第一篇：歌劇片段欣賞(11)教案

課題：歌劇片段欣賞 教學目標：

1、情感、態度和價值觀

提起對歌劇的興趣，對歌劇有初步的感性認識。

2、知識與技能

簡要了解歌劇的相關知識，認識更多的歌劇，通過這個課程，能夠自己簡單賞析歌劇。

3、過程與方法

賞析具有代表性的歌劇選段，從感性和理性兩個方向上體會歌劇。教學內容：

歌劇相關知識

《好事者之歌》選自《塞維利亞理發師》—羅西尼 《從今以后不要再沾花惹草》選自《費加羅婚禮》—莫扎特 《請回答我》選自《費加羅婚禮》—莫扎特 《塞維利亞老墻邊》選自《卡門》—比才 《女人善變》選自《弄臣》—威爾第

《今夜無人入睡》選自《圖蘭多公主》—普契尼

重點：在欣賞過程中產生自我體驗，用心體驗歌劇片段的情感和藝術特點。難點：通過學習對歌劇有粗略的認識，并能對其進行簡單的賞析。教學對象：高一年級 教學用具：多媒體教學設備 教學過程：

一、導入部分：

1、列舉自己知道的歌劇

《浮士德》、《卡門》、《鄉村騎士》、《游吟詩人》、《阿伊達》、《茶花女》等等。

2、與歌劇相關的知識

歌劇的發展：16世紀末誕生于佛羅倫薩的意大利歌劇，第一部歌劇是1597年出自培里和努奇尼之手的《達芙妮》，因為沒有譜例文獻被保存而無法重現，1600年，培里和努奇尼再度聯手打造《尤莉狄茜》，是至今能夠找到的最早的被保留 1

譜稿的歌劇作品。歌劇有很多+流派,首先是由蒙特威爾蒂開創的威尼斯樂派，在威尼斯和羅馬發展；直到17世紀下半葉出現了一個新的歌劇流派，命名為那不勒斯樂派。意大利歌劇傳統經由羅西尼、多尼采蒂和貝利尼等作曲家，傳承到了威爾第的手中。19世紀末歐戰前產生了真實主義歌劇樂派，普契尼為代表人物之一。

歌劇中重要的聲樂樣式有詠嘆調、小詠嘆調、宣敘調、重唱、合唱等；器樂樣式有序曲、幕間曲、伴奏等；其種類繁多，包括正歌劇、大歌劇、喜歌劇、輕歌劇、音樂喜劇、室內歌劇、配樂劇、意大利諧歌劇、德奧歌唱劇、西班牙薩蘇埃拉、英國民謠劇等。歌劇這一藝術形式于十六世紀末在佛羅倫薩被確立并命名為“Opera”，漸漸發展于歐洲。

詠嘆調：詠嘆調是歌劇中主角們抒發感情的主要唱段，結構較完整，可以單獨抽出演唱，因此經常會在音樂會上被作為演出作品。

宣敘調：宣敘調是推動劇情發展的重要手段，作為歌劇，其中畢竟還是有“劇”的概念存在，一首接一首的詠嘆調無法讓劇情順利進行下去，因此如獨白對白、旁白等就以朗誦的節拍加上音調半說半唱，即為宣敘調。

序曲：序曲具有它獨特的作用，在歌劇一開場，一些人遲到，一些人找座位，一些人打招呼，一些人還沒有準備好進入欣賞狀態，于是序曲給了他們充足的時間來安排好一切。

二、片段賞析：

1、欣賞片段《好事者之歌》4:42

選自歌劇《塞維利亞理發師》

羅西尼 意大利歌劇作曲家。其中《塞爾維亞的理發師》是十九世紀意大利喜劇的代表作。

阿爾瑪維瓦伯爵鐘情于富家小姐羅西娜，羅西娜的監護人巴爾托洛大夫也鐘情于她。大夫有音樂教師巴西利奧為助手，伯爵有足智多謀的理發師費加羅為助手，兩人互相較量。大夫對羅西娜嚴加看管，欲與她強行成婚。伯爵無奈中聽從費加羅之計，兩次喬裝進入羅西娜家，費加羅則冒充征婚人極力勸導羅西娜與伯爵相配。羅西娜終于感受到了伯爵的愛情，伯爵如愿以償，而大夫則得到了羅西娜的財產。此片段為費加羅出場時的唱段，描述他自己在當地是個樂于助人并受 2

歡迎的萬事通。

羅西尼寫這個曲子的特點在于快速反復迂回一個音組，像繞口令一般。為男中音寫類似于花腔的手法也是他的獨到之處。

2、欣賞片段《從今以后不要再沾花惹草》 3:42

選自莫扎特的歌劇《費加羅婚禮》

莫扎特是奧地利作曲家，維也納古典樂派的代表人物。他五歲開始作曲，六歲成名，時常被邀前往王宮演奏，譽為神童。他短短一生中寫了二十二部歌劇，《費》是一部具有喜劇氣質的古典主義歌劇，劇情是《塞維利亞理發師》的續集。劇中的短歌被歌唱家所喜愛而廣為傳唱。全劇分四幕，德語唱詞。

此片段有含沙射影的寓意。表面好像是對著不懂愛情卻垂涎于伯爵夫人和蘇珊娜的凱魯比諾唱的，勸他充軍去了要好自為之，實則是唱給同樣懷里揣著夫人又期盼著蘇珊娜的伯爵聽的，讓他不要沾花惹草。

莫扎特為此男中音唱段配上輕快的節奏，有些諷刺意味，一語雙關。

3、欣賞片段《請回答我》 2:34

選自莫扎特的歌劇《費加羅婚禮》

此劇中女中音扮演的童仆凱魯比諾的唱段，他的詠嘆調天真可愛，原劇情中采用六弦琴伴奏，樂隊以提琴的撥奏來模仿這種聲音，表現出未成熟孩子心里的敏感和不安定。這首詠嘆調的唱法更接近于藝術歌曲，較為收斂，表達感情用了問句的語氣，起起伏伏的音量含蓄地表達了內心對愛情的不確定和渴求。

4、欣賞片段《女人善變》 2:09

選自威爾第的歌劇《弄臣》

威爾第善用意大利民間音調，管弦樂的效果也很豐富，尤其能繪聲繪色地刻畫劇中人的欲望、性格、內心世界，因之具有強烈的感人力量。

主人公利哥萊托貌丑背駝，在孟圖阿公爵的宮廷中當一名弄臣（寵臣）。公爵年輕英俊，專以玩弄女性為樂，甚至連朝臣的女人也不放過，引起朝臣們的不滿；而弄臣對朝臣妻女受辱的不幸大加嘲諷，得罪了許多人。最后所有的報應終于降臨在弄臣珍愛的女兒的身上，弄臣買兇刺殺公爵，卻陰差陽錯致使自己的女兒被錯殺。

