第一篇：平面設計史教案部分章節

第一章 當代世界歐美設計的狀況與發展趨勢 第一節 數碼革命與平面設計

一、歷史背景

1、從20世紀80年代開始，電腦開始廣泛地被應用到平面設計上。

2、電子設備、電子信息處理系統成為新技術的核心，數碼革命首先從平面設計開始，因為新的電腦硬件和軟件都在平面設計上最先使用，之后才推廣到其他領域。這使平面設計一直處在新技術和信息化、數碼革命的最前沿。

3、數碼革命使平面設計從編輯、排版、圖形處理、插圖創作，一直到制版印刷都發生了翻天覆地的變化，設計形式與以往完全不同了。

4、電腦價格越來越低廉，而功能越來越強大，加上其他配合的設備，如數碼相機、數碼錄象機、掃描儀、光盤刻印機、數碼光盤處理設備、互聯網等等，使平面設計進入到一個嶄新的階段，同時設計師也面臨前所未有的新問題、新挑戰。

5、電腦被人所接受也經歷了復雜的過程，20世紀80年代，在電腦技術已經開始出現成熟趨向的時候，還有很多人堅持手工設計，但這個階段維持不長。因為電腦技術不但完善的太迅速，且電腦也普及的太快。6、20世紀末是技術大發展的時期，除了電腦技術、數碼技術的迅猛發展之外，通訊技術的發展也是令人目瞪口呆的。衛星通訊、移動電話、數碼電視、全球定位技術等等，在短短幾年內不斷成為現實，設計在這個前提下自然有其相應的改變和發展。

二、電腦輔助設計的起源

電腦輔助設計是最早的電腦設計方式，英文稱為“computer-aid graphic design”，英[?ɡr?fik di?zain]開始于20世紀80年代，當時電腦的硬件和軟件都取得了發展，可以支持部分平面設計，這個時期有三家公司對于電腦輔助設計作出了技術上的突破，從而促使電腦設計成為現實，這三家公司是：

1、蘋果電腦公司，這家位于美國加利福尼亞的電腦公司發展出馬金托斯電腦，具有視窗和鼠標，是一個重大的突破和勝利，影響到全世界的電腦發展，也為電腦在平面設計中的使用提供了可能性；

2、阿多比系統（Adobe Systems英['s?st?m]）發展出文字處理軟件系統（the Post Script），為日后的版面文字處理軟件系統奠定了基礎；

Eg： Adobe Photoshop、Adobe Illustrator??

3、阿度斯公司發展了Pagemaker程序，這個程序是采用Post Script英[skr?pt] 的文字處理為基礎，在電腦屏幕上編排版面的。

三、數碼平面設計的先驅

1、在數碼時代到來的時候，有些設計師拒絕電子手段，稱那些嘗試用電腦設計的人是“新原始主義者”，但不少人開始知道數碼設計是設計的未來手段，因為電腦能夠迅速提出設計方案，并且能夠迅速地改正原稿，無論色彩、肌理、字體、形象、布局都可以方便地進行處理，在技術的支持下，并會產生許多新的設計構思來。

2、最早使用電腦設計的設計師都是數碼平面設計的先驅者，其中比較重要的四人分別是：美國洛杉磯的設計師艾普爾·格萊曼、《E形象》雜志的設計師和編輯魯迪·凡德蘭斯、舊金山的插圖畫家約翰·赫塞、字體設計家祖扎納·里科。

四、雜志的復興

1、長期以來，電視奪走了雜志的娛樂壟斷地位，插圖、平面設計都受到很大的影響。2、20世紀90年代以后，電腦和相關的軟件技術迅速成熟，到1992年，使用電腦設計的稿件和印刷稿件已經沒有區別了，電腦真正達到可以直接為印刷服務的水平，同時也使設計師有了前所未有的能力。

3、高度精確的排版軟件相繼出現，其中最精確的是稱為“Quark英[kwɑ:k] X Press”，它是一種類似其他版面編排和設計軟件的新程式，但更加強有力，并且極為準確；在圖形處理上，這個時期發展出來的“攝影工作室”是影響最大的軟件，圖形、照片等形象都可以通過它進行修改和處理。1990年代是平面設計師大量轉向使用電腦來設計的時期。

4、在這種情況下，出現了兩類反映社會轉變需求的新雜志，一類是反映社會社會生活方式的轉變，出現了好像“沖浪”、“滑板”、“武器”、“時興音樂”、“紋身”等等類型的雜志；另一類是電腦雜志，從軟件到硬件，從嚴肅的程式到復雜的電子游戲軟件都有；這些雜志采用了電腦設計，版面與傳統的雜志完全不同。

5、兩位著名的設計師：戴維·卡遜 和 弗列德·伍德瓦德。

五、電腦字體設計

1、早期電腦字體是基于Prost Script系統以前的一種叫“伊卡魯斯”的系統設計的，這種系統主要用于20世紀80年代。2、1990年代，電腦字體設計出現了高潮，主要原因是軟件達到了一個高水平，設計一個系列的電腦字體較以前容易了；另外就是電腦字體無須推廣的費用，有許多獨立的字體工作室、平面設計個體都投入精力設計字庫。

3、在所有電腦字體設計機構和個人中，最具影響力的是阿多比系統，它比較早用Post Script的版面編排軟件設計的電腦字體是“斯通”體，由設計師蘇姆奈·斯通設計。4、20世紀90年代中、后期的字體設計，要考慮到多種不同的輸出方法，包括低分辨度和高分辨度的激光、噴墨打印和其他輸出方法以及字體的應用情況。在這個背景下，出現了新一代電腦字體設計師：卡羅爾·湯布利 和 羅伯特·斯林巴赫是90年代涌現的阿多比公司字體設計的接觸代表。

5、湯布利的設計包括3個重要的阿多比電腦字體系列，分別是：“查里曼”、“利托”、和“特洛伊”；斯林巴赫設計的一系列阿多比字體包括： “加拉芒”、“麥利雅得”、“明尼昂”、“詩歌體”等等。以后期間還有不同的發展。

6、數碼字體的發展，是字體演變自工業革命以來的標準化的逆轉，開始出現了非標準化、民主化的趨向，是字體設計上的重大轉變。電腦字體出現越來越多的探索的、試驗的新體例，在這些字體中，有一些逐步被廣泛使用，從而豐富了平面設計字體體系。

六、數碼形象處理

1、在電腦用于平面設計早期，由于電腦價格昂貴，很多設計師還是要依靠手工，但到20世紀90年代末和21世紀，電腦一方面功能不斷增強，同時電腦本身的價格越來越便宜，掃描機、數碼攝影機、新型的打印機日益成為設計師的基本工具。

2、在蘋果公司的馬金托什電腦推出之前，一般設計師很少接觸數碼形象處理，因為電腦技術復雜，不是一般人能掌握的，但還是有少數設計師開始利用復雜的電腦從事平面設計，探索電腦設計的潛力。

3、比較早從事數碼形象設計的是曼哈頓設計公司的帕特·戈曼和伍迪·皮特爾。他們把MTV的電視形象混合起來，通過數碼整理，形成了一個嶄新的超現實主義的設計形象。4、20世紀80年代的數碼設計為90年代以后出現的數碼形象處理的熱潮奠定了發展基礎，同時也帶動了21世紀以來，電腦技術、數碼處理技術的普遍提高。

七、互聯網設計

1、早期的網絡設計開始于“超級文件”，是由蘋果電腦公司馬金托什的比爾·阿金遜設計軟體開始的，所謂 “超級文件”就是早期在網絡上尋找資料的軟件。2、1987年，蘋果電腦公司的企業年度報告首次報道了這種軟件的應用，從而開始了互動媒體的服務，互動媒體，又叫”超級媒體“，是在”超級文件“的基礎上發展起來的，它不僅僅只有文字，而且還具有圖形、聲音和電影、電視圖象。光盤的出現是互動媒體的一個很重要的發展的技術標志。

3、由于出現了國際互聯網絡（the World Wide Web，簡稱WWW），互動媒體得到極大的發展和刺激，國際互聯網絡是由美國國防部高級研究項目總署（the United States Department of Dfense，Advanced Research Projects Agency，簡稱APRA）在20世紀60年代開始開發的。1986年，美國國家科學基金會的超級電腦聯網，兩年之內取代了原國防部高級研究項目總署的電腦網絡。

八、結語

從平面設計400年發展的歷史來看，應該說一直處于在平面的、或者說是二維的空間中處理平面因素，包括字體、文本、插圖、版面風格等，也就可以說，從古騰堡到20世紀80年代，平面設計所針對的問題并沒有發生過質的變化，這正是平面設計與現代建筑、工業產品的設計所不同的地方，它的發展一直是比較線性的、漸變的，而不是突變的、革命的。但到了20世紀90年代，由于平面設計的對象發生了翻天覆地的改變，從靜態的書籍和印刷品改變為動態的、互動的多元媒體，涉及到傳統的因素，比如字體、插圖等，也涉及到一系列非傳統的因素，比如動畫、電影畫面等，對于用戶的互動性也有了越來越高的要求，設計的手段也發生了巨大的變化，電腦逐步取代了筆、尺子、剪刀，成為設計的最主要的工具，平面設計也因此發生了很大的變化。也可以說，平面設計的真正革命化時期是在20世紀90年代開始的，以后的路還很漫長！

第二節 當代世界各國的平面設計 日本的戰后平面設計

1.日本傳統與現代雙軌并行的體制：

1.比較民族化的、溫煦的、歷史的傳統設計；

2.則是國際的、超前的、發展的現代設計。2.歷史文化背景

日本文化具有雙重性的原因探索：

（1）日本人善于學他人之常，兼收并蓄，并重視團體利益

（2）日本的傳統文化以單一種族和大眾文化為基礎，具有較高的文化多元性和寬容度 日本的宗教和歷史發展階段對其設計的影響（5點）

(1)日本人傳統的神道信仰(對于自然、祖宗的尊敬和崇拜，形成對于自然風格的高度喜愛)(2)日本人對于佛教禪宗的信仰(形成日本人簡樸、單純、自然的文化)(3)日本17世紀到19世紀經歷了高度商業化的江戶時期(4)第二次世界大戰以后的美國占據時期(5)朝鮮戰爭以后日本經濟高速度發展 日本設計吸引西方的五點因素：

（1）重視材料的原本特色

（2）喜好開放的空間

（3）結構部件同時起到裝飾作用

（4）充分運用數模系統

（5）絢麗的裝飾風格

“孟菲斯”風格和舊金山派平面設計 “孟菲斯”

20世紀80年代意大利的“孟非斯”集體是引起世界注意的最重要的后現代主義設計集團這個集團之所以稱為“孟非斯”，是表現了它對于通俗文化、大眾文化、古代文化的裝飾的認同立場。他們本末倒置的處理設計中的關系，功能往往從屬于形式。舊金山派平面設計

受到國際主義風格非常深刻的影響，凸顯了樂觀主義色彩，熱情洋溢的幽默感，以及對于形式和空間的無拘無束的運用。

具有代表性的3家事務所：麥克 凡德比爾，麥克 曼沃林，麥克 克朗寧

早期作品：加利福尼亞公眾無線電臺海報

“孟非斯”風格和舊金山派

“平面設計的后現代主義運動”系列之二

20世紀70年代產生的另外一個重要的后現代主義設計集團是位于意大利的米蘭市的“孟非斯”設計集團（Memphis），這個集團和在美國加利福尼亞州的舊金山的后現代主義平面設計集團結合在一起，成為當時非常重要的設計核心力量，促進了后現代主義平面設計的發展。

“孟菲斯”

20世紀80年代是設計上后現代主義的重要發展時期，意大利的“孟非斯”集體是引起世界注意的最重要的后現代主義設計集團，這個集團的精神領導是建筑設計和工業產品設計家艾托·索扎斯（Ettore Sottsass,1917-）。這個集團之所以稱為“孟非斯”，是表現了它對于通俗文化、大眾文化、古代文化的裝飾的認同立場。“孟非斯”主要從事產品設計，同時也設計平面作品，他們本末倒置地處理設計中的關系，功能往往從屬于形式，對于他們這些意大利設計家來說，設計中的中心是形式主義的表現，而不是功能性的好壞。他們在設計中大量采用了各種復雜、色彩鮮艷的表面圖案、紋樣、肌理，設計形式上充滿了不實際的幻想、浪漫的細節，往往流于艷俗，而這種艷俗的效果，正是他們追求的目的，因為經歷了長期單調、乏味的國際主義風格壟斷之后，他們希望能夠通過這種矯枉過正的方法來達到完全推翻國際主義風格的目的。關于“孟非斯”設計集團的建筑和產品設計，我已經在《世界現代設計史·1864-1996》一書有討論，在這里就不再重復這部分內容了。

“孟非斯”設計集團中從事平面設計的主要人物是克里斯多夫·拉德爾（Christoph Radl），他在設計上與其他的“孟非斯”設計集團成員具有相類似的立場，風格上與這個集團的家具設計、建筑設計也很一致，具有強烈的艷俗、色彩絢麗的特點，也經常是違反功能目的的。他的設計，與其說是視覺信息的傳達手段，倒不如說是一種個人藝術觀點和文化觀點的宣泄，這也正是后現代主義設計的一個非常典型的立場和方法。他的這種艷俗的、色彩絢麗的、非功能化的平面設計，對全世界的后現代主義平面設計都造成很大的影響，形成了所謂“孟非斯”風格，導致了20世紀80年代世界平面設計界后現代主義風格的流行和泛濫。

對世界平面設計界的后現代主義風格流行的刺激，不僅僅局限于意大利的“孟非斯”集團，因為后現代主義最早是在20世紀70年代初期在建筑設計界出現的，因此，一系列重要的后現代主義建筑家的設計風格都對平面設計上后現代主義的發展起到啟發、刺激和催化的作用，其中比較重要的影響人物有美國后現代主義建筑大師麥克·格里夫斯（Michael Graves,1934-）。格里夫斯早期是崇尚現代主義建筑的奠基人之一勒·科布西耶（Le Corbusier）的現代主義的，特別是在20世紀60年代，他設計的建筑都具有科布西耶的影子。但是，自從20世紀70年代以來，他改變了自己的設計立場，開始在設計中強調裝飾性，主張采用有限的古典裝飾因素來豐富單調的現代主義建筑。他依然采用現代主義的簡單幾何形式，但是在內中加上了豐富的歷史裝飾印刷，復雜的色彩計劃，從而從根本上改變了單調的米斯風格的壟斷局面，是啟動后現代主義建筑運動的主要人物之一。格里夫斯的這種在幾何圖形上進行裝飾性加工的后現代主義建筑設計手法，影響了相當多的平面設計家。1983年，美國費城的平面設計家威廉·朗豪斯（William Longhauser,1947-）開始采用格里夫斯的手法來設計海報。他設計的主題是格里夫斯建筑設計展覽的海報，因此，順理成章地應該采用與格里夫斯同樣的風格。這個展覽海報提供了一個開拓新風格的機遇，他把英語“麥克”（MICHAEL）幾個字母組成了色彩豐富的背景網格，而在現代主義、國際主義的方格網絡上加上豐富的、裝飾性的色彩處理，形成非常豐富多彩的新面貌。這種脫胎自格里夫斯的建筑設計風格在平面設計上表現得非常充分，這個為后現代主義建筑展覽設計海報的項目，使得后現代主義風格能夠充分在平面設計上表現出來，而逐漸形成一種具有影響力的風格。

如果講孟菲斯運動，可能無法避免不談奠基人索扎斯（Ettore Sottassa）。索扎斯組織一批基本年齡都在30歲以下的年輕建筑師成立前衛的設計組織“孟菲斯”（the Memphis Group）時，他已經64歲。從中國人的傳統觀念來說，已經是“含怡弄兒孫”的年紀了，我真是很有點好奇他當時是怎么產生要成立這樣一個小組的念頭的，是否是抱有什么關于設計的理想和革新愿望。他聽了大笑，覺得這種提法很有意思，但他也特別更正我，當時成立“孟菲斯“真的有點偶然，就是一幫朋友在一起徹夜喝酒聊天時想到的，當時他們一起聽著鮑勃"迪倫（Bob Dylan）的那首“Stuck Inside of Mobile With the Memphis Blues Again”，組織的名稱“孟菲斯”就來自這首歌的歌詞。這樣說來，我倒是覺得跟他的設計風格很是一致，要知道索扎斯從來就不是這么用力的一個人。孟菲斯這個小團體一共設計了40多件家具、燈具、陶瓷、玻璃器皿、紡織品，色彩絢麗、艷俗、表面光滑、造型古怪和逗趣、圖案通俗和惡搞，當時有些評論家評論說，這樣的東西恐怕只有那些達拉斯的算命的人才會去買。

孟菲斯的設計是在產品設計上第一次徹底的和現代主義風格分離，完全放棄了沒有色彩、功能主義、“少則多”的原則，走向了產品設計的后現代時代，雖然我們可以不喜歡這些設計，但是在設計史上這個運動是一個重要的的轉折，讓我們對設計的發展有了更多元的思考。1986 年，索扎斯在接受《芝加哥論壇報》（Chicago Tribune）采訪的時候說：孟菲斯是好像一副很重的藥，你不能用太多，不能夠周圍只有孟菲斯，誰也不能好像吃蛋糕那樣吃孟菲斯。

舊金山派

舊金山的平面設計界和舊金山的設計學院受到國際主義風格非常深刻的影響。舊金山地區和附近的地區因為位于舊金山灣，因此被稱為“灣區”（Bay Area）。“灣區”的平面設計界在20世紀60年代基本全部受到國際主義平面設計風格影響，在這個過程當中，“灣區”設計界逐漸形成一個比較密切的團體，因此，到20世紀80年代中期，當后現代主義逐漸形成，并且在建筑上成為領導潮流的主要風格的時候，“灣區”的平面設計界也就自然全面轉向后現代主義，使“灣區”成為世界最重要的后現代主義平面設計集團和中心。與紐約那些規模龐大的設計事務所不同，“灣區”的平面設計界習慣小型工作室，喜歡個人的、或者幾個人的小型事務所，這種事務所比較具有彈性，也能夠審時度勢來調整自己的設計風格和方向，適應潮流的變化。

其中比較具有代表性的以一個人組成的獨立平面設計事務所有三家，分別是：

麥克·凡德比爾（Michael Vanderbyl,1947-）； 麥克·曼沃林（Michael Manwaring,1942-）； 麥克·克朗寧（Michael Cronin,1951-）。

這三個人在傳達設計上、在平面設計媒介的演變上都具有重要的影響作用。他們在“灣區”從事設計活動，對于設計中發展的趨勢了如指掌，因此能夠非常敏感地覺察到后現代主義的來臨和可能的發展，從而把從建筑設計中發展起來的風格加以發揮，揉合在平面設計的因素之中，對于促進后現代主義的平面設計起到非常重要的作用。他們的設計，打破了原來國際主義風格的刻板、沉悶的原則，凸現了樂觀主義色彩、熱情洋溢的幽默感，以及對于形式和空間的無拘無束的運用。他們采用了自由繪畫的手法，加上歡樂的色彩，自由和輕松的版面編排，形成了獨特的、具有感染力的新風格。凡德比爾1979年設計的加利福尼亞公眾無線電臺的海報是奠定這種風格的早期作品。這件作品具有強烈的、歡樂的色彩計劃，線條重迭，利用象征無線電波的線條作為主題，整個作品的背景是灰色的，襯托出活躍的主題形式和鮮艷的主題色彩，一掃國際主義的刻板沉悶，帶來了嶄新的風貌。他在選擇形式的時候非常注意形式的象征性使用，比如藍色的長方形壓在眼睛上，紅色的三角形壓在耳朵上，而利用三角形的三角擴展方式來掃過口形，強調了無線電這種無需視覺傳達的聽覺傳達媒介的特點。

凡德比爾對于意大利“孟非斯”集團的家具設計非常感興趣，特別是對于這個后現代主義集團在使用色彩、材料、肌理上的大膽和狂放上，印象深刻。他在給美國辛普遜紙品公司設計的郵遞廣告中充分發揮了這幾方面的特點，從這個項目出發，他為這家公司設計了一系列具有強烈后現代主義建筑特點的海報，他再接再厲，不斷使用后現代主義風格設計了大量的家具、產品和其他商品的廣告、海報，從各個方面打破國際主義風格的原則，成為“灣區”后現代主義平面設計中最重要的人物之一。

“灣區”后現代主義平面設計的一個非常重要的特點是把象征性的幾何圖形賦予具體的內容。比如在麥克·曼沃林的作品之中，就大量使用了色彩、形式和肌理來傳達具體的內容，抽象的幾何圖形具有具體的含義，這在國際主義風格中是沒有的。他在為加利福尼亞州分圣克魯茲服裝公司（Santa Cruzclothing）設計的海報中，充分體現了這個特點，色彩、幾何圖形不但創造了氣氛，也傳達了商品內容，使用的手法是象征性的，而無需具體服裝照片來表示，這種手法具有非常活潑的特點，因此自然受到20世紀80年代以來的青年一代消費者的歡迎。他在為“巴爾展覽”（Barr Exhibits）設計的宣傳冊設計上，進一步發展了這種特征，“巴爾”的首寫字母是“B”，他的設計就圍繞這個字母，把這個字母進行立體化處理，同時采用了方格網絡來創造平面的視覺基礎，使字母具有立體的、三維的特點。這種手法，也使平面設計與建筑設計具有密切的關系，許多后現代主義的平面設計作品，特別是“灣區”的平面設計家的作品，具有強烈的建筑預想圖的特征，也表明了這種風格的來源。在這個大前提之下，他們對于具體的字體、裝飾細節使用得非常自由，因為后現代主義本身就是在現代主義基礎上進行裝飾化處理的結果，目的在于打破沉悶的理性主義設計限制，因此，采用裝飾性細節，正是后現代主義的核心部分之一。“灣區”后現代主義設計家們廣泛采用了各種各樣的字體，包括相當多的古典字體和舊體，也使用眾多的傳統裝飾紋樣來豐富平面效果。麥克·克朗寧常常使用幾何圖形和其他像征性的圖形作為色彩的載體，比如他1983年設計的貝多芬音樂會的海報（Beethoven Festival Poster），就采用了又象貝多芬憤怒而豎起的頭發，又象憤怒的火焰的形狀，形成火焰一般的鮮紅色的燃燒的頭發形狀，來表達他對于貝多芬的性格和音樂的認識。整個畫面采用連續不斷的火焰狀曲線、燃燒的有機形態來強調音樂的個性和力量，而海報的外部邊緣則依然是工整的長方形、綠色的建筑外框，這樣，強烈的內部形態和穩固的外部框架取得統一協調，也是后現代主義平面設計的重要特點之一。

裝飾主義是后現代主義平面設計的重要因素和核心之一，以舊金山“灣區”為中心的平面設計家廣泛地從后現代主義建筑家麥克·格里夫斯的建筑中和從意大利米蘭的“孟非斯”集團的設計中吸取靈感和創作動機，從而在20世紀80年代期間形成自己的風格，并且影響了世界各地的平面設計。20世紀80年代的美國和歐洲各國、日本處于經濟高度繁榮之中，因而后現代主義也是這種豐裕時代在設計上的體現，無論建筑還是平面設計作品，華麗的色彩、精致的裝飾、強烈的個人表現，都與20世紀50、60年代西方努力克服戰后的困難、在經濟上努力向上發展的理性時期形成鮮明對照，表現了高度豐富的物質文明之下的一種自滿、自我享受、自我陶醉的心態。從這里也可以看到：設計是時代的一種非常直接的體現。

第二篇：平面設計史教學大綱

《平面設計史》教學大綱

課程中文名稱:平面設計史 課程英文名:History of Graphic Design 課程類別與性質:必修課 總學時：32學時學 學分：2學分

面向對象：藝術設計學各專業

一、課程教學目標

《平面設計史》是藝術設計專業的一門學科基礎選修課,是現代平面設計的形成與發展史，對視覺傳達設計專業和其他藝術設計專業的學生有著極為重要的作用。

一.知識目標，通過學習要求學生比較系統地了解世界各國各時期平面設計的主要設計組織、代表人物、代表作品、風格流派等內容理解平面設計各風格流派發生消亡的規律，掌握平面設計的形態、功能、創作、欣賞等一般原理。

二．能力目標，通過學習習近平兩百年的世界平面設計發展史讓學生認識平面設計思想和設計風格提高欣賞和研究當代平面設計作品的能力培養平面設計的實踐能力。

三．素質目標，通過學習，增強審美意識及審美能力培養科學的觀察方法和思維動向為設計實踐與創新打下堅實的專業理論基礎。

二、課程教學內容與學習目標

一。理論教學 參考學時 24學時 知識單元

1．平面設計史概述 參考學時 4學時 學習目標，了解本課程的地位、性質、基本內容框架和學習方法認識平面設計的定義及其起源。教學內容: 1相關概念的認識

2平面設計史的主要內容、研究方法及意義 3現代平面設計史之前史

3.1古代希臘、羅馬時期的平面設計

3.2中世紀和文藝復興時期的西方平面設計 3.3中國清朝之前的平面設計

知識單元 2現代平面設計的探索 參考學時 4學時

學習目標:了解西方中世紀、文藝復興時期、工業時代和維多利亞時期平面設計,認識“工藝美術”運動和“新藝術”運動風格中的平面設計了解印刷技術的革新在平面設計發展中的作用。

教學內容: 1工業時代和維多利亞風格的平面設計

“工藝美術”運動風格的平面設計 3 “新藝術”運動風格的平面設計

知識單元

3現代平面設計的探索 參考學時4學時

學習目標:理解現代平面設計的形成背景認識攝影術在平面設計發展中的作用 教學內容: 1 “裝飾藝術運動”風格平面設計 2德國“海報風格運動”設計

3第一次世界大戰時期歐美的平面設計 4攝影技術及其在平面設計上的運用

5.“現代主義”藝術與現代平面設計

知識單元

4現代平面設計的成熟 參考學時4學時 學習目標:認識現代藝術的產生對現代平面設計形成的影響,了解在包豪斯的探索與延續中平面設計的表現。了解標志設計、企業形象設計與視覺識別設計的起因、模式與演進。教學內容: 1對“現代主義”的認識 “德國工業聯盟”與現代平面設計 4包豪斯Bauhaus及其平面設計 5美國現代主義設計運動及其平面設計 6國際主義平面設計風格 7.美國紐約平面設計派 8.企業形象設計

知識單元

5第二次世界大戰后的觀念設計 參考學時4學時 學習目標:掌握第二次世界大戰后觀念設計的產生、發展與表現。教學內容: 1 “觀念形象設計”的產生 2 波蘭的海報設計 美國的“圖釘”風格與個人探索 4 “心理變態海報”——怪誕海報風格 5歐洲的“視覺詩人”派 6第三世界國家的海報設計

知識單元

6第二次世界大戰后的其它平面設計 參考學時4學時 學習目標:熟悉該階段當代各國、各地區平面設計的特點。教學內容

1豐裕時期的歐美設計

2后現代主義平面設計

3第二次世界大戰后日本平面設計的崛起 4亞洲其他國家和地區平面設計新面貌

知識單元

7信息化時代的平面設計 參考學時2學時 學習目標:了解信息技術對平面設計的影響預想未來的平面設計。教學內容:;1電腦在平面設計中帶來的革命 2平面設計與未來

二 實踐教學 8學時

課堂討論“平面設計個案討論” 參考學時 2學時

教學目標“個案”是平面設計史中一些很難用線索收攏的現象也是設計理論研究的重要 版塊。通過專題個案的介紹有助于學習者深入理解該設計門類也使整個平面設計歷史顯 豐厚與真實。

教學內容: 1分組闡述對現代平面設計的認識展開對書籍裝幀設計個案、企業形象設計與視覺識別設計個案的討論。

2各組將討論結果以文字和課件形式提交教師指點。

3各組以電子文檔形式進行課堂講解、討論教師當堂提問、點評。

練習“國際主義”風格和“后現代主義”風格平面設計對比研究 參考學時 4學時 教學目標 教學內容

1通過展覽場所、圖書館、數字資源調查“國際主義”風格和“后現代主義”風格平面設計歸納現象、分析形成背景、總結規律。

2針對某一具體設計師、代表作品進行比較研究。

3先列出論點、論據、在小組討論、再搜集資料進行論證寫一篇論文題目自擬。注意借鑒歷史聯系實際。

4.根據某一命題分別以兩種風格進行平面設計構想以文字說明為主輔以草圖表現。課堂討論中日平面設計對比 參考學時 2學時 教學目標通過與中國平面設計的對比認識日本平面設計迅速發展的原因借鑒其設計經驗,從中了解平面設計的研究方法。教學內容

1分組對影響中國和日本平面設計的相關因素展開討論。

2.各組將討論結果以文字和課件形式提交教師指點。

3各組以電子文檔形式進行課堂講解、討論教師當堂提問、點評。

三課程學時分配與教學方法

三、說明

1本課程與其他課程的相互關系

先修課程中外美術史、藝術概論、中外工藝美術史、現代設計史 同步課程設計心理學、設計美學。后續課程藝術設計專業課程。2 課程教學重點與難點

重點:平面設計史形成與發展時期的設計規律總結。

難點:將平面設計的歷史被分割為技術、門類、風格、理念、人物、專題、個案、教育等條塊,在紛紜的平面設計歷史現象中整理線索。3課程的教學方法與手段

本課程以理論講授為主在具有多媒體演示功能的教室教學教學應強化對設計作品、事件的介紹與分析、交織進行作品欣賞、研討、以鞏固和加強學習效果。4實踐教學環境實驗室、設備和軟件

本課程實踐教學環境為教室、展覽場所、圖書館。

5課程自主學習和課外實驗課時

本課程在課時內掌握基本理論需要大量的課外學時查閱資料。學生分析案例、完成論 文以課外實踐時間為主。所需課外實驗課時約50學時。6課程考核方法與要求

按規定的要求獨立完成實踐調查和論文作業以綜合效果評分。考勤占總成績10%。

基礎理論和練習成績占總成績50% 以各項練習完成的規范和效果評分。期末考核成績占總成績40%以規范性和創新性評分。7作業要求

調研作業含采訪、調查問卷、參觀展覽、搜集資料來源的記錄等。

論文作業要求遵守一般學術論文的規范符合一般學術論文的標準。

8教材選編的原則

在公開出版的平面設計史書籍中擇優選用自編提綱。9其他說明

學習習近平面設計史需要相關的理論基礎和廣闊的知識面建議學生利用課外時間多作閱讀 和評價的練習。

四、推薦教材及參考資料

一教材

1王受之 著《世界平面設計史》中國青年出版社2002年出版。二參考書

1梁梅、梅法釵 著《世界平面藝術設計史》清華大學出版社出版2004年出版。2蘆影 著《平面設計藝術》中國人民大學出版社2005年出版。3王受之 著《世界現代設計史》中國青年出版社2004年出版。三網絡資源

1中國平面設計在線http://gra.dolcn.com/ 2中國設計在線http:/www.tmdps.cn/ 4.亞洲CI網http://www.tmdps.cn

第三篇：平面設計史講義

世界平面設計史講義

沈陽大學美術學院 郭健

緒論

“平面設計”這個術語，經過多年的風風雨雨，應該說現在已經基本上取得國際上的共識，在國際上基本統一了。所謂??平面設計”，所指的是在平面空間中的設計活動，其涉及的內容主要是二維空間中各個元素的設計和這些元素組合的布局設計，其中包括字體設計、版面編排、插圖、攝影的采用，而所有這些內容的核心是在于傳達信息、指導、勸說等等，而它的表現方式則是以現代印刷技術達到的。因此，平面設計和視覺傳達設計、印刷設計具有極為密切的關系。

設計活動內容廣大，從建筑到城市規劃，從工業產品到手工藝，都是設計活動的內容，而平面設計是設計范疇中非常重要的一個組成部分，所有在二維空間中的、非影視的設計活動都屬于平面設計的內容。而目前，平面設計的范圍已經跨越了影視界限，在多媒體設計中產生非常積極和活躍的作用。平面設計在21世紀開始朝多媒體的方向發展，進入了一個嶄新的領域。與此同時，它的傳統和范疇卻依然存在，在電腦輔助設計的技術前提下，發展速度非常驚人。

英文中??平面設計”這個詞是”graphlc design”，最早使用這個術語的是美國人威廉·阿迪遜·德威金 斯(William Addson Dwiins，1880-1956)，他在1922年開始使用這個術語來描述他所從事的設計活動的內容，但是卻沒有得到美國和國際間的采納，人們

使用“裝潢藝術??來描述這個設計活動，迄今為止，在中國大陸稱“平面設計??這個活動依然是“裝潢設計”,在西方國家，長期以來也稱之為“裝飾藝術”。其實，平面設計不僅僅是裝飾和美化，它的主要功能應該是調動所有平面的因素，達到視覺傳達準確的目的，這是平面設計的真正功能，而美化則是第二位的、從性的。“平面設計”這個術語正式成為國際設計界通用的術語，應該是第二次世界大戰之后的事情，特別是在1970年以后。調動以上所述的平面元素，達到視覺傳達的目的，是平面設計的根本。與此同時，平面設計除了這個層次的功能含義之外，它還與印刷有極為密叨的關系。所謂平面設計作品，基本都足特指印刷批量生產的作品，平面設計因此也就是針對印刷的設計，特別是書籍設計、包裝設計、廣告設計、標志設各種出版物的版面設計等等，都是平面設計的中心內容。

平面設計是把平面上的幾個基本元素，包括圖形、字體、文字、插圖、色彩、標志等等以符合視覺傳達目的的方式組合起來，使之成為批量生產的印刷品，達到準確的視覺

傳達功能目的，同時給觀眾以設計需要達到的視覺心理滿足。印刷足一個舞臺，而各種元素，比如圖形、文字、字體、插圖等等則是這個舞臺上演出的角色，不 同的角色搭配，組成了不同的戲劇內容，現代平面設計的內涵大約可以這樣比喻。當然，沒有通過印刷手段的這些因素的組合也可 以被視為平面設計活動。現代印刷的介入，其實正是 現代平面設計的開始。區分現代和傳統的平面設計，基本在于機械化大批量印刷生產的這個手段上，在歐洲是公元15世紀由德國古騰堡發明金屬活字印刷術 帶動的，也就是西方現代平面設計最早的萌芽，所

以《世界平面設計史》所闡述的正是以現代印刷 手段為基礎的平面設計活動發展的歷程。正是因為平面設計涉及的范圍廣泛，因此，對于 它的論述也具有一定的難度。如果從平面設計的對象 因素來論，就產生了字體設計、版面編排設計、插圖設計、標志設計和企業形象設計、攝影在平面上的運用和處理等具體的風格和方式演變歷史論述；如果從平面設計涉及的功能來看，則又出現了視覺傳達的論述：如何傳達視覺內容，如何達到最佳的傳達效果等等，因此有視覺傳達理論的描述；如果從平面設計的最終采用手法來說，就出現了與印刷密切相關的理論描述，加上目前通過電腦的所謂“多元媒體”(multimedia，Intcrfacc)設計也大量采用平面設計，建筑設計的表現、工業產品設計的表現、廣告設計的絕大部分都采用平面設計的若干手法，因此，又出現了平面設計具體應用范疇的具體論述。

平面設計的歷史悠久，因為與印刷相聯系，因此往往受到印刷服務對象的限制和要求的影響，從而與各個不同時代的社會背景發生密切的關系。平面設計的這種特點比其他各種設計都明顯，而它之所以與社會、文化、政治、經濟等等因素具有極為密切的關系，是因為它是設計各個范疇中與文字關系最為密切的一個領域，同時具有印刷批量化的特點。因此，平面設計也最易受到意識形態的影響，它的發展興衰可以被看作一部社會發展史的縮影。

因此，平面設計史其實是一部意識形態發展史。影響平面設計風格的因素，其實是社會、政治、經濟、文化等等因素的總和，西方往往采用德文單詞zeitgeist，來描述，這個德文單詞沒有具體的或者準確的中文翻譯詞，甚至英文中也沒有準確的翻譯詞，它指的是一種時代精神，一種特定時代、特定時間的特定文化特征和文化品位。

平面設計是最能夠集中體現這種被稱為Zeitgeist的特定文化品位的設計活動。

古代以來，人類一直在尋找能夠用視覺符號方式表達思想感情的方法，尋找能夠利用圖形儲存自己的記憶和知識的方法，尋找能夠把信息的傳達程序化和簡單化的方法。文字的產生、印刷的發展等等，都代表了這種努力的成果。直到目前電腦的發展，電腦網絡(Internet)技術的發展，依然代表了這種探索的延續。1922年，設計家威廉·阿迪遜·德威金斯終于把這些努力綜合用一個術語代表：平面設計(graphic design)，說明把各種平面因素組織成具有次序、具有視覺傳達規律的總體的這種活動的性質，從而奠定了現代平面設計的定義基礎。

雖然現代平面設計已經與傳統的平面設計大相逕庭，電腦取代了手工，平面的風格也非常豐富，但平面設計卻依然足各種設計活動中與傳統關系最為密切的一種。古代蘇美爾人創造了書寫，為文字創造開啟了大門；古埃及人第一次成功地把文字、插圖有條不紊地編輯、書寫在草紙上，成為最早的平面設計典范；中國人創造了印刷技術，發明了造紙技術，發明了陶瓷的活字技術；朝鮮人發明了金屬活字；中世紀的歐洲僧侶精心撰寫和設計了金碧輝煌的手寫圣經和圣詩，把插圖、文字、裝飾融為一體；德國的古騰堡發明了西方最早的活字印刷技術，促進了歐洲的印刷發展，這種從歐洲文藝復興以來的歐洲印刷技術發展和各種字體、版面、插圖的出現等等，都是現代平面設計的傳統依據。

從本質來看，古典的平面設計與當代的平面設計雖然具有相當不同的地方，但是，從目的上和手段上來看，卻依然有非常類似之處，其目的都是傳達，對象是讀者，組成設計的內容也依然是文字、圖形、裝飾，形式依然是二維的，或者平面的。更加重要的是：無論是古典的還是當代的平面設計，都基本上是以印刷的方式發展的。那種因為現代建筑革命而造成傳統建筑逐步消失的情況，在平面設計中則并不存在。平面設計經歷的是一場漸變過程，而不是現代建筑運動的那種翻江倒海似的大革命，因此，在現代主義建筑受到后現代主義挑戰的時候，平面設計依然處于比較平穩的過渡之中，沒有出現建筑上后現代主義那樣的巨大浪潮。原因主要是平面設計與傳統關系的密切。

雖然如此，工業革命的確給平面設計帶來了很大的沖擊，特別是印刷技術和制版技術的發展，依據資訊時代電腦帶來的新科技沖擊，在很大程度上改變了平面設計的手法，因此，我們可以以工業革命為一個分界線，劃分平面設計發展的歷史脈絡。《平面設計史》目的在于闡述自從工業革命中期以來以西方國家為中心的平面設計的演進，探討這些演化的背景和影響因素，探索電腦時代對于平面設計可能帶來的影響和發展趨勢。與著作、專論繁多的建筑設計不同，平面設計的理論著作，特別是涉及到發展歷史的專著數量很少，大部分不過是設計史中涉及的一個簡單的側面而已，比如字體設計、版面設計、插圖設計、書籍設計、企業形象和標準設計、海報設計等等，專著相當豐富，缺乏的是能夠把這些關系密切，同樣屬于平面的、二維的設計活動和形成這些設計各種面貌的歷史背景，指導這些設計的各種理論聯系起來討論的綜合著作。平面設計中的一些組成部分有本末倒置的情況。比如企業形象設計(ci)，或者插圖設計等等，都幾乎成為脫離平面設計而獨自成為體系的新范疇，其實，不過是某些設計家為了強調自身價值而夸大其詞，把平面設計的某些內容，脫離平面設計總的體系來單獨討論，這實在是不正確的，還平面設計原來應該有的面貌，從理論和歷史發展的討論和闡述中，提出平面設計的理論原則和基本構成因素。

