第一篇：交響樂之我見——交響樂鑒賞課程感悟

交響樂之我見

——交響樂鑒賞課程感悟

時如逝水，一學期的交響樂鑒賞課程已入尾聲。選修這門課程可以說喜憂參半，喜的是交響樂是我最喜愛的音樂體裁之一，能夠更為親密地接觸交響樂使我得到內心的充實和滿足。憂的是由于研究生考試在即，不能以一個放松的身心欣賞喜愛的音樂、聆聽老師精心的講解，只能以自己的主觀強加于這些經典之上，難免斷章取義，希望老師能夠諒解和指正。

我愛好文學，也愛好音樂。文字可以表達心懷情愫，音符可以滌蕩精神糟粕。我偏愛純音樂，不用擔心浮華的歌詞破壞了曲子的完滿。諸如林海、范宗沛的音樂，多是中國的民間小調，悠揚的曲子使我想起搖槳的船娘；還有新世紀音樂，Yanni、Enya的曲子，仿佛是世界盡頭的遺音，一直是我初中時期放松身心的良方。而我與交響樂的邂逅來源于一次偶然的機會，來源于音樂頻道的一檔名為《經典》的欄目，也來源于一場維也納新年音樂會。我想我現在也沒有明白，為什么小時候嗤之以鼻的古板嚴肅的交響樂竟然會如此吸引我、影響我至今。這也許就是音樂的魅力吧！從那以后，正值高考備考期的我每天都會在午休時間打開電視欣賞歷年維也納新年音樂會集錦。我會在藍色多瑙河圓舞曲中閉上眼睛想象河水悠悠的流淌，也會在拉德斯基進行曲中和著節拍鼓掌。交響樂就好像暖日春光撫慰著我那時灰暗的心靈，給予我無盡的慰藉與鼓舞。對于我而言，欣賞交響樂就好比看一部長篇小說，跌宕起伏，深入其中就無法釋懷。

這次交響樂鑒賞課程是我深入了解交響樂的一個契機。為了更好地了解這門課程，我專門利用課余時間上網了解了交響樂的相關內容。之前我一直認為古典音樂和交響樂是等同的，但是通過了解，我明白了古典音樂更多是指一個時間概念，強調的是什么時候的音樂，而交響樂是一種體裁概念，強調的是用什么樣的樂器和樂隊編制來演奏。通過老師的講課，我進一步了解到狹義的古典音樂是指古典主義音樂，是1750－1820年這一段時間的歐洲主流音樂，又稱維也納古典樂派。此樂派三位最著名的作曲家是海頓、莫扎特和貝多芬。除此之外，老師還介紹了交響樂隊的編制。標準的樂隊編制一般為90-110人，主要分為弦樂器、木管樂器、銅管樂器、打擊樂器和其他樂器。弦樂器占的比重最大，約有60%，主要包括第一、二小提琴，中提琴，大提琴，低音提琴。木管樂器約占15%，樂器種類有短笛、長笛、單簧管、低音單簧管、雙簧管、英國管、大管、低音大管。而銅管樂器和木管樂器所占比重相等，有圓號、長號、小號、大號。打擊樂器由定音鼓、大鼓、小鼓、木琴、三角鐵等組成，約占10%。另外還有其他樂器，例如豎琴、鋼琴、風琴等等。通過對這些樂器的音色和樂團成員演奏位置的介紹，逐漸揭開了交響樂團神秘的面紗。

之后的課程老師介紹了交響樂史上幾位著名的交響樂大師和他們的代表作。之前我大多是雜學旁收，中學音樂教程和藝術教程所學到的大部分是例如柴可夫斯基的歌劇、肖邦的鋼琴協奏曲，門德爾松、帕格尼尼的小提琴協奏曲或是凱特爾比的音樂小品等等，對于交響樂也僅限于維也納新年音樂會上斯特勞斯的圓舞曲。老師的介紹使我對海頓、莫扎特、貝多芬等都有了深刻的了解。

維也納古典樂派三大作曲家海頓、莫扎特、貝多芬共同發展和完善了交響曲體裁，使交響樂這一形式達到了輝煌的頂峰。鑒于莫扎特和貝多芬已有不少耳熟能詳的經典傳世名曲，因此，在這其中我印象最深的還是海頓。或許專業與非專業之間真的相距甚遠，我對海頓了解得太少，對他的曲子也沒有聽出熟悉的感覺，但這不影響海頓在音樂史上的地位。海頓被譽為“交響樂之父”，是音樂史上最多產的作曲家之一，一生共創作了108首交響曲，其中1791年后在倫敦創作的十二首《倫敦交響曲》積累了海頓寫作交響曲近40年的經驗，體現了海頓交響曲的最高造詣。海頓的交響曲中印象最深的還是升f小調第四十五交響曲，也許也是這首曲子的音樂背景吸引了我。該曲寫于1772年，海頓任職的艾斯特哈齊府樂團的主人尼古拉斯公爵嚴令樂團成員不許攜帶家眷進入其宮殿，多數的團員們全年幾乎大部分時間都得住在宮殿里，見不到家人。海頓在樂團里一直是最有威望的團長，所以團員們都把希望寄托在他身上，希望他能想辦法改善目前這種不便的生活。海頓終于想出了一個巧妙的辦法，他構思了一部交響曲，在樂曲的最后，請參加演奏的樂團團員在演奏完畢以后，一個個收拾樂器，吹熄譜架上的蠟燭退場，只留下極少數的人，孤單地繼續演奏，借此表現出樂團團員們的心情。就這樣，海頓寫成了《告別交響曲》，調號也選擇了代表孤寂的升f小調。當本曲首次在公爵面前演奏時，尼古拉斯終于領悟了其中的寓意。翌日，他馬上傳令讓全體人員放假回家。正是這樣的音樂背景和美好寓意成就了現在維也納新年音樂會上時常演奏的告別交響曲。而當時海頓作曲時孤寂的氛圍已不再了，演奏的最后成員一個個離場而樂團指揮不知所措的表演使這首傳世名曲增添了一絲詼諧，我想這也是維也納愛樂樂團獨特的對名曲表達敬意的方式吧！

交響樂是按照人的思維方式、順序構思創作的，用各種音樂表現因素去體現作曲家的內心活動，就像告別交響曲一樣，能夠打動人心。但是交響樂和語言又有本質不同，它和講話的語言不一樣，他所傳達的意思不能完完整整清清楚楚地表達給聽眾，需要聽眾以自己的主觀意念把握和詮釋。我想這是我學習這門課最大的感受。要欣賞音樂，就要以一個平和的心態，甚至于脫離肉體的意識，僅僅用耳朵去感受，感受每一個躍動的音符，以致順利地把握作曲家所要表達的感情和所要傾訴的話語。以真正寧靜的身心去感受，或許像我一樣的普通人，也能夠穿越時空的限制，與那些作曲大家有心靈的碰撞吧！