這個歌劇從喜劇開始，以悲劇收場。這個抒情男高音唱段，節奏輕松活潑，3

音調花哨，既表現出人物的風流倜儻和出來尋樂的興奮心情，也是公爵的絕妙寫照。

5、欣賞片段《塞維利亞的老墻邊》4:12 選自比才的歌劇《卡門》

法國作曲家比才出生于音樂世家，《卡門》一劇被視為他的巔峰之作卻在他死后得到首肯，這部劇的主角一改以往上流社會的主題，將煙草女工和士兵之間的故事推上了法國藝術表演的舞臺，四幕歌劇 《卡門》主要塑造了一個相貌美麗、性格倔強的吉卜賽煙廠女工卡門。卡門使軍人班長唐·豪塞墮入情網，并舍棄了他在農村時的情人米卡愛拉。唐·豪塞因為放走了與女工們打架的卡門而被捕入獄，出獄后他又加入了卡門所在的走私販的行列。后來卡門愛上了斗牛士埃斯卡米里奧，在她為埃斯卡米里奧斗牛勝利而歡呼時，死在了唐·豪塞的劍下。

此片段是卡門在被唐·豪塞押送行刑的途中，借助自己的智慧和美貌勾引唐·豪塞試圖以此來逃脫的場景，鮮明的西班牙音樂風格，舞曲節奏，唱腔里加進了一些話音和真假聲不混合的處理，旨在表現卡門的自由不羈，魅力十足。

6、欣賞片段《今夜無人入睡》 2:39

選自普契尼的歌劇《圖蘭多》

普契尼是意大利歌劇作曲家。他是真實主義歌劇流派的代表人物之一。追求題材真實，感情鮮明，戲劇效果驚人而優于浪漫主義作品。普契尼的音樂中吸收話劇式的對話手法，注意不以歌唱阻礙劇情的展開，除直接采用各國民歌外，還善于使用新手法。普契尼寫到第三幕時普契尼因病逝世，剩下的部分由他的學生根據他的草稿完成。

圖蘭多公主為了給她遭受強暴的先輩羅玉玲報仇，向世人出了三道謎語，她將嫁給能猜中的人，但失敗者會死于劊子手的斧下！卡拉夫，一位落魄的王子一一猜中了圖蘭多公主的謎語，大驚失色的公主此時卻乞求父王不要把她交給這個陌生人。卡拉夫說如果圖蘭多能在黎明前說出他的名字，他就接受死刑判決。公主連夜派人調查，并下令誰都不準入眠，必須告訴他這個王子的名字，王子期盼黎明快點到來，快點獲得勝利，在窗邊唱起了《今夜無人入睡》。最后圖蘭多被卡拉夫深深打動了，她流著眼淚宣稱自己被打敗了，乞求這位不知名的王子離她而去。卡拉夫沖動地告訴了他的名字并宣布愿意赴刑。皇宮前圖蘭多告訴她的父親：“我知道這個陌生人叫什么了，他的名字就是‘愛情’！”

三、課堂延伸：

請你談談欣賞過后，自己對歌劇的認識、體會和感悟。

第二篇：歌劇欣賞

歌劇欣賞

《茶花女》

《茶花女》是威爾第的「通俗三部曲」的最后一部（其余兩部是《弄臣》及《游唱詩人》），它所獲意大利人的歡迎也是不亞于《游唱詩人》。

這是根據1852年法國的作家小仲馬(Alexander Dumas)的戲劇「茶花女」(La Dame

aux Camellias)而寫成。這部歌劇充滿著優美的詠嘆調，其出現密度之高，使得和比才的《卡門》一樣，成為美歌集一般，即使不太明白劇情，但絕對不會感到有「冷場」，所以，它也是很好的欣賞入門的歌劇．

威爾第的三幕歌劇《茶花女》于1853年在威尼斯進行首演，雖然由于各種社會原因而遭到失敗，但它很快就得到了全世界的贊譽，被認為是一部具有出色藝術效果的巨著，并由此成為各國歌劇院中最受歡迎的作品之一。難怪《茶花女》的原作者小仲馬要說：“五十年后，也許誰也記不起我的小說《茶花女》了，但威爾第卻使它成為不朽。”

《茶花女》的意大利名稱為Travolta，原意為“一個墮落的女人”（或“失足者”），一般均譯作“茶花女”。歌劇描寫了十九世紀上半葉巴黎社交場上一個具有多重性格的人物--薇奧列塔。她名噪一時，才華出眾，過著驕奢淫逸的妓女生活，卻并沒有追求名利的世俗作風，是一個受迫害的婦女形象。雖然她贏得了阿爾弗雷德·阿芒的愛情，但她為了挽回一個所謂“體面家庭”的“榮譽”，決然放棄了自己的愛情，使自己成為上流社會的犧牲品。

《巴黎圣母院》

《巴黎圣母院》（法語：Notre-Dame de Paris）是法國和加拿大聯合制作的一部音樂劇，改編自法國作家維克多·雨果的小說《巴黎圣母院》，于1998年9月16日在巴黎首演。劇中的音樂為意大利作曲家理查德·柯強特（Riccardo Cocciante）所作，歌詞為法國詞作家呂克·普拉蒙東（Luc Plamondon）所作。

音樂劇《巴黎圣母院》于1998年9月16日在巴黎首演，在其后的幾年里創下了直接劇場觀眾400多萬人的記錄，他們還在世界許多國家巡演如：比利時的布魯塞爾、加拿大的蒙特利爾、瑞士的日內瓦、英國的倫敦、意大利的米蘭、俄羅斯的莫斯科、荷蘭的阿姆斯特丹、黎巴嫩的里本等。

音樂劇《巴黎圣母院》曾在法國獲得過“最佳演出獎”、“最佳曲目獎”、“最佳世紀歌曲觀眾獎”。在加拿大魁北克獲得過“最佳唱片獎”、“最佳演出獎”、“最佳圣堂歌曲獎”、“最佳導演獎”。在莫那哥獲得了“世界音樂法語唱片最佳銷售獎”。

音樂劇《巴黎圣母院》共售出唱片近700萬張、錄象帶100余萬、DVD近20萬、劇中歌曲單張唱片300余萬。

維克多.雨果是法國和世界文學史上的一代文豪，他的《巴黎圣母院》是一部老少皆知的經典世界名著，它講述了15世紀末變動不安的年代中一個描繪人性善惡貪婪與純真凄美的愛情故事。同時，它也是一個理想的音樂劇素材。

