第一篇：二年級美術第五課教案2

第三課：《小掛件》

（1）課時

教材分析：

本課是《義務教育美術實驗教科書（一年級下冊）》的第七課《小掛飾》，其課型為綜合?探索練習。這對一年級學生來說，是一種造型表現上的飛躍。它既增加了學習的難度，又增強了學生學習的趣味性和技巧性。

教學目標：

1、根據學習任務收集準備相應的工具材料。

2、將收集、加工后的什物串起來，制作1—2串掛飾。

教學重點：

通過學習認識小掛飾的造型特征和特點，掌握制作小掛飾的方法。

教學難點：

能否安全并熟練的操作使用工具。

教學準備：

1、教師：各種掛飾及圖片，膠水，針線等材料。

2、學生：收集彩色紙，吸管，落葉，紐扣，貝殼針線，透明膠等工具材料。

教學過程：

（一）欣賞、討論

1、教師出示一些掛飾的實物，如項鏈、手鏈、腳鏈、腰帶、耳墜、包飾、手機飾品、鑰匙墜、風鈴、信插……

2、小朋友，你們見過這些東西嗎？你知道它們是用來干什么的嗎？

3、它們有個共同的名字叫“掛飾”！

4、哪些物品可以稱為掛飾呢？

（二）游戲

1、那么我們就用這些小掛飾來裝點一下教室、自己和同學吧！

2、學生任意挑選一個喜歡的小掛飾，把它放在合適的地方，如：?掛在自己或同學的脖子、手上?掛在書包上?掛在教室的各個角落?掛在鑰匙上……

你覺得誰掛的既合適又漂亮？?學生欣賞大家的裝飾，相互評價。

（三）演示

1、教師出示制作小掛飾的材料：彩色小紙片、線、一個小鈴鐺等。

第二篇：美術第五課教案

第5課 美術作品可以什么都不像嗎——走進抽象藝術

一、教材分析

（一）教學目標

本課是具體了解和認識三大美術類型中的第三種類型——抽象藝術。作為人類三種主要藝術類型之一，抽象藝術也是人類認識和把握世界的一種重要方式，只不過它使用的是純粹的藝術語言，這是它與具象藝術和意象藝術的區別所在。因此，本課的教學目標主要是讓學生對抽象藝術的兩種基本形態（冷抽象和熱抽象）、美術走向抽象的簡單過程以及抽象藝術的語言和藝術上的美有一個大致的了解，不必求全。

（二）內容結構

本課主要包括四個部分。

第一部分講述的是現代抽象藝術的奠基人、俄國藝術家康定斯基“發現”抽象藝術的故事。本課旨在通過這個故事說明，抽象藝術作為一種獨立的藝術形式是通過人們的“發現”產生的。這里有兩點需要注意：1.抽象藝術和具象藝術、意象藝術不同的是，它不直接表現任何現實中的可視物，但不能因此說它與現實就沒有任何關系，可以說，任何藝術的終極對象都是現實。2.抽象藝術所使用的語言是非現實的，是藝術本體語言的純粹表達，其中包括點、線、面和色彩。這些需要教師在講課中加以說明。

第二部分“兩位抽象藝術家，兩種抽象藝術”。

第三部分“藝術為什么會走向抽象？其藝術美有哪些表現？”簡單介紹了美術的基本分類方法，學生對此有一個大致了解就可以了。

第四部分“誰都能創作抽象藝術嗎？”以美術的三大功能為基礎，說明美術鑒賞不僅是對知識的學習，更重要的是對培養學生認識世界的能力、審美的眼睛和健康的審美情趣以及未來的人生發展，都具有十分重要的意義。

（三）教學的重點與難點

本課教學的重點在于“培養審美的眼睛”，掌握美術鑒賞的一般方法，認識美術鑒賞對于個人未來人生發展的重要價值和意義。

本課教學難點，主要是如何結合實例講清美術的主要分類方法、美術鑒賞的概念和美術鑒賞的一般過程或方法。

二、教學內容資料

（一）作品分析

即興之31（油畫，1931年）康定斯基（俄國）

康定斯基出生于莫斯科，父親是茶商，幼年時期與父母居住在羅馬和佛羅倫薩，后來回敖德薩。少年時起就畫畫，寫詩，彈鋼琴，拉大提琴。曾在莫斯科大學獲得社會科學和法律學的學位。1896年，即康定斯基30歲時，決意學習繪畫。在慕尼黑美術學院學畫直到1900年，此后即開始了活躍的藝術實踐活動。

