第一篇：音樂論文

淺談幼兒音樂教育的引導策略

上杭縣城東幼兒園：游美琴

音樂是素質教育的重要手段，也是審美教育的重要組成部分，幼兒園的音樂活動不僅可以培養幼兒審美感知能力，更可以提高其觀察思維能力。它可以讓每一個孩子用自己獨特的方式去形象、解釋和表達自己的情感，最能體現人的個性，它具有特殊藝術形式的創造特質。充分發揮孩子的創造力，給予音樂自由的空間是我們作為新世紀教師的職責。幼兒園的音樂活動是藝術教育的一門重要課程，也是實施素質教育的一個重要組成部分。在這幾年的音樂教育的活動中，積累了一點經驗，下面談談如何對幼兒進行音樂教育的引導，努力使音樂教育達到最優化，概括為以下幾個方面：

一、選擇適合幼兒的音樂，激發幼兒的興趣

興趣是學習的動力，在新《綱要》中，強調以幼兒的“興趣，愛好”為動力，激發培養幼兒的學習興趣，引導幼兒積極參與音樂活動。為此，教師應學會注意觀察幼兒，選擇適合幼兒的音樂，以幼兒感興趣的、喜聞樂見的、樂于接受的音樂為基點，以幼兒發展的生理、心理特點、幼兒教育的原則、方法等基本理論為指導，選擇音樂活動的內容，讓音樂作品“活”起來。教師要保持童心，了解幼兒的生活和喜好，所以在選擇教材時我讓幼兒共同收集喜愛的音樂。如：幼兒喜愛觀看動畫片，觀看動畫片成了幼兒生活的重要組成部分。如：我在組織音樂活動的時候，通過與幼兒的交流，我發現幼兒對《黑貓警長》動畫片非常感趣，片頭曲更是人人會唱。于是，每當我把《黑貓警長》主題曲放給幼兒聽時，立即引起了幼兒自地合唱和歡呼，我抓住了孩子這一興趣點，于是我進一步開展了音樂系列活動，幼兒在活動中樂此不彼，對音樂活動產生了濃厚的興趣，并具有了強烈的學習動機。

二、選擇合適的教學方法，給幼兒寬松自由愉快的音樂教育。

教學方法是實現教學目的，完成教學任務的媒介，是教學與發展關系的中介。因此，我在組織幼兒音樂活動時，把注意力集中在幼兒音樂活動的過程中，盡力使幼兒體會到活動的無窮樂趣。

（1）開放式——過去我們的音樂教學基本上是封閉式的教學，束縛了幼兒主體的發展，這不利于培養幼兒的創造性、探索精神和合作能力。如音樂活動《落葉》這首歌曲時，我讓幼兒自由去探討改編歌詞，根據歌詞內容來創編動作，在過程中發現幼兒能夠大膽的創編歌詞，并能用舞蹈動作生動形象的表現出來，這時教師則變成了整個活動的組織者、引導者和服務者。幼兒在這種自編的活動中，既激發了對音樂的濃厚興趣、樹立了自信心，又發展了創造性思維。（2）啟發式——傳統的注入式教學方法，最大的不足之處就是幼兒缺乏學習的主動性。為了調動幼兒的學習積極性，充分發揮幼兒在教學過程中的主題作用，產生師生互動的教學效果，我認為采用啟發式教學方法是非常必要且行之有效的。要設置問題情景，在課堂講授時，我不斷地將所要教授的內容作為一個個問題向幼兒提出。如：中班的音樂游戲《小貓敲門》，我先運用“啟發式”問題激發幼兒積極思維，發揮想象力。“有一天，小貓打扮成貓將軍來到小老鼠家。它準備要敲小老鼠家的門？小朋友們知道貓將軍是怎樣敲門的呢？它的語氣有什么不一樣？哪一段音樂能表示它在敲門呢？小老鼠知道是貓將軍來了，它的心情是怎樣的？有什么動作可以表現小老鼠害怕呢？”等一些啟發性的提問來調動幼兒學習的積極性和主動性，從而開發幼兒的智力。值得注意的是，教師在設計問題時要注意問題的難易程度，問題太難或過于簡單也都會使幼兒失去學習的興趣。因此在備課時教師要把每個問題精心設計好，這樣有助于實現教學目的。

（3）賞識式——美國著名的心理學家威廉詹姆士說：“人類本質中最殷切的需求是渴望被賞識。”教師的諷刺挖苦、吹毛求疵會挫傷孩子的自信心，肯定長處，可保護孩子的自尊和自信，使其差異縮小、消失，使孩子向完美方向發展。教師在音樂活動中要善于發現幼兒的閃光點，并給予認同、賞識。對幼兒進行賞識教育，尊重幼兒、相信幼兒、鼓勵幼兒，可以幫助幼兒揚長避短，克服自卑、懦弱心理，樹立自信心。如音樂游戲，活動中有些孩子在表演角色的時候，動作表現往往不夠形象，但是他們的表情卻非常豐富。這時我用賞識的眼光看待每個孩子，及時抓住每位幼兒的長處，及時給予肯定、表揚、幫助幼兒樹立學習的信心，讓每位幼兒在受教育中快樂地成長。在以賞識為主的同時，我會針對不同的孩子、不同的事情，具體問題具體分析，靈活運用賞識和批評，能更好的為教學服務，為幼兒服務。

三、開展形式豐富多樣的家長工作，提高家長音樂教育指導能力 年輕的父母普遍缺乏教育經驗，缺乏指導的能力。每學期家長開放半日活動，我會有所選擇，有目的的向家長開放音樂教學活動，一方面是要讓家長了解孩子的發展水平和在集體中的表現；另一方面也是讓家長了解整個音樂活動的全過程，了解老師在活動中采取的教學方法和措施。同時我還創造機會讓家長們坐在一起談談各自教育的心得和方法，我平等地參與，適時地總結，促使家長不斷反思、改進。