法裔加拿大人盧可。普拉蒙頓與意大利人李查德。科西安蒂在忠于原作的前提下，聯手花費巨資把它搬上了音樂舞臺，也成就了這一世界文明的音樂劇。

該劇1998年在巴黎連演126場，五十萬門票全數售罄，并迅速以其巨大的藝術震撼力和視聽上的極高水準，振蕩了整個歐洲藝術界。其音樂原聲唱片銷售達700萬張，劇中的單曲“美麗佳人”更是獲得世界音樂獎，《巴黎圣母院》劇在基本音樂結構中納入了大量流行音樂因子，迥異于一般傳統音樂劇，強調古典美聲的取向，在搖滾樂的包裝之下，強烈的旋律性令人百聽不厭，再加上幾位主要演員別具風格的聲音表現，更使人難以忘懷；在演員用歌聲詮釋內心感受的同時，編導也給舞者提供了相當自由的發揮空間，舞者將抽像的情感已具體化的一種表現形式展現給觀眾；堪稱一流的燈光道具制作效果也將帶給觀眾強烈震撼。

《貓》

《貓》是英國作曲家安德魯·洛伊德·韋伯（Andrew Lloyd Webber）根據T·S·艾略特（T.S.Eliot）的詩集 《老負鼠講講世上的貓》譜曲的音樂歌舞劇。自從在1981年倫敦首場演出之后，已經成為訖今以來最著名的歌舞劇之一。其中一曲“記憶”，更在全世界廣為流傳。目前，《貓》是世界上票房最高的舞臺劇，也是在美國紐約百老匯和英國倫敦西頭連續公演最長的舞臺劇。

《貓》是音樂劇歷史上最成功的劇目，曾一度成為音樂劇的代名詞。該劇創作于1981年，是在倫敦上演時間最長、美國戲劇史上持續巡回演出時間最長的音樂劇，1981年5月11日首演于倫敦西區新倫敦劇院，每周8場，星期一休息，連續演出至2002年5月11日在它21歲生日時，在同一個劇場落幕。《貓》在美國演出時間相加總長為16年零2個月，僅這一出戲在全球演出的總收入就超過了20億美元，到2000年6月該劇正式宣布停演時，已在全球演出了6000多場。該劇創作精良，表演水平精湛，36位出場演員各有各的絕活，片中的老貓格里澤貝拉由大家熟悉的依蓮娜·佩吉扮演，她被一些媒體稱為英國音樂劇“第一夫人”。

《貓》中的角色：“領袖貓”。貓族中的首領，充滿智慧和經驗，他必須出席一年一度的貓會，并最后決定哪一只貓能夠升天獲得重生；“迷人貓”，劇中成熟女性的代表，全劇舞會高潮時她是領舞者，在青藍色調的光線下，惟有她的紅色皮毛洋溢著溫暖；“魅力貓”。年輕時是貓族中最美麗的一個，厭倦了貓族的生活到外面闖蕩，但嘗盡了世態炎涼，再回到貓族時已丑陋無比——她的樣子最像人類，長發披肩，身穿黑色晚禮服，腳蹬一雙高跟鞋。一曲《回憶》平息了所有貓兒對她的敵意，喚起了對她的深深同情和憐憫。還有“富貴貓”、“保姆貓”、“劇院貓”、“搖滾貓”、“犯罪貓”、“迷人貓”、“英雄貓”、“超人貓”、“魔術貓”等。這群五花八門、各不相同并被擬人化了的貓兒組成了貓的大千世界。在舞會上，它們各顯身手；或歌或舞或嬉戲，上演了一出蕩氣回腸的“人間悲喜劇”，訴說著愛與寬容的主題。

《貓》中的舞蹈和音樂相當突出。為了傳情達意，編導們不惜用了大量的舞蹈場面來表現貓的不同特征和性格。這里既有輕松活潑的踢踏舞，又有凝重華麗的芭蕾舞，還有充滿動感的爵士舞和現代舞。怎么好看怎么編，沒有框框，別具匠心，不拘一格。尤其是那段長達十幾分鐘的“杰里克舞會”的舞蹈，場面宏大，激情澎湃，讓人看得如癡如醉。

《貓》的舞臺也極精彩。它的設計概念是“從貓兒眼里看到的世界”。觀眾可以從自己坐的座位角度看到一個垃圾場，上面堆放著1500多個牙膏皮、碎碟子、壞信用卡、可樂罐、廢棄的汽車等等各式垃圾，全部都按照貓眼中的尺寸放大。臺上還有一座重達5噸的天橋，供貓兒上下戲耍，演出時橋下有三個工作人員躲在里面控制煙霧、燈光、變出“魔術貓”。《貓》的服裝全按各個貓兒的形象特征來設計，共有250多套，上面逼真地繪出了不同年齡、性別的貓的膚色和皮毛花紋，每個演員都被畫成了一個與其身份相符的貓臉，再配上30多個不同色澤和質感的假發，活靈活現地裝扮出了一只只性格各異的貓兒。

《托斯卡》

.普契尼創作的歌劇。3幕。作于1900年，同年在羅馬首演。劇本由賈可薩和伊利卡根據薩爾多的戲劇改編。在這部歌劇中，普契尼注意音樂的感情渲染和戲劇性效果，全劇始終強調聲樂的重要性，有許多精彩唱段。例如第二幕托斯卡的詠嘆調，為了藝術，為了愛情。第三幕卡瓦拉多西的詠嘆調，星光燦爛。劇中人物性格的刻畫很深刻，有很強的藝術感染力 普契尼的歌劇繼承意大利真實主義歌劇流派的傳統，題材大都取自現實生活，反映普通人的遭遇，特別突出深受生活煎熬、具有辛酸經歷的各種各樣的女性形象。他的創作繼承和發揚意大利歌劇注重歌唱性曲調的傳統，同時吸取了19世紀以來歐洲歌劇和交響音樂創作的新成果。他的歌劇既抒情又富于戲劇性；聲樂演唱綜合歌唱性和朗誦性音調，突破宣敘調和詠嘆調的界限；在牢固確立聲樂主導地位的同時，注意發揮管線樂隊的表現力，使嗓音和管弦樂隊織體水乳交融，推進了20世紀歌劇藝術的發展。《托斯卡》是普契尼最著名的三部歌劇之一，本文擬通過對本劇中兩首馬里奧·卡瓦拉多西的兩首詠嘆調進行分析，分析其藝術特色，從而幫助讀者更好地把握《托斯卡》中男高音詠嘆調的藝術特色和演唱要求。

詠嘆調一般出現在歌劇情節發展的重要時刻，主要表現劇中人在特定情境中的思想感情和心理活動，以此塑造人物形象，烘托戲劇發展的氛圍。詠嘆調雖然并不直接推動情節的發展，卻是歌劇中最富藝術感染力的唱段，具有很強的抒情性和旋律性。在《托斯卡》這部歌劇中，大部分的詠嘆調是戲劇性的，這對展現劇情的矛盾、推動情節的發展和刻畫人物性格都具有突出的作用。