平面設計這個術語出于英文“平面”(graphic)，在現代平面設計形成以前，這個術語是泛指各種通過印刷方式形成的平面藝術形式，比如木刻、石版畫、腐蝕版畫、絲網印刷版畫等等。因此，當時這個詞是與 “藝術”連用的，統稱上述藝術形式為“平面藝術”。“平面”這個術語當時的含義已經不僅僅是指作品是二維空間的、平面的，它還具有更進一步的意義：批量生產的，并因此而與單張單件的藝術品區別開來。所以，可以說“平面藝術”，或者“平面設計”自從產生以來，就與印刷有不解之緣。它很早就被稱為民主的藝術形式”(the demo-cratic art form)，因為只有通過印刷批量生產，普通人才能夠享有這種藝術。從廣義來看，平面藝術自從開始以來，就已經不僅僅包括繪畫的印刷，同時也包括字體設計、版面編排、書籍裝飾等等豐富的內容。而設計的目的是印刷出版，這是古往今來平面藝術，或者平面設計的最共同點。

把文字、圖書和裝飾標記以某種方式安排在一起應該說是平面設計的基本內容，從這點來看，應該說早在遠古時期就已經有類似的活動了。如公元前3000年兩河流域的蘇美爾人在泥版上刻畫的文字符號(the Sumerian，pictographic tablct)；公元前1800年的漢謨拉比石刻(the Code of Hammurabi)；從公元前1500年左右開始出現的大量埃及草紙文書，特別是作為死者陪葬用的《死亡書》(the Book of the Dead)；公元前1400年左右的中國甲骨文和商、周兩代的青銅文，都是人類最早的平面設計作品。但是，除了文本、插圖和裝飾的編排因素之外，我們普遍認為平面設計的另外一個特征就是印刷發行，因此，早期的文物雖然具有平面設計的基本因素，卻并不能被視為當代平面設計的開端。

真正的平面設計開始，是與印刷相聯系的。平面設計與印刷有極其密切的關系，因此，可以說印刷技術產生的國家一中國，是奠定平面設計基礎的國度。現在存世最早的印刷品足中國唐代的《金剛經》，經文是在一塊完整的木板上雕刻而成的，印刷在紙本的手卷上，從右到左讀，是公元868年的印刷本，其中包括了插圖、文本、標題三個基本部分，已經具備了平面設計的幾乎所有要素。由于這個刻本如此成熟，因此，可以肯定有比這個刻印本更加早的印刷品。

中國也是發明紙張的國家，歷史記載漢代的蔡倫發明造紙，考古發現了東漢時期的原始紙張，這些因素都促進了中國早期版面設計的發展。因此，對于平面設計是在中國最早得到完善的這一點，理論界均沒有爭論。現代平面設計史的論述應該包括三個基本方面，即：

1)對于平面設計諸因素的論述，包括字體發展，版面編排發展、插圖風格發展等等。

2)印刷技術對于平面設計的影響。

3)分門別類地討論組成內容，比如包裝設計、書籍設計、海報設計等等的發展過程。

如果把視覺傳達的方法和特點加進去，就基本構

成了平面設計史論的全部內容。把這些因 素融合在一起進行論述，以期呈現比較完整的 發展面貌。

現代平面設計與印刷有不解之緣。沒有印刷，也不可能有現代平面設計的存在。從印刷技術的發展來 看，要把圖形、文字印刷到紙張或者其他材料，必 須具備一種能夠把圖形、文字過渡到紙張或者其他材

料上的方法，中國的印刷方法長期以來是采用木版刻

制，利用黑墨為材料進行平面直接印刷，雖然畢異發 明了活字，但是長期以來，中國的印刷基本還是依據

整塊的木版進行的。歐洲的印刷雖然發展比中國遲很 多，但是自從德國的古騰堡發明金屬活字之后，歐洲的印刷就迅速地擺脫了中世紀手抄本的落后狀況，用 了很短的時間發展出影響整個西方文化的印刷業來。

歐洲雖然起步晚，但是由于技術上的重大突破，在傳播(發行)上發展極為迅速，在印刷方法取得一連串 的重大成就，因此，歐洲，特別是西歐國家在印刷上、在平面設計上都具有奠定基礎的作用。歐洲國家之所 以能夠迅速發展平面設計，與這個地區廣泛使用字母

是分不開的。

自從古典時代以來，歐洲已經普遍采用

字母，而不像中國那樣長期使用復雜象形文字，拼音

字母數量少，而象形文字數量則巨人，因此使用拼音

字母比較容易在活字上得到突破。在文字的突破之

后，歐洲集中于印刷技術方法的探索，逐步從傳統的印刷方法基礎上發展出符合新印刷需求的木版、金屬

腐蝕版、石版印刷技術來，不但印刷方法得到完善，而

且在印刷字體上也多姿多彩，字體種類與日俱增，豐

富了版面，促進了平面設計的豐富性。

印刷上的四種基本方法，即凸版(relief)、凹版(ntaglio)、平版(planography)和孔版，或者稱為 “鏤空版”(stencil)基本上都足在15世紀以后逐步在歐洲被廣泛運用到印刷上的。

不同的印刷方法，造成了不同的效果，因而導致了不同的平面設計風格、字體風格、插圖風格、裝飾風格的形成。

凸版是最早出現的印刷方法。顧名思義，凸版就是從一個凸起的平面上進行印刷。最早期的凸版印刷是中國的木刻版印刷，把文字和圖畫刻在木板上，然后以布拓黑墨，把紙張壓印其上，得到印刷圖形。因為是直接印刷，所以木刻版上的圖形應該是“反”的，也就是說必須以負形刻制，必須由有經驗的匠人才能勝任這個工作。

歐洲目前發現最早的木刻印刷品是公元1400年的作品，其中有大約為公元1423年刻印的圣克里斯托夫肖像portraitof St．Christopher)歐洲早期的書籍出現了木刻插圖，從事木刻插圖的畫家包括在德國的丟勒(A1brecht Duerer)和荷爾拜因(ttans Holbein)。他們是歐洲最早的書籍插圖藝術家。丟勒對于木刻線條的運用達到高度嫻熟的地步，他的作品具有非常高的藝術性，不但生動非凡，并且具有鮮明的個人藝術風格，是木刻藝術和插圖中最杰出的代表作品之一。比如他于1498年創作的《啟示錄》(The Apocalypse)就是典型代表作。歐洲的木刻版印刷到19世紀時期發展到新的高度，采用優質的木板，鋒利的刻制刀具，達到能夠準確模擬鋼筆畫效果的地步。這種新的木刻技術稱為“木版鏤刻”(the wood engraving)，它代表了木刻技術的高度發展和在印刷中的更加廣泛運用。這個技術的最高水平代表足托瑪斯·比維克(Thomas Bewick)。他被稱為“木版鏤刻技術之父”，他為1797年英國出版的《英國鳥類》(Tbe Common Snipe，from the 1797 Book Brish Birds)一書所作的精美插圖，是這種技術達到爐火純青地步的代表作。

凸版印刷是比較普遍的印刷方法，自從工業革命以來，因為金屬活字普遍采用，凸版印刷成為最主要 的印刷方法之一。目前的凸版印刷，包括有活字版、鉛 版、鋅版感光性樹脂版等。活字版是用鉛通過鑄字機

鑄造成鉛字排版組合上機印刷，印刷數量比較大的印刷品，比如報紙、雜志之類，往往采用這種方法印刷品，比如報紙、雜志之類，往往采用這種方法印刷，采用的機械則經常足輪轉機，以達到高速的目的。由于插圖的復雜性，單純的活字版已經不適時了，因此，產生了采用照相感光方法制作鉛版、鋅版和樹脂版的新凸版方法。一般的書籍、刊物、普通印刷品，以及必須有特殊效果的：比如燙金、燙銀、壓凸、成型等等，大都采用凸版印刷。

凹版的英文”intaglio”來自拉丁文“刻”字，顧名思義，是在印刷版面表面上刻下去的制版方法。歐洲最早和最普遍的凹版是手刻銅版凹版(hand cop-per plate printing)。方法與凸版剛好相反，文字和圖形都是凹于版面之下。早期的凹版方法足在光滑的銅版表面用V形的鋒利刀具(英語稱為“burin”)刻畫出圖形來，然后用來作印刷底紋。由于銅版柔軟，因此，可以刻出非常精細的線條來，對于表現精細圖形細節很有利。

印刷的時候，采用非常黏稠的油墨涂抹，使所有凹槽都吸滿油墨，然后把銅版表面擦干凈，再用機械滾筒使紙張與凹槽中的油墨黏上。凹版印刷在歐洲發展的利用腐蝕的方法制造金屬印刷版的新技術，稱為“腐蝕版”(etchins)。這個詞來自荷蘭文 “etzen”，意思是“吃”。這種方法發明于1504年，是利用一層蠟覆蓋在金屬版表面，在蠟上刻畫，然后以酸腐蝕，刻畫得越深，腐蝕越深，因此自然形成深淺不同的腐蝕效果，之后去除蠟層，洗干凈版面，以油墨印刷，便可達到更加精細的效果。不少歐洲藝術家發現凹版印刷的這種精細的特征，從而采用它進行藝術創作。比較突出的是荷蘭藝術大師布蘭特(Rembrandt)，他采用腐蝕版所創作的大量杰出人物、風景作品，都足藝術史上膾炙人口的杰作。西班牙畫家哥雅(FranciSCO Goya)也廣泛采用腐蝕版創作，凹版因為圖形精細，所以常常用來印刷紙的貨幣、郵票、債券、公證書等等非常講究和正式的印刷品，凹版不但可以采用紙張印刷，同時也可以采用絲綢、塑料薄膜等等材料印刷。但是它的印刷工藝復雜，印刷時間比較長，因此發展有限制。

平版印刷是比較新的發明。它開始于石版印刷，大約在1 7 9 6年，由阿羅斯·賽那菲德(Al0ys Senefelder)發明。方法簡單，利用油水不合的道理在平滑的石版上制成印刷版面，效果精細準確。早期是單色印刷，后來發展出彩色印刷的方法，利用不同的版印刷不同的色彩，自然混合，達到非常豐富的色彩效果，是以前任何一種印刷方法都沒法做到的。彩色石版印刷促進了廣告海報、書籍、賀卡的發行，是現代印刷技術中非常突出的一種方法。很多藝術家都采用石版印刷方法制作，比如法國19世紀的大師杜米埃(HoBore Daumier)的許多作品就是利用石版印刷的。

平版印刷由于簡單、快速，在工業時代被加以發展，方法其實與原始的石版印刷相同：利用油水不相融的原理，孔版印刷是利用紙張、紡織品、金屬片，或者其他材料，在上面刻出鏤空圖形，然后用墨、油墨或者他染料采用刮板刮壓，使油墨滲透到網孔以下的承印物上。鏤空的部分讓印刷油墨通過，其他部分則因為沒有鏤空而留下空白。這種印刷方法，最早在公元500年前后在中國和日本被發明使用。

歐洲在16世紀前后也開始采用孔版印刷技術，并且逐漸發展，使之得到技術上的完善。現代的孔版印刷主要足絲網印刷，即在絲網上利用感光材料制成孔版，然后印刷。這種方法的優點是不但可以印刷在平面上，也可以印刷在弧面上，色彩鮮艷。而絲網制作成本低廉，方法簡單,因此被普遍采用于印刷紡織品、塑料、玻璃器皿、木板、金屬材料上。

缺點是速度慢，同時不精細。絲網印刷得到很多現代藝術家的喜愛，特別是二十世紀60年代以來的“波普”藝術運動的幾位主要的大師，比如安迪·沃霍爾(Andy Warhol)和羅伯特·勞森伯格（bertgauschenberg)都采用絲網印刷為主要創作手法，從某個方面促進了絲網印刷的普及。

真正的現代平面設計是從19世紀開始發展起來的，形成現代平面設計的主要因素是機械化的現代印刷技術的發展。

新的印刷技術給設計家開拓了一個嶄新的天地，提出了嶄新的設計要求，因而促進了設計的發展。而大批量的印刷面臨的大眾市場，強調高效率的視覺傳達性，因此，基于大批量印刷的平面媒介、旨在傳達大眾信息的設計活動也就日益成熟了，從事這種設計的人也就是現代平面設計師。這種現在被稱為“平面設計師”的專業人材在當時被稱為“商業藝術家”

(commercial artists)，他們的工作是通過在平面上的設計達到視覺傳達的目的，他們的工作逐漸使現代平面設計的系統形成，以至發展到目前的狀況。

在現代平面設計的發展過程中，商業海報產生了重要的促進作用。不少早期的平面設計家都是從設計商業海報開始自己的專業生涯的。從19世紀下半葉開始，商業海報在歐洲蓬勃發展，很快也在美國普及。這種狀況與歐美資本主義經濟的高速發展足有密切關系的。很多非常有才華的藝術家都注意到這種新的設計天地，不少人投身于海報設計和其他的商業藝術設計。

因此，這個階段應該被看作現代平面設計的重要開端。其中法國的巴黎成為現代商業海報的一個重要的發展中心。法國海報設計家切列特(Jules Cheret)為娛樂行業設計了大量杰出的海報，他設計的作品每年印刷量達到20萬張這個驚人的數目，他的作品對當時的海報設計有很大的影響。切列特采用彩色石版印刷設計，色彩鮮艷，具有柔和的水彩效果。鑒于他對法國的商業藝術、平面設計有巨大的影響和貢獻，法國政府于1890年授予他榮譽軍團勛章(the Legion Honor)。與此同時，法國還出現了例如土魯斯.羅特列克(Henride Toulouse—Lautrec)這樣的平面設計大師，到“新藝術”運動時期，又出現了更加受歡迎的阿爾豐·穆卡(Alphonse Mucha)這樣的大師，他們對于世界平面設計的發展作出了非常重要的貢獻。

隨著印刷的發展，文化的普及，社會對于平面設計的總需求量在20世紀劇增，字體設計、版面設計，都出現了適應新時代的變化，現代主義設計運動于20世紀20年代前后在歐洲和美國展開，特別在荷蘭、俄國和德國有非常重大的突破性發展，從而形成新的平面設計形式。平面設計被視為一種民主化的工具，因其對于社會民主具有促進作用而得到普及。當納粹肆虐歐洲大陸時，現代主義設計家們或者逃到美國，繼續他們的設計探索，或者集中到中立的瑞士，逃避災難。因此，戰后的國際主義平面設計風格出現于瑞土是非常自然的結果。

作為戰后最強大的經濟大國——美國，在平面設計上有很大的影響力。無論是在企業形象設計上，還是在包裝設計、書籍設計、字體設計、版面設計等等方面，都形成自己的、并且影響世界各個國家的國際主義風格和美國風格。其中保羅·蘭德(Paul Rand)等人成為具有世界影響力的新一代平面設計大師。他們的設計對于20世紀平面設計風格具有非常深刻的影響。美國形成了以紐約和加利福尼亞州為中心的兩種風格不同的平面設計核心，從而影響世界。

戰后歐洲的平面設計也逐步擺脫美國的影響，形成自己的不同面貌，其中德國、法國、西班牙、比利時、波蘭、捷克等國家的平面設計都具有非常鮮明的民族特色。與此同時，遠東地區的平面設計也得到非常迅速的發展，亞洲國家糅合了歐美的國際主義風格和自己的民族特點，形成了非常獨特的新平面設計風格，獨樹一幟，豐富了世界平面設計的發展。

20世紀80年代以來，電腦日益成為平面設計的主要媒介。美國的電腦技術在世界具有領先的地位，圍繞電腦設計，美國形成了新的設計核心，產生了新一代的平面設計大師，這種情況，很快影響到世界各國，對平面設計的發展方向提出了新的課題和新的挑戰。

一旦設計因為電腦和其他的現代設備得到簡化之后，設計家的大部分時間就不再是花在完稿工作上，觀念的形成、市場的調查、設計戰略的組織等等成為當今設計家面臨的主要問題。因此，人的精神因素、設計家本身的素質變成設計優劣的主要驅動因素。我們不得不重新注意設計家本身的素養，而不僅僅是他的手頭功夫。這對于設計和設計教育來說，都是一個重大的轉折和挑戰。

德國包豪斯最重要的平面設計家赫伯特·拜耶(Herbert Bayer)是現代平面設計的重要奠基人之一。他在20世紀30年代來到美國，曾經在耶魯大學等高等學府從事平面設計教育，同時從事的大量設計工作，對現代設計有舉是輕重的影響。他在1979年3月16日曾經提出過平面設計的三個基本的原則，被梅格斯引用在他的《平面設計史》的扉頁上。他提出：

1)具有創造性的程序不僅足靠技術嫻熟的手工完成，所有的創作設計都必須依靠腦、心和手的同心協力合作達到。

2)先掌握可靠的技巧，然后啟迪自己的靈感。

3)人類是高等精神或是“他所被賦予能力去完成和表現的”生命源泉的一個最高體現。

他可以說是未卜先知地提出我們當前面臨的問題：人的素質，所謂的心、腦、手等精神和生命源泉是設計的核心部分，而不僅僅是簡單的技術，或者簡

單的平面設計“手頭功夫”。

《世界平面設計史》是具有非常重要的意義的。因為平面設計在現代設計中具有舉足輕重的作用，對于現代物質文明的影響力可以與建筑設計、城市規劃設計、工業產品設計相提并論，是組成現代設計范疇的一個極其重要的部分。

第一章 工業時代的版面設計

第一節

導言

現代的人類生活基本全部都受到機械化流水生產裝配的影響。這個影響是非常深刻的，我們身邊的幾乎所有的工業產品都是通過這種生產方式制造出來的，而這種生產方式，則是工業革命的最重要成果，因此，可以說工業革命改變了人類社會和物質文明的發展進程。工業革命以前的人類，因為生產手段落后因此無法享受工業化帶來的批量生產的廉價產品。長期以來，商品的生產是一個漫長的過程，而影響生產發展的主要原因是能源結構：工業革命以前，人類主要的能源無非是動物(比如牛、馬，人力和少數人使用的風力、水力，主要的能源結構足畜力和人力，工業革命帶來的生產力解放，直接導致了新的社會階級關系產生?因而也就導致了新的社會革命。1776年美國的獨立，1789年法國大革命，都是工業革命造成的直接后果，這些新的資產階級國家進一步發展生產，推動科學技術發明，建立新工廠，從而使西方社會逐漸擺脫了長期的封建階段，進入到資本主義的鼎盛發展時期。隨著工業革命的進展，新的發明創造層出不窮，19世紀注定是一個大變革的世紀，電的發明、電燈電話的發明、汽車的發明，都導致了20世紀的巨大發展。隨著生產力的改善，社會總收入水平也急劇提高，平均收入比18世紀增長了好多倍。社會成員中的一部分成為收入穩定的中產階層，他們的文化教育水平和娛樂水平、消費水平提高，作為日益成為社會的主要部分的這個龐大的中產階級的產生，對于社會生產需求造成很大刺激。商品的需求直接影響了設計，大量的產品需要重新設計，產品需要精良的包裝，產品需要廣告促進銷售，與此同時，這些新的中產階級也日益成為印刷出版物的主要對象。他們閱讀大量的科學技術著作、小說、詩歌、雜志、報紙，為了滿足他們的閱讀需求，不但出版發行業高度發展，而且圍繞出版業的平面設計業也得到大幅度的發展。因此可以說，現代平面設計是工業革命的直接后果。第二節

19世紀上半葉字體設計的發展

平面設計隨著工業革命的發展也得到極大的推動。新的印刷技術導致了印刷業的繁榮，大量出版物的出現又必然導致大量設計需求，報紙雜志逐漸成為社會日常生活的內容之一，平面設計也就成為日常生活不可脫離的重要組成因素之一了，平面設計的各個基本因素，比如字體、版面編排風格和方式、插圖風格和手段、標志等等，都在工業化時期發生了巨大的變化。而19世紀中期以后發明的攝影技術在平面設計上的日益廣泛采用更加促進了平面設計的演化和進步。在這些變化之中，字體的變化和發展是一個非常顯著的方面。不少理論家認為，19世紀的平面設計師是打開了“潘多拉的盒子”(the Pandora box)，令平面風格和字體風格極大地豐富起來，一發不可收了。19世紀以前，信息傳播的主要方式是圖書，方式單一；由于書籍的印刷和出版工序漫長，周期因而也很長，造成傳播的速度緩慢。19世紀以來，由于商業和工業的發展，社會要求更加迅速的信息傳播，特別是商業信息傳播，比如 廣告、海報、宣傳手冊、招貼、路牌等等，傳統的印刷出版書刊的出版社已經不能適應這種急迫的需求，因此，新型的印刷單位，就應運而生了。廣告制作公司、路牌制作公司、彩色石版印刷公司等等，層出不窮。為適應新的傳播需求，新的、比較簡明的字體和版面沒計也隨之出現。因此，可以說新的平面設計風格足由新的市場需求催生的。英文的26個字母，原來的唯一功能是閱讀性的傳達功能，而在商業活動中，字母有了新的作用和功能，就足以有個性、特征、強烈而有力的形式，起到宣傳的形式作用。字母不單是組成單詞的一個結構部分，它們本身也被要求具有商業象征性，這種要求，自然造成字體設計的大興盛。而石版印刷技術的發展，使字體不一定要求通過鑄字方式發展，而只要藝術家以繪畫的方式創造出來，就能夠印刷出來。這種自由的字體創造，使印刷商與藝術家之間產生了前所未有的密切關聯，而這種關聯的必然結果就是19世紀初葉的歐美字體大爆炸。短短的幾十年當中，涌現了無數種新字體，出現了字體設計的大繁榮和大混亂狀況。當時，字體的改進和創新工作主要足在鑄字公司(typcfounders)中進行的。英國有不少重要的鑄字公司，其中，倫敦的鑄字公司特別活躍，創造了大量新字體。對于歐美的字體和平面設計，英國人起到重要的引導和前衛作用。18世紀到19世紀，歐洲，特別足英國在字體的設計上具有幾個方面的突破。一個足以“卡斯隆舊體”為核心的一系列字體的創造，出現了簡明而典雅的新字體系列，對于20世紀的字體在平面設計上的運用帶來促進和推動；另外一個則是從古典的字體中進行提煉和改造，其中以所謂的“埃及體”，或者“古典體”的發展為最典型的代表；第三方面是廣泛地采用和改革無裝飾線字體，使無裝飾線體成為當地印刷和平面設計中最重要的字體之 *O 這個時期中，英國字體設計最重要的奠基人足威廉·卡斯隆(William Caslon)，他有感于18世紀字體風格的落后和混亂，決心改革字體，使英語字體具有簡單明快的特點，從而達到準確的視覺傳達目的，同時，新字體也必須具有典雅的風格。大約在1725年左右，卡斯隆根據17世紀末期的荷蘭常用字體進行改革，從而創造出自己的新字體來。他創造的字體現在稱為‘‘卡斯隆舊體”(Caslon Old Face)，不但影響了當時整個英國的印刷業，第三節

印刷的革命

自從18世紀中葉，德國古騰堡在歐洲發明活字印刷術以來，歐洲的印刷業開始了一場革命，技術的發展極大地促進了平面設計、字體設計的發展，成為平面設計進入現代化的重要背景。19世紀，印刷技術進一步發展，印刷機械和印刷技術都有很大的進步，對于印刷業、設計業有很大的促進作用。英國斯坦霍帕爵士(LOrd Stanhope)開設的印刷廠首先引入了全金屬結構的印刷機，不但省力，提高了印刷效率，同時，這種印刷機的印刷尺寸也比以前大了一倍，因而能夠印刷出大尺寸的海報和其他印刷品。雖然這種印刷機還是以手工為動力來源，但是，由于機械部件的改進、金屬構件的采用，已大大提高了印刷的效率。印刷技術革命性的進步，足自弗里得利克·康尼格(Frledrich Koenis)開始的。康尼格是一個德國的印刷工，1804年來到倫敦，向倫敦的印刷業介紹了他設計的一種全新的以蒸汽為動力的印刷機。他希望能夠得到資叻，完成他的這個的印刷機構想01807年，他得到了托瑪斯·本斯利(Thomas BenslOY，的支持，1810年3月，康尼格終于在英國申請到蒸氣印刷的專利，他在自己的印刷廠利用自己設計和制造的蒸氣印刷帆進行試驗性印刷01811年4月份，他首先印刷出第一個樣本，是3000頁厚的《注冊目錄》(The AnnuaJ Register)，印刷速度快得驚人，非但舊式的手工印刷機無法匹敵，就連上述斷坦霍帕印刷廠的全金屬結構手工印刷機，每小時也只能印250頁，而康尼格蒸氣印刷機每小時可印400頁，創下當時世界印刷速度的最高記錄。康尼格的蒸氣印刷機基本結構與手工印刷機相仿，他將動力改為蒸氣，并且把手工印刷機用手工上油墨的方式改成滾桶上油墨。這種平版印刷機的字槽放在底下一個平格上，而平面的壓紙板和壓紙框則是自動的，因而速度較快。康尼格很快又在這個基礎上發明出平版滾筒蒸氣印刷機，字版在下面，是平的：印

刷壓紙滾筒在字版上滾過，每滾一次帶人一張紙，在字版上印刷

出來。雖然紙張還是用人工喂人，但由于滾筒的應用，因而速度快得多了。倫敦《泰唔士報》(the l'ime)的約翰‘沃爾特(John Walterll)委托康尼格設計和制造一種新的雙滾筒蒸氣印刷機，供報社大量印刷使用。這種印刷機的印刷速度達到每小時印刷1100張的水平，印刷的尺寸達到90厘米長(36英寸)，56厘米寬(22英寸)o當時工人對于新機械威脅他們的工作和就業非常憤怒，常有搗毀機械的行為，沃爾特因而將機器特別保護起來，防止破壞‘1814年11月29日早上，沃爾特來到《泰唔士報》報社宣布：《泰唔士報》已經開始用蒸氣機印刷了!這是印刷業一個新紀元的開始。從那時開始，報紙行業率先采用機械印刷新技術，大大提高了印刷的速度和質量。1815年，威廉·考柏(William Cowper)發明了新的印刷技術，他的改革足把原來平的字版改成彎曲的，因此能夠與滾筒更密切吻合接觸，每小時2，400張，如果印雙面，則每小時可以印刷l，200張o 1827年，英國《泰唔士報》委托考帕和他的合伙人安布羅斯·阿普加斯(Ambrose Applogath)設計制造一種采用他的彎曲面字版的四滾筒的新蒸氣印刷機，這種新機器把印刷量輕而易舉地提高到每小時4，000張雙面印張。

當時，歐洲和美國都掀起了一股創新印刷機器的熱潮。手工印刷技術被放棄，轉向自動化方向，印刷廠紛紛采用新發明的蒸氣印刷機，考帕和阿普加斯的四滾筒蒸氣印刷機廣泛受到歡迎和采用。由于自動化、機械化的發展，印刷的成本大幅度下降，印

刷品的尺寸則顯著增大。1830年前后，印刷業開始進入鼎盛時期，各種印刷品，比如書籍、報紙大量出版。印刷業已經不像以前那樣，只是依賴教會和少數學者的定貨，而是面向越來越大的公眾市場。技術的發展推動了市場的擴展，印刷為整個社會的發展服務，閱讀再不是少數人的奢侈了。另外一個促進印刷業迅速發展的因素是紙張價格。18世紀以前，紙張價格很貴，造成印刷品價格高昂，一般人很難買得起。1798年，法國蒂朵紙廠(the Ditot Paper Mill)的一個青年尼古拉斯—路易斯·羅伯特(NIcolas-Louis Robert)發明了一種新的造紙機器，但是，當時法國正值大革命時期，國內政治局面混亂，政權更迭，因而，他沒能把這種機械推進到實用階段。1801年，英國人約翰·岡布爾(John Gamble)也設計出類似的新造紙機，并且取得專利(他的新造紙機在英國的專利號是2487)。這種機器是滾筒式連續造紙機的前身，無論從造出的紙張長度、寬度，還是造紙的速度上講，都足以前任何一種造紙機無法比擬的。1803年，這種機器在英國的弗洛格摩(Frogmore)地方的造紙廠進入造紙實際運作，紙漿注入一個蒸氣槽，抄紙的篩網在傳送帶上震動，紙漿在傳送帶上沉淀，源源不斷地經過干燥過程，造成了滾筒紙。這個專利后來被亨利·佛德利奈兄弟(Henry and Sealy Fourdrinier)獲得，他們把岡布爾的造紙機加以完善，成為當時最普遍的連續式造紙機一佛德利奈造紙機，對大幅度降低紙的價格起到很大的作用。而令人感到莫名其妙的是：他們兄弟卻在發展這種機器的過程中破產了。

蒸氣動力印刷機和造紙機的發明及改進，大大降低了印刷成本，使印刷品真正能夠服務大眾、服務社會。這一變化，直接促進了各種平面設計的發展。

第四節

排版技術(typograDhy)的機械化

當時，字體的設計與制作基本是手工操作，手工制字已日漸成為阻礙印刷速度提高的一大障礙。”世紀中葉以來，不少印刷公司和造字公司都開始設法改進造字技術，以跟上飛速發展的印刷技術。另一個阻礙印刷速度提高的因素是手工排版。當時一般的印刷廠基本都可以達到每小時印刷25，000頁的速度，但由于排版落后，每個字母都要靠人工排上版面，因此大大地影響了出版的速度。由于排版緩慢，當時的報紙最多只能出到八版。書籍出版不但周期長，而且價格也相當高昂。要普及資訊、普及文化、促進商業發展，就必須發展新的印刷技術，而首當其沖的就是要解決印刷工藝上的瓶頸——手工排版問題。其實，很早就有人開始研究機械排版設備。19世紀末葉，為了提高印刷出版速度，很多企業和個人都在探索新的排版機械，歐美兩地之間注冊的排版機械多達數百種，數以百萬美元計的資金被投入新的自動排版機械的研制。各種機械各有優劣，逐步形成新的排版設備體系，而完成這個重大改革的是德國人奧圖·麥堅索勒(Ottmar Mergenthaler．1854-1899)目前所知比較早的、并且進入實用運作的排版機械是1886年由奧圖·麥堅索勒發明的排版機(稱為Linotype machinc)。麥堅索勒足德國人，在美國巴爾的摩一家機械工廠工作，他耗費了10多年的時間探索新的排版機械，以改變手工排版的落后局面。1886年?月3日，這個當時才32歲的機械工人在《紐約論壇報》(New York Forum)印刷廠內展示了他設計制作的新排版機。這部機2S采用打字鍵盤方式排字，迅速異常，《紐約論壇報》的主編看了以后，高度評價這部機器，他對麥堅索勒說：“你到底把這個機2s造出來了，一臺行式排版機(a 1ine。’type Linotype machine)。”

早期的排版機都足采用機械方法把金屬字體排在傳統的字版格上，后來出現的一些新方法包括用打字機的方式把字體抽放到字盤上，或者用石版印刷的方法，把字體在金屬版上制成淺浮雕式的字版等。奧圖·麥堅索勒的發明是采用鍵盤帶動的90個黃銅字型片，其新的方法是利用鍵盤打字，然后用鉛鑄造成金屬字版，再來印刷，比用原來的字型排列印刷顯然要便捷得多，速度要快得多。，第二章 攝影—新的傳達工具導言

第一節 導言

平面設計的幾個主要的構成要素之中，除了版面編排、字體，插圖、標志設計之外，攝影占了一個非常重要的地位。特別是在當代的平面設計之中，攝影的地位更加是舉足輕重，沒有攝影作為基本傳達手段，沒有攝影成為平面設計的組成部分，當代平面設計的面貌可能完全大相徑庭，面目全非了。攝影的發明并非為了改善平面設計的，它足人力企圖捕捉視覺形象的探索過程中的杰出表現，在發明和經過反復的改善之后，攝影逐漸被運用到平面設計之中，從而也逐漸成為平面設計的不可分割的一部分。自從18世紀末以來，雖然西方國家的平面設計在字體上、在版面編排上、在排版機械和排版技術上、在插圖技巧上都有很大的進步，但足，插圖則一直不得不依靠手工繪制，因為直到19世紀初期，插圖印刷技術除了運用木刻、石版和銅版之外，基本還無法利用機械、化學或者更加現代的方法對圖像進行處理。蝕版技術和石版技術足當時最先進的技術，所有的插圖部不得不采用這三種方式運用到印刷上，雖然這三種技法各有千秋，但是作為迅速傳達圖像的基本要求，這三種方法都無法達到，手工描繪畢竟是非常緩慢的藝術創作過程，這個技術如果得不到突破，插圖在雜志、報紙，特別是新聞報道上的運用依然是無法開拓的，看來技術的問題已經成為印刷在新聞報道、報紙運用的一種障礙了，這種情況直到攝影技術的發明和發展，才得到革命性的改變，其實，早在古希臘時期，就已經有人企圖利用類似攝影的化學過程來捕捉形象。拉丁語稱這個過程為“cameraobscura”，其意思足“暗房”或“暗箱”。

另外一邊形成外面圖形的圖像，藝術家們利用這個裝置繪出相當 準確的圖形來。長期以來，這種暗箱一直足很多藝術家采用的重 要繪畫工具01665年，有人發明出一個攜帶式的小暗箱，其最大 的改進，是在暗箱的內部采用化學材料來感光。通過光的化學反 應，將引入的圖像固定在一個平面上。這種感光材料的運用正是 攝影的最早雛形。第二節 攝影的發明

攝影的發明和平面設計的發展是密切相關的。根據記載，18世紀已經有好幾個西方人對攝影的發明作出過探索性的貢獻，但公認最重要的發明家，大約也是最早完成現代攝影試驗的是一位法國人約瑟夫·尼伯斯(Joseph Niepee，1765-1833)o 1820年左右，尼伯斯采用了感光材料涂層，通過曝光引起化學變化，從而把影像捕捉在暗箱里的一個平面上，這就是最早的攝影技術。他也因此成為攝影技術的奠基人。尼伯斯足一個石版印刷家，他之所以進行新技術的試驗，主要是企圖把在大眾間廣泛流傳的一些宗教形象，比如基督、圣母等通過新技術印刷出來。由于尼伯斯本人不會畫畫，因此，通過透鏡成像之后的描繪工作只能依賴兒子進行，他本人完全插不上手。因此，他開始考慮探索一種無需手工描繪的方法01822年尼伯斯在一個暗箱底部的投影版上，上了一層感光的瀝青層，當光線通過透鏡照射到這個感光層上時，由于光線的強弱不同而會導致感光程度不同，之后經過沖洗等程序，再利用酸液進行腐蝕，制成感腐蝕版。這是目前最早有記載的攝影技術之應用，尼伯斯將這種技術稱為邛日光腐蝕”(sun engraving)o尼伯斯1822年利用陽光腐蝕攝影法制作出世界最早的人物攝影：安布魯斯紅衣主教(Cardinald^mbroise)肖像，這是第一個沒有通過人手重新描繪的繪畫攝影復制品，開創了攝影技術的先河。尼伯斯采用的感光底板是錫合金的白蠟版(Pewter plate)。1826年，在事前完全不知道試驗結果會是什么樣的情況下，他又做了一個革新嘗試，他將暗箱攝影機對準他窗外的街道，進行長時間曝光的試驗。然后，把曝過光的白蠟版取出，用薰衣草油(LaVendcr。i1)重新感光瀝青層，再用酸液腐蝕白蠟版，得到的圖像令他非常驚喜：那是他窗外街道的模糊影像!可以看到長長的陰影，房屋的輪廓及其他風景。利用化學感光的方法記錄到真實圖像，尼伯斯完成了攝影技術的重要試驗。雖然圖像朦朧不清，但卻是世界上第一張風景攝影。但是，真正進一步改善了攝影技術，使攝影進入可以實用階段的卻足另一個法國人。就在尼伯斯進行攝影初期的試驗時，在法國還有一位畫家兼演員路易斯·達貴爾(Louis JacQues Daguerre，1799-1851)也在做類似的試驗，他無意中知道尼伯斯也在做類似的試驗，并且取得初步成功，便主動地找尼伯斯合作探索。他們兩個人很快就成了莫逆之交和科學試驗上的合伙人，進而促進了攝影技術的發展。1833年尼伯斯突然因為心肌梗塞而去世，以后，達貴爾就把他沒有完成的試驗繼續進行下去。隨后的好幾年中間，達貴爾改善了攝影方法，改進了攝影機，他制作出來的圖像越來越清晰。他把自己改良后的攝影技術稱為“達貴爾版”(daguerrcotypeprints)，所采用的設備稱為達貴爾攝影機。達

貴爾的技術改進的核心是把原來對光敏感度很差的白蠟版改成比較敏感的銀版，將所用的化學感光材料從原來感光很差的感光瀝青改成碘化合物，通過碘蒸氣與銀進行的化學反應來形成碘化銀層，再利用銀版上的碘化銀層進行曝光。感光之后，把感光版放在加熱的水銀盤上，水銀蒸氣與感光過的銀版部分化合，形成銀汞化合層，之后在鹽水中把沒有感光，或者感光比較少的碘化銀沖洗掉，圖像中顯現出來的部分是經過感光的汞銀化合物部分，非常精細和準確。他的這一革新大大地提高了感光水準，縮短感光時間，而感光的精確程度也相應大幅提高，為達貴爾攝影的實用性奠定了基礎。達貴爾干1839年第一次拍攝了巴黎的街景。這盡管感光材料不斷進步，照相機的體積依然—I—分龐大，并且造價極為高昂，而攝影機械的這些問題，也是攝影難以普及的一個主要原因。攝影的發展，顯然還依賴于攝影機械的演進，必須研究、發明和推廣小型的照相機，以取代當時攝影用的龐然大物。所以攝影機的發明，著實足美國人的一大貢獻。最早從事小型照相機設計和研究的，是美國攝影干版底片生產廠家的老板喬治·伊士曼(George Eastman，1854-1982)01也在19世紀80年代開始著手照相機的設計探索，終于在1888年發明了世界上第一部小型照相機。這種小型照相機價格低廉、使用方便，采用他生產的干底片，因此立即普及起來。伊士曼成立了自己的公司伊士曼柯達公司(Eastman Kodak Company)，從產品發明到大家竟相擁有照相機，以至膠卷的普及，柯達公司很快成為世界員重要的攝影器材生產企業。而攝影也因他的發明而成為大眾的新娛樂形式，成為新聞、印刷行業的重要媒介。