四、注重環境的教育功能，引導幼兒積極參與

兒童的創造更好是由環境和材料引發的，通過環境、材料的投放可能引發幼兒的內心沖突，進而引發幼兒認知結構的同化與順應，促使幼兒在原有基礎上的提高；在環境中我運用各種美術手法美化三維空間為主要形式，給幼兒以視覺的美的熏陶，讓孩子們參與環境的設計創設，為孩子美的感受與表現，創造了有利的條件；在一日活動各環節中我播放了不同性質的中外名曲供幼兒欣賞，讓孩子們生活在音樂的氛圍中，從中提高音樂鑒賞能力，愉悅幼兒身心；在班級的活動區中，我為幼兒提供操作的條件，化妝臺、服裝柜、歡樂舞臺等等，讓幼兒在生動有趣，材料豐富、自由探究、自主表現的活動中獲得有益的經驗，嘗試創造表現帶來的快樂。這樣，我們教師不再是設計者和知道者，而是觀察者和支持者，幼兒真正成為了音樂活動的主體，在快樂的活動中享受音樂帶來的快樂。

總之，音樂活動在組織幼兒音樂活動時，我們要結合自身特點和實際設計更新、更活潑的音樂活動。

第二篇：音樂論文

淺談聲樂演唱的舞臺表現

摘要: 聲樂演唱是一門藝術，其中自然包含了技術的成分，但是一切的技術最終都要為音樂服務，且技術僅僅是音樂的一個支點。關于技術，本文不將其作為重點。藝術的最終目的是通過其表現來傳達美，通過美的傳達來推動人類文明的進程！此為一個很大的專題。不做過多贅述。本文試從聲樂學唱的必備條件、良好的歌唱心理、藝術修養和大量的藝術實踐等幾個角度出發,來探析聲樂歌唱中最重要的一個方面——怎樣舞臺表現。關鍵詞：聲樂演唱 功底 藝術修養 實踐

舞臺表現對于聲樂演唱者來說是一個永恒的主題，眾所周知，聲樂演唱的最高境界就是歌者能輕松自如地站在舞臺上，準確地抒發作品所限定的思想感情，從而感染觀眾，引起共鳴，達到寓教于樂的目的，完成它的演唱使命。在教學實踐與演出過程當中，總會碰到類似情況——很多的演唱者，嗓音技術都不錯，但其演繹的作品并不感人，究其原因，兩點很重要：對作品理解的膚淺，欠缺舞臺表現力。這一內在和外在兩方面的因素導致了失敗！演唱者不僅要有扎實的演唱功底和良好的心理素質，還要有一定的文學、美術和表演等姊妹學科的理論知識。如此，才能成為舞臺上的贏家！現試從以下幾個方面來進行分析。

一、聲樂演唱的必備條件

要想在舞臺上很好的展現自己首先要有學習聲樂的條件。在我國，聲樂愛好者有很多，從普及的角度來說，只要嗓音和聽覺健全，人人都可以學唱，但是，從提高的角度來看，為了使聲樂學習達到一定的藝術水準，就需要具備學唱的基本條件。我國的音樂教育家們也總結出學唱的必備條件，比如：健康的體魄、健康的聲帶、敏銳的聽覺、良好的節奏感、善于思考等，當然這些條件也只是最基本的要求。只有使用正確的科學的發聲方法和嫻熟的舞臺經驗，才能將一首優秀的聲樂作品發揮的淋漓盡致深入人心，從而吸引更多的觀眾，那么我們怎樣才能把一首作品唱的富有色彩表演出至深的感染力呢？首先，我們需要就演唱中所需要的技巧問題加以分析，優美的歌唱再配上適當的舞臺表現，這樣才會讓演唱錦上添花以至達到震撼人心的藝術效果。

.扎實的演唱功底是聲樂演唱者舞臺表現的先決條件，沒有它作為基礎，其他方面只能是紙上談兵，可見扎實的演唱功底在這一過程中起著至關重要的作用。這里所說的演唱功底主要是指歌唱的呼吸，歌唱的咬字、吐字、歸韻，歌唱的發聲，歌唱的共鳴等。而具有扎實的演唱功底并非一日之功，它需要一個漫長的、科學的、系統的訓練過程來獲得。在這個過程中，主要體現教與學的關系。

首先,作為主體的歌者來說，專心致志地刻苦鉆研歌唱的技能、技巧，使演唱水平在專業老師的精心指導和自己的不懈努力下，不斷得到提高，達到階段的訓練要求，并為下階段學習奠定基礎。而作為這一過程中的里一個主題——老師來說，應根據表演者自身原有的基礎、自身條件以及存在的的問題有針對性的制定出適合他的教學方案和教學計劃。在此基礎上對表演者進行系統的訓練。在訓練過程中，難免會出現這樣那樣的問題和毛病，老師要及時的發現并給與糾正，經過無數次的反復訓練，使聲樂表演者的演唱功底扎實、穩定、日趨成熟，為表演者從幕后到臺前打下基礎.聲樂表演之所以稱之為“表演”或“演唱”，就因為它是帶有表演性質的歌唱，而不是單純的聲樂錄音或廣播。聲樂藝術發展到今天，已形成了多元化的局面，除了傳統的演唱形式獨唱、重唱、對唱以外。近幾年來出現了歌舞組合、音樂劇等新的表演方式。這就要求歌者除了用歌聲來塑造音樂形象意外，還要根據不同的演唱形式用肢體語言和表演來塑造音樂形象，使音樂形象更加鮮明、更加劇有感染力。聲樂表演必須依靠演員的形體動作來完成，因此形體的高低優劣，直接決定著聲樂表演的優劣成敗。形體動作的高低優劣，又置根于刻苦認真的形體訓練。由此可見，進行形體訓練和表演訓練，也是歌者從幕后到臺前必不可少的組成部分。