我愛交響樂，是因為其中貫穿了人生哲學和高雅品味，是與作曲家情感與思想的內在交流。愛樂并不意味著不喜歡戲曲、流行歌曲、民歌和通俗歌曲，但是愛樂不應帶有各種功利色彩，不能流行什么歌就盲目說喜歡什么歌，也不能為了彰顯高品味去聽自己完全不能聽懂的艱澀的曲子。愛樂是一種精神，是一種對音樂的熱忱和感悟，我想這也是交響樂團大多以“愛樂”為名的一個原因吧！

第二篇：交響樂鑒賞論文

維瓦爾第的四季之春

第一樂章之賞析

【摘要】維瓦爾第的生平及其所處的音樂時期，使其創作出了如此美妙的《四季》，在聆聽《四季之春》的時候，我產生了一下的感受，受其音樂的感染，我感覺自己仿佛置身于春之境中，充滿活力。整個樂章給人一種積極向上的力量，讓人聽了感覺很舒服?！娟P鍵詞】維瓦爾第；四季；春；活力。

巴洛克時期的音樂特色，其中之一就是在于透過音樂刻畫出詩詞當中的意境、抒發人們的七情六欲；出生于十七世紀的意大利威尼斯作曲家維瓦爾第，在他音樂中，就具有這項典型的特色。維瓦爾第的誕生，可說是意大利巴洛克音樂新的里程碑，在他一生中創作有五百多首協奏曲作品，而其本人也是個優秀的小提琴演奏家兼音樂教師；他的協奏曲作品不但受到巴哈的重視、并引用作為寫作的模板，同時對于其后一百多年的古典音樂協奏曲格式，奠下了基礎。

小提琴協奏曲《四季》原系出自維瓦爾第的一部包括有12首作品的小提琴協奏曲集《和聲與創意的嘗試》當中的前四首，這四首作品在十八世紀初于威尼斯首演以來，就已成為維瓦爾第所有作品中最受歡迎的曲目，在當時如此，在今天也是如此，由此可見本曲魅力之所在。從四季協奏曲開始，維瓦爾第把十八世紀之前抽象概念的音樂、轉移到后來所謂的標題音樂創作上，為日后的作曲家開啟了一個遵循的方向，包括貝多芬的《田園交響曲》在內，都可以看出維瓦爾第音樂創作方式的影響。但是，嚴格說起來，維瓦爾第并沒有“發明”標題音樂，他只是把音樂帶進一種新的聆賞層次，目的就是在音樂中呈現出標題或是文字當中的明確畫面。在四季協奏曲中，維瓦爾第表現出一種富有人文氣息的創作風格，這是他對周遭自然世界的認知、以及對人類百態觀察的結果。這部作品是對一年四季有智能、成熟、敏銳的描述，樂曲中也不時可聞威尼斯質樸鄉土的旋律風格，這都是作曲家深深受到自環境影響的明證。維瓦爾第對于描寫或是標題音樂的影響，可以由海頓、貝多芬等作曲家的作品中看出。

第一樂章（快板）以回旋曲形式寫成，其主要主題華麗而灑脫，具有歡快的春天氣息。開曲即展開輕松愉悅的旋律，使人頓時聯想到春天的蔥綠和生機。描寫的是春光重返大地，小鳥歡愉地歌唱，森林枝葉隨風婆娑，呢喃私語。突然，電光乍閃，春雷驚蟄，萬物蘇醒。這一樂章是整部《四季》中最為著名的樂段。

第二樂章（廣板）很短，描寫的是靜謐而悠閑的田園風光：“在鮮花盛開的草地上，在簌簌作響的草叢中，牧羊人在歇息，忠實的牧羊狗躺在一旁。”是春雷過后，雨過天晴，小鳥又唱起了動人的歌曲，牧羊人和他忠實的小狗在鮮花叢生的牧場上悠閑小憩的恬靜景致。樂章開始是小提琴聲部以很弱的音量奏出的附點節奏音型，以及中提琴那有點唐突的、仿佛是牧羊狗的吠叫聲的切分音型。在這個背景上，獨奏小提琴以優美而恬靜的旋律牧歌般地唱了起來。

第三樂章（快板）描寫在春天明媚的陽光下鄉間的歡樂景象：“伴隨著鄉間風笛歡快的音響，在可愛春天的晴朗天空，仙女們與牧羊人翩翩起舞?！睒氛碌幕局黝}是一首當時頗為流行的西西里舞曲，它一開始就出現在獨奏小提琴和小提琴聲部，低音弦樂器奏出的和弦節奏和管風琴渾厚的音響則著意渲染了舞曲的歡快情緒。

一打開音樂播放器，流淌出《四季之春》的旋律，回旋曲輕快歡暢，讓人自然生發出一種自內而外的興奮與快樂，感覺整個生命都有了活力。春天來了，春風所到之處，一切生命又重新開始他們周而復始的循環，世間萬物爭先恐后地對世界探出了小小腦袋，熱鬧非凡，它們一齊歡快舞蹈以迎接春天的到來！蝶蛹中蟄動的幼蝶，一點點沖破禁錮常青藤沿著墻壁蜿蜒爬長，有節奏地攀援地許多不知名的野花野草；新芽從濕潤的土地中迸發出來花苞花蕾在春風的拂動下，瞬間綻放，隨著風動，點頭搖晃，從冬眠中蘇醒的動物們伸著懶腰，擁抱春日和煦的陽光。這讓我想起小學時候學過的一片文章《春姑娘》，在音樂的感染下，我仿佛覺得是真的有一位春姑娘在春風里歡欣鼓舞，帶著小草小花，小魚小鳥一齊肆意歌唱舞蹈。而后，突然一陣驚雷驟然響起，發出春的吶喊，大地爆發出一種前所未有的生命力，讓人為之一振。而后春雨霏霏，漸漸地天又晴朗，雨后春筍生長得更加肆意了，雨后新鮮的空氣讓所有生命都感到心曠神怡，更有力量的向上生長。感受到來自大自然的心得召喚，在鄉間的小路上，牧羊人們和著牧笛翩躚起舞，分享著他們對春的來臨的喜悅。這是我在聽著《四季之春》時，眼前所浮現之景，我覺得整個人仿佛新生。我感覺自己仿佛就置身于一片廣闊的大自然中，同這些生命一起，一齊歌唱舞蹈，一起感謝春天給我們帶來的生命活力。維瓦爾第的音樂表現力，給我一種身臨其境的感覺，不管是《四季之春》還是《夏》、還是《秋》、還是《冬》。