馬里奧·卡瓦拉多西是歌劇《托斯卡》中的男主角，歌劇敘述了畫家馬里奧·卡瓦拉多西因掩護愛國志士而被忠于愛情的歌唱家托斯卡誤解，最后兩人雙雙死去的故事。整部歌劇中卡瓦拉多西有兩首詠嘆調，普契尼在烘托緊張氣氛的基礎上，利用腳本中所提供的一切抒情因素，竭力去渲染人物的感情色彩，突出了聲樂的重要性，發揮了男高音的獨特魅力。

《奇妙的和諧》是歌劇《托斯卡》第一幕羅馬畫家馬里奧·卡瓦拉多西演唱的一首詠嘆調。這部歌劇沒有序曲，只有三小節的三個和弦的最強音，用來表現警長斯卡爾皮亞狡猾而固執的性格，便立即拉開了第一幕。

卡瓦拉多西在教堂里畫著一幅圣女瑪麗·馬格達倫的神像，他熱戀的女友托斯卡動人的身影一直浮現在他的腦海里，他的一面作畫，一面浮想聯翩，他的遐想就像大海的波濤撞擊著他的心靈，突然他發現他心愛的托斯卡的倩影在他的畫布上油然而生，這個驚奇的發現使他激動不已，他情不自禁地唱出了《奇妙的和諧》這首詠嘆調。

此曲旋律優美動聽，是簡單的三段體結構。第一段的前兩句旋律平穩諧和，表現了他那驚奇的發現，使他發出了輕輕的而激動的贊嘆聲。從第三句開始直到第一段結尾，旋律上運用了連續大跳的手法，表現了卡瓦拉多西對畫布上的托斯卡的贊美，唱出了他心中的愛情，唱出了他內心的激動和愛的美好。第二段為3/4拍，共計四小節，像是在自言自語，贊美藝術的神奇。第三段又回到6/8拍，再現了第一段的旋律，接著使音程展開，把旋律推向高潮，展示了在卡瓦拉多西的心中蘊藏著對托斯卡一樣的愛情。《費加羅的婚禮》

《費加羅的婚禮》是莫扎特最杰出的三部歌劇中的一部喜歌劇，完成于1786年，意大利語腳本由洛倫佐·達·彭特根據法國戲劇家博馬舍的同名喜劇改編而成。

《費加羅的婚禮》（K.492）是宮廷詩人洛倫佐·達·彭特根據法國啟蒙運動時期喜劇作家皮埃爾·奧古斯丁·卡龍·博馬舍的同名小說改編而成的。博馬舍共寫過三部以西班牙為背景的喜劇，劇中的人物都相同。分別是《塞維利亞的理發師》、《費加羅的婚禮》和《有罪的母親》，創作于1732-1739年。《費加羅的婚禮》（又名《狂歡的一天》）于1778年首演。作品把伯爵放在人民的對立面，暴露了貴族的腐朽墮落，同時也反映出強烈的反封建的色彩，富有時代氣息，風格明快幽默，情節曲折生動，以嬉笑怒罵的語言，突出強烈的喜劇效果，是作者最出色的代表作。而在這三部劇作中，前兩部被譜成了曲，沃爾夫岡·阿瑪多伊斯·莫扎特選擇了第二部，并于1785年12月到1786年4月間創作。19世紀的羅西尼選擇了第一部。如果你還沒有看過羅西尼的歌劇《塞維利亞的理發師》的介紹，建議把這兩個故事聯系起來讀，因為這兩個故事是相互有關聯的。

博馬舍的話劇以幽默諷刺的筆法反映了當時社會上“第三等級”地位的上升，歌頌了

《費加羅的婚禮》劇照(11張)人民反封建斗爭的勝利。創作歌劇《費加羅的婚禮》時的莫扎特也已從薩爾茲堡大主教的樊籠中解脫了出來，正煥發出前所未有的創作激情。莫扎特的歌劇保留了原作的戲劇宗旨，在作品中對伯爵妄圖恢復農奴制的作法加以撻伐，表達了對自由思想的歌頌。

1786年5月1日《費加羅的婚禮》在維也納國家劇院首次公演，30歲的莫扎特親自指揮。1824年5月10日，在紐約國家公園劇院，以英文歌詞演出。

莫扎特創作的四幕喜歌劇《費加羅的婚禮》描寫了伯爵府的仆人費加羅馬上要和女仆蘇姍娜結婚了，費加羅正歡天喜地地準備婚事，誰知蘇姍娜告訴他，伯爵送他們的婚房是不懷好意，是存心要占她的便宜，仍然要實現他假惺惺地曾經宣布要放棄的對奴仆婚姻的“初夜權”。費加羅聽后恍然大悟，二人決心和伯爵斗一斗。另有一老管家瑪切林娜癡心地想要嫁給費加羅，并以一張債據作為要挾，給她出主意的是老醫生巴托洛，十年前，就是因為費加羅幫助伯爵打敗了想娶貴族小姐羅西娜為妻的他，而使羅西娜成為了伯爵夫人，所以，醫生一直對費加羅懷恨在心，如今，到了報仇之時了。府中另有一翩翩少年凱魯比諾，成天到處播撒情種，和一個成天以散布謠言為己任的音樂教師巴西利奧，加上一個糊里糊涂的法官和一個整天醉醺醺的花匠。當然，還有那獨守空房的伯爵夫人。各路角色齊登場，貴族和平民的較量就此開始。最后，屬于第三階級的聰明勇敢的平民，終于讓偽善荒淫的伯爵當眾出了丑。博馬舍是18世紀后半葉法國最重要的劇作家。博馬舍喜劇的出現意味著古典主義喜劇向資產階級喜劇的過渡完成。1789年，資產階級革命爆發。資產階級意識到戲劇作為宣傳手段在革命中的作用，提出“戲劇應該教育民眾”的口號。革命派還有意建立人民劇院。1791年1月31日，立憲議會公布取消王室的戲劇審查制度，答應演出自由。本年內有數十家劇院呈請開業，其中的共和國劇院以專門演出支持革命的新劇目而聞名。這時期創作了大批配合或直接宣傳革命和革命戰爭的悲劇和時事劇。資產階級革命使演員終于獲得了公民權，徹底結束了過去受歧視被欺侮的悲慘處境；成立了保護劇作者合法權益的劇作家協會。博馬舍的《費加羅的婚禮》是他在十八世紀三十年代創作了總稱為“費加羅三部曲”中的第二部，于1784年4月27日在巴黎法蘭西劇院首演，其時法國正處于大革命的前夕，這部喜劇對揭露和諷刺封建貴族起了很大的作用。雖然這部喜劇在整個歐洲都獲得好評，但奧地利皇帝約瑟夫二世卻禁止在維也納上演這一劇目。