第三節 攝影技術在印刷上的應用

1840年左右以來，木刻作為印刷插圖的方式之一，越來越普遍。木刻主要的使用領域是日益增多的廣告海報。木刻之所以能夠如此普及，足木刻版能夠與排好的字版結合自如，木頭容易利用簡單的方法，比如削、刻等方法改變形狀，因此，一旦與印刷字體版有不吻合的地方時，只要用刀削切，就能夠達到吻合的效果，這是銅版和其他的金屬版難以達到的，因為金屬版，即使小小的修改都必須采用比較復雜的機械操作，所以，木刻插圖版在印刷上大行其道，在19世紀中葉流行一時，無論是書籍、雜志，還足海報、廣告等等，都在插圖上使用木刻。但是，木刻本身的制作卻十分昂貴，因為整個插圖必須要雇用藝術家一刀一刀地刻制而成，這個開支，成為出版社和印刷商非常頭疼的問題。因此一聽說尼伯斯發明了新的記錄圖像的方法---攝影，就有不少人效法。這個就是攝影在印刷上使用的重要背景。但是，由于專利和版權法當時并不健全，只要某人有所突破，很快就會被其他人抄襲，這種侵犯版權和發明專利的狀況，妨礙攝影在印刷上的普及進程。紐約發明家約翰·莫斯(John Calvin Moss)在1871年開始嘗試將攝影用于印刷制版，他設法利用攝影技術在金屬版上以線條方式制成繪畫式的插圖，然后把這塊版拼到文字版上，逐漸取代了原來的木刻插圖版。莫斯把照相底片通過自己發明的攝影機，照射到一塊有敏感的感光材料的金屬版上，通過感光，然后定影、腐蝕，得到正片式的金屬腐蝕畫面，就是需要的插圖。這種方法比木刻顯然快得多，并且經濟。他的發明，為現代攝影制版奠定了重要的基礎。因為這個方法制作出來的插圖非常真實，并且有一種鋼筆畫或者腐蝕版畫的特殊效果，因此受到了廣泛歡迎。為了要保密，莫斯只把這個方法教給自己的妻子和兩個忠心的員工，對其他的職工都秘而不宣。他利用這種方法制作出來的照片版，再經過手工修飾，達到很高的藝術品位。繼約翰·莫斯之后，法國人費明·吉洛特(Firmin Gillot)也進行了類似的試驗。他創造的方法稱為“吉洛特版法”(Gillotage method)，與莫斯的方法很相似。1875年，他的兒子查爾斯·吉洛特(Charles GI1lot)在巴黎開設了法國第一家照相制版公司。在照相制版技術普及以前，攝影基本是一種科學試驗，一旦技術普及以后，藝術家們便開始嘗試利用攝影為依據，把底片作為版畫的藍本，例如以底片為藍本，制作木刻，不但準確，同時也有很特殊的藝術韻味。現存的最早利用攝影為藍本而制作木刻的例子之一為《里什蒙運河邊的自由人》(Freemen on the Ca-naL BanKAT“RIchmond)o這張作品是攝影家馬修·布萊迪(Ltathew Brady)拍攝的一張黑人家庭的照片，拍攝時間大約是1865年，之后，木刻家約翰·麥克多納(John Macdonald)利用這張照片為藍本，制作出精細的木刻畫來，不但寫實準確，同時也有一種前所未有的特殊韻味，成為一張杰出的藝術作品。

第三章 維多利亞時期版面設計風格

第一節 導言

維多利亞并不是一個非常聰明或者極為能干的婦女，她的成績主要在于她幸運地下斷得到非常干練和成功的內閣協助和支持。維多利亞從1837年登基，成為英國和愛爾蘭君主，是英國歷史上在位最長的帝王之一。她在位時間長達2／3世紀，這個時期，被稱為“維多利亞時期”(the Viclotia Era)。這是英國歷史上享有長期和平的時期，也是工業技術迅速發展、都市化急遽擴展、文化藝術繁榮的時期。這個時期英國社會的道德觀念、宗教信仰、社會的樂觀主義也得到相應的大幅度提高。人民對于國家的前途充滿了希望，當時一句流行的話是“上帝在天堂，世上皆平安”。維多利亞成為當時和平和幸福的象征，雖然英國政府更迭，而她依然健在，君[陸朝政。在她的統治時期，英國工業、經濟發達，海外殖民地繁榮，文學藝術發展。

維多利亞是整個19世紀的英國君主，她把18世紀和20世紀聯系起來，創造了一個和平、繁榮的、沒有戰爭**的穩定局面，從而使英國的經濟、政治和文化都得到極大的發展和進步，使英國成為當時世界上最強大的國家。從歷史學來說，往往把維多利亞時代的結束時期放在1914年第一次世界大戰爆發時為止。可見她的確是被視為連接兩個世紀的關鍵人物。由于生活的安定，物質的日益豐裕，經濟高速發展，因此人們對于藝術、審美的要求也日益增高。維多利亞時代是對美學價值的探索，研究和追求新形式、新藝術的時代。由于探索的方向各有不同，因此，維多利亞時代的設計風格一方面表現出復雜的矛盾和折衷傾向，同時也體現出由于物質豐裕而造成的繁瑣裝飾化趨向。維多利亞時期在設計風格上一個最顯著的特點是對于中世紀哥德風格的推崇和流行。在這種流行風格的后面，是當時一些知識分子對于中世紀，特別是哥德時期的道德、宗教虔誠的崇拜和向往。第二節

石版印刷的發展

石版印刷，或者石印的英文原文是“1ithography'’，這個字來源于古希臘文的‘‘石頭印刷”，基本是古希臘文的直譯。這種技術是德國人阿羅斯·森尼非德(Al。ys Sennefcldcr．1 771—1834)干1796年在德國的巴伐利亞省(Bavacla)首先發明的。森尼非德是一個作家，他嘗試利用石頭或者金屬進行腐蝕制作印刷版面，來印刷自己的戲劇作品。有一天，他的母親要他寫一張洗衣清單，正好家里沒有紙了，他就拿了一支油性的筆在一塊光滑的印刷石頭表面記錄下洗衣清單。突然間，他醒悟起：可以腐蝕這石頭表面，有油性層的地方不會被腐蝕，而沒有油性層覆蓋的地方則會被腐蝕，這樣不就可以制成印刷的版面了嗎?他立即開始著手進行一系列的試驗，結果是發明了石版印刷的技術。這種技術的印刷部分既不是凸起，也不凹陷，印刷的部分是附著在光滑的石頭表面上，因此，能夠體現出非常細微的變化，印刷的效果非常好，石版印刷的原理足建立在油水不容的簡單原則上。原作首先以油性的筆畫在光滑的石頭平面上，這種筆可以是油性蠟筆、油性鉛筆或者其他的油性筆，之后把水淋在這個石頭表面上，所有的部分都被水浸濕了，除了油性筆畫過的部分以外。于是，有油性油墨層覆蓋的部分就沾上濃淡不等的油墨，而只有水覆蓋的部分則沒有油墨，再把紙壓在上面印刷，得到非常細膩的印刷效果01800年前后，阿羅斯·森尼非德也開始進行彩色石版印刷的試驗。他探索用彩色的石版印刷方法，1819年，他初步掌握了彩色石印方法，并預言有一天彩色石印技術可以完善到印刷繪畫的地步。德國人在石版印刷，特別是在彩色石版技術的探索中是先驅，在他們成功地走出第一步以后，法國人也開始緊接著進行試驗和應用。

第三節

看版、路牌的發展

19世紀以來，歐洲的主要廣告形式是張貼的海報。歐洲的海報是張貼在路牌上的，與美國流行大張的看版廣告，或者稱為路牌廣告非常不同，這種情況至今依然存在。隨著商業和工業的發展，市場日益繁榮，因此，在歐洲對于海報的需求量從19世紀以來越來越大，這種需求刺激了印刷業和廣告設計業的發展。19世紀以前，主要廣告形式是以文字為主的招貼，這種情況到19世紀中期以后，開始發生了改變，由于印刷技術的發展，具有圖畫的、彩色的海報日益成為流行的廣告形式，而大眾也日益習慣這種新的廣告形式，因此，以圖畫為中心的海報逐步取代了以前以文字為中心的招貼。大約在1840年前后，法國專門從事各種商業海報設計的藝術家與設計家羅尚(Rouchon)的設計在法國和其他歐洲國家開始廣泛流行，他采用彩色印刷技術，創作大量生動的商業海報和廣告，得到大眾的歡迎。隨著業務的擴展，羅尚自己成為出版公司的老板，雇用藝術家為他從事廣告設計，其中包括非常杰出的廣告設計家保羅·包德里(PaulBaudry，1828-1886)。羅尚的印刷公司采用的足絲網刻版分色的方法印刷彩色廣告招貼。因為色彩比較簡單，為了得到強烈的視覺效果，羅尚公司采用了強烈的色彩對比設計方式，因而比當時其他的海報都更具有強烈的視覺效果，非常令人注目。針對這種狀況，那些專門以文字為主的海報印刷公司也作出調整，它們開始針對彩色石版印刷海報泛濫的情況，采用一些新的方法和新的印刷媒介，其中一個就是彩色木刻技術。當時出現了不少海報，足用多塊彩色版套印的彩色木刻海報，效果也很強烈。這種類型的海報往往見于馬戲廣告和其他的娛樂廣告海報上，而制作成本比石印要低。這是一種完全對應競爭的形式。歐洲印刷界還有一種情況，即“如果打不倒對手，何必不參與對手”的哲學。具體體現在印刷界就是法國出現了文字印刷公司與石版印刷公司的合并情況。因為兩方面各有所長，因而在設計上能夠充分發揮彩色石版印刷插圖和文字印刷的字體講究兩方面的長處，導致海報設計和印刷水準大幅度提高。其中一個非常典型的以文字印刷為主的例子足莫里斯·皮艾爾公司。

第四節

兒童讀物的設計發展

在維多利亞時期以前，歐美的出版商往往把兒童視為“小大人”，所謂的兒童讀物都是成人讀物的改編本，并沒有真正獨立的為兒童設計和編寫的讀物。這種情況在維多利亞時代發生了很大的變化，由于新興的資產階級要求，專門為兒童編寫出版的讀物出現了，而且，兒童讀物的市場也越來越大，很多出版商都集中到這個市場上來。早期的英國出版的兒童讀物中，最著名的是 ‘‘玩具書’’系列，這種書籍就是專門為兒童設計出版的。維多利亞時期兒童讀物發展迅速，大量的兒童出版物造成兒童書籍設計和出版的巨大需求。在歐美各國兒童書籍出版家當中，英國出版業顯得非常杰出，他們在文字、插圖、印刷、版面設計上都注意到兒童的特殊要求，因此出版了許多非常杰出的兒童讀物，英國的兒童讀物具有這樣一批杰出的設計家，因此在維多利亞時期達到西方最高水平。大量出版的英國兒童讀物，以其精美的設計、浪漫典雅的插圖、幽默趣味的內容，廣泛流傳西方各國，影響了其他國家兒童讀物的設計與出版，推動了兒童讀物出版的發展。

第五節

美國編輯與廣告設計的興起

英國的維多利亞時期，也是美國的發展時期。曾經是英國殖民地的美國，在取得獨立之后，發展迅速，特別是在1861年到1864年的內戰(南北戰爭)結束之后，經濟發展極其迅速，很快成為西方的經濟強國之一。隨著經濟的發展，商業也得到促進，商業發展自然造成商業促銷的需求，因此，廣告的需求量日益增大，平面設計在這種前提下得到刺激和促進。

美國的平面設計開始大規模地運用到商業廣告上，其重要的創始人為美國紐約的哈潑兄弟。哈潑家族一共有四兄弟，全部都投身于自己家族的印刷出版公司從事出版設計和出版發行的工作，他們分別足詹姆·哈潑(Jame Harper，1795-1869)、約翰·哈潑(John Harper 1797-1875)、惠斯里·哈潑(Wesley Harper1810-1870)和弗里奇·哈潑(Fletcher Harper 1807-1877)。在他們的出版物當中，最為重要的應該是他們自己的刊物《哈潑周刊》(Harper’S‘weekly)。這份刊物不但成為美國平面設計的重要陣地，更是19世紀美國人最熱衷的娛樂性讀物之一。最早創立哈潑兄弟出版公司的是詹姆·哈潑和約翰·哈潑。他們將自己的少數存款和父親的農場作為抵押，于1817年在紐約開設了自己的印刷廠。1823到1825年期間，兩個弟弟也參與到這家印刷工廠來了。四兄弟同心同德，積極辦廠，成績顯著。10年之后，這個印刷廠已經成為頗具規模的工廠。到19世紀50年代，哈潑印刷廠已經成為美國和世界最大的印刷廠和出版公司了。其中負責設計工作的足弗里奇·哈潑，他參加印刷廠工作的時候才18歲，一開始就被哥哥們指派從事平面設計，他的才能和特殊地位使他自己在設計上提高很快，到1850年前后，他已經是美國重要的平面設計家，他通過自己出版公司的出版物，影響美國平面設計風格達半個世紀之久。美國出版界開始對平面設計的創新并不感興趣，包括哈潑兄弟出版公司在內，主要的目的足利用英國既定的維多和]亞平面風格出版大眾喜聞樂見的讀物，以贏得利潤。他們關心的中心是印刷量大小和書籍價格必須低廉，這樣才能贏得讀者的歡迎，才能贏得高利潤。這些出版公司的出版物常用的字體足各種比較簡單的所謂現代體，基本是從波多尼體(Bodoni)和迪鐸體(Didot)演變出來的二流字體。可見對于設計的細節，當時的美國出版公司并不太在意，基本處在過得去就行的狀態，重商主義的成分非常重。因此，美國的平面設計此時與歐洲的同類設計有相當的質量上的差距，但是由于發行量大，市場大，因此它們的盈利情況卻比歐洲的還要好。大約在1840年代前后，哈潑兄弟出版公司決定在為了適應美國讀者的需求前提下，出版幾種通俗的、面向大眾的新讀物，其中包括《哈潑版插圖本圣經》(Harper／Jluminsted and NewPictorial 9jbie)。這本書的出版是哈潑公司的戰略性計劃。為了出版這本精美的《圣經》，公司不但特別設立了一家新的印刷廠，并且還特別設計了600多張插圖，全部由藝術家約瑟夫·亞當斯(Joseph A．Adams)創作。為了促進銷售，哈潑公司在書籍出版之前還組織了精心安排的全國廣告活動亞當斯為了大批量印刷的效果，在印刷這本書時發明了電版方法。他在他的木刻插圖版上撒上導電的石墨粉，通過導電的電解過程，利用金屬(他采用的是銅)鍍到覆蓋有導電石墨層的木刻插圖版上，形成金屬版，然后在非常薄的銅版底部以鉛版加固，這種金屬插圖版非常耐用。正是他的這個發明，使哈潑出版公司能夠一次印刷出版50，000本《圣經》，經過一定的改動之后，又利用這個版出版了25，000本采用摩洛哥羊皮封面、手工鍍金、手工裝訂的梢裝本。這本《哈潑版插圖本圣經》版面編排采用兩欄，插圖大部分占整整兩欄的位置而且都是采用華貴的裝飾。這本《圣經》是市場上的成功作品，受到廣泛的歡迎。哈潑出版公司在這個成功的基礎上，決定出版更加通俗的讀物01850年，公司出版每期144頁的《哈潑新周刊雜志》（HArperNew Monthly Magazjne）。每期都包括有公司的平面設計家和藝術家創作的大量插圖，力求通俗，旨在占領大眾讀者市場。因為市場反映出奇地好，因此，公司很快又在1857年出版了《哈潑周刊》。之后，為了占領女性讀者市場，又在1867年出版了《哈潑市場周刊》(Harper Bazar)。《哈潑周刊》標榜是‘‘文明雜志”，因此比較注意內容的典雅和插圖的梢美、平面設計的講究。這份周刊聘用了一些杰出的插圖藝術家為每期雜志創作插圖、漫畫，以提高水平。在為這份刊物從事插圖設計的藝術家中，包括有杰出的畫家托瑪斯·納斯特(Thomas NasT)。

第六節

維多利亞時期的版面設計風格

隨著時代的發展，維多利亞時期的平面設計日趨成熟。維多利亞時期的品位和美學特征，很快在平面設計，特別是通過版面、字體設計反映出來。維多利亞雖然是英國的王朝，但是，從藝術風格上，從設計上來講，往往把這個時期的歐洲和美國，特別是英語國家，包括在維多利亞時期中。因此，維多利亞時期的設計，其中重要的貢獻很多都是來自美國的。

維多利亞時期的上半期，也就是19世紀上半期，平面設計風格主要在于追求繁瑣、華貴、復雜裝飾的效果，因此，出現了繁瑣的‘‘美術字’’風氣。字體設計為了達到華貴、花哨的效果，廣泛使用了類似陰影體、各種裝飾體，所謂的“美術字”設計，在這個時候發展得很迅速。版面編排上的繁瑣也是這個時期的平面設計特征之一。到19世紀下半期，設計上因為出現了金屬活字和新的插圖制版技術的刺激，這種繁瑣裝飾的風氣更加有增無減，繁瑣裝飾達到登峰造極的地步。字體設計家在軟金屬材料上直接刻制新的花哨字體，然后通過電解的方法，制成印刷的字模版。彩色石版印刷的發明和發展，更加給平面設計的繁瑣裝飾化帶來幾乎是沒有限制的手段。這些發展，都使各個印刷公司、出版公司需要聘用更加多的平面設計家和插圖藝術家從事設計，這種情況無疑對于促進平面設計起到促進作用，雖然維多利亞的繁瑣裝飾風格并不是一種理想的風格。維多利亞時期字體設計的最重要設計家之一是德國人赫恩·依廉伯格(Hern lhlenburg，1843-?)o他雖然是德國人，但他畢生大部分設計生涯是在美國費城的一家印刷公司度過的。費城的馬克凱拉、史密斯和約但鑄字公司(Hac Kellar，Smiths&Jor-dan Foundry in Philadelphia)是當時美國最重要的字體鑄造公司之一，依廉伯格從1866年開始一直到20世紀初為止，都在這家公司從事字體設計工作，這家公司在1892年兼并其他小型字體公司和印刷公司，成為美國鑄字公司(the American TypeFounders Company)，原來的公司是新公司的最重要組成部分。這家公司專門設計廣告上用的美術字，英語稱為“展示字體”(“splay tyepefaces)，依廉伯格是公司字體設計部門的主要領導人物，他設計了大量花哨的“展示字體”。到19世紀末，依廉伯格一共設計出大約80多種維多利亞風格的“展示字體”。他還親自動手刻制了32，000個活字，對于這個時期的字體設計和平面設計風格起很重要的影響作用。其他的美國出版公司、字體鑄造公司也都參與了新展示字體和其他美術字的設計與鑄造。其中，約翰·庫明(John F． Gumming，1852-?)在波士頓的迪金森鑄字公司(the DickinsonType Foundry in Boston)從事字體設計，也是當時代表維多利亞風格平面設計，特別是字體設計的重要人物。他受到當時英國的“工藝美術”(The Arts and Crafts)運動風格的影響，設計出結合了英國“工藝美術”風格和維多利亞風格的新字體與版面來，對當時的平面設計界也有一定影響。總體來說，維多利亞時期的印刷事業得到非常大的發展，出版的發展自然也促進了平面設計的發展。這個時期歐美平面設計的發展主要基于兩個方面，一個是美國插圖的發展，這是19世紀的一個非常特殊的現象。在這種情況之下，美國的插圖得到很大的進步和獲得巨大的成功，進入了美國的“插圖黃金時代”，對于插圖發展來說，這個階段是具有舉足輕重的意義的；而另外一個發展方向則是字體設計分外興盛。維多利亞的總體風格是繁瑣裝飾、艷俗，這在字體的設計上有著非常清楚的表現。新的鑄造字體技術和印刷技術的發明，對于促進字體的多元化是有一定作用的。

第四章“工藝美術”運動 第一節

導言

“工藝美術，運動是起源于英國19世紀下半葉的一場設計運

動。這個運動的背景是工業革命以后大批量工業化生產和維多利亞時期的繁瑣裝飾兩方面同時造成的設計水準急劇下降，導致英國和其他國家的設計家希望能夠從傳統的設計中和遠東的設計風 格中吸取某些可以借鑒的因素，從根本上改變和扭轉設計頹敗的趨勢。具體來看，其起因是針對家具、室內產品、建筑因為工業化的批量生產所造成的設計水準下降，平面設計也在工業化大量 出版的前提下面臨質量下降的局面，企圖通過復興中世紀的手工藝傳統，從自然形態中吸取借鑒，從日本裝飾和設計中找到改革的參考，來重新提高設計的品位，恢復英國傳統設計的水準，因此稱為··工藝美術’’運動。如果從歷史發展的趨勢來看，這個運動雖然具有它對于設計水平，特別是設計風格水平的重視的優點，但是，在它采用的方式來說，則是一個復舊運動，因此不但是退步的，同時也不可能成為現代設計的啟迪和開拓型運動。但是，在維多利亞風格彌漫設計界的時候，“工藝美術”運動卻的確帶來一陣清風。

“工藝美術，運動的開端，迄今仍無完全一致的看法，有些學者以威廉．莫里斯1864年開始的設計事務所作為開端，另外一些學者則認為雖然莫里斯的事務所到1864年方才開設，但是，類似的設計探索則早在這以前已經存在了。如果把工業化時代的設計作為一個普遍存在的問題看待，引起社會和設計界的廣泛注意看，很多人則認為“工藝美術”的基本思想是在1850年前后 形成的。根據比較一致的理解，這種對于工業化造成的設計水平下降的社會意識是從1851年在倫敦的“水晶宮”中舉行的世界博覽會(The Great Exhibition 0f 1851)開始的。這個展覽展出了大量設計丑陋的工業產品，因而導致設計界的一些敏銳的人士意識到問題的嚴重性。與日后的現代主義設計家堅持對工業產品進行設計上的完善、改進不同，這批設計家提出否定工業產品，否定工業化，提倡恢復中世紀的手工藝傳統，企圖躲避工業化在設計上的影響。因此，如果從歷史的發展來說，“工藝美術”運動具有它的局限性和落后性，但是對于繁瑣的維多利亞風格來說，它又是一個很大的進步。

這場運動的理論指導是英國美術評論家和作家約翰·拉斯金(John Ruskin)，而運動的主要人物則是藝術家、詩人威廉·莫里斯(William Morris)。他與藝術家福特-布朗(Ford MadoxBrown)、愛德華·柏恩·瓊斯(Edward Burne-Jones)、畫家但丁·加布里爾·羅西蒂(Dante Gabriel Rossetti)、建筑師菲力普·威柏(Philip Webb)共同組成了藝術小組“拉斐爾前派兄弟會”(Pre-Raphaelite Brotherhood)，習慣稱為“拉斐爾前派”。他們主張回溯到中世紀的傳統，同時也受到剛剛引入歐 洲的日本藝術的影響。他們的目的是“誠實的藝術”(HonestArt)，主要是恢復手工藝傳統。他們的設計主要集中在首飾，書籍裝幀、紡織品、墻紙、家具和其他的用品。他們反對機器美學，主張為少數人設計少數精華產品，即所謂的“the work 0f a fewfor the few”。這個運動從1860年左右在英國開始發展，到1878年左右已經成為一個名符其實的運動了。1888年前后，“工藝美術”運動略有式微趨勢，卻出現了一個重要的促進因素，再次促進它的發展，這個因素就是1 888年在倫敦成立的工藝美術展覽協會(theArts and Crafts Exhibition Society)。從1888年開始，這個協會連續不斷地舉行了一系列的展覽，在英國向公眾提供了一個了解好設計及高雅設計品位的機會，從而促進了工藝美術運動的發展。不但如此，英國“工藝美術”運動的風格開始傳出英國國境，影響到其他歐洲國家和美國

第五章“新藝術”運動

第一節

法國“新藝術”運動的平面設計

法國足新藝術的發源地，這個運動在法國的發展具有兩個中心，一個足首都巴黎，另外一個是南斯市(NAncy)，后者主要集中在家具設計上，而巴黎的“新藝術’’運動則包羅萬象，設計的范圍包括家具、建筑、室內、公共設施裝飾(特別是巴黎地鐵的入口)、海報和其他平面設計。法國的“新藝術’’運動對于歐美的這個運動具有重要的影響作用，足“新藝術’’運動的發源地。

法國的設計運動早在19世紀末已經開始醞釀。1900年的巴黎世界博覽會足“新藝術’’在法國嶄露頭角的開始，從那個時候起，法國的這場設計運動歷時20余年，足所有有關國家中持續最久的國家。這場運動的名稱也是緣由法國家具設計家薩穆爾·寶(Samuel Bing)在1895年開辦的設計事務所的名字——“新藝術之家’’(La NajSOn Art Nouveau)而產生的，評論家取其中‘‘新藝術’’為名，來稱這個席卷歐美的設計運動，因此，法國應該被視為“新藝術”運動的發祥地。

法國新藝術運動與英國工藝美術運動的背景非常相似，它們都是因為反對工業化風格和雕琢的維多利亞風格而產生的，都主張從自然、東方藝術當中吸收創作的營養，特別是植物紋樣和動物的紋樣，是它們創作的主要形式動機。它們都反對機械化的批量生產，都反對直線，主張有機的曲線為形式中心，主張藝術與技術的結合。它們的觀念背景是相同的，但是，它們也有不同的地方，其主要的差異在于形式的參考傾向上，即英國的“工藝美術”運動還主張從哥德風格吸取營養，而法國則完全反對任何傳統的風格參考。

1900年巴黎世界博覽會首次向世界展示了法國的“新藝術”風格，特別是它的家具和室內裝飾，引起世界廣泛的注意。這些設計的風格，比較英國的“工藝美術”運動更加追求自然形式。而從設計組織方式來看，法國的這場運動更加是集中在幾個比較密切的設計團體之間，而不像英國“工藝美術”運動那樣囿于小規模的手工作坊之間。

法國的‘‘新藝術”運動重要的發展中心之一的小城南斯，其家具設計自成體系，成為設計史上頗有影響的“南斯派”(Ec。1e Nancy)，而另一個發展中心巴黎則是從建筑到平面設計無所不包的集大成之中心。

巴黎是19世紀末和20世紀初現代藝術及現代設計最重要的中心，幾乎所有重要的現代藝術運動和現代設計運動都和它有密切的關系。作為法國的首都和最大的都會，巴黎不僅僅集中了法國的精華，同時也成為世界精華的薈萃之地。世界各國的新動向都非常容易地被巴黎感覺到，同時得到積極的反應。“新藝術”運動在這里產生和發展，是非常自然的，因為當時這里的知識分子

第二節

英國“新藝術”運動的平面設計

“新藝術”運動在法國是一個涉及設計的各個領域的運動，在歐洲的大部分國家，“新藝術”運動也都涉及到建筑設計、家具設計、產品設計等等，但是，在英國，這個運動僅僅局限在平面設計與插圖上，對其他的設計領域影響甚微。英國在此以前已經出現了具有一些國際影響的設計運動，比如維多利亞風格、新哥德風格和“工藝美術’’運動。這些都在英國的平面設計上有突出的反映01893年4月，英國設計家們出版的刊物《工作室》(The Studi。)成為當時平面設計集大成的中心，這一期刊物刊載了以前一個時期最具有影響的平面設計作品，特別是英國“新藝術”運動插圖創作的最重要代表人物奧伯利·比亞茲萊(AubrBeardsley，1872-1898)的作品。這份刊物的同年9月號上，又刊載了荷蘭設計家讓·圖魯普(Jan Toorop)等人的插圖和書籍設計，另外還介紹了英國“工藝美術”運動的重要設計家沃爾特·克萊恩設計的從日本裝飾演化出來的裝飾圖案等等。這份刊物，成為推動英國“新藝術”運動在平面設計上發展的重要基礎。

比亞茲萊是“新藝術”運動時期最重要的藝術家和插圖畫家之一。這個具有特殊天才的青年藝術家的單純的黑白線條插圖，充滿了強烈的主題，豐富的想象，對于當時被視為禁忌的性的大膽描繪，使他被稱為“新藝術”運動的“瘋狂孩子”。比亞茲萊基本是自學成才的。他對于日本的裝飾木刻印刷品和日本繪畫非常感興趣，同時也對古希臘陶器上的黑白線條繪畫非常熱衷，他很早就顯示出自己的藝術和書籍插圖天才01892年，第一次受到委托，為瑪洛里的《阿瑟之死》(MALory Mort Orthur)設計的插圖，具有強烈的莫里斯克姆斯各特出版公司設計風格的影響，大量采用卷草花紋，復雜的黑白曲線纏繞，在卷草之中有許多裸體的女子，與圖案糾纏不清。而他的插圖本身又具有非常明快的黑白對比結構和流暢而具有高度裝飾性的線條，因而立即引起設計界和讀者的注意。這個風格，也立即成為他的個人特征，他以后的一系列書籍插圖和設計基本都是圍繞這種風格發展的。

莫里斯在看見《阿瑟之死》這本書的設計之后，非常憤怒，他認為比亞茲萊是全面地抄襲他的設計，并且還把原來僅僅足典雅的風格變得肉欲非凡，甚至想到法院控告比亞茲萊。沃爾特·克萊因則指責比亞茲萊的風格是對“工藝美術”風格和日本裝飾風格的褻瀆，說他的插圖僅僅配在“鴉片煙桌”上用。

雖然莫里斯等人對比亞茲萊的創作如此攻擊，但是公眾的反映卻非常好，因此，比亞茲萊立即受到許多出版商的插圖和書籍設計的委托，工作忙得不可開交。他被委任主持一份叫做《黃書》(The YELLOW Book)的刊物的平面設計工作，所以稱為“黃書”，與刊物的內容其實沒有任何關系，只是因為刊物的封面是黃色的而己。他設計的版面和插圖依然故我，發展自己的風格，廣泛受到青年讀者的歡迎。這份雜志成為倫敦書報攤上非常令人注目的刊物01894年，比亞茲萊受委托，為作家奧斯卡·王爾德(Oscar Wilde)的著作《沙樂美》(Salome)設計版面和插圖。他的這些插圖充滿了對性心理的描寫細節，對性的表現達到當時登

峰造極的赤裸裸水平，震動了英國政府負責書報審查的官員，因此，書籍一出版，立即在英國被禁止發行。但是，這本書的設計和插圖的流暢、自由、淋漓盡致的繪畫風格、強烈的黑白對比、明快的版面設計，使它具有非常高的藝術價值，雖然在英國被禁，但是立即在歐洲其他國家廣泛流傳，成為當時最流行的一本書。而比亞茲萊也因此聲名大振，成為設計界無人不知的設計和藝術天才。

比亞茲萊在這本書出版以后，開始更加注意流暢線條的運用，特別是浪漫的植物紋樣在插圖中的運用。他受到法國畫家瓦托(Antoine Watteau)的影響，插圖畫面充滿了浪漫而神秘的氣氛，黑白對比更加講究，他的作品進入高度成熟階段。他的風格成為“新藝術”運動的主要影響風格，其影響范圍不但在歐洲各國，而且也影響到美國的插圖畫家和平面設計家們。比亞茲萊在1895年退出《黃書》刊物的設計工作，之后又擔任了另外一份刊物《薩沃》(The Jaroy)的編輯和設計，一共出版了8期，設計和插圖水平精良，是他最杰出的代表作。

比亞茲萊在正當盛年的時候，在創作最豐富、想象力最豐富的時候，卻因為肺結核病突然去世，享年才26歲，這是整個設計運動的一個無法挽回的巨大損失。

英國“新藝術”運動的平面設計中，能夠與比亞茲萊相比的設計家是查爾斯·里克茨(Charles de Sousy Richetts，1866-1931)。查爾斯·里克茨出生于瑞士的日內瓦，早年在英國、意大利和法國居住過，對于歐洲各個國家的文化有相當深的了解。1882年，他在倫敦的“市立行會藝術學校”(the City&GuildsArt School，Lo~don)學習木刻印刷和木刻版畫，很快成為當時英國“工藝美術”運動的重要版畫設計家。他的風格非常輕松，基本采用簡單而流暢的線條，大量采用纏繞的卷草花紋組成底紋，插圖的人物形象也非常流暢，和植物紋樣高度吻合，往往合為一體。他雖然受莫里斯的某些影響，但是風格更加輕松自由。里克茨對于古希臘的陶瓶裝飾繪畫具有濃厚的興趣，因此，往往花很多時間在大英博物館學習和臨摹。與比亞茲萊相比，他比較少用大面積的黑白對比，而更加強調線條的結構和線條造成的裝飾性效果，其緊密的線條和大面積的空白對比，也取得很杰出的裝飾效果。

第三節

美國“新藝術”運動的平面設計

美國的平面設計是在英國和法國的平面設計雙重的刺激和促進下發展起來的。美國當時最具有影響力的雜志《哈潑雜志》

曾經多次委托英國和法國最杰出的平面設計家為這份刊物設計插

圖和封面。比如1889年、1891年和1892年委托法國‘‘新藝術”運動設計大師尤金‘格拉謝特設計封面，封面本身是在巴黎設計、巴黎印刷，然后運到美國紐約裝訂的，因此，美國讀者能夠

接觸到世界一流的平面設計，對于提高他們的品位，提高美國平面設計界本身的水平，都具有重要的意義。

歐洲對于美國平面設計的發展刺激，除了為美國出版業設計之外，也包括了歐洲設計家到美國，成為美國平面設計界的成員。這些來自歐洲的設計師，成為把歐洲平面設計介紹到美國來的關鍵橋梁。比如英國人路易斯·里德(Louis Rhead，1857-1926)常往來干歐美之間，帶來大量‘‘新藝術’’風格的平面設計作品，從而影響到他的美國同行威廉·布萊德利(William H． Bradly．1868-1962)。他們日后都成為美國平面設計的重要奠基人。

路易斯·里德首先把風行歐洲，特別是風行法國的海報介紹到美國。在此之前，美國對于海報并不熱衷，路易斯·里德的工作，足讓美國的雜志、企業都采用海報來做廣告，同時也在雜志刊物上刊載海報式的廣告專頁，他的這項工作取得很大成功，海報出現在紐約街頭上，出現在書報攤上，非常引入注目。里德采用了格拉謝特的海報設計方式，即‘‘新藝術’’運動的曲線裝飾、曲線勾勒的女性人物，典雅的姿態和華貴的服裝，也采用了‘‘新藝術”的單線平涂方式。但是，考慮到美國人喜歡強烈色彩的習慣，他放棄了法國“新藝術”風格海報色彩淡雅的特點，采用了強烈的色彩：綠色背景，紅色頭飾，藍色衣服。這樣的色彩，在歐洲絕對是失敗的，而在美國卻得到大眾的喜愛，在某種程度上，里德是把英國“工藝美術”運動的風格和法國“新藝術’’運動的風格結合起來，加上美國人喜歡的強烈色彩，形成自己的風格而取得成功的。

威廉·布萊德利也是這個時期把歐洲的“新藝術”運動設計風格引入美國平面設計的重要人物。他的父親在美國內戰中陣亡，因而隨母親從美國的馬薩諸賽州遷居到密執安州的依斯佩明(1shpeming)，投靠親戚。他9歲就喜歡畫畫，11歲開始在一個叫做《鐵礦》(the lron Ore)的報紙的印刷工廠里以學徒身份學習習近平面設計，17歲時，他用自己積蓄的50美元作為路費，離開這家印刷廠，到芝加哥的一家大型出版社‘‘蘭德·麥克奈利出版公司”(Rand McNally)當學徒，希望學習到更加先進的印刷技術。他在這家公司擔任刻字工人，同時也兼任刻制插圖的工”，很快，他就發現刻版工人并沒有可能創作插圖，在芝加哥的工作，并不會給他創造出藝術的前途，因此又回到依斯佩明，這樣來來去去，頗費周折，他的目的是希望能夠找到從事插圖設計的工作。密執安小城鎮的確也沒有辦法提供他希望的工作，因此他在19歲的時候又重新回到芝加哥，到另外一家出版公司當工人。

布萊德利完全是自學美術，他受到當時流行的“工藝美術’’運動的插圖風格很大影響，喜歡F·高蒂、布魯斯·羅杰斯、莫里斯等人的書籍插圖和平面設計。1890年前后，他開始創造自己的黑白鋼筆插圖，風格上足以上幾個“工藝美術’’運動大師的風格的綜合，同時也發揮出自己的特征來。他的插圖很快受到芝加哥的一些出版公司的歡迎，于是開始接受委托插圖，這樣，布萊德利從事插圖設計的夢想開始實現了01894年，布菜德利第一次看見比亞茲萊的插圖作品，非常著迷他的高度裝飾性線條的運用和豐富的想象力，這是他最早受到“新藝術”運動風格的影響。這個風格與他自己的風格頗有相似之處，因此他開始學習新的風格。

第四節

比利時“新藝術”運動的平面設計

比利時足西歐的一個發達的資本主義國家，1890年中期以、后，“新藝術’’運動從法國進入比利時，在比利時的設計界中開始發展。比利時的設計在19世紀以前與其他西歐國家相比，并不先進，雖然國家位置重要，國際留易在資本主義發展期間發展迅速，但是，產業經濟并不如法、德這兩個相鄰的國家，而在資本主義的原始積累期間也沒有能夠如同英國、法國、德國、荷蘭、西班牙、葡萄牙等等國家那樣發達，能夠以海外殖民的方式進行高速積累，因此，經濟上也比德國、法國等國家要落后一些。經濟落后，自然設計的需求也就不足，因此，比利時曾經在設計上

發展緩慢。

但是，自從工業革命開始以來，比利時也自然進入了工業發展階段，特別是產業經濟發展極其迅速，工業發展造成的設計需求，促進了比利時現代設計發展。比利時雖然沒有大規模的海外殖民運動，但是工業發達，對外事務平穩，國家安定，因此經濟在這個時期也逐漸繁榮。大約在1900年前后，比利時也進入了 “新藝術”運動的成熟發展階段，成為歐洲的“新藝術’’運動的重要活動中心之一。比利時在設計與藝術上的發展，到19世紀末葉已經進入比較成熟的時期了。由于經濟發達，思想自由，這個小國出現了完全不弱于其他歐洲大國的杰出藝術家和設計家。19世紀80年代左右出現的“二十人小組’’(Les Vingt)，1889年舉辦的高更(PGauguin)畫展；1890年舉辦的比利時畫家文森·梵高(V．varlGogh)畫展，都是這個國家在藝術和設計上趨于成熟的標志。梵高成為后印象主義最突出的畫家之一，與這個國家的文化氣氛和經濟狀況，以及比利時與海外，特別是法國的頻繁交往是分不開的。比利時的革新運動具有相當的民主色彩，這與其發展歷史分不開。1884年比利時自由派政府倒臺之后，比利時的社會黨人非常活躍，特別是一批具有資產階級民主思想的知識分子更加活躍。這批人對于比利時的民主發展起到一定的促進作用，并間接地也促進了這個國家的經濟發展。在他們的影響下，比利時出現了相當一批具有民主思想的藝術家、建筑設計師，他們在藝術創作上和設計上提倡民主主義、理想主義，提出藝術和設計為廣大民眾服務的目的。在比利時進入“新藝術”運動的時候，這些藝術家和設計家就提出了“人民的藝術”的口號，從意識形態上來說，他們是現代設計思想的重要奠基人。

