作畫者按自己的理想所描繪出的生活圖景，這個圖景是現實生活中所沒有、或少有的，是作畫者虛擬出來的虛幻飄渺的藝術境界，是作畫者“心造”之境。

三、心師造化。心師造化是中國畫創作的生活源泉，指作畫者用心靈去師法和感悟客觀事物的內在精神風采，獲得藝術素材，并依自己的審美判斷，進行分析研究，在自己的思想情感的熔爐中加工改造。心師造化是以自然為師，通過“目識心記”或是寫生自然物象，概括提煉物象的基本特征，按一定的構圖規律重新組合物象，創造一種有意味的意境。心師造化的藝術特點是中國畫創作必須要遵循的準則。

四、以詩入畫。以詩入畫是中國畫意境的追求，自唐代王維在畫中把這兩方面有機地結合起來以后，北宋的蘇軾極力的推崇王維“味摩詰之詩，詩中有畫；觀摩詰之畫，畫中有詩。”認為王維創造了一種他人所不能及的意境。同時提出“詩畫本一律，天工與清新（北宋·蘇

軾）”的藝術觀點。宋代畫院還以詩意畫作為招畫院畫師的考題，形成了以詩入畫的風氣。后世的畫家，特別是山水、花鳥畫家都自覺地把詩意融入畫中。“詩中有畫，畫中有詩”成為品評中國畫的一個重要的標準，還以畫中是否具有富于詩意的意境，作為評價中國畫雅與俗、優與劣的文野之分。畫中詩意的創造，含蓄而耐人尋味，其獨特韻味是中國畫所獨有的。

五、中國畫的藝術表現語言是點、線、面的組合。點、線、面是中國畫最基本的表現語言，以線為主，點、面為輔，以線造型，以線傳情。線作為中國畫表現的載體，其特定的表現手段在原始的崖畫中就已經有了。它除了作為造型手段之外，它還帶有人的主觀感情因素，性格化的線條中包含著作畫者們的審美情感、學識修養以及對世態的觀點和看法。自然之中，沒有純粹的點、線、面，是作畫者們經過主觀的抽取、概括后融入情思而來的，點、線、面是抽象化的外在表現形式，通過三者的有機組合創造一種和諧、舒適、美好的畫面意境。

中國畫的基本技法

中國畫的毛筆按筆毛的軟硬度分為：軟毫、硬毫、兼毫三種。軟毫大多是羊毫，軟毫筆一般彈力較弱，但含水量較多。硬毫大多是狼毫，硬毫筆一般彈力較強，但含水量少。兼毫是兩種以上不同質的毫料兼制而成，是兼合軟毫和硬毫的優缺點，軟硬適中，適于勾線也適合于渲染；按筆毛的長短來分，分為長鋒、中鋒、短鋒三種，長鋒筆，鋒長，含水較多，適宜表現多種墨色變化，但不易掌握。短鋒筆，鋒短，含水較少，落筆易于渾厚。中鋒筆，鋒適中，介于長短之間，適

于勾線以及渲染。墨有油煙墨、漆煙墨和松煙墨三種。一般作畫多用油煙墨與漆煙墨，選用時以質地細膩滋潤，呈藍或紫色為好。松煙墨無光澤，色調偏暖，適宜于寫字。傳統中國畫的紙主要是宣紙和絹。宣紙有生宣、熟宣和半生半熟宣三種，生宣紙的特點是具有滲水性，吸水性能好。熟宣紙是在生宣紙的基礎上加上膠礬水制作而成，它的特點是不透水，不吸收水份。半生半熟紙則是指滲化能力介于生宣紙和熟宣紙之間。中國畫所用顏料分植物性顏料和礦物質顏料，植物性顏料也稱水色，礦物質顏料也稱石色。植物性顏色有藤黃、花青、酞青藍、胭脂、大紅、曙紅等。礦物質顏色有石青、石綠、赭石、朱砂、朱膘、石黃等。膠礬是中國工筆畫中常用之物，膠礬的作用有三：一是用于紙張漏礬，二是用于固定顏色，三是用于畫工筆重彩畫調制顏色和制作膠礬液。

筆法，筆法指的是用筆問題，是指在運筆過程中如何使筆觸出現多種變化來表現物象的形與質，如用筆力度的輕、重、提、按，運筆速度的快、慢、頓、挫，運筆方向的反、正、轉、折，行筆方法上的中鋒、側鋒、逆鋒、散鋒、勾、皴、擦等。用筆常用的表現手法有勾、皴、擦、點、染等。勾：以線造型。勾是以中鋒行筆為主，側鋒行筆為輔，起筆、收筆要有變化，走勢中又有曲直、提按、頓挫、轉折、粗細、輕重、光毛、疾澀等變化。工筆畫的勾，要求工整、嚴謹。意筆畫的勾，則比較隨意，要生動活潑，以側鋒結合中鋒為主，有時也用散鋒；皴：是一種與勾緊密結合的輔助方法，行筆中鋒側鋒并用，以側鋒為主。工筆畫中的皴比較簡單，用得也不太多。擦：筆觸不清

楚的用筆叫擦，擦是勾和皴的輔助用筆，作畫時要與勾、皴交替進行，不能單獨使用，其目的是使畫面的效果更加渾厚。點：是以面造型的表現手法，點有大小與形狀的變化，有長點、短點、圓點、散點、焦墨點、淡墨點、飛白點、顏色點等，大點則成為面，反過來講，面就是放大的點。點在寫意畫中使用較普遍，往往與線結合使用，如山水畫中“先勾后點”，花鳥畫中“勾花點葉”，人物畫中“勾勒與潑墨”。工筆畫中有沒骨點染的方法，但工筆畫中的點與染是分不開的。染：染亦叫“渲染”，是為了加強畫面效果，求得色彩由深至淺的漸次推移變化的一種表現方法。工筆畫與寫意畫中均用，工筆畫中的染用得很多，如“三礬九染”，通常與勾一起用，有分染、接染、碰染、罩染等法。寫意畫中的染，一般都和皴、點結合進行，如皴染、點染、罩染等。

墨法。潑墨法：潑墨法是以墨潑于紙素，隨形畫出景物的一種用墨方法。“潑墨者用墨微妙，不見筆跡，如潑出耳。”潑墨與破墨、積墨可以同時使用。現代的潑墨法是以筆酣墨飽的筆法，或點或刷，產生水墨淋漓，氣勢磅礴的藝術效果，猶如以墨潑于紙素一般的作畫方法。破墨法：破墨法有水破墨、濃破淡、淡破濃、墨破色、色破墨等方法。水破墨是用水把墨分破成濃淡各種層次。濃破淡是用濃墨破淡墨。淡破濃是用淡墨把濃墨破開，以使墨色濃淡相互滲透掩映，達到滋潤鮮活的效果。墨破色是用墨把顏色破開。色破墨是用顏色破墨，達到色墨交融的畫面效果。積墨法是用墨由淡而濃，染中帶擦，擦中有皴，反復多次用墨漬染的用墨方法，山水畫中此法用得比較多。積

墨法是分層加墨，積壘多遍，多次用濕墨層層深厚的一種用墨方法。一般是先淡后濃，重重加重，以淡墨畫出物體基本結構，再以漸濃之墨層層加重，越積越濃，達到一種深厚華滋的藝術效果。宿墨法指硯中隔宿之墨，當宿墨開始脫膠之際，既粘而又濃黑，畫時留有筆痕，山水作畫者常用此法以醒畫面精神。

了解了中國畫的必要技法后,我覺得最關鍵的還是要多加練習,這樣才能學以致用,真正掌握中國畫的畫法。