莫扎特所請的腳本作家洛倫佐·達·彭特是當時的宮廷詩人，由于他多次出面爭取，最終皇帝于第二年為了緩和國內的一些沖擊而口頭批準改編后的歌劇可以上演。莫扎特用了一年時間譜曲，他在創作這部歌劇時保留了原作的基本思想，那愚蠢而又放蕩的貴族老爺同獲得勝利的聰明仆人之間的鮮明對照即為整個劇情發展和音樂描寫的基礎。

1786年，《費加羅的婚禮》于維也納奧地利國家劇院首演。由于此劇題材敏感，上演期間國內的貴族大為憤慨，皇帝個人雖然很欣賞這部作品，但迫于壓力，曾多次要求莫扎特刪改內容。德語版本于1790年在柏林上演。

《費加羅的婚禮[1]》是莫扎特眾多歌劇作品中最為著名的一部，是莫扎特歌劇中的顛峰之作，也是中國樂迷最為熟悉的一部，創作于1786年的這部歌劇，是欣賞莫扎特歌劇的入門之作。

《費加羅的婚禮》至今仍是各大歌劇院上演次數最為頻繁的歌劇之一，有如天籟的歌聲和錯綜復雜的男女人物關系，宛如角力般、層出不窮的小計謀和角色錯亂的對白，至今仍是許多觀眾念念不忘的經典。讓人眼花繚亂的進行速度，帶出男女之間你來我往的情境、種種約定承諾造成的混亂情形、還有誰對誰唱情歌、誰看誰卻不是誰的有趣故事。隨著近代舞臺的技術進步，每一次觀賞此劇時都有全新的體會。

第三篇：歌劇欣賞

歌劇欣賞

——淺析歌劇

歌劇是一門集戲劇，詩歌、舞蹈、舞臺藝術和音樂等為一體的綜合藝術，它包括輕歌劇、喜歌劇和正歌劇。

歌劇經歷了兩百多年的歷史，它的成長充滿了高貴、華麗的氣息、場面的宏偉、史詩性的詠唱、鉆石般的人聲，變化絢麗。這種藝術形式的存在與發展無疑是人類文明中的瑰寶。近代西洋歌劇產生于十六世紀末的意大利，后逐漸流行于歐洲各地。辛亥革命以后，尤其在1930年代，也有把中國宋、元以來的戲曲，稱為歌劇或舊歌劇的。

這個學期的課程，我們欣賞了《卡門》、《圖蘭朵》、《茶花女》、《江姐》這四部歌劇，既有西洋歌劇，又有中國的歌劇，還有有明顯中國特色的西洋歌劇。這四部歌劇中給我印象最深的是《卡門》。

四幕歌劇《卡門》是梅拉克和阿萊維根據梅里美的同名小說改編的。這部歌劇是世界上最著名的歌劇之一，也是19世紀法國歌劇的最高成就。它以其生動鮮明的音樂語言、豐富巧妙的和聲配器手法以及強烈感人的戲劇性發展，把作品的主題思想表達得淋漓盡致。《卡門》是一部生動的音樂文學，它用音樂鮮明地刻畫出性格相異的人物形象，并且集中刻畫了卡門熱情潑辣、酷愛自由的性格。《卡門》的音樂始終緊密配合著舞臺動作，中間沒有靜止的音樂場景。劇中進行曲、詠嘆調、舞曲等交替出現，樂曲爽朗流暢，具有熾熱的西班牙音樂特色。所有這些音樂又通過嚴謹的戲劇邏輯組合為一體，緊湊而簡練，表現了真實的生活，使其成為雅俗共賞、具有深刻思想內容的一部偉大作品。這部歌劇具有重要的社會現實意義，比才通過對女主人公卡門獨立不羈的性格刻畫，強烈地反映了資產階級個性解放的思想，滿腔熱情地謳歌了自由，體現了他對全部生活的堅定信念。

《卡門》最深刻的獨特性就是運用了三種不同的因素：民間因素、喜劇因素和悲劇因素，并成功地將三者融為一體，所以作品的一致性是最先引人注目的特點。《卡門》的旋律緊湊，節奏充滿活力，人物的性格描寫逼真細膩，因而造成許多戲劇高潮，從而深刻地揭示了作品的悲劇性。它具有獨特的音樂特色，是音樂與戲劇的完美結合，帶有強烈的民族音樂色彩。

通過這學期歌劇欣賞課的學習，讓我對歌劇有了更深刻的認識與理解。西洋歌劇《茶花女》與中國歌劇《江姐》相比較，展現出了中國歌劇與西洋歌劇的不同于相同。中國歌劇與西洋歌劇音樂雖然同屬音樂范疇, 但是因為它們分屬于不同的民族、不同的藝術樣式。

《茶花女》的音樂以細微的心理描寫、誠摯優美的歌調和感人肺腑的悲劇力量，集中體現了中期威爾第歌劇創作的基本特點。第一幕的《飲酒歌》，是以單二部曲式為基礎的分節歌，輕快的舞曲節奏，明朗的大調色彩，以及貫穿全曲的大六度跳進的動機。威爾第應用對比手法，揭示了歌劇深刻的悲劇主題，具有震撼人心的戲劇力量。

《江姐》既以戲劇為主、符合我國的傳統欣賞習慣，又借鑒了西洋古典歌劇的創作手法、強烈表現了歌劇以音樂感人的藝術魅力;既渲染了劇中情節的發展與矛盾沖突，又給人以強烈的音樂感染力，同時，歌劇中的詠嘆調既緊密結合劇情，又充分發揮了抒情性的戲劇功能。

生成的文化背景不同。我國的歌劇可以說萌芽于二十世紀二十至三十年代的兒童舞劇，直到1942年以后，由延安秧歌劇發展而成的，具有民族特色的歌劇

《白毛女》的誕生，標志著我國歌劇的發展進入了一個新階段，對后來的歌劇創作有深刻的影響。為了與中國固有傳統戲曲相區別，此種歌劇被稱為新歌劇。到解放戰爭期間，又產生了不少新的歌劇創作。西洋歌劇與西方其他戲劇形式應該說同源異流，其產生淵源于相同的文化大背景。在西方戲劇表現中，側重于對外部客觀世界的再現和模仿，是一種通過外部客觀世界表達內部主觀世界的戲劇理論和戲劇創作，是與再現性、模仿性的西方文化精神一脈相承的。音樂體制不同，中國歌劇體制是以簡代繁、以一總萬的“ 一曲多用”制；而西洋歌劇音樂則是流動多變、以繁呈豐的“ 多曲多用”的體制。“一曲多用”與“ 多曲多用”的中西音樂的不同體制, 來源于中西方不同的美學思想與不同的文化精神及其創作原則。中國傳統美學強調寫意, 西方傳統美學注重寫實中國強調以少勝多, 強調傳神, 西方注重以多映多, 注重逼真中國主張中正平和、天人合一, 西方注重個性自由、突破掘進中國倡導抒情言志, 西方注重再現寫實。