二、良好的歌唱心理

培養表演者具有良好的歌唱心理，也是聲樂表演者在舞臺上不容忽視，非常重要的一個環節。在平時的演出中我們會發現，一些表演者在臺下唱的特別好，各方面都很到位，可一上臺正式演出時，就會有一些意想不到的情況發生，比如：忘詞、跑調、合不上節奏、聲音失控等現象，是他們的演唱大打折扣，這就是沒有良好的歌唱心理所造成的。可見，具有良好的歌唱心理也是聲樂表演者面臨的一大難題。

良好唱歌心理的形成是一個復雜的、多元化的過程。主要受兩大因素的影響：一方面，作為表演者來說話，因其生活的環境、家庭背景、成長經歷、所受教育不盡相同，形成了不同的性格特征，所以心理素質也不盡相同，另一個反方面，作為客體的老師來說，在培養良好的歌唱心理這一過程中起著主導作用。老師要營造一個愉快的學習氛圍，建立和諧的師生關系，要對表演者有正確的認識，準確的把握其心理特點進行施教，在訓練中應多鼓勵、多表揚少批評，激發他的學習熱情。總之，盡可能的在訓練過程中調動他的積極情緒，使他在不知不覺中順利的完成學習任務，逐漸樹立起表演的自信心，從而更好的駕馭自己，為舞臺表演奠定基礎。

三、豐富的文化底蘊和音樂修養

文化修養的水準如何，直接影響到歌著的聲音感染力。在演唱一首歌之前，歌者除了具有扎實的功底，良好的歌唱心理外，還要對所演唱作品進行分析和二度創作。不僅要了解詞曲作者的創作動機、歌曲所反映的時代背景及表達的思想感情，還要對作品的曲式結構、風格特點、旋律特點、節奏特點等進行分析處理，從而準確的塑造出完美的音樂形象，呈獻給觀眾。人類創造了文化,而文化又影響著人,滲透于人,塑造著人,所以我們無論是在精神還是在物質的實踐活動中,都必須格外注重文化修養這一問題。文化修養是藝術的靈魂,當然更是聲樂藝術的靈魂。

從聲樂的本質看,聲樂本身就是文化的產物,尤其是音樂文化的產物。因為從它的形式到內容的不斷變化、不斷充實、不斷升華的過程中,浸透了人的聰明智慧、美學思想、音樂觀念、音樂思維、音樂邏輯。所以,學者們都說一部聲樂發展史,實質上就是一部文化情感的傳承的歷史,是一部人類藝術的發展史。什么是聲樂,它是音樂的一種,是以人聲為樂器演奏(演唱)出來的音樂。人聲的特點非其他樂器能比,它的音樂對人類來說是最先聽到的,最先感受到的,交流思想信息、情感的聲音,以人聲的音樂打動人更直接更賦予感染力。人聲的音樂具有其他樂器沒有的特點,在多數作品中人聲的音樂都有歌詞,于是這部分音樂就有了雙重表現,詞和音樂的結合使內容不確定的音樂帶上了文學給予的相當確定性,又使比較確定性的文字帶上了不確定的色彩,引人去聯想,從聽覺引起的心緒是難以用語言表達的感受。聲樂的社會功能是極強的,因為人人都能唱歌。歌者動情動容,聽者感人肺腑,藝術魅力無與倫比。

（一）、文化修養的影響

正因為音樂有以上的屬性和特點,圍繞著它就產生了大量的聲樂作曲家、歌唱家,產生了不同流派不同風格的浩如煙海的作品,使之獨自成為一個完整的聲樂藝術體系,成為一門博大精深的學問,成為一個音樂王國,具有了深厚而巨大的文化內涵。既然聲樂是一個完整的藝術體系,在這個體系中又有濃烈的文化內涵,那么,作為一個聲樂藝術的實踐者,要想駕馭這門藝術,就必然要有強大的藝術能力,而這強大的藝術能力除了有過硬的技術,主要來源于文化修養的深厚廣博。歌曲或聲樂作品是文學藝術和聲樂藝術的二合體,聲樂作品大都以思想深刻、內涵豐富、文學性強、藝術性高的詩詞或歌曲音樂創作的文學基礎,形成了聲樂作品的文學性和文學特征。歌唱與文學是緊密聯系在一起的,歌詞的文學性甚至在很大程度上決定著歌曲的藝術性,而對歌唱中文學性的認識也同樣反映出一個歌唱者的文化水平和審美能力。要唱好任何一首歌曲或表現好任何一個聲樂作品,首先要對作品的思想內容和文學內容理解透徹,在充分理解和把握的基礎上,才能運用聲音正確表現出歌曲作品質的內涵,表現作品思想內容和文學內容的藝術境界。如果沒有一定的文學知識,像《玫瑰三愿》、《紅豆詞》等歌曲,就可能出現內容理解上的難度。另一方面,聲樂演唱不只是對作品的一種傳達的再現,更重要的是一種創作性的藝術活動,即所謂的二度創作。因此,在對聲樂作品的演繹中,就需要通過自己所具有的和掌握的文學知識和文化修養,對聲樂作品的時代背景、表現特征、藝術手法、民族特色等,進行分析和掌握,這樣才能根據聲樂作品的文學內容、音樂風格和表現特征進行最佳的設計和安排,從而使聲樂作品的藝術處理和藝術表現,更加合乎作者的創作意圖和作品本意。所以,文化修養對聲樂藝術的實踐者來說,是至關重要的,如果我們不能認識這一點,并身體力行地去提高文化修養,那我們就會變得蒼白無力、單薄乏味,在博大的聲樂藝術的瀚海中只能停留在表面或不深的層面而顯得華而不實,或心有余而力不足。因此,我們可以說,深厚的文化修養能使我們從哲學的高度、思想的高度、人性的高度去觸摸聲樂藝術最深邃、最本質的東西,引領我們從聲樂藝術的必然王國走進聲樂藝術的自由王國。