康定斯基倡導即興作畫，以表現藝術家的需要。他認為精神因素是藝術中最重要的東西，藝術不是對自然的模仿或精心制作，而是內心的需要。“藝術就像自然、科學、政治一樣是一個自足的領域，它受到適合自己需要的自身規律的支配”。尋找這個規律正是畫家終身奮斗的目標。他特別強調繪畫同音樂的結合，音樂在所有的藝術種類中是最抽象的。康定斯基在《論藝術的精神》一書中詳盡論述了音樂與繪畫存在著的深刻聯系。在康定斯基看來，繪畫必須創造出一個與自然對象相和諧的新的現實。繪畫中的色彩猶如音樂里的音符，它本身就能夠打動觀眾。畫家以這種抽象藝術來表達自己的內心世界，在觀眾中喚起音樂所產生的那種難以用語言表達的藝術情感。康定斯基追求繪畫的音樂感，最后發展出情緒性的抽象繪畫。

康定斯基的抽象作品帶有很強的個人情感，因此有人稱他的藝術為“熱抽象”藝術。他的抽象作品大都完全脫離了客觀對象，為避免標題給觀眾的引導性聯想，他常常像音樂作品的標題那樣給自己的畫取上“即興”、“作品X號”等名稱。

百老匯的爵士樂（油畫，127厘米×127厘米，1942—1943年，紐約現代藝術博物館藏）蒙德里安（荷蘭）

荷蘭的蒙得里安始終想象著用最簡單的美術語言要素——直線和純色組成他的畫。他想讓他的藝術去揭示在主觀性的外形不斷變化的背后隱藏著的永恒不變的實在。他自己說：“我一步一步地排除著曲線，直到作品最后只由直線和橫線構成，形成十字形，??直線和橫線是兩相對立的力量的表現；這類對立物的平衡到處存在著，控制著一切。”他從大大小小的原色塊和矩形直角形狀的組合中尋求所謂“表里平衡，個性和集體平衡，自然與精神、物質與意識的平衡”等。他認為這才是反映了宇宙最本質的客觀法則。人們稱他的這種抽象畫為“冷抽象”，也稱幾何風格派。

《百老匯的爵士樂》是蒙德里安最著名的作品之一，也是他極少直接來自現實感受的作品之一。在這幅作品中，蒙得里安把他對紐約百老匯音樂的感受和認識用他自己的語言方式表現出來，創作出了一種視覺音樂。像銅管樂器一樣明亮的黃色線，在霓虹燈光般的紅色、藍色、灰色小點的閃爍下，呈現出一種爵士樂的節奏感。我們還能感受到紐約最繁華的百老匯夜晚的嘈雜。密如蜘蛛網的垂直和水平的線條，很容易使人聯想到百老匯街都是直角相交的道路。

《紅樹》(油畫，1908年)蒙德里安(荷蘭)《灰樹》(油畫，1912年)蒙德里安(荷蘭)《開花的蘋果樹》(油畫，1912年)蒙德里安(荷蘭)蒙德里安(1872—1944)荷蘭畫家，生于荷蘭阿姆爾弗特，卒于美國紐約。父親是一位喜愛繪畫的小學校長，他從小受父親的影響而喜歡繪畫，并向父親和畫家叔父學習繪畫。17歲時取得了小學繪畫教師資格證書，三年后又拿到中學繪畫教師資格證書。1892年他來到阿姆斯特丹，進入國立美術學院開始正式嚴格的寫實繪畫訓練，成為頗受教師賞識的基本功扎實的好學生。1908年前，他畫了大量的寫實風景畫，其筆法肯定、形象概括，具有很高的藝術水準。1908年后，他開始探索新的表現手法，1911年底他來到巴黎，馬上受到立體主義影響，并開始以“樹”為題不斷探索抽象化的表現。