器樂藝術不同，中國歌劇與西洋歌劇，器樂種類的不同，主奏樂器不同，指揮不同，伴奏方式不同，藝術功能不同。中國歌劇的主要藝術功能更強調服從服務于劇目的主題、人物、環境、氣氛、情感、情緒、風格等；西洋歌劇樂隊的藝術功能則更突出作曲家的音樂色彩與藝術風格。

體裁不同，西洋歌劇體裁流派，多為正歌劇，歌唱芭蕾劇，喜歌劇，大歌劇，輕歌劇，樂劇，音樂劇，古典主義歌劇，浪漫主義歌劇，民族主義歌劇，真實主義歌劇，印象主義歌劇，表現主義歌劇等。中國歌劇體裁，有多種體裁，多種題材的形式出現。體裁方面，有歌舞劇、小調劇、音樂劇、秧歌劇、正歌劇等；題材方面多在民族英雄事跡、民間故事、抗戰生活與精神等方面；形式上或就傳統戲曲形式改造、將話劇與歌曲結合、或據民間曲調填詞改編，總有作品近百部之多。

二者的區別都可以追溯為“民族性”的差異，因此，我們在學習與欣賞西洋歌劇的精華時，必須充分重視中國歌劇民族性的優長和精華，將其作為本體美學特征，不斷發揚光大，為繁榮發展中國的民族戲曲藝術而做出新的更大的貢獻。

歌劇特有的人聲與器樂的超完美結合，是音樂發展的一個重要的里程碑，相信歌劇將會在更多欣賞者的支持下不斷發展完善，音樂家為我們留下的歌劇藝術一定會有美好的未來。

第四篇：圖蘭朵歌劇欣賞（推薦）

《圖蘭朵》歌劇賞析

欣賞了歌劇《圖蘭朵》后，搜索了些歌劇的相關知識，以及《圖蘭朵》的故事背景和資料后，了解了歌劇是西歐音樂文化的重要組成部分，它是集文學、戲劇、音樂、美術、舞蹈、建筑于一體的綜合藝術。當我從這幾個方面再看此劇時，更具體的、真切的感受到這部歌劇的偉大，如此多方面的完美結合，造就了宏偉豐富的視覺盛宴。下面我將著重從戲劇文化，音樂角度進行探究。

一、《圖蘭朵》簡介

《圖蘭朵（Turandot）》是意大利著名作曲家賈科莫?普契尼根據童話改編的三幕歌劇。為人們講述了一個西方人想象中的中國傳奇故事。普契尼在寫到柳兒自刎時去世了，其徒弗蘭科·阿爾法諾(FrancoAlfano)根據普契尼的草稿將全劇完成。

該劇主要講元代美麗而冷酷的公主圖蘭朵,時刻牢記著祖先暗夜被擄走,并含辱死去而產生的仇恨,她發誓要殺盡異國王子,以王子們的首級來祭奠祖母的亡魂。于是，圖蘭朵設下了猜謎征婚的陷阱,猜中者可當駙馬,猜不中就處死。流亡中國的韃靼王子卡拉夫與父親帖木兒和侍女柳兒在北京城重逢后，即看到猜謎失敗遭處決的波斯王子和親自監斬的圖蘭朵。卡拉夫王子被圖蘭朵公主的美貌吸引，不顧各方反對來應婚，答對了這三道謎題，答案分別是“希望”、“鮮血”和“圖蘭朵”。但圖蘭朵拒絕認輸，向父皇撒賴，不愿嫁給卡拉夫王子，于是王子自己出了一道謎題，只要公主在天亮前得知他的名字，卡拉夫不但不娶公主，還愿意被處死。公主捉了王子的父親帖木兒和侍女柳兒，并且嚴刑逼供。柳兒保守秘密，告訴公主卡拉夫的名字叫“愛情”后飲刃自刎。卡拉夫借此指責圖蘭朵十分無情。天亮時，公主尚未知道王子之名，但王子的強吻融化了她冰般冷漠的心，而王子也把真名告訴了公主。公主也沒公布王子的真名，反而公告天下王子的名字叫“愛（Amora）”。

二、從戲劇文化看圖蘭朵

該劇舞臺背景極為精細大氣，人物服裝較地道，外國人穿起來頗有一股時光逆轉的感覺，首先出場的宣讀圣旨的大臣就把我震撼到了，嚴肅的妝容，那胡子，可怖的長指甲，一身官府，莊重近似殘酷的唱腔不時配合身邊人民一驚一乍、躲閃害怕，實在妙絕，比中國的戲劇更能體現古代那種人心惶惶的氣氛。不禁感受

到，妝容等外表感觀以及與配角等甚至燈光的完美配合是如此重要。人群的攢動，一雙雙互相愛撫的手，甚至一群白衣小和尚的緩行都無法讓人忽視，它能快速帶觀眾進入劇情，甚至是演員也能因為氣氛的對而更好地置身其中完美演繹，這與西方小說總是有大片的風景、場景或人物著裝描寫的道理應該是一樣的，而我以前還一直認為西方作家太絮絮叨叨。相對而言中國這方面則更注重主角，或者說太注重主角了，而缺少主角與小配角以及場景之間的交流，相比之下顯得單薄、不厚實。

而“孔夫子大人”與各朝服飾，猜謎時大臣的裝束等各種中國古代典型文化標志的雜糅，大概是著者對中國的不了解導致的意象模糊，或者是為了大多不了解中國的外國人更易理解和找到共鳴點而故意為之，那么導演成功了：各種著名的中國元素大雜燴的確更容易顯示中國味，渲染氣氛。

關于劇情方面我一直耿耿于懷于為什么Calaf王子初始是一腔憤懣，要去咒罵殘酷的公主，但在看到其美麗的容顏后，馬上迷倒，甚至做好犧牲生命，拋棄可憐的父親的準備。美貌的作用在此刻表現得如此囂張露骨，即使睿智英勇如王子也無法避免為色所迷？對此我更愿意是王子為了拯救更多人，阻止公主的復仇這一崇高愿望，然后在猜題其中感受公主的可憐與善良本性而愛上公主。