整個協奏曲給我的感覺是溫馨而又親切，遙遠的巴洛克時期的音樂如此平易近人，從來都不會因為時間的關系，而讓人產生距離感。而我想這正是維瓦爾第的《四季》流傳至今，長盛不衰的原因。

對本課程的看法

我本身是非常喜歡聽音樂的，對音樂理解只是停留在它很好聽的層面上，所以當老師上課放那些比較好聽的音樂的時候，我就會覺的心情很舒暢，當下受到的壓力都得到一些緩解了。

連續兩年選了音樂的選修課，也是覺得音樂于我來說是一種舒緩壓力的工具。但我粗淺的認為，老師讓我們考聽辨不是很合適，因為我們非音樂藝術生，對音樂的感知沒有老師這樣的到位，很多時候我們聽音樂知識用來放松自己，而我們上交響樂鑒賞更多的是為了給自己的生活增添一些色彩，豐富自己的生活。在如此少的時間內要聽完整十首的音樂然后聽其中一分鐘猜出這首音樂的音樂時期，作曲家，作品，真的有難度。所以希望老師可以要求不要太苛刻，讓我們順利通過考試。

第三篇：交響樂鑒賞學習心得

交響樂鑒賞學習心得

通過本課程，我對交響樂有了一定新的認識。

首先當然是對于交響樂基礎知識的一些了解，交響曲是一種具有奏鳴曲體裁特點，由龐大的管弦樂隊演奏的宏大套曲形式的音樂作品。由于交響樂曲式結構宏大，樂隊龐大齊全，有強大的音響力量，加上豐富多彩的音樂千變萬化，管弦樂隊的表現力能得到高度發揮，因此意蘊深遠，善于表現神秘、豐富而復雜的感情，對于大自然的詩情畫意的描繪更是有獨特的色彩效果。因此，交響樂有強烈感人的藝術魅力。此外還有對于一些樂理的了解。或許這些東西平時都不會用到，但是能提升自己的文化素養，這些還是非常重要的。

其次，是對于交響樂的一些里程碑式人物的了解。貝多芬、莫扎特、圣桑、舒伯特等人物雖然是如雷貫耳，但是卻著實缺乏了解，課上老師細心地為我們一一介紹他們，并且播放了一段段他們經典的樂作篇章?；蛟S只是十多分鐘的欣賞，然而卻給我留下了十分深刻的印象。許多一聽就十分熟悉的曲目，此時就顯得更加親切。

當然，還有對于樂器的一些了解，正是通過這組成交響樂的一個個小部分，才能更好地了解交響樂這一不同的文化。

談到這門課，說實話，主要是對于交響樂這一對于現在邊緣化的藝術的一種好奇與喜歡。我是來自農業與生物學院，食品系，平日中必修課都是一些理工科類的課程。當然，我也能從交響樂中得到一點啟示，例如從音樂中領會譜曲者的心境，理解樂曲中的內容。在我們的學習中，很多也是需要自己的理解，方才能更好地學好這門課。但是我想說，交響樂鑒賞這門課，更多是將我從繁忙的課業中拉出來，體會一種不一樣的節奏。

談及建議，對于老師的為人還有授課的內容等等都覺得值得稱贊。很多方面都是同學需要提升。當然，我也建議老師適當地為同學們每周布置一些小任務，不必檢查，權當大家的興趣與提升大家的文化素養，得到一種潛移默化的培養。

這一學期我也做到了每次都出席交響樂鑒賞這門課，也十分喜歡這門課，最后對老師這一學期來的教導表示感謝。

農業與生物學院 宋奇琦 5101509072

第四篇：《交響樂鑒賞》

《交響樂鑒賞》

交響樂團與指揮

摘要

“19世紀是作曲家的世紀，20世紀是指揮家的世紀，21世紀則是樂團的世紀?！痹诂F場聽知名樂團的演奏越多，越能夠深切領會這番話的含義：在樂團與指揮的關系中，樂團越發成為強勢的一方。這自然是由于從20世紀下半葉至今，樂團的演奏技巧已經有了長足的發展，而與之相對應的是，在舞臺上具有絕對統治力的指揮家越來越少見，于是天平自然開始向著樂團的一側傾斜。這一現象導致的后果是樂團的聲音越發趨同（過去那些所謂有個性的音色，大抵也等同于有缺陷的音色），弱勢的指揮家對此無能為力，因為他們不再有發言權。此外，指揮行業里明星越來越少，而明星稀少也就意味著觀眾自愿掏出的錢減少，進而使得整個行業的生存境地越發窘迫。

2.1交響樂發展起源

交響音樂的起源可以追溯到十分遙遠的歷史長河中。它的名稱源于古希臘，是當時“和音”和“和諧”兩個詞的總稱。到了古羅馬時期，它就演變成為泛指一切器樂合奏曲和重奏曲的代稱。

15、16世紀，也就是歐洲的文藝復興時期，交響樂這一名稱被當作了一切和聲性質的、多音響器樂曲的標志。而到了巴洛克音樂的初期，它又主要指歌劇、神劇和清唱劇等作品中的序曲及間奏曲。18 世紀初期，音樂藝術在歐洲得到了迅猛的發展，隨著歐洲產業革命的進程，音樂藝術也開始逐步地走向平民化和社會化。在這個時期中，交響樂作為一種獨立的藝術形式，其規模和形式都慢慢有了明確的含義。當時的意大利歌劇序曲，以它特有的“快——慢——快”三個段落而成為了古典交響樂的基本雛形。到了18 世紀中葉，德國曼海姆（德國南部的文化中心）樂派的作曲家們，以一系列積極而富有創新性的創作，使交響樂的基本形式得以進一步的完善。交響音樂形成于18世紀中葉的歐洲。在此之前的17一18世紀中葉是歐洲音樂史上的高峰之一-一巴洛克音樂時期。按照西方音樂史分期,歐洲交響音樂的發展大約經歷了古典主義、浪漫主義、民族主義、印象主義、現代主義等歷史階段。