比利時在19世紀末和20世紀初葉最為杰出的設計家、設計理論家、建筑家無疑應該推亨利·凡德·威爾德(HerlFivandeVelde)。他對于機械的肯定，對設計原則的理論，以及他的設計實踐，都使他成為現代設計史上最重要的奠基人之一。他不僅僅是比利時現代設計的奠基人，也是世界現代設計的先驅之一。他的影響遠遠超出了比利時的國界，在歐洲各國，特別是在德國有

很深刻的影響，他于1906年在德國魏瑪建立的一所工藝美術學校，成為德國現代設計教育的初期中心，日后又成為世界著名的包豪斯設計學院，對于他的研究，不僅僅局限在他的“新藝術”運動設計活動范圍之內，而應該推廣到現代主義設計運動的基礎上來。

威爾德具有強烈的設計民主思想，他與比利時社會主義活動的一些積極分子，比如馬克思·哈利特(Max Hallet)、朱利斯·德斯特列(Jules Destree)等人都有長期與密切的往來，受到他們的社會主義與民主主義思想很大影響，并通過他的設計與設計教育而得以傳達開來。比利時的設計運動在比利時的設計史上被稱為“先鋒派”運動，開始干19世紀的80年代。1881年，比利時人奧克夫·毛斯(0ctavc Maus)創辦民主色彩濃厚的藝術刊物《現代藝術》(Lrt Moderne)，宣傳新藝術思想。在他的組織下，一批有志于藝術與設計改革的青年人在1884年組成了一個前衛小組“二十人小組”，他們舉辦了一系列藝術展覽，展出了歐洲當時最前衛的一批藝術家的作品，比如法國藝術家里東(Redon)、圖盧茲—勞德利克、高更、塞尚(P．Cezanne)、梵高等人的作品，使比利時人開始了解當時前衛藝術發展的狀況，接觸現代藝術思想。“二十人小組’’成員推威爾德為他們的領袖。在建筑設計出身的威爾德領導之下，這個小組逐漸開始從純藝術向實用美術、設計方面轉化。從1891年開始，這個小組每年都舉辦一次設計沙龍，也就是設計大展，展出各種各樣的產品設計和平面設計。1894年，“二十人小組’’改名稱為“自由美學社”

第五節

德國“青年風格”運動的平面設計

從法國開始的·新藝術”運動也在德國發展，但是，德國人沒有稱這個運動為“新藝術”運動，而是稱為“青年風格”(YbeJuoeodstI'MoveMENt)。究其原因，大約與德國和法國長期的不和有關。這個名稱出自1896年在慕尼黑出版的一本叫{青年}(JUGeND)的雜志。德國的“青年風格”運動有英國“工藝美術” 運動與法國‘‘新藝術’’風格的深刻影響，在許多方面出現非常類

似的特征，但是，德國的‘‘青年風格”運動卻比法國和英國的運動更加具有與學院和學術界的密切關系，因此更具有知識分子氣息，更富于書卷氣。這個運動在德國慕尼黑首先發軔，然后迅速擴散到柏林、達姆斯塔德(Darmstadt)和整個德國。德國足歐洲印刷的發源地，因此，在19世紀末，德國也是唯一繼續使用古騰堡時期發展而流傳下來的中世紀字體和版面風格，即便“青

年風格’’運動席卷德國，這種“新藝術”運動的平面設計風格，也僅僅是與德國中世紀以來的平面設計風格并駕齊驅、共同存在，而并沒有能夠取代陳舊的古騰堡時期的風格。當時，“青年

風格’’所帶來的新鮮氣息，是人人都能感受到的，是廣受德國大眾歡迎的，因此，它很快就被廣泛地運用到產品設計、建筑設計、紡織品設計、室內設計和平面設計等等各個領域中去，成為風行一時的設計風格。作為“青年風格”運動的核心，依然是《青年》雜志。這本雜志剛剛創刊的時候，發行量是3萬份左右，但是經過幾年的發展，由于‘‘青年風格’’廣受歡迎，發行量劇增到20萬份，可見這個設計運動的成功。這份刊物完全采用“新藝術”運動風格設計，無論字體、插圖、版面編排，都與法國和其他國家的“新藝術’’風格刊物類似，典雅、特別、引人注目。這份刊物的主要設計家是漢斯·克里斯提安森(Haris Chris“ansen)，他為刊物設計了標志、插圖、封面和版面等等，成為“青年風格”運動和《青年》雜志的主要領導人物之一。德國‘‘青年風格’’運動有兩個非常重要的平面設計家，他們是奧托·艾克曼(Otto Eckmann，1865-1902)和彼德·貝倫斯(Peter Behrens，1868-1940)。這兩個設計家設計了尺寸非常大的石版印刷海報，顯然是受到法國同類海報的啟發。他們設計的風格雖然與法國‘‘新藝術’’運動的海報有非常相似的地方，但是，也同時具有自己的個人特色。他們的平面設計主要集中在《青年》和《潘》(Pan)兩份雜志上，為這兩份刊物設計插圖和版面，“新藝術”運動比較少強調歷史風格，談到歷史的淵源，可以說它受到部分中世紀自然主義風格自影響。‘‘新藝術”運動風格細膩、裝飾性強，因此常常被稱為“女性風格”(aFEminin eaRt)。其大量采用花卉、植物、昆蟲作為裝飾的動機，的確非常女性化，與簡單樸實的英國“工藝美術”運動風格強調比較男性化的哥德風格形成鮮明對照。“新藝術’’運動是世紀之交的一次承上啟下的設計運動，它承繼了英國“工藝美術’’運動的思想和設計探索，希望在設計矯揉造作風氣泛濫的時期，在工業化風格浮現的時期，重新以自然主義的風格開設計新鮮氣息的先河，復興設計的優秀傳統。這個運動處在兩個時代的交叉時期，舊的、手工藝的時代接近尾聲，新的時代、工業化的、現代化的時代即將出現，因此，從意識形態上看，它的興起預示了舊時代的接近結束和一個新的時代一現代主義時代的即將來臨，它的本身，就是一個新舊交替時期的過渡階段。

第六章

二十世紀平面設計的源起

第一節

導言

從設計風格來看，在每個世紀相交的時候，人們習慣對于上一個世紀的風格進行一次審視，并且企圖探討下一個世紀的風格是什么?這種心理的狀況，往往造成世紀之交在設計上的重大轉變。19世紀之前的變化，僅僅是裝飾形式的變化，因為19世紀之前的每個世紀的交替，僅僅是時間的交替，而社會經濟基礎基本是封建主義的，經濟基礎的基本穩定，反映在設計上就成為簡單的形式更迭了。19世紀卻因為工業化的急劇發展，造成經濟基礎的徹底改變，在西歐和美國基本完成了資本主義革命，資本主義成為歐洲和美國的新生產關系的核心，因此，設計的變化就非常的巨大，產生了影響20世紀全世界人民物質文明的“現代主義”設計，這個變化，比人類文明以前幾千年間的變化都要來得激烈、徹底和迅猛。短短幾十年間，整個世界的物質面貌、城市面貌、平面風格完全與上一個世紀大相徑庭，面目全非。如果我們說，以往數千年的設計史足一個逐漸變化的過程，那么20世紀的設計發展則是一個革命的過程19世紀末葉、20世紀初，世界各地，特別是歐美國家的工業技術發展迅速，新的設備、機械、工具不斷被發明出來，極大地促進了生產力的發展，這種飛速的工業技術發展，同時對社會結構和社會生活也帶來了很大的沖擊。雖然工業技術發展，但是針對工業技術帶來的必然結果一工具、機械、設備的現代設計卻沒有得到相應的發展，這些技術的產品無論從使用功能上、外型上還足安全性、方便性上，都存在眾多的問題。現代都市如雨后春筍般地涌現，而都市的設計和都市內的建筑設計卻沒有一個可以依據的模式，高樓建筑的設計更是問題叢生。新的商業海報、廣告、書籍大量涌現，公共標志、公共傳播媒介也與日俱增，而如何處理這些大量的傳達設計對象，如何處理這些眾多的平面對象，設計界也基本一籌莫展。無論是英國、美國的“工藝美術” 運動，還是歐美的“新藝術”運動、“裝飾藝術”運動(ArtDeco)，顯然都不是解決問題的方法，它們的中心是逃避，乃至反對工業技術，反對工業化，反對現代文明。因此，必須有新的設計方式出現，來解決新的問題，來為現代社會服務。現代設計的出現就是在這種情況下產生的。設計界此時面臨的問題主要有兩個方面：其一，如何解決眾多的工業產品、現代建筑、城市規劃、傳達媒介的設計問題，必須迅速地形成新的策略、新的體系、新的設計觀、新的技術體系，來解決這些問題，這是社會需求和商業需求迫在眉睫的任務；其二，針對往昔所有設計運動只是強調為社會權貴服務的中心，如何形成新的設計理論和原則，以至使設計能夠為廣大的人民大眾服務，徹底改變設計服務的對象問題。針對這兩個方面的問題，世界各國的設計先驅們都努力地探索，為解決第一方面的問題，即現代的、工業化的產品，現代城市和建筑，現代平面媒介的設計問題，出現了現代設計體系；為解決第二方面的問題，即設計的社會功能問題，形成了現代主義設計思想。現代設計與現代主義設計是相輔相成的兩個方面，它們有聯系，同時也有區別，一個是技術層面的，一個是思想層面的，它們的結合，形成了現代主義設計的總體。現代主義建筑設計是20世紀初在歐美同時產生的最重要的運動之一。德國、俄國和其他幾個西歐國家的建筑師為尋找代表新時代的形式，為改變設計的觀念，為在設計中引入民主主義的精神，或者為奠立一種新的政治制度的基礎，開始了從設計觀念、設計風格和形式、建筑材料、建筑方式各個方面的探索，在30年代中期以后取得驚人的成就。第二次世界大戰爆發，使大量歐洲的設計家流亡到美國，從而把歐洲的現代主義與美國豐裕的具體市場需求結合，在戰后造成空前的國際主義風格高潮。一直發展到70年代，遍及世界各地。無論從影響的深度和廣度來說，都是空前的。人類四、五千年的文明史中，還沒有哪一個設計風格能有如此廣泛和深遠的影響。

現代主義設計是從建筑設計發展起來的，20世紀20年代前后，歐洲一批先進的設計家、建筑家形成一個強力集團，推動所謂的‘‘新建筑’’運動，這個運動的內容非常龐雜，其中包括精神上的、思想上的改革——設計的民主主義傾向和社會主義傾向；也包括技術上的進步，特別是新的材料一鋼筋混凝土、平扳玻璃、鋼材的運用；新的形式——反對任何裝飾的簡單幾何形狀，以及功能主義傾向。從而把千年以來的“設計為權貴服務”的立場和原則打破了；也把幾千年以來建筑完全依附于木材、石料、磚瓦的傳統打破了，從建筑革命出發，影響到城市規劃設計、環境設計、家具設計、工業產品設計、平面設計和傳達設計等等，形成真正的完整的現代主義設計運動。在這批建筑和設計的改革先驅中，最重要的有德國人沃爾特·格羅佩斯(Wa 1 te rGropius)、米斯·凡·德·洛(Ludwig Mies Van Der Rohe)、瑞士人勒·科布西耶(Le Corbusier)、芬蘭人阿爾瓦·阿圖(A． halto)、美國人弗蘭克·賴特(Frank L‘Wright)和一些俄國和荷蘭的設計先驅。而現代主義設計運動主要集中在三個國家開始進行試驗，即德國、俄國和荷蘭。俄國的“構成主義”運動是意識形態上旗幟鮮明地提出設計為無產階級服務的一個運動，而荷蘭的“風格派’’運動則是集中于新的美學原則探索的單純美學運動，德國的‘‘現代設計’’運動從德意志“工作同盟”開始，到包豪斯設計學院為高潮，集歐洲各國設計運動之大成，初步完成了現代主義運動的任務，初步搭起現代主義設計的結構，戰后影響到世界各地，成為戰后“國際主義設計運動”的基礎。現代主義的具體產生時間是20世紀初年。大約在20世紀20年代，從幾個歐洲國家開始發展起來，其中以德國、俄國發展得最為迅速。荷蘭其他幾個歐洲國家也有類似的探索，但是無論從深度還是廣度來說，沒有哪一個國家能夠與德國、俄國的試驗來得深刻。美國也有一些試驗和探索，但是與歐洲相比，美國的探索顯得淡薄得多，也缺乏思想的高度和意識形態的力量。現代主義設計由于遭到歐洲獨裁政權的反對，于30年代以期的設計革命，反映在幾個開始試圖采用縱橫直線探索的設計家的試驗上，但是這些試驗的背景，卻潛在著徹底改變設計服務對象，把設計從為權貴服務轉變為為大眾服務的民主因素。雖然這些最早把簡單的直線運用干設計上的設計家，自己并不一定對他們探索的結果有明確的認識，但他們的工作其實足為20世紀的現代主義設計墊了形式方面的基礎。在這些人當中，比較重要的有美國的建筑設計家佛蘭克·賴特、以查爾斯·瑪金托什為首的 “格拉斯哥四人小組”、維也納的“分離派”和德國“青年風格”運動中以彼德·貝倫斯為首的少數幾個設計家。

第二節

現代平面設計的探索——佛蘭克·賴特和格拉斯哥派

佛蘭克·賴特(Frank Lloyd Wright，1867-1959)是美國現代建筑和現代設計中最具有個人特點的大師，他的設計生涯從1880年代開始，一直延續到1959年他去世為止，其中跨越72年之久，是世界上少有的有如此長的工作時間的設計家。即便從他脫離路易斯·沙里文的設計事務所那年(1893年)開始算起，他也有近70年的獨立設計經歷，本世紀大概很少有能夠在工作時間和經驗上超過他的人。

賴特本人的風格也在這個漫長的期間發生了不少的變化，從自然主義、有機主義、中西部草原風格、現代主義，到完全追求自己熱愛的美國典范，每一個時期都對世界建筑界造成新的影響和沖擊。他設計的內容從私人住宅到商業中心，從建筑到家具，從社區規劃到都市設計，可以說無所不包。他在自己的設計中心教育出很多的學生，對于促進美國建筑設計的水平，把這個水平提高到具有美國特色，同時又有世界級水平的事業起到舉足輕重的作用。賴特的客戶總是思想自由、富裕的個人，愿意讓賴特自由發展他的想法，因此，他的設計具有相當大的個人表現成分，與當時領導世界設計主流的現代主義、新建筑風格、國際主義風格大相徑庭。

賴特的設計采用了大量的基本幾何圖形，比如方形、圓形、三角形等等，在總體上采用網格的方陣方式，加上各種抽象的細部處理，總是具有相當特殊的裝飾效果。他設計上的一個很明顯的特點是努力在自己的設計和周圍的自然環境中找尋一種和諧的因素，設法使設計達到與自然的融合關系。但是這種努力卻又不是自然主義的使設計與自然融為一體，而是取得和諧。他的設計是自然環境中的一個有機組成部分，這一點足他的同代人中很少有人嘗試過的。正因為如此，所以他總是強烈否認自己是現代主義設計家。他在提及看日本浮世繪木刻版畫時的感觸，談到自己受到的影響時說：日本版畫對他的影響是相當大的，他從日本版畫中受到建筑風格的啟發，就好像法國畫家受到繪畫的啟發一樣，雖然法國人當時正在從事立體主義、未來主義的探索。他認為所謂現代主義的基礎其實已經可以在日本設計和日本藝術中找到。雖然賴特一直否認與現代主義的關系，怛是，他的生涯、他的作品卻依然滲透著現代的氣息。比如他的功能主義傾向，他的風格中的抽象細節，都是典型的現代主義語匯。而特別能夠說明他與現代主義關系的一點足他的強烈的社會感，這種社會意識是現代主義設計先驅的共同特色。因此，我們仍然可以把賴特當作一個重要的、但是具有強烈個人風格和追求的現代主義大師來看待。沙里文曾經多次提到他對于功能與形式的看法，他說：形式追隨功能(form follows function)，這句話對于跟隨他多年的賴特來說，應該足會有很深的影響的。賴特后來以自己的說法發展了這句話：功能與形式是一回事(form and function areone)。表明了他的功能主義的立場：功能與形式在設計中根本沒有可能完全分開。他認為，建筑的結構、材料、建筑的方法融為一體，合成一個為人類服務的有機整體。因此，他反復強調的“有機設計”其實就是指這個綜合性、功能主義的含義。賴特與現代主義的其他奠基人不同，他一直處在潮流以外，因此很多人把他看作一個典型的美國英雄。美國作家湯姆·沃爾夫就在他的著作中把他看作一個美國的典范。弗蘭克·賴特1867年6月8日生于威斯康辛州的一個農村小鎮，他在1959年4月9日去世，享年92歲。他足威爾士的移民后代，家庭在美國已經有上百年的歷史了。賴特年輕的時候曾經去麥迪遜市的威斯康辛大學學習土木工程，那是美國最好的州立大學之一，但是他對于土木工程興趣索然，因此，在1887年離開大學到芝加哥當了一個建筑繪圖員(draughtsman)，不久之后，他進入芝加哥當時非常著名的鄧可德勒與沙里文建筑設計事務所”(Dankmar Adler&Louis Sullivan)工作。沙里文是美國現代建筑設計的奠基人之一，正在探索如何把現代建筑與傳統的裝飾，特別是“工藝美術’’運動風格的裝飾結合起來，達到功能好和外形美觀的目的。賴特在這段時期內，受到沙里文的現代主義和功能主義思想的很大影響。在工作中，他開始把自己喜愛的日本建筑風格與沙里文的功能主義的“有機建筑”糅和在一起，開始嘗試自己的探索。從這時起，賴特逐漸開始形成自己獨特的設計方法。他從來不從書本上找資料，建筑設計一向從里到外進行設計，并且努力把建筑與自然環境聯系起來。賴特在沙里文事務所為顧客設計住宅，這時設計的一批住宅被稱作“靴子腿屋子”(boot 1egged houses)，建筑比較低矮；“大平屋頂”(稱為”sweeping rooflines”)，有連續一排的窗子，組成一道“窗子系列”(稱為”uniterrupted walls of WIndows”)。他的平面計劃足以壁爐為中心發展開來的，壁爐通常是用實心磚建造，或者用石頭建筑，房間之間互相流通，開放性強，室內空間是從一個到一個房間的連續串通的繼續，擯棄他的建筑一向不對稱(asymmetrical)，與當地的大草原(prairiehorizon)有密切的視覺和諧關系，因此，被稱為“草原房屋”(Prairic ltouse)，這是賴特最早的個人風格。

第二節

維也納“分離派”運動(?THe Vienna SeCeSSion)

作為歐洲“新藝術”運動的一個重要分支，維也納的“分離派”發揮了類似“格拉斯哥派”的作用，為傳統設計向現代設計進步奠立了發展的基礎。在19世紀末葉，奧地利首都維也納的一批青年藝術家和設計家公開提出與正宗的學院派分離，自稱“分離派”，在形式方面與德國的“青年風格”接近，成為一股德文國家的新設計運動力量。維也納“分離派’’正式成立于1897年4月3日。那一天，維也納正統的藝術組織“維也納創造性藝術家協會”(the Kunstlerhaus，the Viennese Creative Artists’Association)開會，會上就傳統和發展問題發生嚴重沖突，一批青年藝術家和設計家當場宣布退出這個協會，與主流分離，因此自稱“分離派”。這場沖突的表面是因為對外國藝術家參加協會的展覽同意或不同意的問題引起的，而實質問題，在于到底在藝術和設計上是遵循傳統路線，還是接受外國的，特別是法國、德國、蘇格蘭的。當時，英國等國家正在以進行的大規模設計改革的經驗，來改造奧地利和維也納的藝術和設計，因此，這場沖突足傳統與現代的沖突，是保守和進步的沖突。如此之大的問題，當然不可能取得一致意見，因此沖突造成破裂，產生了歐洲最突出的新設計和藝術群體之一一“分離派”。這個運動的領袖足杰出的天才畫家古斯塔夫·克里姆特(Gustave K1imt，1862-1918)、建筑家約瑟夫·奧伯里奇(Joseph MariaOlbrich，1867-1908)和約瑟夫·霍夫曼(Josef Hoffmann，1870-1956)，以及藝術家和設計家科羅曼·莫塞(Koloman Moser．1868-1918)o這個運動雖然受“新藝術”運動的啟發而產生，但是，從產生成立的時候開始，就與 “格拉斯哥派”一樣，是對“新藝術”運動的曲線風格的對抗。這個集團成立之后，開始積極從事各種海報設計，他們的海報設計，可以清晰地反映出這個組織的迅速發展過程：從比較傳統的方式，發展到類似法國“新藝術”運動的曲線裝飾方式，然后進入本身風格形成的成熟階段。這三個階段只用了很短的時間就完成了，可見成員本身已經有了比較一致的設計和藝術創作傾向。可以肯定地說，“分離派”的發展是從“格拉斯哥派”的風格中得到啟發和借鑒的，因此，這兩個集團在設計風格上也頗有相似之處。“分離派”一成立，立即舉辦自己的展覽，并且展覽頻繁，連續不斷，對社會的影響很大，而展覽的海報，其實就是他們的藝術和設計立場的宣言。克里姆特親自設計了不少海報，他采用了古希臘的神話題材和裝飾動機，加上簡單的幾何圖形布局，顯得非常突出。特別是第一次“分離派”展覽，他畫了古希臘的藝術女神雅典娜站在一旁看特修斯殺死怪獸米諾陶，象征“分離派”征服保守的傳統派。這張作品使維也納的大眾了解到藝術界和設計界的斗爭如何尖銳。“分離派”第二次展覽的海報是莫塞設計的，完全成為法國 “新藝術”運動的翻版，全部采用曲線構成，風格浪漫，反映了 “新藝術”運動對于“分離派”的影響。這種情況持續了沒有多久，“分離派”就完全放棄這種曲線風格，轉為簡單的幾何圖形的組合，開始進入真正自己發展的階段了。維也納“分離派”在世紀之交出版了最具有影響力和試驗性的刊物《神圣的春天》(Ver Sacrum)o與其說這是一份雜志，倒

不如說它是“分離派”設計的試驗場地。這份雜志的發行時間是1898年到1903年，每一期都充滿了在平面設計上的試驗性作品，廣泛地嘗試各種設計的可能性。這份雜志的前衛特征，使它的訂戶非常少。1900年這份刊物總印數為600份，而訂戶只有300個

第三節

彼德·貝倫斯的探索

在建筑上，他是最早開始著手試驗新的建筑結構的人，他設計的德國電器工業公司(AEG)的廠房，是世界上最早的現代工業廠房建筑；在工業設計上，他是世界上最早從事功能化的工業產品設計的人，他在1907年設計出的電風扇、電燈等等，都成為現代工業產品設計的經典作品；他足世界上最早在學院進行現代設計教育改革的人，早在1904年，他就已經在自己擔任院長的杜塞爾多夫藝術學院進行設計改革；他是世界上第一個政府和民間合辦的工業設計組織的組成人之一，早在1904年，他已經和其他的德國設計先驅組織了 “德國工業同盟”，促進了德國的現代設計事業發展；他也是世界±最早開設現代設計事務所的人物之一，1907年他開設了自己的設計事務所，同時培養出世界上最杰出的設計大師一包豪斯設計學院的創始人沃爾特·格羅佩斯、現代主義建筑的奠基人米斯-凡德洛、現代美學的奠基人和現代建筑和城市規劃的重要代表人物勒·科布西耶。因此，貝倫斯可以稱之為真正的、名符其實的現代設計的奠基人。貝倫斯14歲就因為父母去世而成為孤兒。他父親留下給他繼承的財產足以使他繼續學業。他首先在漢堡讀書，然后到慕尼黑去繼續求學。當時慕尼黑正是德國手工藝文藝復興的中心，手工藝非常發達。貝倫斯去學校繪畫，早期描繪的對象都是窮困的德國人民，風格是社會寫實主義，但是，到“青年風格”運動在慕尼黑開始萌發的時候，他很快就放棄了寫實主義繪畫，投身到設計改革運動中來。

大約在1900年前后，德國的設計受到歐洲大陸的“新藝術”風格影響，早期的這種風格設計事務所是德國設計家奧古斯特·恩戴爾(August Endell，1871-1925)設立的，這家設計公司設計的產品、室內，與法國的吉馬德、比利時的霍塔和西班牙的高蒂的設計非常相似，具有基于曲線裝飾、被戲謔為“面條風格”的特點。這種風格在德文國家有幾年的影響，但是很快，從維也納傳來的“分離派”浪潮就沖擊這種曲線裝飾的風格了。貝倫斯是德國“青年風格”運動的組織者，他在1893年仿效奧地利同行的方式，成立了德國“青年風格”這個前衛設計組織。1900年，德國赫森大公爵恩斯特·赫斯(Ernst Ludwig Hesse)提出要進行“把藝術和生活聯系在一起”的試驗，因此，他自己拿出巨資在德國的城市達姆斯塔德建立所謂的“藝術家村”(Darmstadt colony of artists)，由他自己提供、聘請他認為杰出的藝術家和設計家來這個“藝術家村”中設計試驗作品。他一共選擇了七個人，其中包括了貝倫斯和維也納“分離派”的杰出建筑設計家約瑟夫·奧布里奇。根據大公爵的要求，他們每人都要設計一幢建筑。貝倫斯為自己設計了住宅，包括住宅內部的全部用品：家具、紡織品、各種用品和廚房用具、燈具等等，所有的設計都體現出統一的風格，這種設計，被他們稱為“統一設計”，或者“完全設計”(Total Design)，強調的是設計之間的一致性和內在的關聯性。Muthesius，1869-1927)。這個當過教師和外交官的設計領導人曾

經組織大量的研討會，研究設計的問題。他堅決反對“青年風格”運動那種曲線的、矯揉造作的設計，同時也反對在設計上借鑒任

何藝術風格。他認為設計的目的僅僅是功能性的完美，因此他追求沒有風格的所謂“明確的實用性’’設計，宣傳功能主義。他對德國美術教育體系進行大力改革。自從1903年他擔任德國政府主管藝術教育的官員以來，大刀闊斧改革德國藝術學院。為了根本改革德國公立設計學院，他任命貝倫斯為杜塞爾多夫美術和工藝學院校長，委任布魯諾·包羅為柏林美術學院院長，把漢斯·

珀爾齊希(Hans Poelzig，1869-1936)推上雷斯勞美術學院領導的地位，從而引導對美術教育的改革。

第四節

工業同盟

1907年，穆特修斯、貝倫斯等人，成立了德國第一個設計組織一德國“工業同盟”。他在柏林商學院舉辦講座，宣傳這個同盟的宗旨，要求德國的設計家們推出‘‘工藝美術經濟利益協會”，參加同盟。他提出同盟的目的是通過設計強調“民族良心”。同盟立即吸引了大批設計家、藝術家參加。而這個組織的形成，可以說標志著德國的現代主義運動的發軔。“工業同盟”的宗旨是由弗里德利克·諾曼(Friedrich Naumann，1860-1919)起草的。宣言本身可以看出當時德國設計界和建筑界所關心的幾個主要問題。宣言提出以下六個方面的主

要內容，即：

1)提倡藝術、工業、手工藝結合；

2)主張通過教育、宣傳，努力把各個不同項目的設計綜合在一起，完善藝術、工業設計和手工藝；

3)強調走非官方的路線，避免政治對設計的干擾；

4)大力宣傳和主張功能主義和承認現代工業；

5)堅決反對任何裝飾；

6)主張標準化的批量化。

德國“工業同盟”的成立足現代設計的一件重大事情，自從這個機構成立以后，德國的設計家就有了一個可以團聚的中心，第七章

現代藝術對平面設計發展的影響

第一節

導言

20世紀初，在歐洲和美國相繼出現了一系列的藝術改革運動，特別是在1907年到兩次世界大戰期間，這些運動發展得特別有聲有色，如火如荼，結果是從思想方法、表現形式、創作手段、表達媒介上對人類自從古典文明以來的傳統藝術進行了全面的、革命性的、徹底的改革，完全改變了視覺藝術的內容和形式。對這個龐大的運動浪潮，我們往往籠統地稱之為“現代主義藝術”，或者“現代藝術”。在英語上為“modern art”。這個藝術運動浪潮的影響是極其深遠的，它不僅僅改變了藝術的內容，比如藝術的目的、藝術的價值觀、藝術服務的對象和藝術的思想內容，它同時還完全改變了藝術的表現形式。

20世紀有兩次巨大的藝術革命，世紀之初到第二次世界大戰前后的現代藝術運動是其中的一次，影響深遠，并且形成了我們現在稱為“經典現代主義”的全部內容和形式。另一次是19世紀60年代以“波普”運動開始的當代藝術運動，這個運動的結果足混亂的，到底這個運動浪潮給人類文明帶來什么結果迄今依然不分明，但是，我們可以比較明確地說當代藝術運動的結果之一就是沒有結果，這個浪潮是絕對個人主義發展的結果，與戰前 的現代藝術運動講究群體性完全不同，因此，戰后的當代藝術運動浪潮造成了藝術評論的混亂，在評論上毫無標準可言，或者稱為評論標準的多元化，藝術創作的絕對個人化，思想上的泛政治化；藝術本身對社會的完全脫離；藝術逐漸變得難以收藏、甚至無法欣賞，因而，失去了藝術活動的支持基礎。無論是國家，還是博物館、畫廊和私人收藏家都對當代藝術表現出越來越冷淡的立場，創作資金日益窘困，當代藝術面臨著很大的危機。這些自然不是本書要討論的內容。

現代藝術運動的產生時間爭議很大，有些人認為開始于文藝復興時期，也有人以法國的印象派為開端，但是，如果從它與傳統藝術的關系來看，應該說這個龐大的運動足在20世紀初期開始于歐洲的。現代藝術的核心是對以往藝術內容的改革和對傳統藝術的表現)了法、傳統媒介的改革。從思想上來看，傳統藝術的目的是宗教性和道德性的訓詁，再現性和裝飾性的視覺取悅，表現方式則是寫實性的。15世紀意大利文藝復興以來，在藝術創作上越來越多地強調藝術家自己的感受，也越來越多地表現人，而不足理性化的、神化的人。但是逼真的寫實技法、藝術受社會

倫理道德觀的控制，藝術受資助力量一往往是國家、教會、富裕的商人階級的操縱卻基本一成不變。文藝復興發展了三種新的逼真再現的技法：透視、人體解剖、色彩，都被吸收用于同樣的創作目的。法國的法蘭西美術學院是歐洲17、18世紀集大成的美術中心，藝術服務于國家和皇室，藝術的粉飾太平，對統治階級的歌功頌德，取悅于貴族階級和皇室達到登峰造極的水平。在這種洪流之中，雖然有一些藝術家希望表現自我，但是只能在這些目的的外衣下，偷偷地表現自我019世紀以來，藝術資助力量隨著資本主義的發展急劇改變，藝術服務的對象不再僅僅是封建貴族階級，而是富裕的資本家，操縱藝術市場的是畫廊和藝術沙龍，藝術家不必畫權貴喜歡的題材，而在廣闊的市場中有自己的更大的選擇，因此，出現了新藝術的探索。1860年前后的“印象主義”首先在題材上和技法上進行改良，他們開始畫新的城市生活，反映發展的時代，同時也利用光學發展的成功，改變陳舊的固有色彩體系，動搖了色彩的傳統根基。更重要的是他們把個人的感受帶入了藝術創作，個人的風格大相徑庭，而龐大的藝術市場又能夠包容多元的個人風格，這種情況，刺激了藝術的進一步發展。19世紀末期，個人表現越來越成為藝術家希望傳達的內涵。后期印象主義的梵高、高更、挪威的愛德華·蒙克等人都以繪畫表現自己的心理感受和恐懼；歐洲也出現了一批以繪畫象征某種觀念或者個人心理的象征主義派別；還有一些藝術家對于原始藝術、非洲藝術、民間藝術有濃厚興趣，摒棄傳統藝術方法，嘗試新的原創性的表現方法。比如19世紀末法國出現的“野獸派“就是這種嘗試的結果。到20世紀初期，藝術上的個人主義發展達到高潮，個人表現的強烈欲望，產生了1904年在德累斯頓的德國表現主義集團 ‘‘橋社”。1907年在巴黎出現的立體主義集團，1911年在慕尼黑出現的另外一個德國表現主義集團“藍騎士”，象征著現代藝術運動正式開始發展起來。新的時代，出現了許多新的刺激視覺和精神的因素，現代技術對于生活方式的沖擊，汽車、飛機、輪船、機械化生產、都市的急劇膨脹、城市生活的復雜化、社會貧富懸殊的擴大、階級關系的日益緊張、階級斗爭的日益尖銳化，新的政治思想一馬克思主義、無政府主義、民族主義、軍國主義層出不窮等等，這些前所未有的意識形態的、思想的、物質文明的因素，都成為新藝術的刺激。1900年以來，歐洲的藝術基本沿著兩條不太相同的路徑發展。一條是強調藝術家的個人表現，強調心理的真實寫照，強調表達人類的潛在意識。受弗洛伊德的試驗心理學影響，從表現主義，到超現實主義，一直到戰后在美國發展起來的抽象表現主義基本是屬于這一路的，這一體系的發展，反對一切存在的文明結果，包括語言、文字，是藝術上的虛無主義和無政府主義的反美學發展，但是，它對于人類自我感覺的強調，對于人的想象、感受的表象的強調，則為現代藝術的進一步發展提供了重要的基礎；另外一路，則力圖在形式上找到所謂“真實的”，代表新時代的方式。立體主義、構成主義、荷蘭的“風格派”，直到戰后美國發展起來的大色域藝術、減少主義、光效應藝術等等，都屬于這一路的發展。在這兩個探索的途徑之間，存在著廣闊的“灰色地帶”，也就是說有一些藝術運動，是包含有兩方面的內容的，比如達達主義，一方面是通過無政府主義的方式，表達對于第一次世界大戰的的厭惡和抵制，而在形式上，則探索平面上的偶然性、自發性、隨意性組合；意大利發展起來的未來主義，意識形態上是企圖表達對工業化的頂禮膜拜，對機械美學的推崇，對所有過去的傳統文化的虛無主義否定，而形式上是在探索如何表達四維空間(時間)，表現機械的美。這些眾多的現代藝術運動中，有不少對于現代平面設計帶來相當程度的影響特別是形式風格上的影響。其中以立體主義的形式、未來主義的思想觀念、達達主義的版面編排、超現實主義對于插圖禾口版面的影響最大。它們或足在意識形態上提供了現代平面設計的營養，或足在形式上提供了改革的借鑒，對于現代平面設計總體來說，具有相當重要的促進。

第二節

立體主義

立體主義是現代藝術中最重要的運動。這個運動的起源在法國印象畫派大師保羅·塞尚(Paul Cezanne)。他在1900年前后，開始探索繪畫的“真理”。他創作了大量的風景繪畫，采用

小方格的筆觸來描繪山脈、森林，他認為這種方法，才真正可以捕捉到山林的本質，而不至于僅僅浮在事物的表面。他的這種探索也體現在他的人物、靜物中，追求找到描繪對象的實質，表達對象的精神，達到神似，而不是簡單的表面寫實主義再現的形似，成為塞尚創作的核心。他的這種探索，在當時可以說是絕無僅有的，他晚期的作品，深深地影響了青年一代的藝術家。特別—是來自西班牙的青年巴布羅·畢加索(Pablo PiCaSSO，1881—1973)和法國青年藝術家喬治·布拉克(Georges Braque)。他們在1907到1908年之間開始以小方格的筆觸描繪人物和風景，他們自己不斷交流，互相影響，而他們的創作，遭到當時法國主流藝術界的抵制，但是他們依然堅持不懈，創作豐富。而在具體的創作上，他們的風格日益抽象，并且開始把印刷文字、廢報紙剪貼等加入畫面，把以前依稀可辨的對象發展成為基本完全抽象的幾何圖形構成，色彩上也越來越單純。他們的試驗首先在1909年前后影響了巴黎的一批來自各個國家的藝術家，使立體主義開始成為一個擁有上十個藝術家參加的大運動。第一次世界大戰之前，這個運動開始發展到其他歐洲國家，包括荷蘭、比利時、意大利、德國、俄國、捷克斯洛伐克、西班牙等等。大部分歐洲國家和美國都出現了立體主義運動，其影響是空前的。因為這個運動的中心形式是對對象的理性解析和綜合構成，因此，它的發展具有某種程度的理性化特點。對于當時的正處在探索20世紀新形式的平面設計來說，立體主義提供了借鑒的基礎。特別是立體主義影響而產生的一些流派，比如荷蘭的“風格派”，俄國的“構成主義’’等等，對于平面設計的發展來說，具有重要的啟迪作用。立體主義繪畫是1907年以畢加索的作品《亞維農的少女》(Les Demoisellesd vignon，1907)為標志開始的。立體主義足一個全新的繪畫和雕塑運動，主張完全不模仿客觀對象，重視藝術家自我的理解和表現。作為一個運動，立體主義是在1908年展開的，奠基人是畢加索和布拉克，1908年開始，一直延續到20世紀20年代中期為止，對20世紀初期的前衛藝術家帶來非常重大的影響，并且直接導致了新運動的出現，比如達達藝術(Dada)、超現實主義藝術、未來主義和其他形式的抽象藝術等等。立體主義對于表現主義也具有強大的影響作用，可以說立體主義是20世紀初期的現代主義藝術運動的核心和源泉。立體主義的兩個最重要的奠基人分別是畢加索和布拉克。他們的創造基本來自兩個不同的根源，一個是非洲的原始藝術形式，特別是原始部落的面具、雕塑，以及埃及的出土文物；另外一個影響的根源則是塞尚的繪畫。1907年畢加索把這兩個方面的內容綜合起來，創造了他的著名作品《亞維農的少女》，開創了立體主義的先河。布拉克非常敏感地理解到畢加索創造的重要意義，立即從他已經開始探索的野獸派(Fauvism)中擺脫出來，也開始了類似的立體主義繪畫探索活動。9 0 9年3月，法國評論家路易斯·沃塞爾(LouisVauxcelles)在巴黎獨立沙龍(the Salon des lndependants)中看到他們的作品，在評論布拉克的繪畫時說：這種風格是把一切減少到小立體的風格(原話是：”reduces everythinS t‘1ittle cubed”)。1908年到1909年，基本是畢加索和布拉克兩人還有幾個藝術家受到立體主義非常深刻的影響，比如馬克·夏加爾(Marc Chagall)和荷蘭的彼特·蒙德里安(門et Mondrian)等。1913年，立體主義通過“軍火庫畫展”被介紹到美國來，產生了美國自己的立體主義畫家，包括馬克斯·威伯(Max WebeI．)，斯圖亞特·戴維斯(Stuart Davis)等。1909年，畢加索開始嘗試立體主義雕塑，有幾個前衛雕塑家很快受到他的影響，從而產生了立體主義雕塑派，重要的雕塑家包括亞歷山大·阿欽平科(Aleksandr Archipenko)、亨利·勞倫斯(Henri Laurens)、賈奎斯·里普齊茲(JacquesLipchitz)等人。

立體主義在第一次世界大戰前后成為影響各個歐美國家的國際運動。它包含了對于具體對象的分析，重新構造和綜合處理的特征，這個特征在某些國家得到更加理性的進一步發展，這種發展造成對平面結構的分析和組合，并且把這種種組合規律化、體系化，強調縱橫的結合規律，強調理性規律在表現‘‘真實’’中的關鍵作用，這種探索，在荷蘭的“風格派”運動中，在俄國十月革命后的“構成主義”運動中，特別是在德國的世界最早和現代的設計教育中，卜—包豪斯設計學院中得到發揚光大，并體現在建筑設計、工業產品設計和平面設計中。因此，可以說，立體主義提供了現代平面設計的形式基礎。