音樂是文化這一領域中的一個分支，它不可能脫離文化這個整體而獨立存在，也不可能不受其他文化的影響而單獨沿著自己的軌道運行。

(二)、音樂修養的影響

美好的歌唱，要求歌唱者應具有良好的音樂素質。這些音樂素質主要包括音準、節奏、音樂記憶等等。音準、節奏是音樂素質的重要方面。音準、節奏感是否準確，直接影響到歌唱者對作品的表達。我們常常可以看到，有的聲樂愛好者聲音條件和生理條件都不錯，但是音準、節奏感很差，這是很大的遺憾。

音樂技能的掌握對聲樂學習則起著更實際、更明確的作用。音樂比其他藝術形態更具有嚴密的內部結構，這就要求聲樂學習者對聲樂作品進行全面的了解和分析。具有音樂素質的人要進一步學習音樂就必須學習音樂方面的基本技能和知識，音樂基本技能包括：視唱練耳、樂理、鍵盤樂器基礎、和聲、復調、曲式。

視唱練耳是學習音樂的基礎，要準確的聽辨和視唱出音階、音程、節奏、旋律必須學習視唱練耳；樂理也是學習音樂的基礎，學好樂理知識才能唱準、唱好歌曲。音樂基礎理論是每一位音樂學習者的一門必修課。學好和掌握好“基本樂理”對增強學習者的綜合音樂素質，提高演唱水平起著不可泯滅的作用；鍵盤樂器和樂理知識的學習是相輔相成的，有了一定的鍵盤基礎才能進行聽覺訓練和視唱練習。而發聲練習等都離不開鍵盤樂器；和聲和復調是樂理的升華，能夠分析和創作多聲部聲樂作品。運用復調手法，可以豐富音樂形象，加強音樂發展的氣勢和聲部的獨立性，造成前呼后應、此起彼落的效果。和聲的功能作用，直接影響到力度的強弱、節奏的松緊和動力的大小。此外，和聲的音響效果還有明暗的區別和疏密濃淡之分，從而使和聲具有渲染色彩的作用。比如我們欣賞冼星海寫的《黃河頌》這首歌曲,就不僅要聽辨出其中音高、節奏不同的各個音,還要進一步去感受它那剛健雄渾、感情深厚、氣息寬廣的旋律,并從中體會作者對偉大中華民族的熱情贊頌這一感情內容。而當我們選擇歌曲伴奏,就要注意傾聽各聲部是怎樣組合的,它的和聲、復調產生了什么音樂效果,樂隊中各種樂器是怎樣配合,管弦樂色彩有什么變化等等,并使自己對多聲部音樂效果有一個比較完整的感受；曲式是指音樂作品的組織結構。傳統的格式有二段體、三段體、連續式、回旋式、變奏式和混合式等。基本要素包括主題、樂章、樂段、樂節、樂句，常見的創作手法有重復、變化、對比等。音樂結構關系到歌唱者如何達到作品要求的問題。只有對作品的旋律、節奏以及結構進行分析、理解，才能對音樂有更深的了解，便于聲樂學習者的再度創作。

四、藝術實踐

理論指導實踐，實踐檢驗理論，任何理論的形成都離不開時間，聲樂演唱也不例外，當一名歌者具備了扎實的演唱功底、良好的歌唱心里、豐富的文學藝術修養以后，還要進行大量的的藝術實踐。這里所說的藝術實踐主要指兩個方面： 一是舞臺實踐，一方面，經過聲樂演唱嚴格訓練的演員或學生，在聲音訓練相對完善的條件下，必須經過舞臺的藝術實踐，才能真正找到聲樂演唱與舞臺表演的契合點。聲樂演唱與舞臺表演是相互依存的關系，經過舞臺實踐的聲樂演唱將會獲得更多的舞臺經驗，在舞臺經驗積累的基礎之上，演唱能力將得到進一步的升華。因為通過實踐會幫助演唱者了解到聲樂演唱中聲音的走向，明確觀眾的認知度，歌唱和表演的尺度，舞臺的把握，尤其歌劇演繹中的劇中人物身份、性格、歷史背景等等一系列的問題都會在舞臺實踐中找到準確的答案。如果沒有經過舞臺實踐過程，聲樂演唱也將失去錘煉聲音的機會，聲音技巧得不到舞臺的檢驗，還不可能成為真正的歌唱演員。

我個人也曾參加過很多比賽或晚會。在排練和演出的過程中積累了一些舞臺表演經驗，也使我更加清楚地看到舞臺表演與聲樂演唱密不可分的關系。通過舞臺實踐，不僅使我自己得到鍛煉，把已掌握的歌唱技能、技巧進行磨合，形成完美和諧的統一體，還可以發現演唱中存在的不足和問題，并有針對性的給與糾正，使歌者日趨完善。聲樂演唱要清楚地了解舞臺實踐的藝術需要，以及觀眾對審美的認知，才能真正把握聲樂演唱的發展方向。另一方面，通過觀摩學習不僅使歌者開闊視野，增長見識，了解聲樂藝術發展的趨勢，還可以使歌者從別人的演唱中發現自己的不足，進而改正，是自己的歌唱意識更清晰，對于階段的學習起到促進作用。