我國的交響音樂創作開始于二十世紀20年代。黃自(1904-1938)以其交響序曲《懷舊》和《都市風光幻想曲》的創作成為我國交響樂創作的奠基者。

人民音樂家冼星海更以其具有鮮明民族風格和熾烈愛國之情的作品對我國交響樂創作的發展作出了杰出貢獻。建國以來直到“文革”前,黨培養起來的一大批中青年音樂家和前輩作曲家們一起創作了一大批交響樂作品,著名的有王云階的《抗日戰爭交響曲》、丁善德的《長征交響曲》、羅忠銘的《第二交響曲》、施永康的交響詩《黃鶴的故事》、馬思聰的《第二交響曲》和《F大調第一小提琴協奏曲》、辛滬光的交響詩《嘎達梅林》、李煥之的《春節序曲》、何占豪與陳鋼的小提琴協奏曲《梁祝》等。

文革以后,交響音樂創作全面復蘇,一大批年青作曲家相繼涌現,他們一方面堅持交響樂創作的民族化方向,同時隨著改革開放、觀念更新的浪潮,大膽吸收借鑒西方交響樂創作包括現代交響樂創作的寫作技巧,寫出了一批具有較高藝術水準的交響音樂作品,如黃安倫的《春祭》、譚盾的《離騷》、張千一的《北方森林》、劉敦南的《山林》等。

2.2交響樂發展歷程 世紀中后期，維也納古典樂派的興起及一些天才作曲家的偉大創作，使得交響樂這一藝術形式發展到了全面成熟的階段。在這里我們首先提到的就是奧地利作曲家海頓。他一生共創作了120多部交響樂。他在交響樂藝術上的貢獻是——完整而嚴謹的確立了交響樂的形式和規模，因此，他曾被人們譽為“交響樂之父”。他的藝術成就直接影響到了他的兩位后人——莫扎特和貝多芬。而交響樂的形式、規模、內涵等等，都是在這后兩位作曲家的創作中得到真正的成熟和完善的。

莫扎特一生創作了41部交響樂，他的交響樂較之海頓的交響樂不論是在形式的完整、內涵的豐富和思想的深刻等方面都有著大幅度的提高。他以其天才的神來之筆，為交響樂這一獨立的器樂形式，注入了一種全新的活力。他最后的三大交響曲——《降E大調第三十九交響曲》、《g小調第四十交響曲》及《C大調第四十一交響曲（朱庇特）》，則是他全部交響樂創作的頂峰。這三部交響曲集天才的音樂性、豐富的思想性和新穎的創造性，成為古典交響樂創作中的光輝典范。

2.3交響樂主要特征

交響音樂不是一種特定的體裁名稱，而是一類器樂體裁的總稱。這類體裁的共同特征是：

1、由大型的管弦樂隊演奏；

2、音樂內涵深刻，具有戲劇性、史詩性、悲劇性、英雄性，或者音樂格調莊重，具有敘事性、描寫性、抒情性、風俗性等；

3、有較嚴謹的結構和豐富的表現手段。

4、表現手法是頓挫分明的，能將聽眾帶入音樂意境和想像空間。

2.4交響樂團介紹

2.4.1海頓交響樂

弗朗茨·約瑟夫·海頓，Franz Joseph Haydn（1732～1809）1732年3月31日生于奧地利與匈牙利邊境下奧地利的一個村鎮羅勞，1809年5月31日卒于維也納。他的父親是世代相傳的車匠，母親是貴族府中的廚工，家境貧困，12個孩子有6個夭折，海頓是12個孩子中的第2個。奧地利作曲家弗朗茨·約瑟夫·海頓是“維也納古典樂派”的杰出代表，十八世紀歐洲最著名的音樂家之一。他的音樂作品體裁廣泛，涉及聲樂、器樂各個領域，尤其對交響樂和弦樂四重奏的形成、完善和發展方面有著突出的貢獻，是世人公認的“交響樂之父”和“弦樂四重奏奠基人”。他晚年創作的十二部《倫敦交響曲》和大型清唱劇《創世紀》、《四季》以及《皇帝四重奏》等作品，代表了他一生創作的最高成就。作品中所體現的鮮明的民族特色、民主思想和藝術獨創性，使他成為維也納古典樂派真正的創始人和奠基者，他那不朽的音樂作品對同時期另一位大音樂家莫扎特和以后的大音樂家貝多芬的創作，都產生了深遠的影響。

海頓一生經歷坎坷，生活道路曲折。但是，在漫長的人生歲月中，他卻用純樸、善良和慈愛的心，將畢生的才華和精力都奉獻給了他所熱愛的國家和人民，并忠貞不渝地為他們尋找著歡樂和慰藉。2.4.2貝多芬交響樂

貝多芬這位被后人尊稱為“樂圣”的天才人物，在其短短幾十年的創作中，將交響樂的創作成果，提高到了前所未有的高度。在世界交響音樂藝術史上，他的創作被認為是一個極其重要的里程碑。而他的作品則是跨越古典主義和浪漫主義之間的承上啟下的杰出典范。

羅曼-羅蘭曾稱贊貝多芬是：“法國大革命和拿破侖帝國時期最偉大的音樂詩人，是最生動地描繪了拿破侖時期的暴風驟雨的藝術家；他的描繪包括人民的苦難、悲傷；戰爭的緊張以及自由精神那沉醉的狂歡?！?/p>

貝多芬的交響樂較之海頓和莫扎特的交響樂，形式更加嚴謹、內容更加豐富、技法更加嫻熟。而尤為使人關注的是，他的交響樂思想性深刻、哲理性復雜，他第一次將交響樂具有了社會啟示性和斗爭性的深刻內涵。他的交響樂創作成就在于建立在繼承基礎上的重大開創。如：在形式結構上，他擴大并完善了交響樂的組織框架——奏鳴曲式。同時，以動力更強的諧謔曲（注：也稱詼諧曲，她們大多是3拍子的，節奏活潑，速度較快，常有突發的強弱對比）取代了過于溫和的傳統小步舞曲，從而賦予交響樂以更加豐富的有機性。從另一個角度來看，為了達到表現社會性重大題材和人類斗爭性及精神境界的目的，他將交響樂隊的編制擴充到了更加合理的程度。同時為了達到他的整體藝術構思，甚至將人聲增加了進去，在他的《第九合唱交響曲》中，合唱隊演唱的“歡樂頌”揭示了一種無比崇高的精神境界。同時也是交響樂史上第一次加入人聲。而這種巧妙的構思和大膽的實踐，則充分地說明了貝多芬作為一代交響樂宗師，所表現出的非凡魄力和杰出天才。

我們通常把貝多芬的九部交響曲分為無標題和有標題的兩類，他的第一、第二、第四、第七和第八交響曲是無標題的；第三（英雄）、第五（命運）、第六（田園）和第九（合唱）是有標題的。他的這兩類交響曲形成了兩種創作路線，對后人的交響樂創作發生了深刻的影響。