第三節

未來主義運動

未來主義運動是意大利在20世紀初期出現于繪畫、雕塑和建筑設計的一場影響深刻的現代主義運動。它的開端，是以意大利未來主義奠基人費里波·馬里涅蒂(FiLIppo Tommas。Marinetti，1876-1944)于1909年2月份在法國報紙《費加羅報》(ie Figaro)上發表的《未來主義宣言》為標志的。馬里涅蒂在《宣言》中對20世紀的工業化、對機器的日益主導地位頂禮膜拜，他認為“??一輛轟鳴著飛馳而過的汽車，看上去足炮彈的飛奔”，要比任何傳統繪畫美得多；提出應該慶祝速度、戰爭的暴力，認為這些活動才足代表未來的實質。他反對任何傳統的藝術形式，認為真正藝術創作的靈感來源應該是意大利和歐洲的技術成就，而不足古典的傳統。在這個《宣言》中，他提出要搗毀圖書館、博物館、學院，摧毀陳舊的城市，因為它們都是墳墓，需要的足革命，應該歌頌技術之美、戰爭之美、現代技術和速度之美。這種思想的根源，在于當時歐洲流行的無政府主義思潮，反映在當時的哲學家亨利·伯格森(Henri Bergson)和佛里德里奇·尼采(Friedrich Nietzsche)的哲學思想中。

1910年，一批青年藝術家開始試圖把馬里涅蒂的思想通過繪畫表現出來。其中包括烏比諾·波齊奧尼(UmbertoBoccioni)、吉奧科莫·巴拉(Giacomo Balla)、卡羅·卡拉(Carlo Carra)、吉諾·謝維里尼(Gin。Severini)和盧吉·魯索羅(LuisiRussol。)等人。他們的繪畫努力表現時代的精神——高速運動的汽車、飛機、現代建筑等等，他們認為這是在為未來的形式和藝術探索真實的途徑。他們的繪畫表現了對象的移動感、震動感，趨向表達速度和運動，這是未來主義的核心部分。為了達到表現未來主義精神，捕捉到運動、速度的實質，未來主義畫家開始從法國立體主義借鑒技巧，立體主義于是在意大利開始與未來主義融合在一起。意大利的未來主義者們給立體主義帶來了工業化的氣息和機械的特征，因而發展了、或者擴展了立體主義。1912年，法國畫家馬謝·杜尚(Marcel Duchamp)創作了油畫《走下樓梯的裸體女人》(Nude Descendinga Staircase)，采用連續攝影的方式描繪行動中的人體，開創了藝術創作中的第四維空間--H引司。科學和技術性在藝術創作中得到高度重視。未來主義藝術家們的創作迅速走向完全抽象化。比如烏比諾·波齊奧尼的《城市的蘇醒》(fhe CJ，c／Rises，1910-1911)、盧吉·魯索羅的《音樂》(Music，1911)都足基本完全抽象的作品，與立把未來主義風格最早介紹到美國的設計家。未來主義對其他的現代藝術運動都帶來很大的影響，特別是達達主義運動和構成主義運動。形式上的特殊性，對傳統的勢不兩立態度，都是這些現代主義運動受影響的內容。未來主義廣泛宣傳自己的主張，因此經常用傳單、海報方式宣傳自我。比如1910年7月8日，馬里涅蒂就用未來主義風格印刷了60萬份傳單，在米蘭的鐘樓上散發下來，震動全市，也樹立了自己的未來主義的面貌。未來主義的反復宣傳自己，使自己的風格特征也就廣泛為社會了解和認識。

未來主義在平面設計上提供了高度自由的編排借鑒，當現代主義平面設計風格形成之后，特別是第二次世界大戰之后在西方確立，成為國際主義風格以后，這種趨向反理性和規律性的風格就基本被主流設計界否定了，但是，隨著國際主義風格的呆板特征受到不斷的挑戰，平面設計家開始從各種以往的風格中找尋能夠與國際主義風格抗爭的借鑒。20世紀80年代末到20世紀90年代，未來主義風格在西方的平面設計界中重新得到重視，特別是電腦在設計上的廣泛應用，使類似未來主義風格的設計變得非常容易，因此成為時髦和風尚。

第四節

達達主義運動

達達主義的產生，是小資產階級知識分子在第一次世界大戰期間，對社會前途感到失望和對發展感到困惑的時候，首先在瑞土的蘇黎世，之后在德國的柏林、法國的巴黎和美國的紐約發展起來的一個高度無政府主義的藝術運動。其強調自我，非理性，荒謬和怪誕，雜亂無章和混亂，是特殊時代的寫照。

達達主義運動主要的發展時期是1915年到1922年。運動的成員明確宣布：運動的目的足要反對第一次世界大戰的毫無意義的暴力。他們認為這種暴力的殘酷，使得所有現存的道德和美學價值變得毫無意義。“達達’’這個詞在法文中是‘‘玩具馬’’的意的紙片組合成作品的藝術家，隨意性和偶然性成為他創作的核心。1918年，扎拉為達達運動撰寫了《達達宣言》。

法國藝術家馬謝·杜尚在這個時期參加了達達運動。1915年，他遷移到美國紐約從事創作活動。這一年他開始發明 ‘”現成”(ready-made)制品的藝術創作。他認為，生活本身就充滿了偶然性，充滿了無法預測的機會性，因此，反映藝術或者生活的實質，只能是通過偶然的方法；藝術創作的方法僅僅是個人的決定和選擇而已；藝術是絕對自由的，不受任何規律、規范、機構和行為準則的限制。他用自行車輪、男廁所的小便器等等現成的物品制作藝術品，在意大利文藝復興大師達·芬奇的名作“蒙娜麗莎”的臉上畫胡須，所表達的僅僅是藝術的絕牙自由性，杜尚還以文字游戲制作抽象電影，1913年前后在美國出版了一些刊物，表現了他的達達觀點。他的朋友佛朗西斯·皮卡比亞(Francis Picabia)、曼·雷(Man Ray)出版了《達達縱覽291》，1917年皮卡比亞在西班牙的巴塞羅那出版了《達達縱覽391》。

第一次世界大戰之后，達達開始傳播到其他歐洲國家。1919年，恩斯特和阿普在德國科隆發起德國達達運動，恩斯特對于達達的最大貢獻是發展了拼貼繪畫和拼貼、堆砌的裝置技術。1922年，達達沙龍在巴黎的蒙泰涅畫廊開幕，表明這個運動發展到了巴黎。第一次世界大戰已經過去了，社會當時已經趨向乎和和穩定，因此，達達在德國和法國、美國的表現，雖然對于整個西方現代社會的制度和文化、物質文明有冷嘲熱諷的挑戰這種潛在的含義，但在很大的程度上來說，除了精神上的無病呻吟之外，只是形式上的無政府主義式的探索而已。因此，也就逐漸瓦解了。

達達主義影響到法國的文學和詩歌，產生了大量以毫無意義的文字游戲的作品出現。比如法國作家路易·阿拉貢(LouisAragon)、安德烈·布里東(Andre Breton)和保羅·埃路阿德(Paul Eluard)的作品。他們從1919年到1924年發行了自己的文學雜志，但是，很快他們放棄了達達主義，而轉向了超現實法國作家安德烈·布里東(Andre Breton，1896-1966)認為這個運動已經沒有領袖，沒有宗旨，缺乏明確的發展方向，成員之中有些人向政治方向發展，有些人向單純形式主義方向發展，因此，作為一個運動，達達在1922年正式結束。但是，依然有一些達達成員在運動解體之后從事達達的創作和設計，比如上面提到的赫茲菲爾德兄弟和格羅斯就是典型的例子。達達主義對于傳統的大膽突破，對于偶然性、機會性在藝術和設計中的強調，在平面設計上對于傳統版面設計原則的革命性突破，都對后來的藝術和設計發展具有很大的影響作用。達達主義把意大利未來主義的精神和形式探索加以發展，繼而為超現實主義的產生奠定了基礎。

第五節

超現實主義

超現實主義是歐洲出現的另外一個重要的現代主義藝術運動，在文學上、戲劇上和藝術上都有不同程度的發展。顧名思義，“超現實”是指凌駕于“現實主義”之上的一種反美學的流派。它形成千第一次世界大戰剛剛結束的時期。戰爭對歐洲文明造成的巨大破壞和損害，使大量知識分子感到茫然，因此不少人出現虛無主義的思想。他們認為社會的所謂真實表象是虛偽的，他們的創作目的是要找尋比真的還要真，找尋實質，而在了解社會實質上，只有藝術家的自我感覺可以依賴和相信；藝術創作的核心，是表現藝術家自己的心理狀態、思想狀態，比如夢，就是思想的真實，它比社會表明的形態更能夠反映社會的實質。這種思潮很快在藝術界、戲劇界、文學界、電影界得到認同，發展成為一個運動。

超現實主義反對傳統交流的模式，比如語言、文字等等，都被認為是虛假的，人為的，不真實的。他們認為人類自發的、無計劃的、無設計的突如其來的思想和語言比所謂的語言、語法、文字更加真實，因為它是思想的真實流露。

第八章 “圖畫現代主義”平面設計運動

第一節

導言

歐洲的海報設計，到了20世紀的上半期，基本還足沿著19世紀海報設計的路徑發展，但是，這個發展同時受到很多新的社會因素、政治因素、經濟因素、文化藝術的改變的影響，出現了新的海報面貌。20世紀開始，工業化的進一步發展，資本主義西方國家內部的階級矛盾日益尖銳和國家之間的利益沖突日益白熱化，經濟的迅速發展和貧富之間的懸殊擴大，文化藝術上出現倫理現代主義運動，對于設計，特別是平面設計都有很大的刺激和促進。藝術上出現的立體主義、達達主義、未來主義、超現實主義等等運動，在視覺和意識形態方面影響了新的海報設計風格和形式，政治上國家和階級關系的尖銳化，最終導致了第一次世界大戰的爆發，從而刺激了政府和社會對于政治海報的需求，這些因素，都使海報設計得到很大的進步。在第一次世界大戰前后，歐洲出現了另外一個影響世界的設計運動“裝飾藝術”(Art Deco)運動，在現代主義藝術運動，特別是立體主義運動的影響下，在“裝飾藝術”運動的影響下，歐洲一些國家出現了以海報為中心的新平面設計運動，因為都以繪畫為設計的核心，同時又受現代主義藝術運動影響，因此稱為“圖畫現代主義”運動(the Pictorial Modernism)，其實足一個局限在平面設計之內的運動。在“圖畫現代主義’’平面設計運動浪潮之中，各個國家的設計有不同的面貌，其中一個影響面非常廣的海報設計運動出現在德國，被稱為“海報風格”(Plakastil)運動。在受到立體主義、象征主義和未來主義的多重影響下，德國的海報設計出現了嶄新的面貌，涌現出幾個非常杰出的新設計家，他們利用非常簡明扼要的方式，準確而鮮明地表達視覺主題，一方面為商業服務，也逐步發展到為德國的政治服務，這個運動的新風格和形式，對于日后的現代商業海報發展有很大的影響作用。

第二節

“海報風格”運動

“海報風格”運動是歐洲在第一次世界大戰前后出現的“圖畫現代主義”平面設計運動中的一個重要組成部分，是德國的一個以海報設計為中心的平面設計運動，它的德文名稱 “Plakastil”是由“海報”和“風格”兩個單詞合成的。從名稱上就可以看出設計的中心內容是海報。這個運動大約開始干1898年前后，足因為德國日益繁榮的經濟和商業需求促成的。它的形式特點主要是利用當時藝術上出現新的簡單形式和象征性特點，在海報設計和其他的平面設計上運用簡單的圖形，平涂的色彩，鮮明的文字，來達到商業海報和其他商業平面設計的宣傳目的。這個運動主要是在20世紀初期，由圍繞在德國一個石版印刷公司——霍勒布勞與史密特公司(the H01lerbraumand Schmidt Lithography Firm)周圍的一批平面設計家為核心發動的。德國“海報風格”運動的奠基人是魯西安·伯恩哈提(LucianBernhard，1883-1972)，這個設計家為德國的“海報風

格”運動奠定了堅實的發展基礎。他的設計天才，在很大程度上是自學而成的，并且在自學的過程當中周折頗多。伯恩哈特從小就有藝術天賦。15歲的時候，他跑去參觀當時在德國慕尼黑舉辦的“慕尼黑室內裝飾展覽’’(the Munich Flaspalast Exhibition of Interior Decoration)，對于展覽中的現代設計驚嘆不已，非常入迷。

電影設計海報的專家，其中以舒爾茲—紐達姆最為重要。他在第一次世界大戰之后為德國電影公司(比如UFK電影公司：UniVersum-Film-Ak“engese 11scharI，設計過大量電影海報，風格與“海報風格’’相似，大量吸收立體主義、未來主義和達達的藝術特點，同時也汲取“裝飾藝術”運動風格的細節特征，水平很高。第一次世界大戰時期的海報設計1914第一次世界大戰爆發，這場空前殘酷的戰爭——直到1918年方才結束，戰爭結束時雙方都遭到嚴重的損失，傷亡慘重，以至邱吉爾說：戰爭的創傷如此慘重，勝利者與失敗者已經沒有什么區別了。這場戰爭結束了歐洲長達半個世紀的和平發展，維多利亞時期的穩定和繁榮也隨著戰火煙消云散，工業化和資本主義發展的浪漫，被戰爭的殘酷摧毀，對于整個世界造成了不可估量的打擊和損傷。海報設計在第十次世界大戰期間發展到相當高的水平。印刷技術的完善、設計思想的進步、龐大的社會需求，都造成了這種進步。從設計手段和印刷手段上講，海報無論從設計和大量發行的方面來看，都具有比以前任何時候都更好的條件，而戰爭則造成巨大的籌集資金、招募人員的任務和需求，海報作為一種能夠直接訴求于大眾的工具，當然被各國政府和民間團體采用。第一次世界大戰期間，機械被廣泛地用來進行大屠殺：飛機、坦克、飛艇、機關槍、大炮等等，在歐洲戰場屠殺了數以百萬計的無辜百姓。這些戰爭機械價格昂貴，而在戰爭中雙方的武器損耗非常嚴重，因此，不得不有大量的資金來維持戰爭的進行，何況大量的人員傷亡，交戰雙方也不得不大量地、不斷地招募人員，充當上前線的炮灰。因此，雙方都聘用平面設計家設計政治海報，以提高民眾士氣的方式，來達到招募人員和籌集資金的目的。當時交戰的雙方是由所謂“核心國”，或者“軸心國’’的德國、奧匈帝國為一邊，由所謂“盟國”的法國、英國，以及1917年參加戰爭的美國為一邊所組成的。“核心國”的海報設計，基本足以維也納“分離派”風格和德國的伯恩哈特的簡明風格為主，標語字體簡單扼要，與具有非常簡煉特征的圖形結合一體，具有強烈的視覺感染力。德國、奧地利的平面設計家很多都參與了這些政治宣傳畫的設計，他們力圖通過新的設計來達到強烈的、有效的宣傳效果。其中，朱里斯·克林杰足“核心國”政治海報設計的重要人物。

第三節

慕尼黑的納粹反動宣傳畫設計

對把平面設計廣泛用來進行政治宣傳和政治挑動的目的，德國在第一次世界大戰之后日益猖獗的納粹黨起到重要的推動作著作《我的奮斗》(Mein Kampf)。他在書中提出了自己的大德意志主義、軍國主義、種族主義的目的，提出要建立一個以亞利安人為核心的大德意志帝國，決心要利用民族主義來統一德國。在這本書中，他提出宣傳的目的是要讓最沒有文化的人也能夠受到感染的活動形式。他攻擊在第一次世界大戰期間德國和奧匈帝國設計發行的宣傳畫過于講究藝術，僅僅知識分子能夠理解，是 “毫無意義的”，是“頭腦錯誤”的結果，他提倡平面設計通俗化，目的是在群眾中普及，達到宣傳的目的。1933年元月，希特勒在德國大選中上臺，不久就控制了國家的權力，并通過自己的納粹黨徒控制國家機關，逐漸控制軍隊，然后把納粹精銳的沖鋒隊也控制到自己的手中，權傾一時。希特勒在德國全國進行瘋狂的反猶太人、反共產黨、反知識分子自由思想的活動，并且急劇擴軍備戰，準備以軍事手段占領整個歐洲。他親自設計納粹的宣傳和形象，比如采用形狀作為納粹的黨徽，國家視覺形象采用紅色底、白色十字的色彩和視覺規劃，加上黑色的徽記，形成極為強烈的視覺效果；他要求他的衛鋒隊全部采用褐色作為軍服，因此得到“褐衣隊”的稱呼。為了強化納粹的希望樹立的正面形象，為了煽動德國的民族主義情緒，納粹委托德國的一個重要的平面設計家霍爾魏恩為這個政權設計海報。路德維克·霍爾魏恩(Ludwi9 Hohlwein，1874-1949)是德國重要的平面設計家，早在1904年，他就參加了德國的“青年風格”運動，并且受“青年風格”運動的核心刊物《青年》委托設計雜志的封面和版面，他又曾經是德國“海報風格”運動的成員之一，在第一次世界大戰以前參與了德國的平面設計改革，特別是海報設計的改革，在平面設計上有相當的影響。從1904年到20世紀20年代之間，他的平面設計反映了德國社會政治的變化。他早期的作品具有“新藝術”運動的特點，典型地代表了德國的‘‘青年風格”，之后，受到“海報風格”派的影響，特別是伯恩哈特的風格影響，他的作品開始出現了非常簡單、色彩平用。特別是希特勒本人，在一系列文章和演講中明確提出宣傳的目的和宣傳的形式要求，確定了納粹時期和德國在整個第二次世界大戰期間的平面設計的基本風格特點。比如他設計的德國紅十字會的廣告，采用一個傷兵站在紅十字前面，訴求的目的是希望大家支持紅十字的搶救活動，具有非常強烈的訴求性和視覺目的的明確性。他在戰爭期間，為“軸心國”設計了大量的海報，從而奠定了他在這個特殊的設計領域的地位。

第一次世界大戰結束之后，霍爾魏恩接受了大量的商業海報委托設計，轉向為商業目的服務，風格依然具有鮮明的“海報運動”特點，也同時具有他習慣的象征細節。他在慕尼黑從事設計，而第一次世界大戰之后的慕尼黑，正是德國納粹運動的搖籃。他在納粹上臺之后，很快被納粹政府委托設計系列的政治海報，成為服務于納粹的重要平面設計家。霍爾魏恩的設計采用德國人熟悉的民族形象，比如剽悍的德國士兵、飛翔的德意志之鷹、羅馬風格的裝飾等等，同時也具有他自己本身的“海報風格”的簡單明確的特點。他為“第三帝國”的各個部門設計了一系列的宣傳性海報，包括德國政府的招兵廣告、德國國家漢莎航空公司海報、納粹組織的宣傳大日爾曼精神的慕尼黑音樂節的海報等等。比如他設計的招兵海報，是一個嚴肅的德國土兵的頭部，這個頭戴德國軍隊鋼盔的士兵的頭部和頸部組成一個粗壯的十字形，下面的標題非常簡單：“而你呢?”

在這些設計當中，特別突出的是霍爾魏恩采用了不少古羅馬風格作為設計的動機，比如慕尼黑音樂節的海報就以雅典娜的頭像為中心，這是德國以前所有的海報設計從來沒有采用過的風格，原因在于希特勒推動設計上的古典主義，特別是羅馬風格復興。希特勒認為羅馬帝國是最偉大的帝國，希望能夠步羅馬帝國后塵建立大日爾曼帝國，因此鼓勵和促進羅馬風格，包括城市規劃和建設、建筑、裝飾、平面設計等等，都廣泛采用羅馬風格為基礎。因此，霍爾魏恩也不得不采用這種風格，達到與納粹要求吻合的目的。霍爾魏恩完全投靠納粹政權，他日后的設計具有越來越強烈的軍國主義、反猶太主義、種族主義的特點。

第四節

“后立體主義圖畫現代主義”—“裝飾藝術”運動在平面設計上的反映

第一次世界大戰在1918年結束，“同盟國”的歐洲各個國家和美國在取得對“軸心國”的勝利之后，都努力恢復國力，彌補戰爭造成的創傷。戰爭機器轉為和平時期的生產，通過不長的一個時期的發展，歐洲和美國都進入到一個高度發展的經濟繁榮階段。設計界和藝術界都為這種欣欣向榮的繁榮而興奮，他們通過創作歌頌機械的偉大。立體主義在戰后的重要代表列日的歌頌機

械的立體主義藝術作品，成為平面設計的重要借鑒。同時，歐洲在戰后產生了重要的新設計運動——“裝飾藝術”運動(ART Deco)，主要在產品設計和建筑設計上，以及在室內設計上影響很大。但是，“裝飾藝術”運動風格也影響到平面設計，一批藝術家和平面設計家利用繪畫上的立體主義和設計上的“裝飾藝術”運動的特點，綜合起來，成為新的平面設計風格，從而形成了以立體主義的繪畫為核心的所謂“后立體主義圖畫現代主義”(Post-Cubist Pictorial Modernism)設計運動。重要的代表人物有在倫敦工作的美國設計家愛德華·科夫(EdwardMcKinght Kauffer，1890-1954)和定居巴黎的俄國移民設計家卡桑德拉(A．M．Cassandre原名為：Adophe Jean-Marie Mouron，1901-1968)等。

“裝飾藝術”運動是在20世紀20到30年代在法國、美國和英國等國家開展的一次風格非常特殊的設計運動。因為這個運動與歐洲的現代主義運動幾乎同時發生與發展，因此，“裝飾藝術”運動受到現代主義運動很大的影響，無論從材料的使用上，還是從設計的形式上，都可以明顯看到這種影響的痕跡。但是，從思想發展的背景來看，從意識形態的角度來看，現代主義運動的民主色彩，社會主義背景，都從來沒有在“裝飾藝術”運動中發生過。“裝飾藝術”，特別是法國的“裝飾藝術”運動，在很大程度上依然是傳統的設計運動，雖然在造型上，在色彩上，在裝飾動機上有新的、現代的內容，但是它的服務對象依然是社會的上層，是少數的資產階級權貴，這與強調設計民主化、強調設計的社會效應的現代主義立場是大相徑庭的，因此，雖然這兩場運動幾乎同時發生，互相也有影響，特別是現代主義對于“裝飾藝術”運動的形式上和材料上的影響，但是，它們屬于兩個不同的范疇，有各自的發展規律。20世紀初，一批藝術家和設計師敏感地了解到新時代的必然性，他們不再回避機械形式，也不回避新的材料(比如鋼鐵、玻璃等等)。他們認為，英國的“工藝美術運動”和產生于法國，影響到西方各國的“新藝術運動”都有一個致命缺陷，就是對于現代化和工業化不甘落后。時代已經不同了，現代化和工業化形式已經無可阻擋，與其回避它還不如適應它，而采用大量新的裝飾動機使機械形式及現代特征變得更加自然和華貴，可以作為一條新的探索途徑。這種認識，普遍存在于法國、美國、英國的一些設計家之間，美國更是高速發展，造成新的市場，為新的設計和藝術風格提供了生存和發展的機會。這一歷史條件，促使新的試驗的產生，其結果便是20世紀初年的另外一場重要的設計運動一“裝飾藝術”運動。

“裝飾藝術”運動的名稱出自1925年在巴黎舉辦的一個大型展覽：裝飾藝術展覽(The exposition des Arts~ecoratifs)面，因此，作為它的基本形式特征，它在裝飾上突出表現曲線和有機形態，而裝飾的動機基本來源干自然形態，特別是植物的紋樣、部分動物的形態(比如鹿角形狀)。大量的曲線運用，給這個運動帶來了“面條風格”、“蚯蚓風格”的綽號。這種“面條風格”體現在“新藝術”運動的家具、平面設計、建筑、金屬制品、首飾等等各個方面，因而，這個風格具有非常鮮明的形式特點。

這個運動從1895年左右的法國開始發展起來，之后蔓延到荷蘭、比利時、意大利、西班牙、德國、奧地利、斯堪的納維亞國家、中歐各國，乃至俄羅斯，也越過大西洋影響了美國，成為一個影響廣泛的國際設計運動。這個運動從1 895年開始發展，一直持續到1910年前后，然后逐步為現代主義運動和“裝飾藝術”運動(Art Deco)取而代之。從意識形態角度來看，這是知識分子中的部分精英在工業化來勢洶洶，過分裝飾的貴族風格泛濫雙重前提下的一次不成功的改革設計企圖。但是這個運動中產生的大量產品、建筑、室內、紡織品、工藝美術品等等，則為20世紀伊始的設計開創了一個有聲有色的新階段，成為傳統設計與現代設計之間的一個承上啟下的重要階段。準確地說，“新藝術”是一場運動，而不是一個完全統一的風格。雖然產生的動機相似，但是這個運動發展的范圍非常廣泛，從斯堪的納維亞到西班牙，從法國到俄國，從歐洲到美國，是一個名符其實的國際設計運動，各個國家的設計家對于它都有自己的詮注，因而雖然在廣泛采用有機形態和曲線上有類似的趨勢，但是具體到設計特點來說，卻在國與國之間存在很大的區別。巴塞羅那的安東·高蒂的建筑設計和蘇格蘭的查爾斯·瑪金托什的家具的差異之大，無異于兩個不同運動的作品；同樣是法國的新藝術設計，“巴黎派”與“南西派”的風格則大不相同；從美國提凡尼百貨公司的燈具到奧地利畫家古斯塔夫·克林姆特的繪畫，其間的區別也是巨大的。但是從時間、根源、思想、影響因素等等方面來看，它們又有千絲萬縷的關聯，屬于同一場運動。

第九章

新的形式語匯

第一節

荷蘭的“風格派’’運動(De St-ijl)

荷蘭的“風格派，運動是與俄國的構成主義運動并駕齊驅的重要現代主義設計運動之一，它的形成時間是1917年的夏天，發起人包括有這個運動的精神領袖和主要力量西奧.凡.杜斯柏格(The0 van Doesburg，1883—1931)、畫家蒙德里安、維爾莫斯胡扎(vilmos Huszar，1884-1960)、巴特·凡-德列克(BartVan Dre Lrck．1876-1958)等等。、荷蘭“風格派”運動，既與當時的一些主題鮮明、組織結構完整的運動，比如立體主義、未來主義、超現實主義運動不同，并不具有完整的結構和宣言，同時也與類似包豪斯設計學院那樣 藝術與設計的院校完全兩樣。“風格派”是荷蘭的一些畫家、設計家、建筑師在1917年到1928年之間組織起來的一個松散的集體，其中主要的促進者、組織者是杜斯柏格，而維系這個集體的中心是這段時間出版的一份稱為《風格》(．De Stiil)的雜志，這份雜志的編輯者也是杜斯柏格。

參加這個運動的不少人互相并不熟悉，甚至不認識。他們的聚會、見面機會也非常少，并且從來沒有同時展覽過各自的作品。他們沒有成員身份，唯一能夠展示“風格派”風格的展覽是20世紀20年代中期在巴黎舉行的遺傳展覽，而這個展覽只展出了建筑與室內設計作品，并不包括繪畫和其他的藝術作品。

盡管如此，在這個集體活動的10年之間，有幾個人是成為運動的中堅人物的。其中最重要的有畫家蒙德里安、胡扎、凡·德·列克和杜斯伯格，他們之間交流比較多，并且也都進行互相的藝術探索。“風格派”成員與建筑師們關系比較密切，這批建筑師包括德(J．J．P．Oud，1890-1963)、羅柏特‘凡.德.霍夫(Rovert Hoff．1887-1979)、詹·威爾斯(Jan wil s，1891-1972)。但是，這批建筑師在很大程度上是獨立工作的，他們在一個信念上是統一的，即都認為以往的建筑形式是過時的(outmoded)，他們希望創造出代表時代的新建筑形式，同時都對美國建筑家佛蘭克·賴特的作品有濃厚的興趣。

除此之外，雕塑家喬治·凡通格盧(Georges Vantongerloo，1 886-I 965)、家具設計師和建筑家蓋里·里特維持(GerritRietveld．1888-1964)、建筑家與城市規劃家c·凡·依斯特倫(Corneli s vail Eastereil，1897-1988)也與“風格派”關系密 切，是被視為成員的人物。

荷蘭語的De stidl有兩種含義，其一是“風格”，但不是簡單的風格，因為它具有定冠詞“De“，是特指的風格；與此同時，stijl還有“柱子”、“支撐”的含義(post，support)，常常用于木工技術上，指支撐柜子的立柱結構。這個詞足杜斯柏格創造出來，代表這個運動的名稱的，它的含義包括運動的相當獨立性是結構的單體；也包括了它的相關性一是結構的組成部分；同時也有其合理性和邏輯性一立柱是必須的結構部件，而它只能是直立的。它是把分散的單體組合起來的關鍵部件，把各種部件通過它的聯系，組合成新的、有意義的、理想主義的結構是“風格派”的關鍵。通過建筑、家具、產品、室內、藝術，他們企圖創造一個新的秩序和新的世界，而這個新世界的形式是與“風格派”的平面設計與繪畫緊密相連，甚至足從平面中發展出來的。

“風格派”的思想和形式都起源干蒙德里安的繪畫探索。蒙德里安早期受象征主義繪畫的影響，特別是受梵高的影響很深，力圖通過繪畫來表達自然的力量和自我的心理狀態。1911年開始轉向立體主義，1912年，他遷居巴黎，開始在自己的繪畫創作中引入立體主義的因素。通過幾年的反復探索，蒙德里安逐步把他的立體主義繪畫演變成純粹抽象的、高度簡單的縱橫幾何組合。1914年，第一次世界大戰爆發，蒙德里安回到荷蘭，因為荷蘭是戰爭中的中立國，因此他的探索并沒有因為戰爭而中斷。這個時期，他受到哲學家遜馬克(M．H．J．Schoenmakors)的哲學思想的決定性影響，完全改變了他原來的思想方法。遜馬克認為我們的物質世界是由縱橫兩種結構組成的，認為世界上的3個基本顏色是紅色、黃色和藍色。蒙德里安受到他的這種思想的影響后，轉向完全縱橫直線結構的完全抽象繪畫，色彩也是逐步轉向單純的黑色線條結構、白色底和紅色、黃色和藍色的三原色計劃，走向高度的理性化方向。他認為立體主義并沒有在自己發明的成果上擴大和發展，缺乏邏輯的發展和補充；他認為真正的視覺藝術應該是通過有機的運動而達到高度的平衡，在不平均但是平衡的對抗之中找到平衡，在彈性的藝術中找出平衡點，對于人類來說具有重要的意義，這是藝術表現真實的關鍵，等等。

在蒙德里安的影響之下，他的幾個朋友在藝術創作上都出

現了與他的完全抽象作品類似的探索。到20世紀10年代，杜斯伯格、凡’德’列克(BartvanderLec_，1876-1958)等人的作品與蒙德里安的作品已經沒有什么區別，他們已經把視覺因素降低到最低水平，畫面上只有縱橫的黑色直線，上面有整齊的原色方格，理性化程度達到登峰造極的地步，因而形成自成一體的鮮明特征。這個時期，杜斯伯格開始把這種方法采用到書籍設計上，因為采用這樣高度理性的方式，版面編排自然容易，縱橫編排，加上簡單的色彩計劃，因而他們的書籍設計就具有高度的視覺傳達特點。比如杜斯伯格1925年與包豪斯教員拉茲羅．莫霍里一納吉(Laszlo Moholy-Nagy，1895-1946)合作設計出版的自己的著作《新格式塔的基本觀念》(Grund6egriffe derNeuenGestltenden)就具有這種鮮明的特點。

“風格派”形成之后，這種通過蒙德里安的繪畫發展起來的設計風格，開始成為運動的核心視覺因素，因為高席邏輯化，也就導致這個運動的所有成品都熱衷于通過數學的計算來達到設計上的視覺平衡，他們都認為這種新的形式是時代的視覺符號。在第一次世界大戰期間，越來越多知識分子認為戰爭的結果是滌蕩一切污垢，摧枯拉朽地破壞舊時代，而將以一個嶄新的時代取而代之。他們創造的這種簡單的、理性的、數學統計的、縱橫直線的形式和單純的原色計劃，就是新時代的形式特點。他們企圖找尋所謂的放之四海而皆準的形式規律，努力探索通過事物表面的雜亂無章而找到它們內在的結構的規律。而他們都認為這個內在規律的組成，是由科學理論、機械化大生產、現代都市的生活節奏組成的，科學理論、機械化大生產、現代都市的生活節奏就是放之四海而皆準的形式規律基礎。因此，雖然“風格派”表面上是沒有俄國構成主義那么具有政治的激進，事實上他們的社會工程傾向依然是非常明確的，這種傾向在《風格》雜志的許多文章中都可以看到。

第二節

構成主義和至上主義在俄國平面設計中的發展

俄國的構成主義設計是俄國十月革命之后初期的藝術和設計探索運動的內容。這個運動，從思想上是受到共產主義的影響，是知識分子希望發展出代表新的蘇維埃政權的視覺形象的努力結果；而從形式上來講，則是西方的立體主義和未來主義的綜合影響的結果。意大利未來主義的主要人物費里波-馬里涅蒂在俄國十月革命之后到蘇聯講學，他的未來主義思想給俄國的藝術

家和設計家帶來很大的震動，而他也注意到當時俄國的藝術家和設計家是如何急迫地吸取立體主義和未來主義的形式營養，因此，俄國的構成主義運動，從風格上看是立體主義----未來主

義的綜合。但是，與立體主義和未來主義的不同在于俄國構成主義的明確政治目且勺性。這些俄國煎衛藝式翅設計家的目的是要用這牲新的形式，來推翻沙皇時期的一切傳統風格，從藝術和設計形式上與俄國革命的意識形態配合，否定舊時代，建立起時代所需要的形式。在平面設計上，他們采用非常粗糙的紙張印刷，目的是表現新時代的刻苦精神，特別是無產階級的樸素無華的階級特征；在版面編排上，他們也采用了未來主義雜亂無章的方法，表示與傳統的、典雅的、有條不紊的版面編排的決裂。俄國作家佛拉基米爾·馬雅可夫斯基(Vladimir Mayakovsky)：詩歌撰寫的時候已經采用了所謂的階梯方法，行句錯落，完全不按照原來的詩歌創作的基本格式，已經自成一體了；而他的《自傳》由構成主義的平面設計家布留克兄弟(Da vi d／vladimirBurliuk)設計，形式與未來主義的設計幾乎完全一樣，行句高低錯落，字體大小參差，插圖也具有強烈的立體主義、未來主義和超現實主義的特征。他們的作品又影響了其他的設計家，比如伊里亞-茲達涅維奇(Ilya Zdanevich)等人。

俄國的構成主義和至上主義的起源是相似的，但是后來的發展卻大相徑庭。至上主義是以藝術形式為至上目的的藝術流派，強調形式就是內容，反對實用主義的藝術觀，其主要的領導人物是馬列維奇；而構成主義卻恰恰相反，他們反對為藝術而藝術，主張藝術為無產階級政治服務，因此反對單純的繪畫，主張藝術家放棄繪畫，從事設計。因此，可以說俄國的這兩個同時發生和發展的流派雖然形式上和形式淵源上相似，但是精神內容和意識形態立場是不同的。俄國至上主義運動的核心人物是卡西米爾·馬列維奇(1878-1935)。他很早就受到立體主義和未來主義的影響，早在十月革命以前，已經開始探索藝術創作的目的性，并且創造出自己的構成主義藝術和設計風格來。他采用的簡單、立體結構和解體結構的組合，以及采用鮮明的、簡單的色彩，完全抽象的、沒有主題的藝術形式，自稱為“至上主義”藝術。他否認藝術上的實用主義的功能性和圖畫的再現性，他提出要用絕對的、至上的探索，來表現自我感覺，“追求沒有使用價值、思想，沒有許諾的土地”。早在1913年，馬列維奇就認為藝術的經驗只是色彩的感覺效果而已，因此曾經設計過一個完全是由黑色方塊構成的創作：《黑方塊》，說明僅僅是對比表達了藝術的真實。1915年以后，他開始了利用立體主義結構的組合創作，簡單的幾何形式和鮮明的色彩對比組成了他繪畫的全部結構內容，視覺形式成為內容，而不是手段，這個探索，從根本上改變了藝術的“內容決定形式”的原則，他的立場是“形式就是內容”。十月革命以后，俄國的這些個人的藝術和設計探索，開始得到刺激，因而迅速發展。左翼藝術家和設計家利用新的形式來反對陳舊的、沙皇時期的形式，表現新時代的到來，利用這種探索來支持革命。這場具有相當理想主義色彩的運動，吸引了大量的青年藝術家和設計家參與，形成上面提到的俄國構成主義運動和至上主義藝術運動。這場運動還吸引了一些當時還客居外國的俄國藝術家和設計家回國參與，德國表現主義的重要人物之一的康定斯基(wassi ly Kandinsky，1866-1944)就是在十月革命之后回到俄國，參加構成主義和至上主義運動的。但是，到1920年前后，這個運動產生了分裂，其中部分人員，比如馬列維奇、康定斯基等人，主張藝術應該是精神的，不應該過于注重社會的實用功能，希望藝術能夠在比較單純的知識分子對于形式的探索中發展，而不至于成為簡單的社會革命的工具；而其他的一些青年藝術家和設計家則持有完全相反的立場，他們認為藝術應該是為無產階級革命服務的，藝術的最高宗旨就是它的社會功能性，這批人中包括有佛拉基米爾·塔特林(1885-1953)和亞歷山大·羅欽科(1891-1956)。他們組成一個由21個藝術家和設計家組成的團體，在1921年宣布成為為革命探索的新派別，公開譴責 “為藝術而藝術”的立場。他們強調藝術應該為無產階級實用的目的服務，呼吁藝術家放棄創作那些“沒有用的東西”，而轉向設計有用的內容，所謂“有用”的，其實就是政治海報、工業產品和建筑。他們說：“作為新時代的公民，現在藝術家的任務是清除舊社會的垃圾，為新社會開拓發展的天地。”塔特林和羅欽科都紛紛放棄藝術創作，而改向設計“有用”的東西。1922年，俄國構成主義者們發表自己的宣言，由亞歷克賽·甘(A1 ek s ei G a n．1 8 9 3—1 94 2)撰寫題為《構成主義》(Konstrukti vizm)的宣言。在這篇文章中，甘明確地批判為藝術而藝術的傾向，主張藝術家為無產階級政治服務，提出要藝術家走出試驗室，參與廣泛的社會活動，直接為社會服務。在這篇文章中，他提出構成主義的三個基本原則，即：技術性(tecnoni cs)、肌理(texture)、構成(construction)。其中，技術性代表了社會實用性的運用；肌理代表了對工業建設的材料的深刻了解和認識；構成象征了組織視覺新規律的原則和過程。這三個原則，基本包括了構成主義設計的全部內容特征。