1914年后又放棄立體主義，轉向幾何形符號式的繪畫，終于20世紀初形成獨特的純幾何形的抽象風格。最后他以繪畫的基本元素的直線直角相交構成富有節奏感的大小不等的幾何圖形，再用最單純原色的不見筆觸的色塊與其匹配，成為獨樹一幟的“新造型主義”藝術，而名揚世界。人們一見到粗黑的橫豎直線構成大小不等的紅、黃、藍、灰的方形、矩形的畫面，便知那就是蒙德里安的作品。他認為惟有這種抽象的幾形圖形形式，才是繪畫最本質的。他將以往的所有傳統技巧統統拋棄，在他的畫中不見其他任何畫派的影子，他以其新形式的作品開拓了人類的藝術眼界，引領人類追求最單純的和諧。

課本中刊載的三幅“樹”，正是從蒙德里安在立體主義影響下，以樹為題材探索不同表現形式的多幅作品中選出的。他其后又作了多幅帶著該樹“影子”的更加抽象的幾何圖形的畫作，以至1913年的《線與色的構成》、1914年的《構成6號》等作品已是純抽象的幾何圖形的作品了。如果將這些作品排列起來，可以明顯地感受到由具象到抽象的探索過程。

《紅樹》創作于1908年，是蒙德里安脫離傳統寫實畫法、開始探索表現性新藝術形式的初始作品，從其筆法和用色來看，顯然受到凡高的影響。

《灰樹》創作于1912年，是蒙德里安來到巴黎后受到立體主義影響，按照立體主義的分析方法，舍棄三維空間、追求平面性構成、注重構圖的平衡、探索更加抽象化的表現。他將樹的枝干形態概括為抽象化了的各種弧線交叉的構成，但仍保留樹的形象及樹形的完美。畫面呈冷灰色調，由于其有力的線條和堅實的筆觸，畫面給人以張力強烈的藝術感受。

《開花的蘋果樹》創作于1912年，是畫家繼《灰樹》之后探索將樹更加簡化和抽象化處理，從形式上尋求最本質的構成之作。畫面上的樹則變成了是一些已經失去樹枝形態的弧線，成為幾近純抽象的繪畫。這只是畫家在步入純抽象繪畫創作前的腦中仍存有樹的影子的抽象表現的作品。可以說這件作品是蒙德里安創作轉入直線直角構成的抽象作品的引線，此后便步入了純抽象的直線構成的創作了，他找到了自己風格，開創了一片新的藝術天地。

尼金斯基（油畫，116.9厘米×89.5厘米，1950年，美國私人收藏）克蘭（美國）

弗朗茲·克蘭（1910—1962），原是專畫人物和帶有社會現實主義味道的城市風景畫家，直至1950年之前，他仍在埋頭研究倫勃朗和哥雅等人的傳統繪畫。1949年他開始將黑白素描運用于大型抽象構圖中，創造了一種具有很強個性特色的抽象畫，后來，很快又趨向極端。畫法基本上與波洛克同出一轍，即下意識地進行作畫，但畫上出現類似我國書法樣子的漢字偏旁或局部筆法，然后加以放大，將這些筆道粗實的書法式圖形以黑白分明的對比強烈地表現出來。

作這種書寫式抽象畫時，克蘭用的是印度墨汁，后改用廣告色或油漆，用大刷子作畫。1949年克蘭畫了一幅速寫人像《尼金斯基》，翌年他按照這幅《尼金斯基》又畫了一幅用黑色迅速構成的抽象畫，黑色被“舞文弄墨”地創造出一個似是而非的形象，效果極佳，使他大為欣慰。此后，他盡量加大畫面，讓抽象的黑色筆道飛舞得極其磅礴。

白上白（油畫，1918年）馬列維奇（俄國）

俄國畫家卡齊米爾·馬列維奇（1878—1935）是“十月革命”前夕俄國“至上主義”運動的創始人之一。大約在1913年，他用鉛筆在白色底上畫一黑方塊，排除了他早年掀起的俄國立體—未來主義風格。照他自己的話說，“要把藝術從物體的重壓下解放出來”。在他寫的《非客觀的世界》一書里，他說道：“客觀世界的視覺現象本身是無意義的，有意義的東西是感覺，因而是與環境完全隔絕的，要使之喚起感覺。”馬列維奇稱這種觀點為“至上主義”。