貝多芬在音調創作方面，給后來的交響樂創作也給予極大的影響。比如我們大家熟悉的第五（命運），是迄今為止最為簡短的主題，它只有四個音，而這個命運動機始終貫穿著四個樂章；而第九（合唱），則打破了交響曲的傳統形式，巧妙的加入了人聲的合唱，開了音樂史上的先河。

另外，貝多芬完善和擴大了樂隊編制。在他的交響曲當中，我們發現他運用了海頓和莫扎特時期不曾運用的樂器。比如說短笛、低音大管、長號和一些打擊樂器如三角鐵、大镲、大鼓等等，更重要的是在他的第九交響曲中引用了人聲。我們面對貝多芬交響曲，讓我們感受最強烈的是貝多芬精神。

貝多芬的座右銘是“通過苦難，走向歡樂；通過斗爭，走向勝利?！彼囊魳肥敲嫦蛉祟惖?，而21世紀仍然需要剛毅、英勇、勇往直前和百折不撓的貝多芬精神。2.4.3浪漫主義交響樂

18世紀晚期到19世紀早期，浪漫主義藝術思潮開始滲透到音樂領域當中。舒伯特帶有藝術歌曲交響化性質的《b小調（未完成）交響曲》，柏遼茲和李斯特的標題交響樂《幻想交響曲》和《但丁交響曲》，舒曼充滿詩意的《春天交響曲》，勃拉姆斯的四部充滿傳統精神但卻有浪漫主義內涵的交響曲，柴科夫斯基和德沃夏克帶有濃郁民族性的一系列交響曲，此外，圣桑、穆索爾斯基、里姆斯基等作曲家們的各種交響樂作品，都是19世紀浪漫主義交響音樂創作的珍品。19世紀晚期，奧地利作曲家馬勒譜寫了十部交響曲，在這些交響曲中，他為了表現自己內心復雜的精神世界，而將交響樂的表現形式發展到了極限。如他的《第八交響曲》，被人們稱為“千人交響曲”。除去馬勒之外，在19世紀晚期，各國民族樂派的作曲家中，也有許多人應該被稱為交響樂大師。如芬蘭的西貝柳斯、捷克的雅那契克、俄羅斯的格拉祖諾夫和拉赫瑪尼諾夫等人的創作，都在某種程度上，為世界交響音樂藝術作出了杰出的貢獻。

19世紀和20世紀相交之際，許多象征著新時代藝術風格的思潮，開始越來越多地涌現出來。從德彪西（法）的印象主義、理查－施特勞斯（德）的后期浪漫主義和勛伯格（奧）的早期無調性技法，都滲透到交響樂的創作中，為20世紀五花八門的交響音樂創作奠定了基礎。在20世紀眾多的作曲家中，為交響樂及其它體裁的創作，做出杰出貢獻的人物數不勝數。其中影響最大的有俄國作曲家普羅柯菲耶夫、哈恰圖良、肖斯塔科維奇，英國作曲家布里頓，匈牙利作曲家巴托克，美國作曲家斯特拉文斯基、格什溫等等。他們所創作的交響曲、協奏曲、交響詩、狂想曲、隨想曲等許多作品，極大的豐富了世界交響音樂寶庫。并由此構成了20世紀交響音樂創作的重要篇章。

交響音樂的產生和發展過程，是與人類社會文明的突飛猛進緊密相連的。從歷史的角度來看，它的確是伴隨著整個人類社會的文化、經濟發展應運而生的。從發展的角度來看，在新世紀乃至將來更遠的時期中，它也必將作為高雅的文化藝術經典和豐富的精神食糧，為人類社會進步的發展和人民生活的精神需求，作出更大的貢獻。指揮

3.1指揮的簡介

指揮家一站上指揮臺, 面對著由上百位演奏者組成的交響樂團, 儼然有君臨天下的威風。樂師們乃至于所有的觀眾目光都集中在他的手勢上。此時他操縱著這個至高無上的音樂媒體: 一個現代交響樂團。因為這是一組指揮無法親自一一演練的樂器, 他必須憑藉著高超的溝通語法, 讓樂團發出他心目中理想的樂音。

在排練一部即將演出的作品之前, 指揮自己得先對樂譜了解得滾瓜爛熟。他對樂曲的分句、力度的平衡必須完全了若指掌。換句話說,他一定得先精確的判定這部作品應當發出什么樣的聲音、如何形成整體, 以及如何將樂譜上的音符轉為動人的激情。

演奏家們傾畢生精力追求完美的演奏技巧, 有些指揮在步入指揮家行列之前, 正是以樂器演奏開展自己的音樂生涯, 有的甚至能出色的演奏多種樂器。無論其出身如何, 一旦作為指揮, 就必須熟悉總譜以及所有樂器分譜, 以便向全體團員做出明晰精確并使其信服的提示。他還必須對作品細節與整體結構交待得一清二楚, 引導團員采用最恰當的方式來演出這部作品。

指揮大師們對樂團的駕馭有絕對權威。有些人甚至采用某種近乎恐怖的手段;有些人則是靠魅力與說服力。而一些著名的大師則是自身建立起一種令人肅然尊崇的敬畏, 以其無匹的專業素養及對作品的深刻洞察力來感染團員。

指揮不可能都是一個模子壓出來的。有些指揮, 如塞爾對待樂師十分粗暴, 拿架作勢, 蠻不講理。有的如伯恩斯坦感情外露, 作品一有起伏, 便歇斯底里做出夸張的手勢。有的很奇怪, 像伯恩斯坦的一位老師萊納就只用指揮棒做出極細微的動作, 以至背對的觀眾懷疑他已老僧入定。有的指揮離不開指揮棒, 有的卻從來不用。有的嗜譜如命, 有的全憑記憶。許多人以眼神傳達旨意,卡拉揚指揮時卻永遠雙目緊閉。

指揮的任務在于透過團員把抽象的音符轉化為具體樂音。這就不光是操作指揮棒或手勢好壞問題。指揮常會告訴別人: 用指揮棒打拍子的基本技巧很容易學會, 但交流概念的能力卻是難上加難。就像調油彩一般, 指揮必須能控制每聲部的音色、音量, 使整體聲音達到平衡。

有的指揮, 如朱里尼,下意識地強調低音樂器, 諸如大提琴、低音大提琴及巴松管, 于是它們的音色深沉厚重。有的指揮要求盡可能的透明, 還有的則創造出類似管風琴的共鳴厚度。速度無疑是相當重要的, 還有一個重點就是預備拍: 指揮在起拍的關鍵時刻所醞釀的氣氛可使各聲部準確且整齊的切入, 使演奏員的情緒可一鼓作氣地宣泄而出。一個看似可以一筆帶過、實則會導致強烈決定意義的拍子, 會給音樂帶來決定性音色。有的指揮則每逢高潮都加以強調, 有的指揮聽憑緊張氣氛自然浮現;另一些指揮則認為必需有意識的控制才能創造出緊張。