構成主義在設計上集大成的主要代表是李西斯基(1 890—1941)，他對于扭成豐義的平面設計風格影響最大。李西斯基曾經申請進入彼得堡的高等美術學院，但是被彼得堡美術學院以種族原因一因為他是猶太人而拒絕，因此他對于傳統的美術教育體系嫉惡如仇，轉而去德國達姆斯塔德工程和建筑學院(theDarmstadt School 0f Engineering and Archi teucture)學習建筑，以后．數學和工程結構就成為他的藝術創作和設計的核心。1917年俄國十月革命勝利之后，李西斯基感到無比興奮，他認為十月革命是一個嶄新的紀元的開始，是無產階級當家做主的開端，新的社會制度會帶來全社會的變革，技術的廣泛運用會造成國家的富強。他立即回國，決心從設計改革上來為新時代工作。

俄國畫家馬克·夏加爾(Marc Chagall)當時在離開莫斯科250公里以外的一個小城維特別斯克市的美術學校當校長，1919年，夏加爾邀請李西斯基去擔任教員。當時，在這個城市已經有伊莫拉耶娃、馬列維奇等至上主義藝術家在進行新藝術的探索，李西斯基到達以后，很快加入他們的試驗，志同道合地從事積極的創作。他們成立了自己的激進的藝術“宇諾維斯”(unovlgs)。同年，李西斯基開始從事構成主義的探索，開始把繪(unovlgs)。同年，李西斯基開始從事構成主義的探索，開始把繪畫上的構成主義因素運用到建筑上去，他用俄語“為新藝術”這幾個字的縮寫“普朗”(PROUN)來稱這種新的設計形式。李西斯基說：“普朗”是在繪畫和建筑之間的一個交換中心，是連接設計和藝術的結合點。這個提法，說明他的目的是要把至上主義繪畫直接運用到建筑設計和平面設計上去，他設計的海報明確地反映了這種傾向。比如上面提到過的、他設計的海報《紅鍥子攻打白軍》(Bea￡the Whiteswit the Red wege)就是采用白色、黑色方格代表克倫斯基的反動勢力，而用紅色的鍥形代表布爾什維克的革命力量，是把至上主義非政治化的藝術形式運用到高度政治化的宣傳海報上的典型代表作。這張海報的俄語原來的口號是由4個單詞組成的，即：用紅色打擊白色!，“白色”又是復數，因此，隱有“白軍”的意思，言簡意賅，目的和含義明確畫上的構成主義因素運用到建筑上去，他用俄語“為新藝術”這幾個字的縮寫“普朗”(PROUN)來稱這種新的設計形式。李西斯基說：“普朗”是在繪畫和建筑之間的一個交換中心，是連接設計和藝術的結合點。這個提法，說明他的目的是要把至上主義繪畫直接運用到建筑設計和平面設計上去，他設計的海報明確地反映了這種傾向。比如上面提到過的、他設計的海報《紅鍥子攻打白軍》(Bea￡the Whiteswit the Red wege)就是采用白色、黑色方格代表克倫斯基的反動勢力，而用紅色的鍥形代表布爾什維克的革命力量，是把至上主義非政治化的藝術形式運用到高度政治化的宣傳海報上的典型代表作。這張海報的俄語原來的口號是由4個單詞組成的，即：用紅色打擊白色!，“白色”又是復數，因此，隱有“白軍”的意思，言簡意賅，目的和含義明確。

第十章

包豪斯與新的國際平面設計風格 第一節

導言

1919年由德國著名的建筑家沃爾特·格羅佩斯在德國魏瑪市建立的“國立包豪斯學院”(Das Staatliches Bauhaus)，是歐洲現代主義設計集大成的核心。歐洲整整半個世紀對于現代設計的探索和試驗，在這所學院中終于得以完善，形成體系，影響世界。對于平面設計來說，包豪斯所奠定的思想基礎和風格基礎，也是決定性的、重要的，戰后的國際主義平面風格在很大程度上是在包豪斯基礎上發展起來的。從建校的宗旨、學院的體系、進行的試驗和對于國際設計的影響各個方面來說，包豪斯都應該被視為是世界上第一所完全為發展設計教育而建立的學院。這所學院，通過10多年的發展，集中了20世紀初歐洲各國對于設計的新探索與試驗成果，特別是荷蘭 “風格派”運動、蘇聯構成主義運動和德國現代主義設計的成果，加以綜合發展和逐步完善，使這所學院成為集歐洲現代主義設計運動精華的中心，它把歐洲的現代主義設計運動推到一個空前的高度。雖然這所學院在1 933年4月份被納粹政府強行關閉了，但是，它對于現代設計教育的影響卻是巨大的，難以估量的。20世紀30年代末期，包豪斯的主要領導人物和大批學生、教員因為逃避歐洲的戰火和納粹法西斯的政治迫害而移居到美國，從而把他們在歐洲進行的設計探索、把歐洲現代主義設計思想也帶到了新大陸。第二次世界大戰結束以后，通過他們的教育和設計實踐，以美國經濟的強大實力為依托，終于把包豪斯的影響發展成一種新的設計風格一國際主義風格，從而又影響到全世界。因此，包豪斯對于世界設計的影響絕不僅僅局限在教育領域之中，它的影響，在現代設計領域中是非常深刻的。

包豪斯歷史上經過三次遷移，因而根據校址的地點可以分 第二節

魏瑪時期的包豪斯

格羅佩斯從1919年創立包豪斯，擔任校長，到1927年離開學院，基本上把學院從一個子虛烏有的空洞觀念變成一個堅實的設計教育基地，成為歐洲現代設計思想的交匯中心，成為現代建筑設計的發源地。包豪斯的興起和衰亡，無不與格羅佩斯有著極其密切的關系。而包豪斯從魏瑪時期(1919-1924)到迪索時期(1925-1930)，一直到接近衰亡的柏林時期(1931-1933)，都貫穿了格羅佩斯的關切、注意和努力，而包豪斯的發展本身，也體現了格羅佩斯個人設計思想的轉變和發展過程，通過他又反映了他那個時代的現代設計先驅的思想過程。包豪斯因此不但是格羅佩斯個人思想的結晶，同時也是現代主義設計的一個重要的縮影。包豪斯經歷過三任校長：格羅佩斯(1919-1927)、漢斯·邁耶(Hannes Meyer，1927-1930)和米斯凡德洛(1931-1933)，因而，也形成了三個非常不同的發展階段：格羅佩斯的理想主義，邁耶的共產主義，米斯的實用主義。把三個階段貫穿起來，包豪斯因此兼而具有知識分子理想主義的浪漫和烏托邦精神、共產主義政治目標、建筑設計的實用主義方向和嚴謹的工作方法特征，也造成了包豪斯的精神內容的豐富和復雜。這是目前世界上任何一所設計學院、建筑學院都沒有、也不可能具有的高度文化特征，帶有強烈的、鮮明的時代烙印。作為包豪斯的奠基人，格羅佩斯初期的目的是通過建立一所藝術與設計學院，達到他個人進行微型社會試驗的目的。對他而言，包豪斯是一個烏托邦式的微型世界，是他關于團隊精神、社會平等、社會主義理想、發揚手工藝傳統的訓練方法，提倡設計對于社會的益處、促進知識分子之間思想的真誠交流等等殷切的希望和崇高的理想的試驗場所。由干他本人從第一次世界大戰

當中對于戰爭機器產生了強烈的反感，因而，他在建立包豪斯的時候，充滿了要建立一個非機械化的、比較人格化的、追求中世紀行會的友好合作精神的微型社會。但是，隨著時代的發展，德國本身的急遽變化，魏瑪政府對于這種社會試驗的消極甚至是反對態度，以及工業化的進程，學院本身人員的交替，格羅佩斯本人思想發生了很大的變化，因此，學院的實際發展與格羅佩斯最初的宗旨相當的不同。可以說，早期的包豪斯與中期的包豪斯在基本觀念上是有巨大的本質區別的，真正對世界產生巨大影響的是中期包豪斯的思想和實踐。大約從1923年起，學院開始走向理性主義，比較接近科學方式的藝術與設計教育，開始強調為大工業生產的設計，原來的那種個人的、行會式的浪漫主義色彩逐漸消失了。而這正是德國工業發展迅速，政治與經濟局勢穩定的時期，因而，包豪斯的變化是順應了社會大環境的改變的。

格羅佩斯成立包豪斯的核心思想之一，是他認為藝術與手工藝不是對立的，而是一個活動的兩個不同方面而已，因此，他希望能夠通過教育改革，使它們得到良好的、和諧的結合。強調工藝、技術與藝術的和諧統一，是他長期以來的理想。這種思想早在他撰寫的《包豪斯宣言》當中就可以看出。為了達到這個結合的目的，他力圖對于教學體系進行改革，而改革的中心在于以手工藝的訓練方法為基礎，通過藝術的訓練，使學生對于視覺的敏感性達到一個理性的水平，也就是說對干材料、結構、肌理、色彩有一個科學的、技術的理解，而不僅僅是藝術家的個人見解。按照他的理想，設計教育應該是重視技術性的基礎，加上藝術式的創造的合一；強調技術性、邏輯性的工作方法和藝術性的創造，是初期改革教學的中心。因此，作為技術性的、邏輯性的、理性的教育的根本，基礎課程的教育改革自然成為他的改革的中心內容。也正是因為如此，他聘用的教員不應該僅僅是教授繪畫的教師，同時也應該在工作室教授學生手工藝的技巧、制作技術、材料的特征。

第三節

迪索時期的包豪斯

因為政治問題，包豪斯越來越受到來自右翼的壓力。1924年9月，魏瑪共和國的圖林幾亞政府教育部通知格羅佩斯：從1925年3月開始，政府只能提供學院需要的資金的一半。1924年底，政府官員訪問了學院，通知教員：政府只能和他們簽訂6個月的合同。就在這次訪問以后的3天，格羅佩斯在與教員會議演講之后，宣布學院在1925年3月末關閉。其實，格羅佩斯決定關閉魏瑪的包豪斯是一個為應付社會右翼勢力反對的權宜之計，他的真正目的是把學院遷移到一個政治、經濟、文化條件比較合適的城市去，而不再在魏瑪的政治漩渦中浪費無謂的精力。為了把學院繼續辦下去，格羅佩斯和他的教員們開始廣泛接觸，商議遷移學院，當時德國另外幾個城市，比如布萊斯勞(Breslau)、達姆斯塔德(Darmstadt)都表示有興趣把包豪斯遷移過去。

在格羅佩斯和他的核心教員們來看，在所有這些表示歡迎包豪斯的城市當中，以迪索市(Dessau)提出的條件最為優異。迪索在某些方面與魏瑪很相似，自從1919年開始，德國安霍特王子家族(the Princes of Anhault)就住在迪索，他們與魏瑪大公一樣，非常慷慨于藝術教育資叻，并且對于藝術教育采取非常自由、寬松的態度。迪索的另一個非常有利的條件是交通和地理位置。迪索離德國政治、經濟、文化中心柏林非常近，大約只要2個小時的火車就可以到達柏林，同時，在迪索與柏林之間又開展了飛機交通服務。綜合考慮了政治背景、交通條件、經濟需求之后，大家都基本認為迪索是一個很好的遷校地點。格羅佩斯很快決定把包豪斯遷移到迪索市。

迪索的市長弗里茨·赫斯(Fritz Hesse)是決定包豪斯可以遷移過去的關鍵人物，他一方面希望包豪斯的到來會提高迪索的設計水平，從而促進工業的發展，同時，也希望通過這個行動來表達他的社會主義立場。他為這所學院撥出了一筆數目相當可觀的財政預算，預算數目之大，大大出乎格羅佩斯意料之外，這

種慷慨的撥款方式是包豪斯在魏瑪時期無法想象的。赫斯提供的這筆預算是供包豪斯在迪索建立新校舍用的，據不完全統計，如果按照美元換算，大約達到25萬美元左右，這在當時是一筆驚人的大數目。在這樣優異的條件下，包豪斯立即搬遷到迪索去了。

為了給人們以一個清晰的包豪斯的形象，1926年，包豪斯在學校的名稱后面加上一個副標題—-“包豪斯設計學院”(德文： Hochschule fuer Gestaltung，或者英文的the Institute forDesign)，這是包豪斯第一次明確地把“設計學院”與學院名稱聯系在一起，其形象和目的性因而非常鮮明了。在學校的名稱后面加上一個副標題—-“包豪斯設計學院”(德文： Hochschule fuer Gestaltung，或者英文的the Institute forDesign)，這是包豪斯第一次明確地把“設計學院”與學院名稱聯系在一起，其形象和目的性因而非常鮮明了。

迪索包豪斯的教學體系也開始改變，在魏瑪時期，教師被稱為“導師”，現在改成正式的教育職稱“教授”，魏瑪時期的“形式導師”與“工作室導師”的雙軌體制完全放棄，學院聘用各種工匠來協助教學，但是他們不再像魏瑪時期那樣與教授享有同等地位。學生比較少參與學院重大決策活動，魏瑪時期的自由主義被放棄了，轉而發展到比較嚴謹的教學體系上來。不少舊的工作室關閉，根據當地的情況和教學的需求又開始了一些新的工作室。格羅佩斯開始采用自己培養的新人來主持教學工作，比如馬謝·布魯爾畢業之后主持了產品設計，特別是家具設計的課程和工作室。一些工作室雖然仍舊開設，但是其目的和重點已不同，比如魏瑪時期的印刷工作室主要強調平面藝術品的印刷，到了迪索時期，則主要放在版面設計、字體設計、廣告設計上。由另外一個畢業生赫伯特·拜耶主持印刷課程，納吉和阿爾伯斯依然主持基礎課，格羅佩斯本人貝Ⅱ集中于客戶定貨的建筑設計項目研究和教學活動，整個體系開始建立在比較嚴謹的基礎上了。真正巨大的變化，是在迪索包豪斯增加了一個新的系一建筑系。1926年格羅佩斯已經開始著手組織這個系了，1 927年建筑系開始招生，從而翻開了學院的新的一頁。這個系的工作由建筑師邁耶(Hannes Meyer)主持。真正的任務和改革的重擔卻依然落在格羅佩斯身上。這個巨大的任務就是設計和建設新的校舍，以盡早為教學服務。格羅佩斯從1925年開始設計新包豪斯校舍，他的時間非常緊張，因為學校遷移到迪索之后只是暫時在臨時的建筑內開展教學，這個過渡期越長，對于教育的影響也就越大，他不得不利用最快的速度，最好的設計，最有效率的建筑方式盡快完成這個巨型校舍，來支持整所學院的教育運行。預算已經由迪索市政府提供了，擺在他面前的任務就是必須在最短的時間內完成設計和建筑，盡早使校舍能夠為教學服務。

這座新的校舍建筑是一個綜合性建筑群，其中包括了教學空間——教室、工作室、工場、辦公室、28個房間的宿舍、食堂。

第四節

包豪斯的最后階段

1928年，格羅佩斯離開學院去從事自己的設計事務，而拜耶和納吉也在這個時候離開了學院到柏林去了，包豪斯的元氣因而大傷。在平面設計教育上，接替拜耶主持教學的是新畢業生朱斯特·史密特(Joost Schmidt。l 893-1 948)，他成為平面設計的負責人，主持印刷、版面、字體設計和展覽設計的課程，他把包豪斯的平面設計傳統繼承下來，并且加以進一步的發展。他發展出利用方格在工整的網格上進行設計的一套新的理性設計體系和方法，對于設計上的次序化和嚴格化起了重要的作用。

包豪斯第二任校長漢斯·邁耶在格羅佩斯之后擔任學院的最高領導職位，他本人是德國共產黨黨員，擔任校長以來，全力在學院中推動共產主義運動，學生當中黨員人數劇烈增加，學院也很快從一個單純的設計學院演變成為政治運動的中心，因此，遭到保守的整個社會力量的敵視。受到他的泛政治化立場影響，學院在1 930年遭到來自政府部門、市政府部門和德國右翼社會組織的攻擊，面臨資金短缺、外界敵意的重重困擾，學院最后不得不強迫邁耶辭職，學院出現了領導的空缺。根據格羅佩斯的推薦，米斯·凡德洛(1886-1969)接任校長。他從1930年8月份把包豪斯從邁耶手上接過來以后，開始包豪斯最困難的階段，慘淡經營，最后終于在1933年4月份被納粹封殺。

米斯是現代主義建筑設計的最重要大師之一，他通過自已一生的實踐，奠立了明確的現代主義建筑風格，提出了“少則多”(1ess i s more)的立場和原則，通過教學影響了好幾代的現代設計家，從而改變了世界建筑的面貌，很少有人對于現代建筑的影響能夠有他那么大。美國作家湯姆·沃爾夫(Tom Wolfe)曾經在他的著作《從包豪斯到我們的房子》(From Bauhaus t o OurHouse)當中提到，米斯的原則改變了世界都會的2／3的天際線，bing不夸張，從而也顯示出米斯對現代設計的重要作用和影響。

米斯·凡德洛1886年3月27日生于德國阿亨(Aachen)市的一個普通的石匠家庭，與他的同事格羅佩斯的出身比較，是非常卑微的。1907年，他與格羅佩斯一同在彼得·貝倫斯的設計事務所工作，受到貝倫斯思想很大的啟發，加上自己的努力，逐步奠立了自己在建筑界的地位，1929年為在巴塞羅那舉辦的世界博覽會中設計的德國館，包括內部的家具、室內，進一步穩定了他的大師地位。1931年他接任包豪斯設計學院院長，1938年離開歐洲來到美國，長期在伊利諾斯州立大學擔任建筑系系主任，井且大量進行建筑設計，他可以說是20世紀對于世界設計影響最大的一個人物。米斯于1969年8月17日去世。

米斯是設計上非政治化的代表。他與格羅佩斯的左傾立場完全不同，對于任何政治問題都漠不關心。對于他來說，建筑就是建筑，他的關心僅僅在建筑之上，至于為誰設計，對于他來講并不重要。米斯的這個立場使他與他的大部分現代主義設計同代人顯得格格不入，完全不同。米斯當時是前衛設計的最主要代表人之一，是前衛設計刊物G報(Gestaltung-Design)的主要支持力量，他的巴塞羅那展覽館設計取得世界的名望。迪索市市長赫斯說他沉著，意志堅定，具有信心，是能夠把包豪斯納回正常軌道的最佳人選。而格羅佩斯也相信米斯具有把學院轉回正規教育軌道上來的能力。

米斯的任職是遭到不少包豪斯學生反對的，他們指責他是一個“形式主義者”，只是為少數權貴設計豪華住宅，而從來不考慮為窮苦大眾的居所。有些學生甚至懷疑他有沒有實際設計能力，要求他把自己設計的作品在學院公開展示，以證明他有能力領導這所學院。教員方面也有反對，比如康定斯基、阿爾伯斯等教員對于理論課程有意見，要求米斯增加擔任社會學、經濟學、心理學方面的教員。米斯就是在這樣困難的情況下接管包豪斯的，形勢如此險峻，迫使他不得不采取非常手段，來整頓學校。1930年9月9日，米斯宣布中止舊包豪斯的全部機構；10月21日，學院的170名學生必須重新注冊登記。邁耶集團核心的5名學生被開除，由警察驅逐，勒令在24小時內離開學院；10月21日通過新的校規，所有學生必須簽名。米斯開始把原來格羅佩斯和邁耶奠定的具有廣泛社會含義的教學體系縮小，成為一個單純的設計教育中心。所有政治活動基本禁止，吸煙也完全被禁止，總的學習時間縮短為9個學期。包豪斯在米斯的手中變成一個單純的建筑學院，有少數的工作室提供學生使用，原來的必修課程一基礎課也變成了選修課。

米斯接任校長以后，除了清洗學校的左翼勢力以外，把精力主要放在教學體制的改造上，他希望能把這所學校堅實地建立在建筑設計的基礎上，他認為只有建筑設計能夠使設計教育得到建康的發展，也以建筑為核心，來凝聚其他的專業。這種以建筑為核心的立場，始終貫穿在米斯的3年校長任期之中，因為米斯努力把建筑教育加強，因此，在包豪斯的最后幾年當中，學院的重點基本是建筑教育，對于建筑的功能要求，建筑的目的性都提出了非常明確的目的，課程也根據這個目的進行了大規模的修改和補充。1930年，米斯把家具、金屬品、壁畫工作室全部合并為一個新的系，即室內設計系。從1932年開始，這個系由里利·萊什(1885-1947)領導，她同時領導染織系。米斯再次改變學制，把原來的9個學期縮短為7個學期，把學院分成兩個大部分：建筑設計(或者建筑外部設計)和室內設計。從此可以明確看到他的以建筑為中心的設計教育體系設想與實踐。

第十一章 美國的現代主義設計運動

第一節

導言

現代主義設計運動和藝術運動主要是在20世紀初期在歐洲發展起來的，美國并沒有多大的參與和貢獻。1913年，美國在紐約展出了歐洲現代藝術展覽，稱為“軍火庫展覽”(the Armory Show)，這個展覽引起美國人的憤怒和抗議，表明美國人在對現代藝術和現代設計上的落后和無知。歐洲的現代設計發展非常迅速，荷蘭的“風格派”、俄國的構成主義和德國的包豪斯都在20年代和30年代達到很高的水平，有相當重要的成就，而大部分美國人對此基本一無所知。美國的設計界更加落后，基本徘徊在陳舊的歐洲體系中，沒有真正的現代設計探索。如果看看20世紀20年代和30年代的美國舊照片，可以看到美國街頭的路牌廣告和海報都依然采用陳舊的維多利亞時期的風格，毫無生氣，完全沒有歐洲當時的現代廣告和海報設計那種生動、現代和前衛的設計特征，足以表示美國在接受現代設計的思想和方法上的落后狀態。現代設計在美國的發展，是20世紀30年代的事情。

歐洲的現代設計運動對美國的影響和促進是通過直接和間接兩個方面的發展同時進行的。早在20世紀20年代，美國少數設計家已經通過歐洲的報刊雜志認識到正在歐洲發生的現代主義設計運動，因此，少數美國設計家開始學習和模仿探索，造成美國早期的現代主義設計的嘗試；而20世紀30年代末期的歐洲**，特別是第二次世界大戰爆發，造成大批歐洲知識分子移民美國，他們當中有不少杰出的設計家，通過他們，歐洲的現代主義設計也直接地進入美國，促成美國現代設計的發展。在美國平面設計界最早引起震動的是奇措德的《版面的元素》的發表，他的風格和主張引起美國平面設計界的廣泛注意和震動，刺激了美國設計界的探索和試驗01928年到1929年期間，歐洲設計的兩種嶄新的字體，即“未來體”和“卡別爾體”進入美國，這兩種無裝飾線字體的引入，進一步刺激了美國現代設計新移民對于美國平面設計的影響美國是一個移民國家，移民來自世界各地，他們帶來了新的精神、新的文化和新的活力，沒有移民，也就不可能有美國。20世紀30年代歐洲因為法西斯的上臺，社會日趨不穩定，到30年代末期，第二次世界大戰在歐洲爆發，大量歐洲人，特別是杰出的知識分子移民到美國，給美國的經濟、科學技術、文化藝術帶來了前所未有的新力量，刺激了美國總體的發展。平面設計也受到這個移民潮的影響，從20世紀20年代到20世紀30年代，越來越多的設計家移民美國，或者與美國的出版公司建立設計關系，從而影響了美國的平面設計發展。直接把歐洲的現代主義平面設計帶入美國的主要是三個俄國人。他們都足在俄國出生，但是在法國受設計訓練和教育，原名羅曼·德·提托夫(Romain de nrtoff，1992-1991)、梅赫美德·佛米·亞加(Mehemed Fehmy Agha，1896-1978)和亞歷克塞·布羅多維奇(Alexey Brodovich，1898-1971)。艾蒂出生在圣彼得堡，是一個海軍將領的兒子。他在巴黎學習美術和設計，很快成為以“裝飾藝術”風格為主的插圖畫家和平面設計家。由于他的插圖和設計具有國際聲譽，因此，從1924年到1937年期間，他與美國著名的刊物《哈潑時尚》(HarperBazar)簽訂了負責設計所有封面的合同。他采用了混合“裝飾藝術”風格、立體主義風格和現代主義設計風格，創造出非常具有個人特色的封面設計來，得到美國讀者廣泛的喜愛。他是在美國的平面設計中奠立‘‘裝飾藝術’’風格基礎的最重要人物。另外一個重要的平面設計家足俄國人：梅赫美德·佛米·亞加。他的父母都是土耳其人，出生于烏克蘭，早年在烏克蘭首府基輔學習藝術，后來到巴黎學習語言。畢業之后，他轉而從事平面設計工作，離開巴黎，遷居柏林，開設了自己的平面設計事務所，在柏林他遇到了設計家康德·納斯特(Conde Nast)。納斯特當時正在幫《時髦》(Vogue)雜志的美國版物色一個藝術設計主持人，他對亞加的平面設計才能非常賞識，介紹他去紐約工作，主持《時髦》雜志的設計。亞加接受了這個工作，到美國以 后成績卓著，他同時又主持了《名利場》(Vanit／Fai廠)、《家庭和園林》(House and Garden)兩份刊物的設計工作，他完全清除了原來納斯特推行的刻板、保守風格，采用生動的歐洲現代主義設計，包括全部采用無裝飾線體、大量采用攝影作為插圖、大量空白的版面空間、非對稱性的版面編排，等等，使這三份刊物立即具有了鮮明的現代感。《哈潑時尚》雜志在1913年被美國的報業大王威廉·赫斯特(Will{am Randolph Hearst}收購。

第二節

第二次世界大戰時期的平面設計

第二次世界大戰爆發，美國開始時期是在軍火上支持盟國。1941年12月份，當日本偷襲珍珠港的美國太平洋艦隊以后，美國正式參戰，開始了歷時4年的全球性反法西斯戰爭。為了調動全國各種因素來為戰爭勝利服務，美國政府在第二次世界大戰期間組織了有計劃的宣傳行動，整個行動由美國戰爭情報部(theU．S．Officc of War lnformation)領導，主要的工作是進行各方面的政治宣傳，包括電影、動畫片制作、組織演出、組織為戰爭服務的專門培訓項目和組織設計海報等印刷宣傳材料，等等。很多美國和歐洲的設計家和藝術家都參加了這個計劃，為早日結束戰爭，打敗法西斯國家而努力。這個部門的工作早在1941年就開始了，大量的海報在全國張貼，起到鼓舞土氣和揭露法西斯暴行的積極作用具體的平面設計項目是由原美國集裝箱公司設計負責人查爾斯·科伊涅主持的。科伊涅在美國集裝箱公司的設計經歷給他帶來了豐富的視覺傳達設計經驗，因此在這個新的工作崗位上游刃有余。他聘用讓·卡盧設計大量的海報，其中包括成為現代海報設計經典的第一張美國戰時的海報《美國對戰爭的回答一生產!》。這張海報簡單而明確的語言和形象有很大的鼓舞作用，戰爭期間一共印刷了10萬份，在全國各地張貼，得到全國的歡迎。這張海報獲得紐約的‘‘藝術指導俱樂部展”(the New YorkDirector’s Club Exhibition)大獎。

戰爭開始之后，對于法西斯的仇恨刺激了大批藝術家和設計家投身政治宣傳畫和海報設計工作，他們在許多商業刊物上以插圖和其他設計方式表達對敵人的仇恨，通過設計來幫助戰爭的勝利。美國插圖畫家中很多人都參與了這些工作，他們不僅僅創作宣傳畫，比如約翰·阿瑟頓(John Atherton，1900-1952)就曾經在《星期六晚郵報》雜志(Saturday Evening Post)，還以宣傳畫設計封面來揭示平常毫無警惕的言談其實是提供給敵人情報的行為。這些設計，對于美國贏得戰爭的勝利起到積極的促進作用。這個時期的海報設計，都具有簡單明確、視覺形象鮮明的特點，都具有非常簡練的口號。因為戰爭的需求，和平時期設計上的那種悠然自得的風格已經不能適應強烈的宣傳目的性要求，這種主題鮮明、版面簡單而明確的海報成為最主要的設計風格，其中比較具有代表性的有約瑟夫·賓德、赫伯特·拜耶、麥克奈·考夫(E．Uc Knight Kauffer)、本’山(Ben Shahn，1898-1969)等人設計的海報，他們的作品除了具有以上的共性以外，也都有自己獨特的個人設計特征。賓德的作品使用象征的簡單幾何圖形，表達了強烈的政治含義，而拜耶則更加講究攝影拼貼的效果，本·山的作品具有很大的視覺煽動性。他在1929年至1933年美國經濟大危機的時候設計的一系列海報已經尖銳地批判政府對于經濟問題和貧困問題處理的無能，引起很廣泛的社會認同；而戰爭期間他為美國戰爭情報部設計的新海報，則以生動的、象征的方法，簡單的平面設計而激起美國人民對于法西斯的仇恨。拜耶在戰爭期間設計上出現了改變。他在德國期間。因為長期在包豪斯工作和學習，受到深刻的構成主義影響，風格上比較強調基本的非對稱版面、無裝飾線字體、減少主義的“少則多”特點，在戰爭期間，他為了使自己的海報具有更加明確的、大眾化的視覺特點，因而改變了簡單的幾何圖形方式，而重視設計的插圖特征，因為插圖有能夠使大眾容易理解的好處。他的這種風格，導致其戰后的風格都受到影響。從非寫實形象的幾何抽象轉變為寫實形象、插圖形象為中心的具象，是拜耶平面設計的重大轉折，他在戰爭期間和戰后設計的一系列新海報，都具有這個新的設計特點，比如他在1943年設計的小兒麻痹癥疫苗的宣傳海報，就是采用描繪一只拿著疫苗試管的手的主題鮮明的作品。他依然采用傳統的現代主義設計特色：無裝飾線字體、非對稱布局、簡單的平面效果，而寫實性的繪畫或者設計主題，更加加強了他設計的感染力。

第十二章

國際主義平面設計風格的形成

第一節

導言

第二次世界大戰結束初期，平面設計經歷了一段不長的停滯，除了美國之外，國際的平面設計在風格上沒有什么新的創造，原因是大戰對于歐洲和亞洲各國帶來的損害太大，大部分國家正在經歷艱苦的重建過程，因此難以集中力量發展設計。在經過幾年的艱苦奮斗之后，西歐部分國家的經濟得到迅速的恢復，經濟的發展對于設計的強烈要求，促進了設計在戰后的發展，而市場的日趨國際化，又對設計的國際化面貌和特點發展提出了具體的、強烈的要求，到20世紀50年代期間，一種嶄新的平面設計風格終于在西德與瑞士形成。這種風格主要是瑞土蘇黎世和巴塞爾兩個城市的設計家從20世紀40年代開始探索的成果，并且通過瑞土的平面設計雜志影響世界各國，因此被稱為“瑞士平面設計風格’’(Swiss Design)。由于這種風格簡單明確，傳達功能準確，因而很快傳遍全世界，成為戰后影響最大的一種平面風格，也是國際最流行的設計風格，因此又被稱為“國際主義平面設計風格’’(the International Typographic Style)o國際主義平面設計風格影響平面設計長達20年之久，直到90年代，這種風格的影響依然存在，并且成為當代平面設計中最重要的風格之一。為了簡便起見，以下簡稱“國際主義風格”。國際主義風格的特點，是力圖通過簡單的網絡結構和近乎標準化的版面公式，達到設計上的統一性。具體來講，這種風格往往采用方格網為設計基礎，在方格網上的各種平面因素的排版方式基本是采用非對稱式的，無論是字體，還是插圖、照片、標志等等，都規范地安排在這個框架中，因而排版上往往出現簡單的縱橫結構，而字體也往往采用簡單明確的無飾線體，因此得到的平面效果非常地公式化和標準化，故而自然具有簡明而準確的視覺特點，對于國際化的傳達目的來說是非常有利的；也正是這個原因，它才能在很短的時間內普及，并在近40年的時間中長久不衰。直到現在，國際主義風格依然在世界各地的平面設計中比比皆足。當初在瑞士和西德創造這種風格的設計家認為：簡單的方格版面編排和無飾線體的采用，除了它的強烈功能特征之外，還具有代表新時代進步的形式特點。

雖然如此，國際主義風格也比較刻板，流于程式。給人一種千篇一律的、單調的、缺乏個性化和缺乏情調的設計特征，對于要求不同的對象采取同樣的手法，提供同樣的風格，因而也被強調視覺美的設計家們批評和反對。但是無論從功能上還是從形式上講，國際主義風格都是20世紀最具有代表性的平面設計風格。

第二節

國際主義平面設計風格運動的先驅

雖然國際主義風格到20世紀50年代才正式確立，但是，類似的設計摸索工作則早在50年代以前就已經開始。其實，國際主義風格的探索在瑞土早已有人開始進行，最早的探索可以說是由恩斯特·凱勒(Ernst Kcller，1891-1968)開始的。凱勒在1 91 8年開始在瑞士蘇黎世應用藝術學校(theZurich Kunstgewerbeschule)擔任廣告設計教學，很快發展出版面編排和設計構思的新課程來。他同時也兼做平面設計工作，無論在教學中還是在版面設計、標志設計、字體設計中，他都在努力發展出一種設計風格和功能完美的方式，他建立了自己的完美風格的嚴格標準，把這個標準應用到教學和設計中，開始影響瑞士的平面設計界。凱勒認為，設計問題的解決在于設計對象的內容之中，不同的內容應該有不同的解決方式，是內容決定形式，而不是形式決定內容。因此，設計的風格也應該是多樣的，豐富的01931年，他為建筑大師、包豪斯的奠基人沃爾特·格羅佩斯建筑展覽設計的海報就具有與現代建筑風格一致的規范性、嚴格性特點；而在1948年設計的一個中世紀藝術展覽的海報中，他則采用了完全屬于中世紀貴族文章的風格特點，加上對稱的 “金字塔”式版面編排，與展覽內容吻合。這兩個海報的設計，最能夠反映他的內容決定形式的觀點和設計方法。雖然他并沒有參與瑞士國際主義風格的設計，但是他的高度功能主義立場和追求設計完美的趨向，為這種風格的探索奠定了一個基礎。如果從風格根源來說，國際主義風格的根源應該可以說是與現代主義設計運動一脈相承的，特別是與包豪斯和荷蘭的“風格派”運動、20世紀20年代和30年代的平面設計風格關系密切。具體而言，瑞士的國際主義平面設計運動和第二次世界大戰以前的現代主義設計運動之間，有兩個關鍵人，他們都是畢業于包豪斯的瑞士平面設計家，一個是西奧·巴爾莫(Theo Ballmer，1902-1965)，另外一個是馬克斯·比爾(Max Bill，1908-)。

巴爾莫在迪索時期的包豪斯曾經師從保羅·克利、沃爾特·格羅佩斯和漢斯·邁耶學習設計，當時曾經努力把荷蘭“風格派”特點引入平面設計中，特別是他利用縱橫的簡單數學式規范版面編排從事設計，得到教師的贊許。1928年，他設計的海報很成功，這些海報設計都具有縱橫網格的簡單編排特點，具有強烈的現代感，比如他為瑞士巴塞爾一個建筑展覽設計的海報“Bu 1RO”，利用縱橫版面編排，把文字鑲嵌在規整的網格中，“euro”四個字母則以正面的黑色和倒影式的紅色對應，在當時的平面設計中是非常突出的。雖然他的平面編排非常講究功能主義特點，具有強烈的“風格派”特征，但是他的字體設計則依然比較講究典雅和裝飾，與日后完全采用刻板而非人格化的國際主義風格依然有距離。他的設計應該說具有荷蘭“風格派”代表人物杜斯伯格(Theovan Doesberg)的形式特征，他本人也受到荷蘭“風格派”很大的影響。

巴爾莫早期的設計隱隱約約地含有方格網絡的痕跡，但是并不明顯，而他稍晚一些的作品上，這種方格網絡的痕跡則清晰可見。他在平面設計上比“風格派”畫家蒙德里安更加強調數學計算后的工整、規范、完美特點，是最早采用完全的、絕對的數學方式從事平面構造的設計家之一。馬克斯·比爾的專業背景比巴爾莫更加復雜，他同時從事繪能夠反映他的內容決定形式的觀點和設計方法。雖然他并沒有參與瑞士國際主義風格的設計，但是他的高度功能主義立場和追求設計完美的趨向，為這種風格的探索奠定了一個基礎。如果從風格根源來說，國際主義風格的根源應該可以說是與現代主義設計運動一脈相承的，特別是與包豪斯和荷蘭的“風格派”運動、20世紀20年代和30年代的平面設計風格關系密切。具體而言，瑞士的國際主義平面設計運動和第二次世界大戰以前的現代主義設計運動之間，有兩個關鍵人，他們都是畢業于包豪斯的瑞士平面設計家，一個是西奧·巴爾莫(Theo Ballmer，1902-1965)，另外一個是馬克斯·比爾(Max Bill，1908-)。巴爾莫在迪索時期的包豪斯曾經師從保羅·克利、沃爾特·格羅佩斯和漢斯·邁耶學習設計，當時曾經努力把荷蘭“風格派”特點引入平面設計中，特別是他利用縱橫的簡單數學式規范版面編排從事設計，得到教師的贊許。1928年，他設計的海報很成功，這些海報設計都具有縱橫網格的簡單編排特點，具有強烈的現代感，比如他為瑞士巴塞爾一個建筑展覽設計的海報“BuRO"，利用縱橫版面編排，把文字鑲嵌在規整的網格中，“BuRO”四個字母則以正面的黑色和倒影式的紅色對應，在當時的平面設計中是非常突出的。雖然他的平面編排非常講究功能主義特點，具有強烈的“風格派”特征，但是他的字體設計則依然比較講究典雅和裝飾，與日后完全采用刻板而非人格化的國際主義風格依然有距離。他的設計應該說具有荷蘭“風格派”代表人物杜斯伯格(Theovan Doesberg)的形式特征，他本人也受到荷蘭“風格派”很大的影響。巴爾莫早期的設計隱隱約約地含有方格網絡的痕跡，但是并不明顯，而他稍晚一些的作品上，這種方格網絡的痕跡則清晰可見。他在平面設計上比“風格派”畫家蒙德里安更加強調數學計算后的工整、規范、完美特點，是最早采用完全的、絕對的數學方式從事平面構造的設計家之一。第三節

瑞士巴塞爾與蘇黎世的平面設計

瑞士是第二次世界大戰前后世界最重要的平面設計中心之一，其中又以巴塞爾和蘇黎世兩個城市最有聲有色，對于國際主義風格的形成扮演重要的角色。這兩個城市相距只有70公里左右，位于瑞士的北部，因為距離很近，設計界之間的交往非常密切，成為一個設計中心地區，涌現了不少重要的平面設計家。