作品36號（油畫，1953年）波洛克（美國）

杰克遜·波洛克（1912—1956）是美國抽象表象主義的代表人物，也是二戰以后第一位有國際影響的美國藝術家。他徹底打破了傳統架上繪畫的觀念，在材料、技法和思想上都有新的突破，為現代繪畫開創了一個嶄新的局面。

波洛克出生于懷俄明州，是家里五個孩子中最小的一個，在南加利福尼亞長大。他最初對雕塑有興趣，但不久就把注意力轉向繪畫。17歲開始在藝術學生聯盟跟隨托馬斯·本頓學習。20世紀40年代中期他開始創作一些抽象的作品，仍采用傳統的畫筆作畫。他這時的作品有力度，色彩濃重，形象帶有一種暗示性。接著他首創了著名的滴灑繪畫。波洛克先將大畫布直接鋪在地上或釘在墻上，將油漆和顏料以各種工具滴灑在畫布上，滴灑的過程主要依靠藝術家的手勢，顏料隨手的動作或身體的動作而自由滴灑在畫布上。最后，根據畫面的需要再添加沙子、顏料或其他材料。

波洛克的這一創造為藝術打開了一個新的局面。他突破了傳統畫筆、畫布的觀念，不用筆而采用其他任何工具，畫面沒有傳統繪畫的布局和構成，顏料布滿了整個畫面，給觀眾造成視覺的沖擊力，開創了一種新的視覺語言。其次他選用了新的材料，用油漆、沙子或其他任何材料來進行創作，其作品的表面出現新的肌理，產生了獨特效果。畫架、畫框、畫筆、油畫顏料等傳統工具材料均被他放棄，藝術創作有了更多的自由。因此，在波洛克之后，美國現代藝術獲得了突飛猛進的發展。

隱現3X（綜合材料，1986年）斯特拉（美國）

弗蘭克·斯特拉（Frank Stella，1936—）出生于馬薩諸塞州的邁爾登市，曾在馬薩諸塞州安多富的菲里普斯學院和普林斯頓大學學習，1958年移居紐約，20世紀60年代成為反對抽象表現主義的后繪畫抽象派的重要人物之一，并在歐美各地四處舉辦展覽。起初，斯特拉放棄了三維空間形象，用各種方法來強調繪畫的平面性，后來他開始用各種形狀的畫布來作畫，其中的形象變成了色條與色條的交叉和相匯，目的是創造一種“無關系”的繪畫，這與當時的“初級結構”和“極少主義”藝術家十分接近。以后他又在這個基礎上把材料擴展到金屬和工業漆、金屬漆等方面。其作品一般非常巨大。這里的《隱現3X》就是其中的代表之一。

26—4—94（油畫，1994年）趙無極

趙無極（1920—）江蘇南通人，1935年考入杭州國立藝術專科學校，師從林風眠和著名油畫家吳大羽。畢業后留校任教。1948年趙無極赴法留學，一直在巴黎從事美術研究和創作。趙無極藝術視野開闊，善于從各方面吸取營養，且不斷超越自我。

20世紀50年代正是西方抽象藝術方興未艾的時期，也是趙無極在藝術上的轉折期。面對當時西方抽象藝術的滾滾洪流，趙無極也開始考慮自己的藝術發展道路。他最終在西方抽象藝術和中國的水墨畫之間找到了一個合理的結合點，形成他抒情、詩化和充滿神秘感的抽象藝術，這在當時的西方藝術界獨樹一幟，并很快就為西方主流藝術所接受，趙無極因而成為第一位進入西方主流藝術界的華裔藝術家。趙無極藝術成就的取得無疑與他的老師林風眠和吳大羽的教導密切相關，但趙無極能自出機杼、隨機應變、獨辟蹊徑、自成一家，這與他開闊的眼界是分不開的。趙無極的作品氣勢開張、意蘊深遠，其形色舒卷騰挪、變化自如，極盡抑揚頓挫之韻律感。但這幅作品是他晚年所作，已從他以往的激動、變化、沖突轉向了平靜、和緩、沉思，真實地反映了他目前的心境。趙無極曾多次回國講學、考察，1985年還應邀專程回到母校——當時的浙江美術學院舉辦了繪畫講習班，為中國當代藝術培養了許多優秀人才。