3.2指揮的作用

樂隊指揮具有多方面的作用，其中最主要的是通過指揮來組織和訓練樂隊，控制演奏速度，保持作品結構與形式的統一，使樂隊能夠正確、統一地演奏作品。樂隊指揮的具體工作分三個階段：

第一階段是總譜的準備。對作品進行深入、細致的研究和分析，標注，并形成自己的處理；

第二階段是排練準備。樂隊指揮要根據樂隊的情況、作品的難易程度制定排練計劃； 第三階段就是排練階段。這是指揮工作的中心，分為抄譜、個別練習、集體試奏、分聲部練習、合排、連排、細排等步驟，一個指揮的絕大部分工作都在這個階段中完成。

一個優秀指揮家，不僅可以造就一個樂隊，同時可以造就一個作曲家和他的作品；相反地，一個不怎么樣的指揮，不僅可以毀掉一個樂隊，同時可以毀掉一個作曲家和他的作品，甚至可能毀掉作曲家的一生。對于一個指揮家來說，最崇高的任務是正確理解作品意圖，把該意圖轉變為樂隊的音響，這門學問稱為樂曲的詮釋。

樂隊指揮是創造出一個大于其各組成部分的總和的真正的整體，創造出一個富有活力的整體，它把投入于其中的各項資源（注釋：各個樂器聲部）轉化為較各項資源的總和更多的東西（注釋：樂器聲部之間、各類樂器組合等，樂器齊響所產生的整體）。通過樂隊指揮對音樂作品的閱讀、理解和指揮，使各種個別的樂器演奏形成了有生命力的音樂演出的整體。

3.3做一個指揮的條件

作為一名指揮，具備廣博的音樂史知識，樂器法，研究作曲家的生平和思想，領悟作品的創作背景，區別各個時代、各個作曲家藝術風格的異別，并發揮自己的藝術想象力，以內心的聽覺，去體會樂曲的各種感情和內容，使作曲家的樂譜創作首先在自己腦子中變成活的形象。然后，他對樂曲的分句、力度的平衡完全了若指掌。就是說，精確的判定這部作品應當發出什么樣的聲音、如何形成整體, 以及如何將樂譜上的音符轉為動人的激情。

另外，指揮通過充分調動自己的全身，把音樂的全部激情用自己的肢體語言表現出來，從而帶動整個樂隊。

最后，指揮還要有抓住自己的樂手和觀眾的氣質與魅力。在平時的排練中，只有風趣幽默而又風度翩翩的指揮，才能更好的調動樂手們的積極性，共同達到更好的演奏狀態；而登臺時，大師級指揮或俊逸如卡拉揚、瀟灑如阿巴多、認真如小澤征爾、或詼諧如揚松斯的氣質揮灑，更能在音樂之外，以人格魅力感染整個劇場。如何評價一位指揮家

簡單來說，一位指揮能讓他手下的樂隊演奏出什么樣的聲音，是評判指揮好壞的唯一標準。然而，如果談論聲音是如何演奏出來的，為什么某位指揮與某支樂團合作就能夠產生這樣的聲音，換一支樂團就全然不靈，或者為什么有些指揮可以與幾乎所有合作過的樂團“來電”，而有些指揮只適合與少數幾支樂團合作，那學問就深了。

我的一位指揮家朋友說：“19世紀是作曲家的世紀，20世紀是指揮家的世紀，21世紀則是樂團的世紀。”在現場聽知名樂團的演奏越多，越能夠深切領會這番話的含義：在樂團與指揮的關系中，樂團越發成為強勢的一方。這自然是由于從20世紀下半葉至今，樂團的演奏技巧已經有了長足的發展，而與之相對應的是，在舞臺上具有絕對統治力的指揮家越來越少見，于是天平自然開始向著樂團的一側傾斜。這一現象導致的后果是樂團的聲音越發趨同（過去那些所謂有個性的音色，大抵也等同于有缺陷的音色），弱勢的指揮家對此無能為力，因為他們不再有發言權。此外，指揮行業里明星越來越少，而明星稀少也就意味著觀眾自愿掏出的錢減少，進而使得整個行業的生存境地越發窘迫。

越是強勢的樂團，越是對那些言聽計從的指揮家喜愛有加，柏林愛樂樂團與西蒙·拉特就是這樣的關系，只要看看他們的排練就知道了—人人都可以站起來發表對音樂的見解，之后大家再用表決的方式決定是否采納其觀點。然而，好的音樂真的是靠民主表決產生的嗎？為什么人們懷念的，仍然是昔日舞臺上的那些“獨裁者”—富特文格勒、托斯卡尼尼與卡拉揚？為什么人們依然對那個一人統攬全局、男性荷爾蒙迸發的年代念念不忘？

這其實只是樂團與指揮兩者關系中的一種很普遍的情形。越是有傳統的樂團越不可一世，對自己的總監尚且未必尊敬，更何況是對來客串一兩場的“醬油”指揮。

指揮應該怎么做才能產生優美的音樂？我也無法回答這個問題。歐洲的音樂學院傳統上是沒有所謂的“指揮系”的，學生一般都是先從作曲學起，待學到高年級甚至上研究生后才可以選修與指揮相關的課程。20世紀的指揮家通常有漫長的求學經歷，除了學作曲之外，也有不少大師是從歌劇院里的聲樂指導或是合唱指揮起步的，經過長達數十年的努力之后才有機會在主流歌劇院或樂團里任職。指揮本身對音樂的產生不貢獻分毫，他也不是魔法師，沒有以一己之力讓一百多人的樂隊改變聲音的魔力。指揮對音樂的貢獻很大程度上是純技術層面的，比如采用合拍會讓音樂更平滑，分拍則讓節奏更明確；如何讓音樂的氣息如歌唱一般自然；揉弦應該在何時出現，幅度與密度如何控制；在某段重奏里，哪件樂器應該突出，又應該在何時隱去……這都是指揮要操心的問題。最關鍵的是，究竟要在多大程度上嚴格遵循譜面，又應該在哪些環節展現音樂家自己獨一無二的音樂處理.因此，指揮家應該是整個舞臺上最懂音樂的那個人。即使他是彈鋼琴出身的，也應該知道小提琴的雙音技術是怎么回事，演奏顫音時如何才能讓聲音最密集，雙簧管演奏者可以吹多快而不把自己憋死……如果全然不懂技術，那么就得有強大得無與倫比的氣場，讓樂團自然對你服服帖帖。據說伯恩斯坦就在樂團技術方面知之甚少，不過紐約愛樂樂團的老油條們還是對他無比愛戴，盡力幫助伯恩斯坦表現出他所想象的音樂。如果換個樂團不服氣的小年輕來，可能也會如之前那個段子講的那樣，連椅子都不給坐。