在眾多的瑞士平面設計家中，艾米爾·路德(Emil Ruder，1914-1970)足一個很突出的人物。他很早就開始在蘇黎世藝術與工藝學校(the 2urich Sch001 of Arts and Crafts)學習設計，發展出自己對于平面設計的技術和立場來。

l 947年，在戰爭結束后不久，路德成為巴塞爾設計學院(Allege meine 6ewerbeschule，the Basel school of Design)的教員，擔任版面設計教學，一直到1970年他去世為止。他在教學中要求學生盡量在功能與形式之間達到平衡，如果字體失去了傳達功能，就失去了任何存在的意義，因此，無論是在版面設計上還是字體設計上，高度的可讀性(readability)和易讀性(1egibility)是關鍵，是設計的原則和出發點。他在版面設計教學中強調學生注意版面上的空白區域，或者稱為“負面”區域，訓練學生不僅僅注意實在的形式，而且要注意襯托實在形式的虛部，這是設計教學中的一個非常重要的發展。他認為提高學生和設計人員對于虛的部位、對于空白地區的敏感性，是平面設計教學的重點之一。這種重視，不僅僅包括平面上的大塊空白區域，也包括字與字之間的距離，這種對于空白的強調，其實兼具有功能意義和美學意義，是將功能與形式達到高度吻合的設計方法之一。路德在設計上也非常注意設計因素之間的和諧關系和功能鮮明的特征，他主張采用規整的方格網絡作為平面設計的基本系統結構，把平面設計的各種因素一文字、插圖、照片、標志等等安排在這個系統架構之中，達到功能與形式的和諧以及統一中的多樣性和變化性。路德是最早認識到“通用體”這種新字體重要性的平面設計家，他注意到這種新字體的優秀特點，特別是簡明和清晰的傳達功能，認為這種字體能夠達到他的主張，他和學生們反復利用這種字體做各種放大、縮小、正負、變形等的試驗，并且把試驗的成果運用到實際的設計項目中去。路德的設計方法論、設計思想和設計教育思想集中在他1967年出版的著作《版面設計：設計手冊》(Typography／AManual。OF Design)上，這本著作迄今依然有國際性的影響，在西方國家的平面設計界和設計學院中很受重視。

第四節

美國的國際主義平面設計

瑞士的國際主義平面設計在美國引起很大的震撼，作為戰后最強大的經濟大國，美國的大型企業早在20世紀50年代便已開始它們全球性的經濟擴張和海外延伸，因此急需一種能夠促進國際之間交流的平面設計風格。瑞士國際主義平面設計風格恰恰是這個時刻給它們帶來了急需的傳達工具，故而這個風格在美國立即得到高速的發展和極其廣泛的運用。最早促進瑞士和歐洲的國際主義平面設計在美國發展的，是一個年輕的平面設計家諾爾·馬丁(Noel Martin，1922-)o馬丁在戰前受過正規的美術教育，戰后他于1947年開始在美國的辛辛那提美術博物館(the Cincinnati Museum of Art)擔任平面設計工作，這個博物館有一個小小的字體鑄造工廠和印刷工作

室，馬丁在那里進行大量的平面設計試驗和探索。他對于歐洲當時開始發展的國際主義平面設計風格非常感興趣，因此花了大量的時間泡在圖書館中閱讀瑞士和其他歐洲國家的設計書刊。經過一段時間的研究，他比較準確地把握了瑞土國際主義平面設計的精髓，并利用這個風格設計博物館的展覽、博物館的刊物和海報，放棄了美國當時流行的寫實插圖為中心的平面設計方式，而采用了瑞士國際主義的簡單、明確、視覺傳達準確的特點，因而產生了一系列完全不同的新設計，得到博物館的負責人和廣大觀眾的一致好評。馬丁并不完全墨守成規地模仿瑞土國際主義風

格，他在字體運用上也采用比較典雅的卡斯隆體，甚至維多利亞體例，原因足他強調設計必須與主題吻合，如果展覽的內容是古典的、維多利亞的，他就必須在設計上體現這種風格，設計家是為主題服務的，而不是風格的奴隸。因此，雖然馬丁把瑞士國際主義風格介紹到美國，但是他本人并不是一個循規蹈矩的國際主義平面設計的跟隨者，他具有自己獨特的設計見解。另外一個將瑞土國際主義平面設計風格介紹到美國，并且通過自己的設計實踐推廣這個風格的，是洛杉磯的平面設計家魯

道夫·德·哈拉克(Rud01ph de Harak，1924-)o他也是自學成才的設計家，1946年在洛杉礬先開了平面設計事務所，4年以后遷到紐約，1952年在紐約成立哈拉克設計事務所。他在紐約期

間，接觸到大量的歐洲的、特別是瑞士國際主義平面設計作品，對于那種高度的次序性和理性編排非常感興趣。他特別對于版面結構的平穩安排，視覺傳達的準確和干凈和J落的風格印象深刻，因此開始有意識地將之運用在設計中。他的風格與瑞土國際主義平面設計風格非常相似，都具有簡單明了、結構清晰、傳達準確的特點。他采用字體或者簡單圖案形成的象征性形象作為海報設計的主體，文字安排有序。他在20世紀50到60年代設計的平面作品都具此特色，他為美國的《老爺》(Esquire)雜志設計的一系列版面和封面，亦有這個明確的傾向。

第十三章

企業形象設計與視覺系統

第一節

企業形象設計的歷史

第二次世界大戰期間，各國的經濟發展基本停頓，大部分工業都因為戰爭需要而轉為軍工生產，比如各個主要工業國家的汽車工廠和飛機工廠在戰時都僅僅生產供軍用的汽車、裝甲車輛和作戰飛機，民用產品、消費產品的生產基本停滯不前，直到戰爭結束以后，世界各國戰爭時期工業和經濟體系，才逐步轉向消費生產。戰爭期間軍用產品的設計，僅僅重視使用功能性和安全性，對于促進銷售、造型美觀這些設計的因素是基本不考慮的。而戰后開始蓬勃發展起來的消費產品生產，則必須注意產品造型的吸引力，必須注意促進銷售的手段，以在市場競爭上取得成功，這種情況，造成戰后設計的大發展，無論是建筑設計、工業產品設計還是平面設計，都得到比戰前要發達得多的進步。企業界普遍認識到‘‘好的設計就是好的銷售’’這個市場競爭的基本原則。20世紀50年代，在這個原則的促進之下，西方各國的設計得到相當大的促進。新的市場觀念形成，市場營銷學成為企業發展的根本依據，企業不僅僅希望能夠短期銷售自己的產品，也希望能夠通過產品，通過平面設計，包括包裝、標志、色彩、廣告、推銷方式等等一系列的系統設計，來樹立企業在顧客中的積極、正面形象。企業對于自己和自己產品形象的要求，是導致企業形 象設計產生的基本條件利用綜合的視覺因素來樹立企業形象這種方法，其實并不是新的手法，如果從歷史發展的角度看，企業利用商標和其他標志樹立自己的形象，大約有數百年的歷史了。歐洲在1700年代前后，大部分的商業單位都有自己的商標，而商標的歷史在中國就更加久遠了。大陸現存北宋時期的“白兔牌”剪刀廣告，包括了企業和產品商標、廣告語言、服務保證等所有現代廣告的基本元素，可以說是目前最早的完整企業形象設計之一。但是，這些早期的活動，基本是分散的、沒有系統的，也沒有完整的、科學；的設計規律和原則。1907年，德國現代設計的重要奠基人彼得·貝倫斯為德國電器工業公司(AEG)設計出西方最早的完整企業標志和企業形象，是現代企業形象設計系統化的開端，但是因為德國很快就卷入了第一次世界大戰和第二次世界大戰，企業忙于生產軍火，因此這個設計的探索，連同現代設計的探索和包豪斯設計學院的試驗一同都被中斷了，真正開始重新探索和應用企業總體形象，是戰后的發展結果。另外一個促使企業形象設計發展的原因是戰后的經濟日益國際化。許多國家在戰前的經濟貿易活動僅僅局限干自己的國家，面對的是國內市場，因而往往通過企業對于市場的壟斷方式來銷售自己的產品，沒有必要進行大規模的企業形象活動。但是，自從戰后以來，美國和西歐國家的經濟活動迅速進入國際化階段，很多歐美的大型企業的企業活動進入了國際市場，競爭日益激烈。為了在國際市場中推銷自己的產品，這些企業都不得不通過新產品開發、產品質量和服務質量的控制和保證、包裝優良、廣告設計具有特色等等方法來提高市場的占有率，最終目的是樹立自己企業和企業產品的國際形象。西方企業從來沒有如此重視企業形象的樹立，這個國際市場的競爭壓力，足企業形象設計得到飛速發展的重要背景。在這個活動中，美國的平面設計界具有非常突出的成就，美國的一些重要的平面設計家奠定了現代企業形象設計的基礎，歐洲一些大型企業也在戰后進入企業形象設計的階段，這個企業形象設計的觀念在20世紀?0年代引入日本，在日本的企業界得到進一步的發展，終于形成非常完善的系統。對于美國設計界來說，企業形象系統主要是視覺系統，包括 企業標志、標準字體、標準色彩，以及這些因素的標準運用規范，稱為“視覺識別系統”(Visual ldentity)，總的來說就稱為“企業形象”系統，英語是Corporate ldentity，簡稱CI。因為企業形象的樹立，除了以上這些因素組成的視覺系統之外，還具有企業員工和管理階層體現出來的行為特征，包括人際關系的方法、一般舉止和說話的規范，因而當美國設計界發展出來的企業形象設計系統，也就是“視覺識別系統”介紹到日本之后，日本企業界和設計界進一步增加子所謂的“行為規范系統”，根據“視覺識別系統”的基礎，又翻譯成英語的“Behavior ldentity”，簡稱為“BI”，日后又更增加到整個企業的管理、經營的規范，上升為管理規范，稱為“觀念識別系統”。勉強翻譯成為英語的 “Nind ldentity”，簡稱HI，因而形成了“VI”、“趴”、“NI”的三個層次。其實，對于平面設計界來說，主要的工作依然在“視覺識別系統”上，無論足影響力還是設計人員本身的能力，都主要在視覺識別系統上，而其他兩個層次對于企業形象的樹立固然有作用，但是對大部分平面設計人員來說，是他們力所不能及的。因此，在企業形象設計上，過分強調后面兩個層次，要求平面設計人員設計企業的行為規范、企業管理規范，根本是本末倒置，因為那些規范的設計，是管理專業的內容，與視覺傳達設計有很大的差距。遠東各個國家和地區在日本設計界把企業形象系統的三個層次炒熱之后，受到很大的影響，一時“企業形象熱”，設計人員言必稱“c1”，的確夸張，從具體設計來說，實在言過其實。必須注意到的一點是企業形象設計只是企業的市場營銷活動中多項活動的一個有機組成部分，而本身提供的只是視覺形象的標識，設計本身固然能夠造成顧客的記憶加強，也能夠在一定程度上促進產品的銷售，但是，它僅僅是組成部分之一，如果產品質量不好、產品設計差、產品維修服務不好、產品價格過高、產品銷售渠道不對等等，都會影響銷售和競爭。因此，一方面要注意的是企業形象設計的重要作用，另外一方面必須注意：企業形象設計不是萬能的，它不能解決許多問題。遠東的所謂“CI”熱，對于健康的企業市場營銷運作來說，其實弊大于利，應該實事求是地把企業形象系統還原到它應該有的地位和作用來。在這個方面，歐洲和美國的設計界比較實事求是，而較少玩弄設計詞匯的花招。第二節

系統化視覺形象系統設計

20世紀50年代，瑞士的設計家創造了“瑞士版面風格”，很快成為流行世界各國的“國際主義平面設計風格”。這種新的平面設計風格，講究非對稱前提下的統一性、功能性、理性化，所有的平面設計因素都在一個工整的方格網絡中排列，因而具有高度的次序性特點，字體則全部足無裝飾線體。這種新的設計風格，在聯邦德國這個本身具有高度理性特點的國家引起很大反

響，特別在50年代初期開創的德國戰后新設計高等教育中心-----烏爾姆設計學院中得到廣泛的注意和采用。因而，逐漸成為聯邦德國平面設計的主要風格。推動國際主義平面設計風格在聯邦德國發展的主要設計力量是德國重要的平面設計家奧托·艾舍(0tl Aicher)。他本人是足烏爾姆設計學院(the U1m lnstitute of Design)的負責人和平面設計專業的教授，因此通過教學來推廣這種設計體系，影響了相當多的學生。1962年，聯邦德國國家航空公司“德國漢莎航空公司”(Lufthansa German“rlines)委托他和學院的師生設計這家公司的企業形象系統，艾舍聯合其他幾個設計家從事具體設計，其中包括托瑪斯·岡達(Tomas Gonda，1926-1988)、沸里茨·昆倫加斯(Fritx Querengasser)和尼克·羅里什特(Nick Roericht)等。他們在國際主義平面設計的基礎上，根據烏爾姆設計學院當時正在形成的所謂“系統化設計”方式，把這兩個密切相關的設計模式聯合起來，作為設計漢莎航空公司企業形象系統的依據。設計的中心是要以高度標準化、系統化、理性化的方法，設計出統一的企業形象來。烏爾姆的方格模式在這個設計項目中廣泛運用，成為圖形、字體和平面編排的基礎。

根據他們設計討論的結果，采用了漢莎航空公司自從20世紀30年代就開始使用的以一只飛鶴為主題的企業標志，把這只鶴的圖形環繞到一個圓圈中，增加了規范感和統一感，與此同字體配合，非常密切。的制服、廣告、文具、紡織品、室內裝飾品、海報、公司建筑的外表裝飾、各種促銷的展覽等等，凡是與公司有關的內容，都要求準確地使用他們設計的標準企業形象系統和色彩計劃系統，突出公司的形象，這種系統化設計的結果，奠定了現代航空公司企 業形象設計的基礎。

對于聯邦德國設計家的這種理性的、系統化的企業形象設計的成果，美國企業界非常注意，從20世紀60年代開始，就有美國企業開始采用類似的方法，來提高本身的企業形象強度，其中比較突出的是一向對平面設計有特殊關注的美國集裝箱公司。這家集團公司在20世紀60年代要求以拉爾夫·依克斯特朗姆(Ralph Eckerstrom)負責，組成設計小組，進行新的公司企業形象系統的設計。新的企業形象在1967年設計完成，以“美國集裝箱公司”的英語縮寫CCA(Containcr Corporation of America)為核心，外面環繞以45度削去兩個方角的長方形黑色外框，非常突出而醒目。依克斯特朗姆在提到企業形象系統設計的時候，強調設計的目的是體現企業的運作、管理、銷售和經營活動的總體特征，體現企業的完整的結構和統一的梢神，企業形象應該反映企業的完整性格，如果企業形象設計達不到這個目的，那么無論如何美麗，都不過足七拼八湊的圖形而已，與主題并沒有關系。在美國集裝箱公司的設計工作中比較突出的設計師是約翰·瑪賽(John Massey，1931-)，他是在1957年加入美國集裝箱公司擔任平面設計員的。他很快被指派主管公司的平面設計，在他的領導下，這家公司的平面設計具有明顯的國際主義平面設計風格的特點，具有強烈的功能主義色彩，簡練而準確。他采用了瑞土國際主義平面設計風格的核心字體之一，也是當時在國際平面設計界中最流行的赫維提卡字體(Helvetica)作為企業的通用標準字體，嚴格要求在所有的公司印刷出版物中采用這種字體，目的是統一企業的形象。

第三節

公共交通標志系統設計

隨著第二次世界大戰之后各個國家的經濟繁榮，汽車和其他交通工具日益成為人們工作和生活不可分割的組成部分，特別在美國，汽車的普及和高速公路的普及，是經濟繁榮的結果。20世紀60年代，美國汽車的擁有量已經超過1億輛，而西歐也很快進入所謂的家庭汽車時代，如此龐大的汽車擁有量，對于交通標志的設計是一個挑戰，如何設計出能夠具有高度視覺傳達功能、形象和標志鮮明、準確的設計系統，是平面設計所面臨的重大問題。除了汽車之外，日益頻繁的航空交通也提出了類似的挑戰，特別是國際航空的樞紐一國際機場內的標志設計，對于方便大量的國際旅客來說，不但是重要的，而且是關鍵的。這些標志的設計，涉及到國際視覺通用問題，因為各國的語言文字不同，因此在這些場合必須樹立不需要文字就可以傳達準確視覺訊息的新圖形傳達標志。

美國足世界上最早通過政府的行為著手從事這項工作的國家之一。1974年，美國聯邦政府交通部(The United StatesDepartment of Transportation)委托美國平面設計學院(TheAmerican lnstitute of Graphic Arts，AlGA)這個全國最權威的平面設計研究機構，組織設計供交通樞紐使用的、具有通用、準確、國際認同的新交通標志，一共是34種不同的標志符號，應用于各種與公共交通有關的場所，目的明確是為行人的，以方便行人對于具體設備、設施、方向、交通工具等等內容一目了然。為了完成這個龐大的設計項目，美國交通部邀請美國最杰出的平面設計家組成了一個設計領導小組，由設計家托瑪斯·蓋斯瑪(Thomas H．Geismar)領導。他們的工作是從對世界各個國家的交通標志和其他相關的視覺傳達設計系統進行全面的調查研究，在這個廣泛研究和調查的基礎上提出設計的方案。在方案決定之后，再分頭從事具體設計，具體執行設計工作的主要是設計家羅杰·庫克(Roger Cook，1930-)和唐·商諾斯基(DonShanosky，1937-)，在設計初稿完成之后，提交小組和專家討論和評估。設計小組成員非常認真地對待這個設計工作，對于具體到線條的粗細、形象的選擇，都一絲不茍地進行反復推敲。他們努力做到能夠通過圖形，而不是文字說明具體的內容，能夠為各個國家的乘客了解，圖形必須簡單，但是也必須準確，因此難度很大。他們在需要文字的時候，全部標準使用無裝飾線體，而圖形也與赫維提卡體盡量吻合，以達到統一的效果。整個視覺傳達系統非常龐大，包括34種基本以圖形方式表達的內容，具體內容包括有：公用電話、郵政服務、外匯兌換、醫療救護、失物領取、行李存放、電梯、男女廁所、問詢處、旅館介紹、出租汽車、公共汽車、連接機場的地下鐵路或者火車、飛機場、直升飛機、輪船、出租車、餐館、咖啡店、酒巴、小商店和免稅店、售票處、行李處、海關、移民檢查、不許吸煙、吸煙區、不許停車區、不許進入區等等。為了保證這個系統在全美國得到標準化的使用，因此，他們還附上一本288頁的標準具體使用規范手冊，由美國聯邦交通部出版，發行到各個航空港，作為應用設計系統時的標準參考。這個標準化的視覺傳達系統經過反復審查之后，得到批準使用，立即對全世界機場的標志設計帶來很大的影響，各個國家開始采納這個體系，因而使國際機場的視覺標志逐漸趨干統一，大大地方便了乘客。美國交通部主持的以國際和國內航空運輸為中心的視覺系統設計項目，是世界上最早的大規模交通標志設計系統之一，由于美國是世界第一位的航空大國，并且擁有眾多的國際航線，它采用的系統對于國際交通標志系統必然帶來重大的沖擊和促進。

第四節

國際奧林匹克運動會的世界標志系統設計

第二次世界大戰結束以后，國際奧林匹克運動會開始恢復舉行，戰后初期的規模比較小，其中包括1948年的倫敦奧林匹克運動會、1952年在芬蘭首都赫爾辛基舉辦的奧林匹克運動會、1956年在斯德哥爾摩舉行的奧林匹克運動會和在墨爾本舉行的運動會等等，真正比較大規模的奧林匹克運動會是20世紀60年代以后舉辦的01964年在日本東京、1968年在墨西哥的墨西哥城、1972年在聯邦德國的慕尼黑、1976年在加拿大的蒙特利爾、1980年在蘇聯的莫斯科、1984年在美國的洛杉磯、1988年在韓國的漢城、1992年在西班牙的巴塞羅那、1996年在美國的亞特蘭大舉辦的國際奧林匹克運動會一屆比一屆規模宏大，因此，各項設計也突顯重要。奧林匹克運動會是上百個國家的數萬名運動員、數百萬觀眾參加的龐大的國際活動，時間短，內容復雜，除了運動比賽的準備內容龐雜之外，大量的外國人的生活、起居、交通、飲食、旅游、流通等等，都是前所未有的極為復雜的工作，其中，視覺傳達設計具有非常重要的作用。如何使各個國家的來賓，在基本不懂主辦國語言的情況下，能夠自己運作自如，在生活和參觀上感覺方便，是對各個國家的平面設計家的重大挑戰，因此，戰后各個國家在主辦奧林匹克運動會的時候，都組織自己的和外國的最杰出的平面設計人員參與總體設計工作。奧林匹克運動會的設計，足平面設計非常重要的內容之一。

在戰后的歷次奧林匹克運動會中，有幾次的平面設計是非常杰出的，其中比較典型的是1968年墨西哥城的第十九屆奧運會、1972年的慕尼黑的第二十屆奧運會、1984年的洛杉礬的第二十三屆奧運會的平面總體系統設計，可以說是奠定了這種大型國際運動會的視覺傳達設計系統的里程碑的重要項目，對于以后的設計具有重要的影響作用。墨西哥城奧林匹克運動會的口號足“全世界青年們相互了解、增進團結”(The young of the world united in friend-ship through understanding)。圍繞這個中心，墨西哥政府委托墨西哥的建筑家彼得羅·瓦茲貴茲(Pedro Ramirez Vazquez)主持整個項目設計工作。瓦茲貴茲知道這個工作艱巨，因此聘請了一批國際的設計高手參與工作，組成一個國際設計班子，其中包括美國平面設計家蘭斯’威曼(Lance Wyman，1937-)擔任這個小組的視覺傳達部分負責人，英國工業設計家彼得·穆多什(Peter Murdoch，1940-)擔任特別產品設計部分的負責人。因為墨西哥舉辦的這次奧林匹克運動會是在城市的各個地方的運動設施中分別同時進行的，而不是在一個專門為運動會設計的奧林匹克村中舉辦，因此，必須把整個設計系統分布在這個規范、企業管理思想的規范上，成為一個龐大的系統。而在美國等西方國家，企業形象依然只是視覺傳達的部分，并沒有擴大到企業管理的范圍，原因很簡單：美國具有世界上最多、最杰出的管理學院，管理專業的人員對于把握企業的發展有明確的目的，他們通過管理科學，而不是平面設計建立了企業的形象，而平面設計家參與工作的企業形象設計只是整個企業管理內容的組成部分之一，不足設計家設計管理系統，而是管理家設計管理系統，也包括企業形象系統。從設計人員本身的知識結構來說，美國的方法顯然有它的優點和合理性。日本的“企業形象系統”觀念卻非常合遠東各個國家的口味，這種大而全的設計策劃，對企業家來說具有很大的吸引力，通過企業形象設計，能夠提高營業額，看來非常省事，因此，日本的系統開始傳人臺灣、南韓、香港，20世紀80年代傳人中國大陸，造成一片“企業形象系統熱”，各種專門研究和討論企業形象系統的研討會不斷舉辦，設計企業形象的價格也扶搖直上。嚴格地來說，所謂的視覺形象系統(V1)、行為形象系統(BI)和思維形象系統(M1)之間并沒有涇渭分明的區別只是設計上強調的重點不同而已，因此，完全要區分東西方在企業形象設計上的區別其實很困難。企業形象設計的確與企業發展有密切關系，遠東的企業形象專家說，企業形象系統對企業內部來講，能夠提高生產力、提高士氣、增加股東的信心、改善企業內部關系、提高企業知名度、提高企業廣告效益、增加營業額；統一設計形式會節約設計制作成本、方便內部管理、活用外部成員等等；而對于外部則具有應付成本挑戰、應付競爭、應付傳播媒介的挑戰、應付顧客的要求和應付消費者的挑戰等等優點，但是，從以上羅列的種種內容來看，大部分是單純依靠平面設計所無法解決的。企業形象設計是對企業發展的錦上添花，而不是起死回生的靈丹妙藥，它絕對不是萬能的，這一點，正是所謂的“企業形象系統”夸大其詞的地方，而西方正這個問題上一直采取比較客觀 的態度。

第十四章

當代平面設計

第一節

波蘭的海報設計

社會主義國家的政治宣傳畫是20世紀平面設計的重要組成部分之一。這些國家的政治宣傳畫是國家主持的設計項目，具有與當時當地的政治目的密切的關系，因此，這些設計都是特定的國家在特定時期的反映。當然，不是所何的社會主義國家都具有杰出的海報設計，部分國家的沒訓‘只是應付政府任務而已，凡是這種類別的海報都比較下庸，但是，有幾個社會主義國家的政治宣傳畫和非政治性的宣傳畫則具有非常高的水平，引起世界平面設計界的注意和高度評價。在這些國家中，波蘭的政治宣傳畫和非政治性宣傳畫的水平可以說足首屈一指的。波蘭的海報設計在全世界享有盛名，無論足政治海報還是其他內容的海報，都在設訓‘上具有獨特的風格和突出的藝術水準。波蘭的海報設計足同時兼有國家要求和設計家個人觀念表現兩個方面特色的最典型設計流派的代表，因此引起世界平面設計界的廣泛注意。波蘭的平面設計家非常注意把他們要表達的觀念用獨特的方式表達出來，他們的設計不足說教式的寫實表現，而往往結合了20世紀各種現代藝術運動的特征，包括立體主義、超現實主義、表現主義和野獸派的風格，因此，這些宣傳畫具有相當高的藝術水平，在設計上也成為現代藝術和現代設計結合的典范。波蘭的政治宣傳畫模糊了現代藝術和現代平面沒計往往作在的對立，使這兩者融合在一起，為世界平面設計界樹立了非常杰出的典范。當然，這種把現代藝術的特征結合到現代平面設計中去的探索，不僅僅發生在波蘭，美國、聯邦德國和古巴等國家也具有非常引入注目的成就。這種設計傾向的發生，說明了自從第，二次世界大戰結束之后，世界各個國家的平面設計家中出現的個人風格發展、個人觀念發展的趨勢，設計中已經不完全是順應潮流、隨波逐流風氣一統天下，而足個人風格和潮流風格并存局面形成開始。波蘭是第二次世界大戰在歐洲的最早受害國。1939年9月1日，納粹德國的軍隊利用所謂的?閃電戰’’方式突然入侵波蘭，從南北和西部三個方面進攻這個主權國家，17天之后，蘇聯的軍隊也從東邊攻擊波蘭，這個主權國家在兩個大國的四面夾攻之下，很快喪失了獨立和主權，整個國家開始了長達6年的苦難。戰爭結束之后，波蘭全國滿目瘡痍，經濟崩潰，工業被完全破壞，農業水平也降低到歷史最低水準，最嚴重的是這個國家在戰爭中喪失了大量的人口。戰爭給波蘭帶來的后果足極為嚴重的浩劫，戰后波蘭成為一個社會主義國家，而國家的重建是在萬分艱苦的狀況中開始的。在漫長的戰爭年代當中，波蘭的印刷業、設計業和波蘭文化藝術的其他部分，都基本蕩然無存，波蘭的平面設計，特別是海報設計完全足從無到有地在戰后的年代中成長和發展起來的。戰后的平面設計，特別是廣告設計，基本上全部是為政府部門的要求而作的。波蘭政府成立了新的藝術和設計教育體系，主要由華沙藝術學院(The Warsaw Academies of Art)和克拉科夫藝術學院(The Krakow Academies of Art)兩所藝術學院為主，培養新一代的、為無產階級政治服務的藝術工作者和設計工作者。兩所藝術學院足國家最高的藝術和設計教育學府，入學要求非常嚴格，教育體系也非常完整，對學生的專業要求很高。畢業之后，由國家分配工作。平面設計作為國家宣傳工作的重點之一，波蘭政府動員設計家參與國家指定，的設計項目，平面設計家和電影工作者、藝術家、作家等等合在一起，歸納入波蘭政府組織的?波蘭藝術家協會?(The P01ish Union of Artists)，協會成員必須在國家的藝術學院經過正式的大學教育，成績優異。波蘭大部分杰出的平面設計家，都是出自這兩所藝術學院，并且也都是?波蘭藝術家協會?成員。波蘭最早的平面設計家基本上都足從事海報設計的，其中最重要的先驅人物是特列波夫斯基(Tadeusz Trepkowski，1914-1956)。他的海報設計雖然足應政府要求而作，但是卻表現了他自己對于戰爭造成的巨大破壞的壓抑感，也表現了他對于未來的憧憬。特列波夫斯基的設計強調非常簡單的視覺形象，他認為最簡單的視覺形象能夠最準確地傳達內容。他在1953年設計了著名的反對戰爭的海報，整個海報的標語口號減少到一個?不!?字，背景是簡略的代表被摧毀的城市的輪廓，一個正在投落的炸彈。

波蘭國民對于海報的特殊喜愛習慣，使海報成為波蘭人民生活的一個有機組成部分，形成了一種傳統，因此，雖然政權改變了，但是波蘭的海報卻依然存在和發展，成為波蘭平面設計的最重要部分之一。平面設計在波蘭具有比其他國家更高的專業地位，平面設計與建筑設計、醫學一樣，具有相當高的社會地位，這是世界上其他國家的平面設計家所羨慕的，是其他國家的平面設計都望塵莫及的。第二節

美國觀念形象的設計

20世紀50年代，美國的插圖黃金時代因為攝影等新媒介的發展和使用而逐漸走向衰退，接近尾聲。在過去的半個世紀中，敘述性的插圖基本成為美國平面設計的主要組成部分，但是，攝影的發展和普及、紙張的改進和印刷技術的改進，都使寫實的插圖走向衰落。傳統的插圖采用明快的色彩，夸張的、完美的形象來樹立與實際生活相距甚遠的夢幻世界，而攝影則具有真實、準確、迅速的特點，因此得到廣泛的讀者的歡迎，攝影的普及，終于結束了美國插圖的歷史，美國的插圖從此一蹶不振，逐步成為平面設計中的一個不重要的部分了。但是，攝影的發展，卻依然采用了許多原來插圖的方式方法，采用了許多插圖的構思和布局，因此，雖然說插圖的黃金時代結束了，但是，也可以說插圖攝影改變了媒介，利用攝影的手法重新發展，從這個角度來看，美國的插圖發展可以說進入了新時期和新的發展階段。與此同時，瑞士發展起來的國際主義平面設計風格在西方普及流行，影響了許多平面設計家，也形成了平面設計上比較刻板的面貌，因此；促使一些平面設計家企圖改變刻板面貌的新發展趨向。大約在20世紀50年代到20世紀60年代期間，在設計觀念上一向比較自由的美國設計界中，出現了新一代的設計家，開始比較注重個人的觀念形象表現、比較注重把平面設計與藝術形式結合起來、比較重視平面設計的感性效果，這批美國青年一代的平面設計家開始運用攝影和插圖混合的手法來設計新的平面作品，表現自己的觀念，他們成為美國平面設計中觀念形象設計派別的奠基人。這批設計家主要都集中在紐約市，他們大部分都是紐約的 藝術學院和設計學院的青年學生，其中比較典型的代表人物有西摩·什瓦斯特(Seymour Chwast，1931—)、米爾頓·格拉塞(Hilton Glaser，1929-)、雷諾茲·魯芬斯(Reynolds Ruffins，1930-)、愛德華·索勒(Edward Sorel，1929-)，他們都是紐約的一家藝術學徒—庫柏聯盟(Cooper Union)的學生，他們都在1951年畢業，在學習期間，他們志同道合，大家租用同一間工作室，因此能夠廣泛地、充分地交流設計思想。其中，格拉塞于1951年畢業的時候得到美國的富布賴特獎學金(Fulbrlsht Sch01arship)，得以到意大利跟隨意大利著名的平面設計家喬治·莫拉迪(Giorgio M。randi)學習，其他人則都在紐約的廣告設計和平面設計事務所工作，同時也兼做自由撰稿的設計。他們合伙出版了一份稱為《圖釘年鑒》的刊物，這份刊物是雙月刊，通過這份刊物表現了自己的設計思想和探索01954年，格拉塞從歐洲回國，參加他的這批同學的活動，正式成立了‘‘圖釘設計事務所’’(the hshPin Studi。)，這個設計事務所成為新一代平面設計的中心。這個設計事務所存在的時間并不太長，魯芬斯最早離開事務所，成為自由撰稿設計家，1958年，索勒也自己開業，其他的幾個則依然在事務所中工作，雖然有人離開，但是他們之間在設計上的聯系依然存在，因此，這個設計核心一直存在，并且形成獨特的風格。他們原來創辦的刊物《圖釘年鑒》也改為《圖釘平面設計》(the PinGraphic)，這份具有試驗性的刊物為美國平面設計的新思想和新觀念提供了論壇和試驗場所 ‘‘圖釘’’設計集團在設計觀念上、在設計技法上都對當時的平面設計帶來了相當的影響。平面設計一向足以互相區別開來的平面元素一圖形、插圖、文字、字體、標志等等進行版面編排的，自從19世紀末20世紀初以來，一些新一代的平面設計家對這種把分開來的因素拼合的設計方式進行改革，把所有的平面因素渾然一體，比如‘‘新藝術’’運動時期的穆卡、布萊德利等等都進行了類似的探索，而?圖釘’’集團的格拉塞、什瓦斯特等等，也繼續了這個傳統，他們都是這個改革的重要設計人物。?圖釘’’設計集團關心的正是如何進一步把這種綜合設計的方法發展到更高的水平，使每一頁紙張上的印刷都能夠成為統一的、綜合的、無法分割的內容。他們采用了歷史上各種平面設計的資料，包括自從文藝復興以來的繪畫，甚至流行的連環畫作為 自己設計的參考，他們的設計具有自由、活潑的特點，同時能夠把自己的觀念通過自由的方式組合成一體，這種折衷的設計方式，的確在當時令人為之耳目一新。第三節

第三世界國家的海報

第三世界國家的面積和數量都遠遠超過發達國家，這些為數眾多的國家中，具有很多不同類型的政治國家體制，其中比較重要的有社會主義國家集團、不結盟國家集團、石油輸出國家集團、非洲國家集團和拉丁美洲國家集團等等，這些國家都在戰后開始了自己的經濟發展，其中一些國家取得經濟上驚人的成就。?二戰?以來，到1990年代為止，變化最大的也發生在第三世界國家中，西方發達國家在戰后的年代中，只是努力完善自己的體制，以漸進的方式發展國民經濟，而第三世界國家和屬于發展中水平的一些地區，則有些以躍進的速度發展自身經濟，在很短的期間內實現了西方用了上百年才實現的經濟目標，亞洲的南韓、新加坡、臺灣、馬來西亞、香港，泰國、印尼等就屬于這種后來居上的新經濟實體，它們的經濟成就顯赫，到20世紀80年代前后，已經不復再屬于發展中國家或地區，而成為發達國家或地區了。經濟的推動，使這些國家和地區的設計在短短的20多年中間，具有很大的提高和發展，特別體現在平面設計和產品設計上。而另外一些第三世界國家則因為政治的變化，也產生了相當多的平面設計需求。比如原東歐國家在1989年前后改變了政治制度，這個巨大的社會體制改變，無論在前還足在后，郡產生了對于海報和其他平面設計作品的不同要求，因此，平面設計在這些國家中也得到很大的發展，并且具有自己獨特之處。平面設計與工業設計、建筑設計不同的一個要點，就是它并不需要完全按照國家的發展或社會的經濟水平確定，工業設計、建筑設計的背景是社會經濟水平的發達，造成市場需求，而平面設計作為宣傳品，時常在經濟落后的國家和社會中有更突出的發展，作為喚起民眾、宣傳政治力量的政治主張的工具，很有可能一旦社會經濟進入發達水平之后，平面設計反而會因為趨向商業化而水平平庸。另外一方面，是平面設計時常與重大的政治事件密切相關，比如世界大戰時期世界各國的平面設計水平都有相當幅度的提高，反而戰后轉為溫和和商業性，這是平面設計的具體功能和目的性造成的特點。在不少國家中平面設計是表達對權威和當局不同意見的最有效手段，是被壓迫的民眾對統治階級提出自己的意見的方法。第一次世界大戰期間和第二次世界大戰期間的海報，都以相當高的水平提出反不正義戰爭，反納粹和法西斯的鮮明立場，大量的平面設計具有明確的功能目的：通過宣傳達到改變觀眾的政治理解、政治立場的目的。這種宣傳性是其他的設計范疇所沒有的不少第三世界的政治海報具有兩方面的基本目的，一是通過海報設計，來促使國內的人民站到設計者的政治立場方面來，是國內政治運動的有力工具；而另外一方面，則是促進外國對于他們國家的政治問題有廣泛了解，爭取國際支持的手段。比如南非長期實行種族隔離政策，壓迫本土黑人，因此，南非的設計家就設計了專門針對美國和其他西方國家的海報，反對種族隔離，要求美國人民起來反對美國政府支持南非白人政權的立場，海報成為南非人民反對種族政權斗爭的武器。在各個社會主義國家中，雖然每個國家都有大量的政治海報設計與出版，以配合政府的政治宣傳，但是，質量高的海報并不多，如果單純從設計水平來看，設計水平真正比較高，并且受到國際注意和得到廣泛好評的海報，主要來自波蘭與古巴。古巴人民在卡斯特羅(Fidel Castr。)的領導下，干1959年元旦通過武裝革命，推翻了巴蒂斯塔(President Fulgenico Batista)獨裁政權，成立了西半球的第一個社會主義國家。兩年之后，美國和西方國家對古巴實行全面封鎖，古巴因此密切了和蘇聯以及其他社會主義國家的關系，成為社會主義陣營的成員之一。在巴

第四篇：平面設計史復習重點..