二是觀摩學習，觀摩是聲樂學習過程中最長見的一種實踐活動。觀摩的方式多種多樣，有同學間的相互觀摩，還有大師表演時的觀摩等，通過觀摩交流找出別人的優勢和特點并對比自己的演唱，找出差距和不足，從而提高自己的藝術實踐水平。

影響聲樂演唱者舞臺表現的因素很多，他們之間是相互影響，相互制約并不可替代的。作為一名歌者來說，要充分認識到每個因素的重要性，在日常的訓練中要有針對性的去學習和積累，為歌者能在舞臺上輕松自如的表演鋪開道路，奠定基礎。

參考文獻

【1】 南京藝術學院學報 2007年2月——4月 【2】 趙梅伯 歌唱的藝術 [M] 上海文藝出版社 1997 【3】 《音樂生活》雜志 李靜著 《淺析演唱在創作》[J] 【4】 郭建民 聲樂文化學 [M] 上海音樂出版社 2007 【5】 李曉貳 民族聲樂演唱藝術 [M] 湖南文藝出版社 2001

第三篇：音樂論文

談談我對交響樂的新認識

法政學院 公共管理2班 潘珉瓊 100150742 說到交響樂，人們就會想起在那金色的演出大廳里，那龐大的演出樂隊在煽情的演出的情景，令人神醉。本學期我也有幸學習了古典音樂欣賞這門課，并且欣賞、了解了很多世界著名交響樂。

交響樂原來指的是一般多聲部的管弦樂作品，這種觀念大約延續到十八世紀。自從海頓為古典交響樂奠定基礎，交響樂就不再是泛指管弦樂的普通名詞，而是專指具有特定結構的管弦樂的專門名詞。也就是說交響樂一般被認為必須具備兩個條件：第一，它應該是管弦樂合奏；第二，它應該有特定結構，也就是用奏鳴曲式結構或者用奏鳴套曲結構寫成的。所謂奏鳴套曲就是由幾個樂章構成的套曲，其中至少有一個樂章是用奏鳴曲式寫成的。盡管事物仍在發展變化之中，不過目前一般來說，人們所習慣用的仍是上述這種相對穩定的交響樂概念—用奏鳴套曲結構寫成的管弦樂合奏被稱為交響曲。由獨奏和管弦樂隊合奏構成的協奏曲以及用奏鳴曲結構寫成的交響組曲，因為也具備管弦樂合奏與奏鳴套曲兩個條件，所以也屬于交響樂的范圍。單樂章的管弦樂合奏如果是用奏鳴曲式寫成的，則分別情況被稱為交響序曲、交響詩、交響音畫、交響童話等。至于為獨奏樂器寫的奏鳴套曲叫奏鳴曲，而不叫交響樂。

那么交響樂是怎么發展而來的呢?帶著這個問題我去查找了有關資料,原來文藝復興時期就有了交響樂這個說法，但當時的含義和現在完全不一樣，當時的交響樂泛指的是一切多聲部的音樂。其中包括了聲樂和器樂。到了16至17世紀，交響樂用來稱呼歌劇和清唱劇中的序曲和間奏曲，這時聲樂已經排除在了交響樂的概念以外，“交響樂”從此成為了純粹的器樂曲。18世紀初，序曲和間奏曲開始脫離歌劇開始在音樂會上單獨演奏。這對交響樂的發展起了重要的作用，意大利那不勒斯的作曲家斯卡拉蒂在自己的作品中為序曲奠定了“快板－慢板－快板（舞曲風格）”的三段體式，給後來的交響樂的樂章格式建立了最基本的格式。18世紀下半葉，德國的曼海姆樂派在序曲的創作中開創了主調音樂的手法，提高了樂器的表現能力和音樂的戲劇性，并在三段式序曲的基礎上增加了快板的終曲，就形成了四樂章器樂套曲的雛形。

后來的三位音樂大師把古典交響樂發展到了最成熟的階段，他們是海頓、莫扎特和貝多芬。這三位大師把維也納樂派和古典主義發展到了顛峰的狀態，也使得交響樂進入了自己的黃金時期。貝多芬更是把交響樂的內涵和思想性發展到了一個新的境界，現代意義上的交響樂概念就在這個時期形成了。之後歐洲的浪漫主義作曲家們在繼承了古典主義的精華後，將交響樂的內容、形、樂隊編制，乃至于標題，都進行了不同程度的創新。在這個時期，交響樂的形式更為自由，色彩更加豐富，表現手法也更多種多樣。進入20世紀後，交響樂仍然在不停的發展著，越來越多的新元素添加到交響樂中。氣勢恢弘，感情細膩，表現力無限豐富的交響樂仍然擁有大量堅定的愛好者.在這里，我想就貝多芬的《第九交響曲》來談談我的看法。《第九交響曲》是貝多芬音樂創作的頂峰，也是音樂史上的最偉大的作品，是他全部思想的總結和情感的結晶。全曲共為四個樂章，在作品中，貝多芬為能更明確深刻地表達自己的思想，為了向全人類說話，大膽地打破了交響曲的傳統形式，加入了人聲合唱，是音樂史上第一部加入合唱的交響曲。這部交響樂構思廣闊，思想深刻，形象豐富多樣，它擴大了交響樂的規模和范圍，超出了當時的體裁和規范，變成由交響樂隊、合唱隊和獨唱、重唱所表演的一部宏偉而充滿哲理性和英雄性的壯麗頌歌。作者通過這部作品表達了人類尋求自由的斗爭意志，并堅信這個斗爭最后一定以人類的勝利而告終，人類必將獲得歡樂和團結友愛。這部作品第四樂章的合唱部分是以德國著名詩人席勒的“歡樂頌”為歌詞而譜曲的，也是本作品中最為著名的主題。第一樂章是不太快的略呈莊嚴的快板，d小調，2/4拍子，奏鳴曲形式。第一主題嚴峻有力，表現了艱苦斗爭的形象，充滿了巨大的震撼力和悲壯的色彩，這一主題最開始在低沉壓抑的氣氛下由弦樂部分奏出，而后逐漸加強，直至整個樂隊奏出威嚴有力，排山倒海式的全部主題。作曲家一上來就用一種嚴肅、宏大的氣勢表達出了整部作品的思想源泉。其實這是貝多芬很多作品中反復表現過的主題——斗爭，也折射出斗爭的必然過程——艱辛。旋律跌宕起伏，時而壓抑、時而悲壯，我們似乎看到的是勇士們不斷沖擊關口，前赴后繼企盼勝利的景象。