指揮作為樂團的臉面，往往還擔負著出去給樂團拉贊助的重要職責，此外還要負責音樂季的編排、客座指揮及客座獨奏家的邀請、演奏員的任命與罷免，甚至午餐吃什么之類的瑣事。不過隨著樂團紛紛開始聘用專業的管理人員，指揮在這方面的壓力比以往小了一些。不過正如之前提到的，面對如今越發強勢的樂團，能將他們治得服服帖帖的“好指揮”確實已經越來越少了，這也是人們無比懷念那個大師輩出的時代的原因。

如今的音樂界，沒有真才實學的指揮家根本無法在樂團面前抬起頭來，只好夾起尾巴做人；可以用實力或者人格魅力征服樂團的那少數幾位指揮家，也基本被世界各地的邀約壓得喘不過氣來，要同時兼顧好幾支樂團的事務，把大量的時間花費在飛機上，再也不能像老一輩指揮家那樣在一座城市潛心工作幾十年了。

指揮界人才凋零，是這個時代所造成的結果，也是這個時代最大的遺憾。

5結論

通過此次的論文寫作，了解了更多關于交響樂的知識，也彌補了很多曾經在對交響樂認識上的不足，同時也簡單的發了一下對于當代的指揮不受重視的牢騷，我個人是非常佩服指揮的，無論是他們的認真負責還是才華橫溢，希望他們能得到他們應得的待遇。

參考書目

http://dy.qq.com/article.htm?id=20150430A001WF00

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《西方音樂史》

田可文 等編著武漢大學出版社

《西方音樂美學史》（美）福比尼 著，修子建 譯湖南文藝出版社

《交響樂欣賞十八講》 劉雪楓 著北京師范大學出版社

《古典音樂零距離》 解瑂 編著社會科學文獻出版社

附錄

推薦交響樂

1.貝多芬第九交響曲“合唱” 2.柴可夫斯基第六交響曲“悲愴” 3.德沃夏克第九交響曲“自新世界” 4.貝多芬第五交響曲“命運” 5.貝多芬第三交響曲“英雄” 6.莫扎特g小調第40號“維特” 7.海頓第94交響曲“驚愕” 8.貝多芬第七交響曲

9.勃拉姆斯D大調第2交響曲

10.莫扎特c大調第41號“朱庇特”

第五篇：交響樂論文。感悟

交響樂學習的雜憶與雜談

建筑是凝固的音樂，音樂是流動的建筑。

我一直很喜歡音樂，音樂帶給人的那種閑適心情難以言表，而交響樂正是各種音樂中最能給人以靈魂的洗滌的重要部分，在晴朗的午后一邊聽著交響樂一邊看書，或是在陰雨的傍晚一邊聽著交響樂一邊冥想??似乎所有事情與音樂結合在一起都變得完美起來。因為喜歡音樂營造的那種心靈的寧靜，喜歡高深莫測的交響樂，喜歡那種震撼。音樂是純潔、高尚的，需要全心聆聽、感受，一個真正熱愛音樂的人不會像球迷那樣用狂熱和躁動來詮釋自己的喜怒哀樂。對我來說，音樂永遠是生命中最美、最真的享受。而我義無反顧的投入了交響樂的課堂。

或許課上的時間很短但一個學期下來給我帶來的又豈止這十幾節課呢？現在寫著論文仍很高興這學期選了交響樂欣賞這門令人陶醉的課程，在老師的帶領下，我在交響樂的世界里留連忘返，學習了許多關于交響音樂的基礎知識和發展歷史，了解了許多享譽世界的偉大音樂家，聆聽了許多耳熟能詳的經典音樂作品，仿佛在緊張的學習之余讓自己的心靈找到了一個暢快休憩的迷人小島。課程中我們欣賞了不計其數的美妙音樂作品，除了交響曲，也包括婉轉悠揚的室內樂、鋼琴協奏曲等，還有令人嘖舌的音樂歌舞劇。莫扎特憂郁絕望的安魂曲、貝多芬激情澎湃的命運交響曲、舒伯特洋溢飄灑的小夜曲、柴可夫斯基俏皮靈巧的四小天鵝，總是讓我心里無比激動或者平靜起來，音樂就是擁有這樣神秘的力量。經過課程中與交響樂的相處，我被深深的吸引了，開始更加熱愛音樂，特別是交響樂中的古典音樂和浪漫音樂。

交響樂（SYMPHONY），人們常把它喻為“音樂王國的神圣殿堂”。而交響音樂主要是指交響曲、協奏曲、樂隊組曲、序曲和交響詩五種體裁。但其范疇也時常擴展到一些各具特色的管弦樂曲，如交響樂隊演奏的幻想曲、隨想曲、狂想曲、敘事曲、進行曲、變奏曲和舞曲等。此外，交響音樂還包括標題管弦樂曲，如中國作曲家鄭路、馬洪業的《北京喜訊到邊寨》等。那么欣賞交響樂又何曾不是獲得一次和諧之美的享受呢？音樂美學不同的人當然會有不同的看法和理解，然而無一例外的是音樂的美只有在音樂的格調中靜心體味才能完全領會而不是只憑蒼白枯燥的文字能加以描繪的。法國大文豪羅曼-羅蘭說：“藝術中沒有進步的概念，因為不管我們回頭看多遠，都會發現前人已經達到了完美的境界??假如有人認為幾個世紀的努力已經使我們進一步接近完美，那將是荒謬可笑的??”