從道德方面，更無法接受的是為什么王子最后竟在看到深愛自己的柳兒被公主間接害死，而仍至死不渝的愛著殘忍的公主，并和她幸福地在生活一起，而且如此之快。（雖然我的理智認為這是必然，這樣才是歌劇所要表達的）但我的道德原則又讓我很為柳兒不平：公主身上缺少的女性的品質以及無私奉獻的美德在柳兒身上完美的體現出來了，公主與柳兒可以說分別代表了外表地位和內在美德。而英雄的王子選擇了美麗的外表。三位大臣ping、pong、pang勸阻王子去應婚時說出了我的心聲，除去地位權勢與華麗的衣飾，公主不過是一副皮囊。或許也是著者想要留給觀眾的思考吧。當柳兒深情留戀又哀傷地唱完詠嘆調《公主聽我說》自殺時，那么凄切、內斂、堅韌，我震驚地心都碎了，而英雄的王子什么都沒為她做。這大概算是英雄在權勢下的無能，在美貌下的軟弱盲目的體現吧，這會不會是普契尼向人們展示的現實主義呢。在了解到普契尼寫到柳兒自殺后便去世了，我便又希望起來，大師的結局會是什么樣子呢？

其實劇情設計的是極其巧妙的：在王子和國王、柳兒相遇時，當柳兒正要向王子表白時，卻被儈子手磨刀準備殺人的場景打斷，這一面溫情款款，一面的強勢殘酷，似乎又是在對柳兒的溫柔美德與公主的勢力殘酷作比較，讓人不禁想如果當時柳兒全表白了，王子會否以身相許報答她或是給個承諾什么的？還有在最后如果柳兒沒有挺身而出，公主逼死的是體弱的父親帖木兒，王子會如何反應，結局又如何？真正的大作編劇總是如此詭計多端，給人無限多假設想象的空間。這樣想來，其實很多棘手的問題都是柳兒幫王子解決的：照顧老國王免去王子后顧之憂；代老國王接受審問，卻死守秘密甚至獻出生命；以及連公主恐怕最先都是被柳兒的愛所感動的。在公主問她是誰給你勇氣時，她說“這是愛的力量”，唱著《隱藏在心里的愛比痛苦更堅強》，對公主說“我沉默地把他的愛給你，我雖然會失去一切，但這是心愛者最珍貴的禮物。”并肯定地預言公主懂得愛后，冰冷的心就會被熱情的火焰融化。我想沒有誰比柳兒更有資格說愛了，與王子為愛不顧一切相比，柳兒的愛是包容，堅忍而無私圣潔的。王子花園中的無意一笑讓侍女柳兒愿為其無私奉獻，而王子冒殺身危險猜謎的勇敢以及對公主的包容卻沒能使公主動搖直至柳兒自殺的偉大的愛震撼了她。

對于我的糾結，結合那個時代，我得出了三個解釋：

1、反映了那個時代無意識的性別歧視，王子就是英勇睿智的，而公主是空有美貌的，需要王子來解救，又相當于一個美麗的獎品以獎勵王子的不畏艱險，氣度宏大。女性是屈從于男性的光輝的。

2、西方人心中對中國的固有印象，野蠻殘暴、冷酷無知。

3、大概就像所有瑰麗的童話一樣，美貌是真正的愛情中萬種說不清的理由的象征，公主越殘酷無情越能體現王子的無畏，增強歌劇表現力和激烈矛盾沖突所需要的夸張和浪漫氣息。這是歌劇主題表現的需要，想要表達一種超越現實主義的對理想主義的追求。

三、從音樂角度看《圖蘭朵》

《圖蘭朵》在演唱上，用詠嘆調抒發主要感情，一首一首的永嘆調，或急或緩，或激昂或舒緩，其間用宣敘調代替以往的“獨白”來展示戲劇性的矛盾沖突。對于音樂要服從戲劇效果這一歌劇準則，我認為《圖蘭朵》處理得很好，相得益彰，不得不佩服作曲家的豐富的想象力和飽滿的創造力。從男女角色的演唱到眾人的吟唱及過渡曲都是如此地恰如其縫。中國的歌劇包括其他歌劇，雖然聽

得不多，但也知道缺少歌曲的創造，如《雪狼湖》相對有較多的空擋，缺少感染力及這邊唱罷那邊又起的緊湊感和飽滿度。

首先不得不提的是歌劇采用的《茉莉花》的旋律，這曲調在劇中多次奏響，有樂隊的，也有女聲合唱。第一次是月亮出來后，眾人合唱《月亮出來了》，遠方傳來童聲合唱《在東方山頂上有鸛鳥在歌唱》，其旋律取自中國民歌《茉莉花》。悠悠揚伴著笛子的靈動的如佛樂般地吟唱下，一群白衣小和尚提燈穿行到橋上，底下是柔和的月光照耀下百姓陶醉的臉龐，在召喚著公主，期待著冰雪消融。茉莉花本來的嫵媚、柔婉全然不見了，聽上去是那樣的凄涼悲傷。而最后在色彩明亮的皇宮里，老國王高高地坐在王位上，文武百官站立兩旁，還有許多百姓聚集在這兒，大師用嘹亮的銅管演奏《茉莉花》旋律的變體，聽上去顯得極其壯麗輝煌，營造了莊重而熱烈的氣氛，此時的茉莉花是那么地鏗鏘有力。真正的大師總是如此融會貫通，如施展魔法一樣變換著茉莉花，仿佛有了生命，給該劇染上濃郁的東方韻味。

其次是該劇最著名的詠嘆調《今夜無人入睡》。臨近黃昏，整個北京城都在尋找陌生人的名字時，王子來到公主樓塔邊，隔江而望，那首著名的詠嘆調《今夜無人入睡》也由此唱響了。我第一遍聽沒多少感觸，但是反復聽卻越聽越震撼。整個世界都沉浸在音樂中，所有人的心都隨它起舞。多明戈深情又難抑興奮的演唱著：“但我的秘密隱藏在我心中，沒有人會發現我的名字。啊，我要在你的嘴邊說??”，雄厚而有穿透力，感染著我的同時，一樣的曲調，由女聲合唱和著：“沒有人會發現他的名字，我們必須要死，天啊！死！”王子于是不安地走動，唱著“夜晚，離去吧；消逝吧，這些星星”，這一生一死的強烈對比與王子情感的曲折變化在歌中完美體現，讓觀眾也焦急揪心。

還有我最最喜歡的ping、pong、pang三個大臣的極富中國風味的三重唱。那裝束，那扇子舞的還會有整齊響亮的“啪”的一聲，是這個歌劇最富有中國特色的。他們的出場是整部劇的調味劑，調節激烈得似要崩掉的矛盾，讓觀眾繃緊的心得以放松。無論是勸阻王子，準備善后還是最后的逼供，他們總是唱著極其跳躍，快速變幻酣暢的節奏，配合三人的中國風動作，手中扇子的舞動，站位變化，有點像是中國的快板形式又有著京劇的氣勢。尤以第二幕開場，在三人房中的表演最棒。以一個臥榻的姿勢開場，接著是pong、pang兩人一人一身隨意穿