緊接著的第二樂章，按照傳統通常應該是慢版，但是貝多芬打破了這一慣例，居然用了極活潑的快板，d小調，3/4拍，而且是龐大的詼諧曲式。整個第二樂章主題明朗振奮，充滿了前進的動力，似乎給正在戰斗的勇士們以積極的鼓勵，似乎讓人們一下子在陰云密布的戰場上看到了和煦的陽光和藍色的天空。同時主旋律中帶有奧地利民間舞曲“連德勒”的特征，和諧而具有舞蹈性。但是仔細品味，大家不難發現，到了樂章最后，旋律重新開始急促起來，隱約透露出非常不安的氣氛。

第三樂章倒是慢板樂章了，如歌的柔板，降B大調，4/4拍，不規則的變奏曲式，可見貝多芬有意在編排上作了創新。這個樂章相對前面兩個樂章顯得寧靜、安詳了許多，旋律雖然平緩，但是不失柔美。法國著名作曲家、樂評家柏遼茲評價此樂章是“偉大的樂章”。第三樂章共兩個主題，其中第一主題充滿了靜觀的沉思，具有強烈的抒情性和哲理性。在前兩個樂章表現出激烈的戰斗場面之后，第三樂章似乎是大戰中短暫的平息。

第四樂章是整部作品的精髓，急板，D大調，4/4拍。通常劃分為兩個部分——序奏以及人聲。在一些唱片中，第四樂章單獨占據一個軌道，也有一些唱片把序奏部分和人聲獨唱、重唱、合唱部分分為兩軌，但其實上兩者都屬于第四樂章這個整體。其中的人聲部分所演唱的也就正是德國詩人席勒的詩作《歡樂頌》！但在人聲部分上臺之前，音樂經歷了長時間的器樂部分演奏的痛苦經歷，含有對前三個樂章的回憶。這個序奏部分是堅強剛毅，驚心動魄的。接著木管徐徐的引出了“歡樂頌”的主題，好像一縷陽光突破濃密的云層灑向大地，整個歡樂的主題漸漸拉開序幕，貝多芬真正的理想王國就在眼前！經過了一系列的鋪墊，人聲部分終于浮上水面，開始了《歡樂頌》的吟唱！

伴隨著激情澎湃的唱詞和急速雄壯的旋律，《歡樂頌》唱出了人們對自由、平等、博愛精神的熱望。當然貝多芬并沒有照搬席勒的原詩，而是以自己獨到的理念，配合音樂的需要做了一定的刪節和修改。在激動人心的歌詞和貝多芬超人般旋律的相互烘托下，在四個不同聲部人聲的獨唱、重唱以及大合唱團的合唱下，《歡樂頌》得到了升華，欣賞的人們得到的是無與倫比的奮進力量和精神支柱。樂章的最后，這種氣氛被表現到了極致，整部作品在無比光明、無比輝煌的情景下結束。

如今《第九交響曲》公認是貝多芬在交響樂領域的最高成就。甚至有很多作曲家、音樂家認為已經沒有任何作品能夠超越《第九交響曲》的成就，無論這種說法是不是有偏頗的地方，《貝多芬第九交響曲》都將是永恒的！歡樂頌精神永不滅！

交響樂，是音樂創作中最富有戲劇性、最復雜的一種類型,它和其他音樂作品一樣，都是反應生活的一種藝術語言。音樂的特長主要是抒情不是描繪,所以在欣賞它的時候主要在于它的情緒如何感染我們，不一定追究它在寫什么。樂曲解釋只是作為一種參考，主要還要發揮我們自己的獨立思考。欣賞交響樂首先要充分調動我們自己的想像力，我們越是善于想像思考，也就越容易理解作品。總之一句話，音樂是聽的，不是說的。交響樂只要多聽，大膽發揮你的想像，你就一定會有更多的收獲。

第四篇：音樂論文

學科：音樂

淺談音樂教學中的“處突”藝術

現代課堂教學是充滿活力、不斷發展的開放體系，音樂教學更是如此，課堂上也常有意想不到的事件發生，教師僅有完美的教學計劃是不夠的，還必須具備處理課堂突發事件的能力，實施有效的課堂管理，才會收到“柳暗花明又一村”的教學效果。

【案例一】某次比武課，教師正在用多媒體試教《小青蛙找家》，突然停電，老師站在那里焦躁不安，學生更是鬧成一片，結果可想而知。

【案例二】一次隨堂聽三年級音樂課，教師正在邊彈邊教唱《勞動最光榮》，“吱”的一聲怪音，打破了課堂的和諧。這時，老師忍住怒氣，來到弄出聲響的那位同學面前輕聲詢問。只見那個同學慢慢從課桌下拿出一個復讀機，囁囁地說：“我想把老師唱的歌錄下來讓大家聽，這樣老師的嗓子就不會壞了。”老師聽了緊緊地抱住這個學生，嘴里不停地說著：“謝謝、謝謝！”此時，我清楚地看到這位老師眼含淚水。