還記得當鞏老師給我們上交響樂發展歷程時說到貝多芬的《命運交響曲》、《英雄交響曲》時臉上所表達出的那種欣賞與陶醉，更記得在音樂中伴著老師惟妙惟肖的畫面講解，當然還有老師清吟的曲調??每當階梯教室回蕩起雄渾震撼的《第九交響曲》時那種帶給人聽覺和精神的沖擊又怎可用蒼白的文字能表達清楚呢？！而唯有靜心在他的音樂中感悟才能頓悟音樂中的精妙！假使有人試圖來褒貶貝多芬的音樂那他是顯得那么的自不量力！

喜歡被后人尊稱為“樂圣”的天才人物貝多芬。在其生命短短幾十年的創作中，就將交響樂的創作成果，提高到了前所未有的高度。羅曼-羅蘭曾稱贊貝多芬是：“法國大革命和拿破侖帝國時期最偉大的音樂詩人，是最生動地描繪了拿破侖時期的暴風驟雨的藝術家；他的描繪包括人民的苦難、悲傷；戰爭的緊張以及自由精神那沉醉的狂歡?！?/p>

喜歡貝多芬的《第九交響曲》。因為喜歡那種逆境中掙扎后迎來的陽光，喜歡的是那種人性的堅持和生命的陽光與安寧。歷經7年完成的音樂，貝多芬計劃在柏林首演，后經維也納眾多的朋友堅決請求，才改在維也納。首演當晚音樂廳里座無虛席，許多人專程從外地趕來參加盛會，貝多芬的往年好友茲梅斯卡爾，正臥病在床，他要求別人用擔架將他抬到劇場以恭奉盛會……貝多芬第九交響曲以其嚴謹深刻的思想、永恒神圣的熱情、無與倫比的力量和偉大高尚的心靈，贏得全體聽眾的心。首演取得了令人震驚的成功。聽眾沸騰了，歡 呼、興奮、不能自己，許多人流下了熱淚。起初貝多芬在指揮臺旁，背向聽眾，因耳朵早已失去聽覺，對身后沸騰的場面毫無察覺，當女中音獨唱演員把他扶轉過來時，他才發現這激動人心的場面，大受感動，頻頻致意。謝幕五次仍掌聲如雷，激動的人們不能平靜。這早已超過了當時的皇帝到場只準三次鼓掌歡呼的標準，以致警察不得不出面干涉。第九交響曲的首演成功，給晚年的貝多芬以莫大的精神安慰。豐子愷贊嘆道：“世間最偉大的杰品”。

培根說：“凡美而妙者，比例上必有怪異”。浪漫主義向往超越眼前的時代或境界去捕捉永恒，向后退回到過去、向前伸展入未來，跨越廣闊的世界、穿過太空；一反古典主義的秩序、平衡、控制和一定范圍內的完美，而珍重自由、運動、激情和永不休止地向往和追求那不可攀登的高度。浪漫主義是感性多于理性、想象超越現實、本能超過理智。

從古典音樂中陶冶高雅情趣；從對巴羅克音樂之邏輯與秩序的抽象感覺中，可以找尋到人類智慧的崇高；從宏偉、氣派、壯麗的音響里，可以體會英雄的人類形象；從富有動力感的節奏中，可以體驗人類明確的目標、勇往直前的精神、對理想彼岸的向往；從樂思精美的演變中，可以體會人類的創造力及追求高雅；從小提琴音樂中尋找隱藏在樂譜中的色彩；在圓舞曲中踏著節拍與音符起舞；在詼諧曲中捕捉音樂豐富的喜怒哀樂??

我喜歡浪漫主義時期的音樂。喜歡把小提琴樂器領入到“樂器之皇后”的位置的意大利小提琴巨匠帕哥尼尼。喜歡他之后的門德爾松、柴可夫斯基、勃拉姆斯、西貝柳斯等等名流青史的人物。浪漫主義時期帶來了音樂史上前所未有的繁榮，可以說，浪漫主義時期音樂又歸于感性。但是，這種感情不是肆無忌憚的，它也遵守著自己的結構框架，只是形式上更為自由。同時，音樂理論、和聲、演奏的發展也讓表達更多情感成為可能，標題音樂的繁榮放飛了人們的想象：樂句也可以自如地描述故事，描繪風景。浪漫主義音樂的繁榮也拉動了整個歐洲民族音樂的發展，格里格、西貝柳斯、德沃夏克、格林卡??民族音樂的代表層出不窮。同時，音樂先驅與保守派人士并存，瓦格納和勃拉姆斯在維也納展開了沒有硝煙的戰爭，無論怎樣，他們都在音樂史上寫下了濃墨重彩的一筆，為古典音樂的發展做出了自己的貢獻。浪漫主義時期音樂百花齊放、各具特色，情感、自然??一切都在音符中或舒緩、或豪放地流淌，淌出了一條不朽的音樂之河。

音樂總是在不斷地超越。斯塔拉文斯基的《春之祭》讓多少人為那些從來沒有聽到過的音符、和弦所震撼；勛伯格將十二音音樂推上了歷史舞臺，音樂變成了形式主義創作；梅西安與布列茲玩起了序列音樂，音樂創作也是在做數學題；施托克豪森更是讓電子音樂也展露頭角，“古典”這兩個字都快要被踢翻了。十二音音樂和序列音樂等，將音樂圈上了形式主義的套子，充分凸顯了理性甚至科學規律般的色彩。

歐洲音樂史，就是這樣，一個經歷理性—感性—理性—感性—理性的過程。其實這個過程的本身也是音樂家們在社會的發展中不斷探索音樂與人性、思想和生命的關系的過程。浪漫主義時期音樂充滿了大量令人欣喜的和聲和旋律，那些樂句或激昂、或柔情、或憤怒、或欣喜，它們都是作曲家細致入微的感情的外化表現。

音樂便是擁有這樣一種能給人以心靈慰藉的神奇。交響樂氣勢磅礴的意境，作曲家寬廣博大的胸懷，會讓我感到“先天下之憂而憂，后天下之樂而樂”的靈魂洗禮。音樂是天使飛翔時扇動的清風，可以穿越種族、國界、宗教和時空的壁壘，進入每個人的心靈；它是造物主賜給人類的甘泉，從人的心上汨汨地流過，帶走污垢和塵埃。音樂又是神奇的，在你意想不到的時候，意想不到的地方，挽救你、感動你。

古時有“樂者，心之動也。聲者，樂之象也。文采節奏，聲之飾也。君子動其本，樂其象，然后治其飾，是故先鼓以警戒，三步以見方，再始以著往，復亂以飭歸。奮疾而不拔，極幽而不隱。獨樂其志，不厭其道，備舉其道，不私其欲。是故情 見而義立，樂終而德尊。君子以好惡，小人以聽過。故曰：生民之道，樂為大焉”之說。

而我一直以來都認為音樂是高于語言的交流。

音樂已成了我每日的必需。或早上一個人聽著MP3或晚上躺在床上伴著音樂入眠??自己對交響樂有什么高深獨到的見解我只是愿意在音樂的世界里守著一片寧靜，遺世獨立??它流淚、微笑、震撼、放縱、思考??

參考文獻：

《舒曼論音樂與音樂家》 《交響樂賞析》