平面設計史考試復習

平面設計起源：

1)最早的平面設計形式？巖穴筆畫最為原始的平面設計作品

2)拉文特巖畫，在原始社會，圖畫先于文字，人們通過圖畫來傳遞信息。這些形象簡潔、具有強烈的符號特征，都是現今標志設計的動機。

3)公元前2500年左右，蘇美爾人創立了楔形文字。文字特點：是一頭粗，一頭細。粗的一端像三角一樣，是楔形，所以管它叫“楔形文字” 4)《死亡書》最引人注目，它是世界上最古老的“書籍”。

5)（人類最早的文字包括了三種基本類型，即蘇美爾人的楔形文字，埃及人的象形文字，中國 人的象形、會意和仿音結合的文字體系。）

6)腓尼基人的字母是最早的字母，也是歐洲字母的始祖，漸漸發明出一套22個字母的字母群。羅馬人攻克希臘借用大部分希臘字母加以修改，羅馬的23個字母已相當完美。幾百年后中世紀時期，拉丁字母又加入3個字母，現代英語的26個字母至此完成。羅馬字母的一個重要特點是出現了裝飾線。羅馬字母設計的另外一個重要特點是采用方形的大寫字母“方體”。

7)“多立克”柱式特點？特點是比較粗大雄壯，沒有柱礎，柱身有20條凹槽，柱頭沒有裝飾，多立克柱又被稱為男性柱

中世紀時期的平面設計（3-14世紀）：

8)中世紀古典風格：是從古典希臘、古典羅馬和古典埃及的各種字體風格中綜合發展起來的文字風格，同時也包含了古典時期的版面編排的特點。9)利用羊皮紙作為手抄本是中世紀書籍最顯著的特點。

10)凱爾特人的手抄書籍特點：首字母裝飾得非常大和華貴，書籍的插圖都是圖案式的。

11)標準化出版的開端：公元789年，查理曼發行皇家標準書，派送到歐洲各地，命令全歐洲遵照標準出版，以提高整個歐洲的文字和書籍手抄的出版水平。12)西班牙“圖畫表現主義”風格特點：公元711年，西班牙的手抄本色彩艷麗，具有濃厚的異國裝飾情調，書籍抄本四邊都有華貴的阿拉伯風格圖案花邊裝飾。

13)印刷術是由拓石和蓋印兩種方法逐步發展而合成的。最早可追溯至中國古代的封泥和印章。

14)公元2世紀左右，中國有將經文刻在石頭上，通過拓印達到復制目的和復制方式。公元6世紀前后發明了木刻版。15)造紙術于公元105年由蔡倫發明。

16)在公元1400年前后，歐洲出現了最早的木板印刷。

文藝復興時期（14-15世紀）：

17)文藝復興時間：——是指以意大利為中心所掀起的西歐新文化思想運動，大約自14世紀持續到16世紀。文藝復興意味著古典藝術與文化的復活。18)15世紀前后，德國的約翰·古騰堡從事金屬制品制作利用金屬字模進行印刷。古騰堡第一本完整的書《三十一行書信集》。歐洲印刷的真正起點是與金屬活字的發明分不開的。約翰 古滕堡，真正把活字技術完善，使之成為現代印刷主要手段。

19)1450-1455年間古騰堡利用金屬活字印刷出的第一本完整的《圣經》，文字分兩欄編排，版面工整，閱讀方便。不像早先手抄本書籍那樣插圖和文字混合編排，沒有規范,且插圖和文字分開在不同頁上，使內容更加清晰明了。20)文藝復興時期，對外貿易中心港口城市威尼斯是意大利平面設計和印刷設計的中心。

21)意大利文藝復興時期設計特點：對花卉圖案裝飾的喜愛。意大利各城市這一時期出版的書籍都大量采用花卉、卷草圖案裝飾，且文字周圍也采用這類圖案環繞。

22)意大利文藝復興時期出版業特點：科學書籍與宗教書籍同時盛行。23)阿杜斯·瑪努提斯：宗教出版業較有影響的出版印刷業者。

阿杜斯·瑪努提斯：較少用插圖，集中文字的編排，講究工整、簡潔。首字母裝飾是主要的裝飾因素，往往采用卷草環繞首字母，使整體設計具有工整中兼有變化的特點。

24)阿杜斯·瑪努提斯于1501年首創 “口袋書”的袖珍尺寸書籍,開創了日后稱為“口袋書” 的先河。該書全部采用斜體字體印刷，這是世界上第一本全部采用斜體印刷的書藉。

25)丟勒為《啟示錄》木刻插圖，描繪生動，線條豐富，黑白處理得當，構圖緊湊。

26)17世紀唯一重要的突破就是：世界上第一份報紙的出現。

17、18世紀的西方平面設計（17-18世紀）: 27)羅可可特點：風格強調浪漫情調，大量運用C形和S形曲線座位裝飾手段；色彩柔和淡雅；書籍版面華麗，字體也時常采用花哨的書寫體；設計上往往采用非對稱的排列方法

這與講求對稱、采用強烈色彩的巴洛克風格形成鮮明對比。28)18 世紀到 19 世紀，英國字體設計最重要的奠基人是威廉·卡斯隆。29)最早從事無裝飾線字體設計的是威廉·卡斯隆。強調筆畫粗細的變化，即清新，又典雅。

工業時代的平面設計（19世紀）：

30)工業化時代產生的原因：1760年左右延續到1840年，從英國開始了，西方國家近百年的工業革命。蒸汽機、內燃機的發明大大促進生產力的發展。現代平面設計是工業革命的直接后果。31)英國工業革命或工業化對平面設計發展的意義

平面設計方面的主要變化：

1、行業、職業分工專業化。

2、攝影技術的發明和發展,改變了平面設計的發展方向。

3、彩色石板印刷技術的發展，是彩色印刷品開始普及。

現代平面設計是工業革命的直接后果。32)1797年英國史坦伯爵制造了第一步用鑄鐵制成的手擺印刷機。33)1810年克萊姆氏發明臂力操作的印刷機。

34)1810年康尼格在英國申請到蒸汽印刷機的專利。1814年發明和生產的第一臺蒸汽滾筒印刷機

35)印刷機發展的意義：印刷成本大幅度下降，印刷品的尺寸顯著增大。36)美籍德國人奧瑪·梅根泰勒1885年發明了世界上第一部“風箱式”鑄字排版機。

37)19世紀，木刻技術發展，字體的粗細大小和裝飾細節日益精巧，比例精度要求較高的飾線，大金屬字模價格偏高，本身沉重、使用不方便。38)美國人達密斯·威爾斯試驗用木刻版代替金屬版，木刻版價格低，結實輕巧，制作容易、使用方便，而且不會出現金屬鑄造的變形情況，能夠準確的表現字體的細節。

39)19世紀，早期海報和商業廣告設計版面設計原則？形成的縱橫排列方式，成為早期版面設計的一個基本原理。40)胖體：設計家-羅伯特·桑涅。以粗壯的豎線和增加字體寬度來達到強烈的視覺效果。

41)古董體：設計家菲金斯，現代的新字體系列，具有強烈的現代氣息，字體構造粗短結實，具有濃厚的機械味道，又叫埃及體。

42)無飾線體：有裝飾線結構，字體樸實、簡單、明了，傳達功能強。

攝影術：

43)攝影術的發明：小孔成像原理。

44)攝影對平面設計的意義？首先豐富了平面設計的視覺語言，提高了視覺傳達的效果；其次，照相制版擴展了印刷工藝的領域，對平面設計的發展起到了重要的推動作用。

維多利亞時期的平面設計（19世紀）：

45)維多利亞1837年登基，是整個19世紀英國的君主。

46)維多利亞時期：英國歷史上長期和平的時期，也是工業技術迅速發展、都市化急劇擴展、文化藝術繁榮的時期。

47)維多利亞時期在平面設計的特點：a.要素紛雜 b.具象寫實。最顯著的特點是對于中世紀歌特風格的推崇和流行。

48)簡答：維多利亞時期的版面設計風格

a.維多利亞時期的上半期，19 世紀上半期，平面設計風格主要在于追求繁瑣、華貴、復雜裝 飾的效果，出現了繁瑣的“美術字”風氣。版面編排上的繁瑣也是這個時期的平面設計特征之 一。b.到 19 世紀下半期，設計上因為出現了金屬活字和新的插圖制版技術的刺激，這種繁 瑣裝飾風氣有增無減，繁瑣裝飾達到登峰造極的地步。49)1840年，英國威廉·沙普開始利用石板印刷技術制作彩色的書籍插圖。50)1846年美國發明家查·霍完善了滾筒式石印機。

51)19世紀以來歐洲主要的廣告形式是海報，具有圖畫的、彩色的海報成為流行的廣告形式。

52)托馬斯·納斯特，被稱為“美國漫畫之父”。53)豪威德·派爾是美國現代插圖最重要的奠基人之一。

工藝美術：

54)“工藝美術”運動的風格特點：a 強調手工藝，明確的反對機械化生產；b 在裝飾上反對矯揉造作的維多利亞風格和其他古典、傳統的復興風格；c 提倡歌德風格和其他中世紀的風格，簡單、樸實無華、良好的功能；d 主張設計的誠實、誠懇，反對設計上的嘩眾取寵、華而不實的趨向；e 裝飾上推崇自然主義、東方裝飾和東方藝術。

55)“工藝美術”運動是起源于英國 19 世紀下半葉的一場設計運動。56)（進步性和局限性看一下： 局限性：從歷史的發展來看，“工藝美術”運動具有局限性和落后性，它否定工業產品、否定 工業化，提倡回復中世紀的手工藝傳統，企圖逃避工業化在設計上的影響，是一個復舊運動。進步性：但是對于設計風格水平的重視，對于擺脫繁瑣的維多利亞風格來說，又是進步的。）

57)“工藝美術”運動的理論指導是英國美術評論家和作家約翰·拉斯金。而運動的主要人物是藝術家、詩人-威廉·莫里斯，在英國被稱為“現代設計之父”。58)莫里斯的設計思想：強調兩個基本原則：其一：產品設計和建筑設計是為千千萬萬人服務的，而不是為少數人服務；其二，設計工作必須是集體的活動，而不是個體勞動。

59)英國“工藝美術”運動從1860年-1878年

60)“世紀行會”是建筑師阿瑟·瑪克穆多在倫敦創建的設計公司。（“世紀行會”的宗旨是要把商業化的平面設計和產品設計轉變成為藝術性的。具體的設計上：廣泛利用意大利文藝復興的設計風格，揉入日本傳統的設計和主要來自植物紋樣的自然風格，形成自己鮮明的設計風格。）“新藝術”運動中的平面設計：

61)“新藝術”運動是19世紀末，20世紀初。

62)“新藝術”運動與“工藝美術”運動的相似點和區別（必考）：

相似處： a.它們都是對矯飾的維多利亞風格和其他過分裝飾風格的反動;b.都是對工業化風格持強 烈反對態度；c.它們都旨在重新掀起對傳統手工藝的重視和熱衷；d.它們也都放棄傳統裝飾風格 的參照，而轉向采用自然中一些裝飾動機；e 均受到日本浮世繪，特別是日本江戶時期的藝術和裝飾風格和浮世繪木刻印刷品風格影響，掀起日本藝術熱。

區別：工藝美術運動重視中世紀的哥特風格，而 新藝術運動放棄了任何的傳統裝飾風格，完全走向自然風格；工藝美術運動強調自然中不存在平面和直線，在裝飾上突出曲線，有機形態，裝飾動機基本來源于自然形態。新藝術運動在意識 形態上是一次知識分子在面對工業化和過分裝飾風格泛濫雙重前提下的一次不成功的改革設計的企圖。

63)“新藝術”運動期間的平面設計特點：第一：要素簡明；第二：具象到抽象的過渡；第三：神秘性的象征裝飾。

64)（從 1895 年到 1900 年期間，穆卡成為代表“新藝術”運動平面設計風格的最核心人物。）

65)德國“青年風格”運動兩個非常重要的平面設計家：奧托·艾克曼、彼得·貝倫斯。

66)（謝列特：法國重要的海報設計家和平面設計家，在設計歷史上被稱為“現代海報之父”。謝列特的作品都講究流動的線條和構圖，惹人喜愛的插圖和鮮明的色彩。他創造的一種優美的女性形象被稱為“謝列特女性”。）現代平面設計：

67)現代藝術發展及影響：

68)野獸主義：歌頌純色，強調色彩表現力。代表人物：馬蒂斯。

主要原則：通過顏色起到光的作用和達到空間經營的效果。

69)立體主義：追求幾何形體的美，形式的排列組合所產生的美感。把三維空間（或事物）歸整為平面的、兩維形式的畫面，不從單個視點觀察事物，而是從不同視點。代表人物：畢加索。

70)未來主義：表現為擺脫歷史制約，崇拜和借助機器的力量進行創作的藝術流派。目標-“運動”、“速度”和“動能的感覺”。代表人物：賈科莫·巴拉。71)未來主義，他們的繪畫表現了對象的移動感、震動感，趨向表達速度和運動，這是未來 主義的核心部分。它的中心，是以歌頌大工業化、大機械化、大都會生活的無政府主義態度，否定一切過往的文化和藝術，否定傳統文明。72)達達主義：完全拋棄現有的美學觀念，以玩世不恭的態度對抗社會現實和現有價值觀，力求擺脫一切局限。代表人物：馬謝·杜尚。

73)達達主義在平面設計上的影響與未來主義有相似之處。達達主義在平面設計上最大的影 響在于以拼貼方法設計版面，以照片的攝影拼貼的方法來創作插圖，以及版面編排上的物規 律化、自由化。

現代平面設計探索：

74)彼得·貝倫斯被稱為“德國現代設計之父”。

75)現代主義設計運動主要集中在三個國家，即德國、俄國和荷蘭。俄國的“構成義”、荷 蘭的“風格派”、德國的“現代設計”運動從德意志“工業同盟”開始，到包豪斯設計學院 為高潮。

76)1907 年，貝倫斯與穆特修斯等人成立了德國第一個設計組織--德國“工業同盟”。而這個 組織的形成，可以說是標志著德國的現代主義運動的發軔。77)工業同盟宣言（弗里得洛克·諾曼）：a 提倡藝術、工業、手工業結合；b 主張通過教育、宣傳，努力把各個不同項目的設計綜合在一起，完善藝術、工業設計和手工藝；c 調走非官方的路線，避免政治對設計的干擾；d 大力宣傳和主張功能主義和承認現代工業；e 堅決反對任何裝飾；f 主張標準化的工業生產。

78)構成主義：在平面設計形式上進行照片和文字等視覺元素的拼貼，大量運用抽象的幾何圖形作為平面元素。代表人物：李西茨基和羅德琴科。79)

（李西斯基是把俄國構成主義設計和至上主義藝術傳播到西方的最核心人物。李西斯基的 設計具有強烈的構成主義特色：簡單、明確，采用簡明扼要的縱橫版面編排為基礎，字體全 部是無裝飾線體的，平面裝飾的基礎僅僅是簡單的幾何圖形和縱橫結構而已。從來不在平面 設計上搞裝飾，只是進行結構的調整和設計，目的僅僅是為了主題，而這個主題往往是新的、革命的。在他的作品中，形式、內容、色彩、圖形都圍繞中心服務，而這個中心則是革命。李西斯基在平面設計上的另外一個重大貢獻是廣泛地采用照片剪貼來設計插圖和海報。）80)風格派的觀念和形式與蒙德里安對繪畫的探索密切相關。蒙德里安主張用純粹幾何形的抽象來表現純粹的精神，以此尋求一種具有普遍意義的永恒藝術來體現宇宙的和諧。

81)“裝飾藝術運動“是繼“新藝術運動”之后的一種風格獨特的一種設計流派。代表設計師：法國設計師皮埃爾·萊格瑞恩、羅斯·阿德勒。形式：偏好直線和對稱的抽象構成形式，在平面設計上突出插圖的視覺沖擊力以讓人感到目標物的高大的視角來顯示設計內容。思想：在設計思想上，機器生產的意識已萌生，不再像“新藝術”設計師那樣排斥機器，沒有真正迎合工業化生產，仍以手工制作為主，追求唯美的藝術境界。首要原則：“功能重于裝飾”。包豪斯：

82)包豪斯與包豪斯平面設計風格的形成：魏瑪時期的包豪斯（1919-1925）-格洛佩斯的理想主義；狄索時期的包豪斯（1925-1932）-邁耶的共產主義；柏林時期的包豪斯（1932-1933）凡德羅的實用主義。83)包豪斯的奠基人：沃爾特·格羅佩斯。

84)第一批教員：伊頓是世界設計教育中第一個創造基礎課程的人。伊頓的最大成就在于開設了現代色彩 學的課程。

85)第二批教員：康定斯基對于包豪斯基礎課程的貢獻主要在兩個方面：1）分析繪畫；2）對色彩與形體 的理論研究。

現代平面設計：

86)20 世紀上半葉在字體設計：a 基爾無飾線體，代表人物：艾略克·基爾。b 無裝飾線體“未來體”，代表人物：保羅· 雷納。c “時報新羅馬體”，代表人物：斯坦利·莫里森，他在 1931 年到 1932 年間完成了這項設計工 作，他設計出的這種字體成為“時報新羅馬體”。d 赫曼·扎帕夫是德國20世紀重要的字體設計師。

87)新版面設計：塔斯喬德提到：a 倡導版面設計的時代；b 提倡機械，應合作起來共同創造新版面風格。

88)塔斯喬德國際主義平面設計風格的重要奠基人之一。

89)圖表設計創始人奧地利社會學家奧托·紐拉斯。圖表設計特點：直觀、形象、生動的圖形符號

90)（國際主義平面設計的定義：（可能分析題）1）、定義：到 20 世紀 50 年代期間，一種嶄新的平面設計風格終于在西德與瑞士形成。這種 風格主要是瑞士蘇黎世和巴塞爾兩個城市的設計家從 20 世紀 40 年代開始探索的成果，并且 通過瑞士的平面設計雜志影響世界各國，因此被稱為“瑞士平面設計風格”。由于這種風格 簡單明確，傳達功能準確，因而很快傳遍全世界，成為戰后影響最大的一種平面風格，也是 國際最流行的設計風格，因此又被稱為“國際主義平面設計風格”。）

91)

國際主義平面設計風格的特點：在設計觀念上：a 注重功能主義思想；b 注重理性科學觀念。在視覺表達上：a平面網絡的運用；b 文字排列的次序化；c 采用無飾線字體；d 版面內容的不對稱排版。92)歐洲的現代主義平面設計的基本特點：把設計進行理性化的處理，達到高度的視覺傳達 功能，取消大部分裝飾，采用無裝飾線字體，采用非對稱的版面編排，甚至采用方格網絡的 基本結構從事版式設計，從而達到高度次序性的設計特點。

93)美國紐約平面設計派： 20 世紀 40 年代是美國現代設計的最重要轉折階段，一方面，美國設計界開始全面接受歐洲 現代主義設計的風格，另外一方面，他們卻又開始對歐洲的現代主義設計進行改良，以適合 美國大眾的需求，形成了美國自己的現代主義設計風格。意義：紐約平面設計派的出現，是美國平面設計真正形成自己系統的、獨立的設計風格，同 時又能夠與在歐洲產生的現代主義、國際主義平面設計風格相輔相成，互相補充，共同形成 20 世紀 50、60 年代國際設計風格的設計運動。

企業形象與視覺識別設計：

94)什么是企業形象與視覺識別設計：企業形象設計又稱CI設計。就是指企業的經營理念、文化素質、經營方針、產品開發、商品流通等有關企業經營的所有因素。

95)

“企業形象設計系統”CI 包括：觀念識別系統 MI、行為識別系統 BI、視覺識別系統 VI.96)視覺識別系統：企業形象系統主要是視覺系統，包括企業標志、標準字體、標準色彩以及這些因素的標準運用規范

97)吉奧瓦尼·平托里在意大利的奧利維迪公司負責企業的對外形象設計，為該公司的企業形象大上了鮮明的個人標志。98)美國詹姆斯·佛格曼CIBA的視覺系統設計 99)哥倫比亞廣播總統-威廉·戈登。100)公共交通標志：羅杰·庫克和唐·商諾斯基為美國交通部設計的交通指示的系列標志，在全國所有交通場所使用，統一了美國的交通標志系統。101)中國未來平面設計的發展趨勢：

第五篇：第一部分 西方服裝史--教案

第一部分 西方服裝史

古代西方文化興起及淵源

西方服裝的歷史和西方文化的歷史一樣，其源頭要追溯到古代的亞洲和非洲。從世界文明古國去考證，對西方服裝影響最直接的是兩河流域文明和尼羅河文明，一個地處西亞，一個地處北非。古代西方服裝的發展源頭就是重這里開始的。

公元前3500年左右在西亞地區的兩河流域出現了世界上最早的文明。起初蘇美爾人在兩河流域定居，在此期間其文明達到鼎盛。后巴比倫帝國興起后亞述崛起。迦勒底人在626年占領巴比倫，建立新巴比倫王國。公元前7世紀到6世紀，美索不達米亞的文化藝術達到最高峰。

后波斯崛起進攻巴比倫成為橫跨中亞西亞及非洲古埃及的大帝國。公元前330年，波斯帝國被馬其頓帝國摧毀。

古埃及就已經處于金石并用時期，后由于氏族問題逐漸解體為兩個王國在公元前3000年埃及有獲得統一，在公元前332年埃及被馬其頓王征服。

愛琴海是希臘文化的發源地，公元前1100年前后，希臘進入了奴隸社會在奴隸城邦國建，最強大的是雅典和斯巴達。第五世紀初在希臘出現了黃金時代，五世紀末雅典沒落。公元前509年羅馬共和國建立至公元前2世紀末，成為地中海的霸主。476年羅馬滅亡，西方從此進入了封建社會。

在橫跨亞，非，歐三洲的幾千年歷史長河中在不同的地區各自形成了各自獨特的文化，而這不同文化之間的交融對服裝形態也產生深遠的影響。而兩河流域和埃及文化與蘇美爾人的突出成就都令世界驚嘆，尤其是再藝術領域，而這些文化隊希臘產生了很大影響，也是西方文化的主要來源之一。這些很高的藝術成就對古代服裝也產生了很大影響。

在西方文化的發源地他們都有共同的特點，具有海洋的開放性商業的冒險性，表現出重視科學知識強調民主法治的文化特點。東西方文化的不同，影響了對服飾文化的審美內涵。而東西方的服飾文化和觀念都因政治等方面的不同而不同的。

在古代服飾方面其形式比較簡單，區分不是很明顯，前期都是不成型的腰衣，披掛衣，纏繞衣為主；后期則出現半成型的套頭衣及寬松的多裥褶的衣服。由于受地理方面的影響，服飾和發式極具多樣性。西方服裝和西方文化相表里，在西方經歷數千年的演變和發展，最終形成了本土的服裝風格。在文明交融的過程中文化之間的交融從服裝就可以看出但是服裝也會受自然環境和社會環境的影響，但是服裝的發展一直在不斷融合，不斷積累，不斷揚棄的變化之中。西方服裝有這她特有的物質性和精神性，但是源于一定的社會歷史的某些方面。隨著社會的不斷發展，服裝也會不斷繁榮。

第一章 古代服飾

第一節 古代埃及服飾

1，主要服飾

古埃及炎熱的氣候條件，致使人們衣著較少，布料輕薄。男女服裝樣式都較簡單，直到新王國時期服裝才開始變得豐富多彩。（1）腰衣

這是一種用一塊布圍裹于腰臀上的簡單裝束，是古埃及出現最早，持續時間最長的一種服裝樣式，也稱圍腰布或胯裙。腰衣飾男性主要的衣女性偶爾采用。身份低的人采用單一的橫向纏繞，王者則條紋布料做較為復雜的纏繞。腰衣有纏裹后系上腰帶的，襠的，也有用袋子斜掛于肩上的。上層階級常用糨糊把布出很密的直線褶，并在腰衣前加一正三角形有飾紋的裝以示男子的權威，或者是王權的象征。

著，使用有兜固定飾，（2）筒形衣裙：這是一種合體簡單呈直筒形的裝束，多為女子穿用。筒形衣形式多樣，但都是緊身，從胸下直到踝骨，或用腰帶，活用背帶固定。裙上有的無裝飾，以素色制成，有的印有圖案，有的則有許多固定的褶裥，既有裝飾感，又能隨身體活動而伸縮。衣服圖案十分豐富，色彩艷麗，頗具民族風格。（3）褶紋衣：這是第18王朝后出現的較為寬松，多有垂褶的一種裝束。包纏式褶紋衣有稱為卷衣。這種以長布纏繞披掛在身上形成垂褶的裝束，男女皆可穿，而以女子為特色。也是一種繞體的穿著方式。有一塊長方形的布，有大小之分，長邊和短邊比例大的為3:1小的則為1.5:1，短邊長度為從腋下到腳踝的距離。這種自然的纏裹裝束，方便而靈活，可松可緊，并性橫許多下垂的褶紋。

第二節 古代西亞服飾

1，蘇美爾服飾

蘇美爾人服裝最大特點就是單純，而且男女同質同型。他們用一種稱為卡吾拉凱斯的衣料制成腰衣，纏

繞身體，或纏一周，或纏幾周，由腰部垂下掩飾臀部。而衣料無法考證，但是僅從外觀上可知衣料的獨特，使其名稱也成為衣服的名稱，都叫卡吾拉凱斯。

這種裸身的圓式裙衣，下垂至小腿，在后背左側相交，用幾個扣結固定。裙衣上的惠狀垂片長短不一，有的又寬又長，有的則很窄。這種衣飾的實際含義與作用至今還不得而知，但對后來流蘇式裝飾有一定的影響。

2，巴比倫服飾

在巴比倫時期，服裝面料與圖案都有較大的變化，以棉，亞麻為衣料，取代了原來的羊毛，服飾的造型發生了很大的變化，衣服的垂褶更加豐富。巴比倫人穿一種纏繞式 的服裝，衣長至膝下，一般為卷衣。著裝時男子露出右肩，女子則不露肩。這種卷衣與后來的希臘的希瑪純，羅馬的托加相似，也和埃及的卷衣相似，只是纏繞方式略有不同。

3，亞述服裝

亞述帝國時期，服裝的基本樣式仍然不復雜，但人們對服裝的審美追求發生了很大的變化，更加注意服裝外表的裝飾和設計，流蘇裝飾得到頻繁地運用。流蘇穗飾以及運用花毯的織法或用刺繡方法做成的花紋圖案的裝飾成為這一時期服裝主要特征。

這種流蘇裝飾，往往把布料的邊緣處理成毛邊，又在邊緣布料上飾有整齊的花紋圖案。一般是紅色的流蘇裝飾在白色的面料上，風格質樸而又華貴。同時，這種流蘇式裝飾，也是地位等級的象征。亞述人隊流蘇式的裝飾影響到發式，男女發式都做成流蘇狀，與服裝形成和諧的風格。

4，波斯服飾

波斯服飾汲取埃及，巴比倫，希臘各民族的藝術成就，構成自己獨特的雄偉壯麗風格。波斯人服裝的材料主要是羊毛，也有亞麻布和從東方來的絹。其服裝上總是滿滿地刺繡著美麗多彩的圖案，喜歡黃色系列和紫色。從雕塑藝術上我們發現了弓箭手的服裝就是經過改良后的典型的波斯樣式。服裝為套頭式，這是波斯的本土服裝，但衣身寬松地披掛方式，則來自巴比倫和亞述，他們出去了不便于活動的纏繞式穿著形式，節省了多余的流蘇裝飾，改為將一塊半徑等同于上身長的圓形布料，在圓心處開出領口，直接套于頭上，在腋下稍作縫合收緊。從服裝史上來看，波斯人最早運用了剪裁技術和技巧，他們對人來服裝工藝技術發展做出了重要的貢獻。

波斯人有一種稱為坎迪斯的長衣，袖子呈喇叭狀，在后肘處做出許多褶裥，形成優美的下垂造型。在坎迪斯里面穿有緊身套衫和寬松的褲子以及長襪。上層貴族的坎迪斯衣長下垂至腳踝，甚至拖地，而下層人的衣長僅至膝蓋。金線縫制的坎迪斯，衣身上繡有美麗的圖案并鑲以寶石是國王的專用品。

波斯男子也注重須發的修飾。頭上有時戴氈制的盆型無檐帽或亞麻的圓錐形軟帽，還加上一條圍巾，將下巴和兩頰包住。

第三節 古代歐洲的服裝

克里特島地區 1男子腰衣

克里特的男子服飾減素而獨特，和古埃及人一樣，腰衣仍是克里特男子的主要樣式。這些腰衣與埃及腰衣大小相同，其長至大腿中部，是一種經過縫合后包裹臀部和胯部的服裝，左右腿不對稱，左腿暴露較多。右腿的內側為黃白相間的橫條紋布，其中湖色的條紋似編織或刺繡而成。2女子緊身上衣與鐘形裙

克里特婦女裝扮的典型式樣是緊身上衣和鐘形裙。這是一種貴婦人式的裝扮，秀美中不乏典雅，一條腰帶把服裝分為兩部分。上半部分使后背完全直立并裹住雙臂，前胸袒露，這樣的著裝習俗一直流行于整個克里特的歷史。下半部分是鐘形的衣裙，有著寬大的下擺，有力地襯托出胸腰部位的線條。

3配飾：男子帽上多有羽毛裝飾;女子帽則分為兩種，一是分層的無檐筒狀的塔邦式，另一是貝雷式。二古希臘 主要服裝 1希頓

希頓時古希臘人男女常穿的服裝，屬于塊料型包纏式，和美索不達米亞的服裝有相同之處。不同的是后者以塊料纏繞身體，希頓則是以布料橫向對折包住身體。每件希頓都由一塊麻織整幅布料做成，幅寬多在1米以上，不經過裁剪，兩側有美麗的邊飾，這種邊飾是和布料同時織成的。

希頓有兩種常見的樣式，一是多里克式的希頓。多里克式希頓用布料對折裹住身體后，在上側再向外折返，這段折返稱為阿波太革馬。二是愛奧尼克式希頓，這種希頓沒有翻折，除側縫處留出伸手的一段外，其余部分縫合，形成筒狀。

希頓時男女皆穿的基本服裝，女性穿的較長至踝部，男性穿的較短至膝部左右。由于希頓都特別寬肥，系帶之后，全身上下垂滿無數自然的褶裥，增加了平面衣料的立體感，可以隨著人體動作而變化不定，產生明暗不斷轉換的魅力。2 希瑪純

這是一種希臘男女都穿的披身式長外衣。早起希瑪純是用亞麻羊毛制作的，裝飾很少，后來周邊有的加以典雅圖案的裝飾。希瑪純沒有固定的造型，有單衣和夾衣兩種。實際上希瑪純的衣著方式有多種，大致分有：全身包裹式，肩部固定式，單肩式，雙肩披掛式。3 克拉米斯

也是希臘人的另一種外衣，即短式斗篷，比希瑪純要短小的多。克拉米斯可單獨穿，也可穿于希頓外面。衣料多為紅，土紅色，兩端有白色帶裝邊飾。4 后期的兩種服裝 一種是迪普羅依絲，這個外衣的名稱意思是兩倍的，重層的衣服。它是再希瑪純的基礎上發展而來的，增加了裥褶，還在胸部和腰間加上一層有深褶的衣料。另一種是迪普羅依丁，這種服裝衣身增長，用兩塊長方形衣料為前后衣片，左肩不縫合，下垂至脅下縫合，腰部系以腰帶。三 古羅馬 1 男子主要服裝（1）托加

托加時當時世界上最大的服裝，也是羅馬最具代表性的服裝。托加形狀為橢圓形，豎長為身長的3倍，橫寬為身長的2倍。穿法是先從長軸對折，在以直邊為內側，把2/3經左肩披向身后，從右脅下繞過至錢，搭到左肩上，多余部分垂于肩后，最后把胸前的一端稍稍提出，形成衣褶，也寬松了衣身。

托加一般為羊毛織物，厚重又肥大，其褶裥也十分沉重而有深度，整體外觀顯得莊重而高貴。同時羅馬的階級等級觀念十分嚴重，托加成為等級象征服裝。在羅馬紫色象征高貴白色象征純潔，所以這兩種顏色最常見。（2）女子主要服裝 1 斯托拉

是模仿雅典女子的愛奧尼克式希頓樣式的服裝風潮。這種女子外衣在肩臂部以別針固定，顏色以紅，紫，藍為主，用金黃色線刺上紋飾。2 帕拉

這是一種披肩外衣，與希臘的希瑪純一樣，穿在丘尼卡或斯托拉外面。多為毛，麻織物，有紫，紅，藍，黃，綠等色。3胸帶與三角褲

是羅馬女子比賽時穿的，體現了羅馬人務實等思想。

第二章 中世紀服飾

第一節 拜占庭時期服飾

1拜占庭藝術及風格 拜占庭以獨特的地理位置和歷史地位，產生了獨特的藝術，其建筑藝術吸收了東方的特點，圓形穹頂與方形建筑主體的結合，色彩絢麗的大理石鑲嵌圖案和小塊彩色玻璃直立窗成為拜占庭文化的象征。和三種異質文化相融合的特殊關系，中國絲綢出入后迅速成為一種奢侈品，此時的絲織品華美，麗質，服裝變得五彩繽紛。色彩的象征性也十分突出。2 主要服飾

（1）達爾瑪提卡：基督教徒船用的套頭式外衣，把布料裁成十字形，在袖下和體側縫合，兩條紅紫色的帶狀紋飾，名為克拉比。這個時代開始，男女不在穿露出胳膊的衣服。

（2）帕魯達門托姆：大披風，裝飾華麗。右肩用飾扣扣結，右身偏袒。披風邊緣有刺繡，紋飾。后由長方形改為梯形用補子樣以示權貴。

（3）帕紐姆和羅魯姆：這種服裝從古希臘和古羅馬時期的披繞式服裝演變而來。單色絲織物制作，長5.5米，寬1.8米，形同袈裟。現在民間流行，后由神職人員穿用。

（4）丘尼卡和霍茲：普通便裝上衣叫丘尼卡下衣叫霍茲。下擺左右側有開衩，衣面加有刺繡。刺繡是一種拼合式的幾何圖案，叫賽格門泰，裝飾物適合紋樣。霍茲像今天的緊身衣。

三 裝扮與飾物

頭部的裝飾比較簡單，男子短發，女子則繼承羅馬式的發式。女子也有一種叫貝爾的面紗，長方形的布，大小不一，或齊肩。高級的則入金線，或者在邊緣綴流蘇。二5-12世紀的西歐服裝 民族大遷徙與紅十字軍東征對服裝的影響

西歐的民族大遷徙，是一次長達幾個世紀的大規模亞歐的民族大遷徙。最后形成了今天的東歐各民族國家。這次大遷徙為歐洲封建制度的形成奠定的基礎。歐洲的民族的大遷徙，帶來了民族的大融合，不同文化之間進行了交流滲透。將北方體型服裝帶到了南方，改變了原來南方的服裝體系，逐漸形成了西方的主流服裝，直至影響到當代人類的生活。2 早起北歐人的服裝

北歐早期服裝與南方幾乎不用裁剪的包纏式服裝形成鮮明的對比。女子上衣為丘尼克，筒袖袖長及肘，下體著筒形裙。男上衣為皮質的無袖丘尼克，下體長褲，扎綁腿。之后又出現路嗎斗篷，薩古姆，一種方形的或三角形的毛織物在右肩前用別針固定。

第二節 羅馬式時期服飾

服裝中的羅馬式風格，主要體現那種厚重而封閉的服裝中。封閉的理念，帶來了男女服裝同型的著裝現象，男和女的差別僅在于下裝。羅馬時期的主要服裝有： 1 鮮斯 是羅馬式的內衣，也兼外衣使用。鮮斯是白色麻織物的筒形丘尼克式服裝，窄長的緊身袖子，袖口有精美的刺繡和袋子，領口也有飾帶和金銀線繡邊緣飾，與袖口相照應。衣長及地。布里奧 大喇叭袖，筒形衣裙，領口呈倒三角形，緣邊裝飾，有帶狀飾物。衣長較鮮斯短，長及膝或腿肚子，女子的布里奧長于男子布里奧。后期的布里奧，裁剪更加精細，根據人體曲線裁出。四 裝扮與飾物

中世紀流行一種叫奧摩尼埃爾的小口袋。繡有花紋，隨身掛在腰際。漸漸成為了一種紀念品，后又發展成一種象征物。出現了圣母式發式。12世紀出現了戴假發的現象。女子不戴首飾，主要的飾品為戒指，飾針，別針，皮帶鉤。男子留長發，后改為留短發，后又改為留長發。帽子出現了好多風格的。鞋子出現了尖頭的式樣。

第三節 哥特式服裝

哥特式藝術反映了中世紀基督教文化的最高水平，主要體現于建筑和服裝，此時服裝的裁剪與制作出現了歷史性的突破，服裝的造型從平面向立體轉變，男女服裝開始區分開。一 主要服裝

(1)科特 這種筒形外衣男女同型，女服在腰際收縮，袖子寬松，連袖，從肘部到袖口收緊，一排扣子固定。男子的科特則是日耳曼人的丘尼克而來。

(2)修爾科 寬大的套頭式筒形外衣。袖子變化多，或寬或窄。男子袖子在腋下開口，袖子垂掛在肩上。

(3)希克拉斯 無袖的寬松式筒形外套，有點像背心外套，前后衣片一樣，低擺有流蘇裝飾。

2長袍：科塔爾迪 格林蘭袍裙 其他服裝（1）曼特 一種特大的斗篷，布料為毛織物，絲織物，或天鵝絨，長可及地。（2）豪伯來 一種裝飾性外衣，服裝輪廓越來越傾向表現人體美得體貌特征。4 男服的分體式組合

（1）波爾普安 是納衣，貼身合體，前開式門襟。多層布重疊哪縫制成厚甲型衣服。最初長至膝，后縮短演變成日常穿著的緊身上衣，保留納衣的形制，夾雜著羊毛或碎片麻布，使之胸部挺起，符合人體曲線構造結構。

（2）布萊 無襠腰節處用細繩系住。

（3）巧斯 緊身長褲，無襠與下擺或內衣連接。

第三章 文藝復興時期服飾

一 節文藝復興時期的服裝

人們追求個性，反對宗教對人的束縛。男子下衣緊裹肢體，上衣寬大雄偉，突出剛陽之美。女子則強調女性的細腰豐乳與肥臀，上衣袒胸低領，下裙呈倒扣的鈡式造型。二 服裝的主要造型極其表現手法（1）切口裝飾 ：鏤空效果。（2）填充裝飾：體現豐滿效果。（3）領部裝飾；此時衣領獨立出來。（4）緊身衣具：塑造女性身體造型的部件。（5）裙撐：撐開裙擺的裝置。三 主要服裝 男子服裝 如上衣的波爾普安。這種衣服來自軍服后演變遍布歐洲各國，在工藝上有三大特點 行縫，前開，多紐扣。

2女子服裝 早期連衣裙。上衣下裙分裁后在腰部縫合，衣長及地，領口呈V形或方形，一字形不等敞胸很大。二節 巴洛克時期的服裝 一巴洛克藝術及服飾風格 這種風格氣勢宏偉，有動態感，注重光影效果，營造緊張氣氛，表現強烈的感情。服飾具有虛華矯飾風格，男裝上夸張。二巴洛克時期的男裝

前期又稱荷蘭風時代。注重長發，蕾絲，皮革，的使用后節約，男子填充物被去掉了，拉夫領被去掉了。外衣達布里特變長了。后期達布里特越變越短了最后從服裝舞臺消失了。后又出現是三件套組合服裝緊身合體服裝。這是一種衣長及膝的長外衣，與長外衣配套的是叫作維斯特的背心，也是收腰，背后開衩，前門襟與外衣相同，密紐扣。第三件是褲子，一種叫萊因伯爵褲，褲長及膝，外形像裙子。另一種叫克由羅特，長度與鳩斯科爾的下擺附近。三巴洛克時期的女裝

女裝最突出的就是改變了以前的夸張的形式，摒棄了裙撐，腰線上移，有明顯收腰。并體現女性的柔和之美。四裝飾

男子盛行披肩長發，到法國風格時期盛行假發，與之呼應的是女子發型是高發髻。女子臉部貼黑痣增加魅力并成為時尚。領巾有兩種一種斯坦科克一種叫克拉瓦特。手臂裸露長手套流行。三節洛可可時期的服裝 一洛可可時期風格

洛可可服飾在巴洛克時期的基礎上發展了輕巧的特點，服飾更加向女性化發展，而男裝也趨向女性化。二女子服裝

初期出現了叫做瓦托式羅布的流行服，衣的領口很大，背部為密密的褶子，寬大拖裙曳地。在巴洛克時期小時的裙撐有重新流行起來，叫做帕尼埃。此時和裙撐配套的仍然是緊身胸衣，此時稱作苛爾巴萊耐。后期洛可可鳳逐漸消失，服裝出現轉變，但是還保留了較大的痕跡，集中體現在女裝的羅布和裙子上。后期出現了波蘭式的羅布，之中不斷在各國演變最終帕尼埃終于消失了，但是緊身胸衣仍然流行。三男裝

此時的鳩斯特科爾改為阿比后期阿比變得樸素，色調不再艷麗。此外男子的背心也出現變化，前衣片面料華麗，后衣片不能看到布料廉價。叫基萊。四飾品

布料上由原先的織花變為印花。假發此時盛行。香水此時變為時尚。