由此可見，課堂教學中的“處突”能力較好地反映出教師的教育理念和應變能力。“案例一”中的那位老師再怎么備課，都不會想到比武課會突然停電。面對突如其來的變故，假如這位老師能及時調整自己的思路，迅速尋找應變對策，如指名學生板畫：“誰會在黑板上畫荷花、池塘、青蛙……”這樣來集中學生注意力，激發學生學習興趣，有條不紊地上完這節課。與此同時，教師的這種處驚不亂，從容不迫的大將風度也會感染學生，令學生佩服。

而“案例二”中的那位老師由“怒”到“喜”乃至是“感動”的情緒變化，如按一般的批評、訓斥，是怎么也不會有這樣的感受。因此老師應該真正走進學生心里，蹲下來聆聽學生的心聲，你就會發現我們每一位學生都是可愛的，平等地對待每一位學生，讓不同層次的學生都享受到成功的喜悅，這正是音樂新課程標準的基本理念，也是素質教育賦予教師的責任。課堂上的巧妙“處突”，更是架起了一座情感的橋梁，融洽了師生關系。

其實，音樂課堂上的突發事件是教學過程中一個重要組成部分，教師處理得當，可以活躍課堂氣氛，激發學生的學習興趣，為課堂教學增色添彩，提高課堂教學效益。教師如何處理課堂突發事件，化弊為利，為我所用呢？我認為：

一、教師要不斷提高自身的素質

音樂教育的發展是否健康和諧，是否適應時代的需要，學生的需求很大程度上取決于師資的綜合素質，作為一名音樂教師不僅要具備較高的音樂知識，還應具備教育能力、組織能力、管理能力、語言表達能力、示范表演等能力，只有這樣“處突”才會做到信手拈來運用自如。

二、教師要樹立以學生為主體的教學觀念，注重學生的自主參與

音樂課程標準指出：音樂課的教學活動都應以學生為主體，要將學生對音樂的感受和音樂活動的參與放在重要的位置。在音樂課上，以學生為主體，重視學生的參與實踐，鼓勵學生積極參與探究和創造，已逐漸成為我們進行課堂教學的思想準則。“以學生為主體”“以學為本”的新音樂教育觀，注重學生親身感受、體驗、表現、創造音樂的過程，注重創新精神和實踐能力的培養，以達到以自己獨特的方式學習音樂、享受音樂樂趣，表達個人情智的目的，從而充分體現音樂教育的感染、想象、鼓勵、啟迪、創新的功能。

教學的生成性也要求教師要關注學生的表現，發揮主導作用，在教學活動中采取相應的對策，充分調動學生的主動性，適時引導學生自主地參與音樂、表現音樂、創造音樂。不過，課堂結構的開放，并不是隨意的，教師要正確區分學生在課堂上的行為是確實符合童心童趣，還是無理取鬧，不能為了突出學生的主體地位而盲目遷就，使課堂“跑調離題”。

三、教師要發揚教學民主，創設寬松和諧的教學環境

音樂課，氣氛應該是活躍的。當出現“吵鬧”、“哄亂”時，教師不必板著臉，表現出一些不理性的情緒，更不能兇神惡煞般地斥責學生，壓制學生。此時正是考驗教師的教學思想、教學手法的好時機。不同的處理方式，將會產生截然不同的課堂表現狀態，抑或是冷冰冰的課堂，抑或是充滿靈性和生命力的課堂。心理學研究表明：在輕松愉悅的環境中，人的自主探究和體驗生命的狀態最具有創造性和開拓性。作為音樂教師，何不以一種平和、大度的心態面對學生，運用教育機智，變“突發事件”為“教學資源”，借機營造出寬松、自由、和諧的學習環境，讓學生在音樂中發揮想象，去盡情地感受音樂、表現音樂和創造音樂呢？

四、教師要尊重學生的獨特體驗，激發創新思維

現代教學觀強調：學生對教師的提問作出的反應往往是多元的。學生之間存在著個別差異，他們在接受新事物、感知音樂的同時都會有各自不同的見解和體驗。實踐證明，學生在音樂課堂上學到的不僅僅是一個個的音符，更是一種情感釋放、自我表現的創造活動。教師應充分尊重學生這種獨特的體驗，并激發學生進一步去發現、創造的熱情，鼓勵學生大膽地

嘗試、表現、創新----無論他們的創造是多么幼稚和離奇。

五、教師要挖掘學生潛能，及時生成教學資源

學生是極具可塑性的鮮活個體，教師要善于挖掘學生的內在潛力，激發他們各方面的才能，主動參與展現自己的個體與能力。教師還應該樂觀地看待課堂教學中意外發生的事件，重視學生的生命存在并對其深入觀察、仔細了解，從學生身上迸發出取之不盡、用之不竭的教學新資源。4

第五篇：音樂論文

小學音樂教學中審美趣味培養之我見

陳乾

音樂，是人們學習生活中不可缺少的東西，而音樂教育是“審美教育”的重要組成部分，在小學音樂教學中如何發揮這一作用？這是值得我們去研究問題。

根據小學生的年齡特征和認知特點，筆者認為培養他們對音樂的“審美趣味”是教學的重點。然而，什么是音樂審美趣味？

簡言之，審美趣味就是學生對音樂的興趣和愛好。美國現代心理學家布魯姆指出：“學習最好的刺激乃是對學習材料的發生興趣。”這就說明了興趣是學習的基礎。從美學角度看，只有形成正確的審美趣味，才能有深刻的審美體驗、主動的審美意識、正確的審美評價。