著的紅衣，一人綠衣分別唱著：“我準備婚禮”“我準備葬禮”；“紅色的囍燈籠”“白燈籠”；“香火供奉，燙金紙錢”“香火供奉，茶糖豆蔻”；“一臺紫色大轎”“一副上好棺木”“僧人的祝福”“僧人的超度”??我以此為最妙，巧妙地運用中國的習俗，輕松歡快地對比著生與死這一殘酷的較量。而后順勢ping帶頭感嘆中國的命運，懷念著美好的家鄉，厭惡質疑現在的工作。樂曲放慢，憂傷和滿滿的懷念，一聲嘆氣結束。而后又閑話起被砍頭的王子們。一系列的“再見”深刻表達了大臣對國家將滅亡的憂慮。從一個側面反映了所有人除了公主對王子的勝利的向往，拯救這個國家回到和平，百姓安樂。

四、結語

《圖蘭朵》這部優秀的歌劇，是無法道盡的，我相信它比制作它的人想要表達的更多。它總在我驚喜與自己的發現時，涌現出更多的美妙之處。作為一個以中國為背景的戲劇，里面的很多文化現象雖然都不符合中國的傳統觀念，但是普契尼及西方的藝術家們極其用心，宏觀指揮，又能精細到每一個細節：每一個意象，每一個小配角的表情和動作設計，以盡可能完美地展示這一歌劇的魅力。我們看到的是一部盛大的歌劇，而制作者們做的是最細碎復雜的準備和配合，在仰望感嘆它的壯麗的同時，我也希望我們的文藝工作者們也不畏其繁瑣與復雜，反復推敲，勇于探究，成就一部經典。用更多奉獻的心來得到更多好的作品。

第五篇：茶花女歌劇欣賞

茶花女歌劇欣賞

《茶花女》是威爾第的「通俗三部曲」的最后一部（其余兩部是《弄臣》及《游唱詩人》），它所獲意大利人的歡迎也是不亞于《游唱詩人》。

這是根據1852年法國的作家小仲馬(Alexandre Dumas)的戲劇「茶花女」(La Dameaux Camelias)而寫成。這部歌劇充滿著優美的詠嘆調，其出現密度之高，使得和比才的《卡門》一樣，成為美歌集一般，即使不太明白劇情，但絕對不會感到有「冷場」，所以，它也是很好的欣賞入門的歌劇．

威爾第的三幕歌劇《茶花女》于1853年在威尼斯進行首演，雖然由于各種社會原因而遭到失敗，但它很快就得到了全世界的贊譽，被認為是一部具有出色藝術效果的巨著，并由此成為各國歌劇院中最受歡迎的作品之一。難怪《茶花女》的原作者小仲馬要說：“五十年后，也許誰也記不起我的小說《茶花女》了，但威爾第卻使它成為不朽。”

《茶花女》的意大利名稱為Traviata，原意為“一個墮落的女人”（或“失足者”），一般均譯作“茶花女”。歌劇描寫了十九世紀上半葉巴黎社交場上一個具有多重性格的人物--薇奧列塔。她名噪一時，才華出眾，過著驕奢淫逸的妓女生活，卻并沒有追求名利的世俗作風，是一個受迫害的婦女形象。雖然她贏得了阿爾弗雷德·阿芒的愛情，但她為了挽回一個所謂“體面家庭”的“

榮譽”，決然放棄了自己的愛情，使自己成為上流社會的犧牲品。

劇情：薇奧萊塔原是周旋于巴黎上流社會的名妓，為青年阿爾弗萊德真摯的愛情所感，毅然拋棄紙醉金迷的生活，來到巴黎近郊與阿爾弗萊德共同釀造愛情的蜜。但是，阿爾弗萊德的父親喬治歐激烈反對，強要她承諾與他的兒子斷絕來往。為了顧全阿爾弗萊德的家庭和幸福，她決心犧牲自己的愛情，忍受著內心的極大痛苦，重返風月場。阿爾弗萊德誤以為她變了心，盛怒之下，在公開場合羞辱了她。薇奧萊塔信守對喬治歐的諾言，未向自己的情人道破真情，但患有肺病的身體承受不了這一致命打擊，就此臥床不起。不久，喬治歐良心發現，把全部真情對兒子言明。但當阿爾弗萊德回到薇奧萊塔身邊，她已經奄奄一息了，疾病和不公正的社會奪去了她的愛情和生命。

音樂以細微的心理描寫、誠摯優美的歌調和感人肺腑的悲劇力量，集中體現了中期威爾第歌劇創作的基本特點。序曲采用第二幕中的愛情主題和下行的悲愴動機，對全劇作了提綱挈領的概括。第一幕的《飲酒歌》，是以單二部曲式為基礎的分節歌，輕快的舞曲節奏，明朗的大調色彩，以及貫穿全曲的大六度跳進的動機，表現阿爾弗萊德借酒抒發他對真誠愛情的渴望和贊美，洋溢著青春的活力。薇奧萊塔的詠嘆調，則表現女主人公復雜微妙的心理矛盾。前半部分表現她初次感受到愛情時內心的波動，音調誠摯、直率；后半部分表現她對愛情的大膽追述和渴望，大跳的音調反映了她內心抑制不住的喜悅。終場的二重唱，是一個感人的音樂場面，第一段中近乎口語式的急切語調，是這一對久經磨難的情人終又重逢時狂喜而激動心情的描寫；第二段的分節歌洋溢著浪漫曲的抒情氣質，抒發他們對愛情和幸福的向往。但后來，與阿爾弗萊德熱情奔放的旋律交織一起的微奧萊塔聲部中，出現了半音滑行的痛苦呻吟的音調，并逐漸發展擴大，最后占據了主導地位。威爾第應用這種對比手法，刻劃了垂死的薇奧萊塔對愛情至死不渝的追求，揭示了歌劇深刻的悲劇主題，具有震撼人心的戲劇力量。

出場人物：

薇奧列塔（茶花女，女高音）

阿爾弗萊德（薇奧列塔的情人，男高音）

亞芒（阿爾弗萊德的父親，男中音）

弗洛拉（薇奧列塔的女友，女高音）

加斯東子爵（阿爾弗萊德的好友，男高音）

杜弗男爵（阿爾弗萊德的情敵，男低音）

阿尼娜（薇奧列塔的女仆，女高音）

格倫威爾醫生（男低音）

此外還有男仆、郵差、斗牛士、吉卜賽人等