小學音樂教材為我們提供了培養審美趣味的一些有利條件。教材中選擇了許多適合于低段兒童的結構短小、旋律動聽、節奏明快、形象鮮明的音樂作品。教師應充分發揮教材優勢，做好這項工作。在教學中可以創設優美的音樂教學環境，用音像結合的方式進行欣賞教學，用角色化的歌表演與游戲增強學生的情感體驗，也可以用“競賽”評比的方法引導學生積極參與音樂教學活動。在這里我想談談以下幾點：

一、獲得美感體驗

美好的音樂作品是能帶給人以美感的，其實音樂審美的本質就應是美感。法國作曲家圣桑曾經說過：“音樂是人的精神最精致的產物之一。人生其智慧的深處有一種獨特的神秘的感覺，即美的感覺，借助于它，人才能領悟藝術”。因此，音樂教師在教學中應該熟悉音樂教材，制定好每一節課的教學目標，把握住每一個教學環節，充分挖掘教材的精華，讓學生得到美的體驗與感受。教師動情的演唱、演奏，生動有趣的講解，讓學生融入音樂、積極進行審美體驗、提高學生的音樂鑒賞力、音樂表現能力和創造力。

二、開闊音樂視野

人人都有自己喜愛的音樂風格，學生也是一樣，我們沒必要讓學生都有相同的愛好。相反，我們更應該尊重每個人的興趣愛好，但這并不意味著我們放棄了正確的引導和教育。因為小學生受年齡、文化、生活經驗等方面的局限，審美趣味是狹窄和單一的。教師必須通過音樂教學活動讓他們的審美趣味得到擴展，以開闊學生的音樂視野。

小學音樂教學肩負著不斷擴大學生音樂審美視野的任務，要讓學生學會對近現代的優秀音樂作品進行欣賞，對其有一些了解。教材中有很多內容正是進行民族音樂教育很好的素材。除此以外，還可以利用課外音樂教學活動（如我校的《金秋琴韻》活動）了解民歌、民族樂器，讓學生更多地了解民族音樂，熱愛民族音樂。

小學生往往對本民族、本國家的音樂作品感到親切，因而有了極大的學習興趣。然而，世界上任何一個國家和民族都有自己的優秀音樂作品，這就形成了豐富多彩的音樂風格。人們常說：“音樂是沒有國界的。”這正是音樂教學較其他學科的優勢所在。另一方面，從審美規律來看，人們本來就有尋求新穎、向多元化發展的審美傾向。教師的作用在于引導學生的審美趣味向多元化發展。我們不僅要教好本民族、本國的歌曲，還要讓孩子們學會欣賞外國歌曲，喜愛外國歌曲。

曾經有一位教師在教唱美國歌曲《祝你生日快樂》時，作了這樣的導入嘗試：①創設生日情景：在一個生日蛋糕上點燃臘燭，②教師手持賀卡，聲情并茂地表演《祝你生日快樂》，熟悉的情景、熟悉的歌聲喚起學生強烈的共鳴，學生情不自禁地拍著手跟著老師唱起來，老師也拍著手鼓勵學生用情演唱這首歌。在學生充分體驗歌曲歡快的情緒時，教師向學生介紹了歌曲《祝你生日快樂》的創作背景，不少學生感到意外。教師抓住時機發問：為什么在100多年后的今天，男女老少在過生日的時候還會常常唱起它？學生回答：“它有意義”，“它有感情”，“它好聽”。然后教師總結：“一首好的歌曲不受時間的限制，它永遠不會老；一首好的歌曲不受國界的限止，可以傳到世界的各個角落！讓大家都喜愛它！”這個導入設計非常生動，非常煽情，視覺、聽覺獲得的美感、情感想象獲得的審美喜悅，音樂無國界的道理深深地留在孩子的心里。

當然，審美趣味的擴展是以生活經驗、知識結構和情感體驗的增長為基礎的，我們進行擴展審美趣味教育時不能脫離這個基礎。這就需要音樂教師不斷地加強自身文化素養，特別是音樂素養的積累，不斷進行音樂教學的探索，由淺入深、循序漸進地培養學生從古今中外的優秀音樂作品中汲取精神養料，擴展音樂審美趣味開闊音樂視野，從而更好的進行教學。

三、提高音樂審美品位

音樂是一門特殊的藝術，它很抽象，卻又能最深刻、細膩、準確地反映人們的情感。我們從中獲取精神力量，讓思想得到升華，這就是音樂的社會功能。許多哲學家和音樂大師對音樂的這一功能作用都作出了充分的估量，給予了高度評價。

當前文化市場發展不平衡，流行歌曲作為一種商品進入市場，滲透到各個角落，學校也不例外。小學生辨別是非的能力比較弱，而好奇心與模仿能力卻特別強，這種現象在學校里十分常見，一些流行歌曲會影響學生們的健康成長。音樂教師應從中明白自己身上的重任，在音樂教學中充分利用教材提供的優秀音樂作品，精心設計音樂教學活動，通過聽、唱、講、演等教學方法，讓學生體驗每一個音樂作品的美感和思想內涵，同時教給他們必要的音樂基礎知識以促進學習，引導學生樹立健康高尚的審美觀念；提高音樂審美品位；逐步培養學生對高雅藝術的喜愛，從而凈化學生心靈、培養高尚情操。

總之，在小學音樂教學中，音樂老師不僅要加強審美教育，正確地認識音樂審美趣味的作用，而且要在教學實踐中重視對學生審美趣味的培養，從而提高教學質量，激發學生對美的認知能力，達到提高學生藝術素質的最終目