紅窗（油畫，1964年）瓦薩雷利（匈牙利）

瓦薩雷利（Victor Vasarely,1908—？）早年畢業于匈牙利布達佩斯穆希利藝術學院，20世紀30年代移居巴黎，參加“抽象—創造畫會”，40年代開始從事視覺理論研究和創作。他創作的“光效應藝術”或“歐普藝術”吸引了許多藝術家，至60年代造成較大的影響。他通常在平面上配置各種規則的幾何圖形，經過精心的色彩處理和巧妙的安排，造成一種經過電子儀器或機械作用后的畫面效果，顯示出技巧的精致和技術美感，具有現代工業文明特點。

（二）名詞解釋 構成

簡單地說，構成就是把事物組合到一起，形成一種有組織、有結構的關系，但它常常與“構成主義”聯系在一起。構成主義（Constructivism）是20世紀重要的美術流派之一，有廣義和狹義兩個方面。廣義而言，它是由英國美學家里德提出的一個雕塑美學概念。法國雕塑家羅丹（Francois A.R.Rodin，1840—1917）曾經認為，世界可以分為“可知世界”和“不可知世界”兩部分，每一件藝術作品都應該包含有后一種成分。里德繼承了羅丹的這一藝術理論，把現代雕塑分為兩種基本類型，一種是“構成主義”的，另一種是“有機的”。“構成主義”主要憑借工業上使用的原材料如金屬、塑料、玻璃等，構成各種幾何形式，以表現雕塑藝術的形式美。然而，里德又認為，實際上，在藝術欣賞中我們又分不清一件藝術品究竟是屬于“構成的”還是“有機的”，因此，只能求助于精神分析學的“集體無意識”理論來加以分析。這種以“構成主義”的概念來描述某種藝術類型的作法后來被廣泛應用于對其他藝術的表述。而狹義的則專指發生于20世紀初的俄國，以塔特林

（Vladimir Tatlin，1885—1953）和嘉博（Naum Gabo，1890—1977）、佩夫斯納（Antoine Pevsner，1884—1962）兄弟等人為代表的一個流派。

但是到20世紀之后，“雕”與“塑”或“加”與“減”的觀念已不能適應藝術的要求，或者說，人們開始從新的角度去看待這些概念，這就是“構成”觀念的形成。在這種觀念下，雕塑已變成各種木頭、金屬、玻璃或塑料構件等材料的組合或“構成”關系，這為當代雕塑以至當代藝術開拓了無限的空間。從對材料的利用的角度看，立體主義在繪畫中的實驗預示了這樣的必然結果。在1912年畢加索就設計了一個用紙和繩子制成的三度立體主義構成，同一年他又為另一個構成繪制了素描。1912年他的《吉他》和1914年的《樂器》，就是用金屬片或木頭制作的構成，形象是立體主義的，但結構卻是構成主義的。盡管處理得很粗糙，但藝術家卻以此申明了構成主義雕塑的一個基本問題——認定雕塑是空間的而不是體量的。

構成主義作為一個流派是在塔特林的領導下進行的實驗。塔特林最早與馬列維奇一起展出了他的所謂“繪畫浮雕”，但塔特林卻嘲笑馬列維奇的作品不專業，盡管他們在許多方向上是一致的，因為塔特林提出的是一種更具刺激性的信念，這種信念就是藝術家應該直接與機器產品、建筑工程和印刷及攝影的交流方式相一致，以致于強調整個社會在實用上和思想上的需要。為此，塔特林把他的藝術追求命名為“生產主義”（Productionism），這表明了他將藝術與社會需要相結合的愿望。這種愿望與當時人們力圖創造一種區別于腐朽的資本主義的古典主義、代表先進的無產階級的藝術的抱負是一致的，但是他們追求的不是政治性的藝術，而是藝術的社會化。在這種明確的觀念下，一些像嘉博、佩夫斯納、波波娃（Lyuboc Popova，1889—1924）、利西茨基（El Lissizky，1890—1941）這樣的藝術家都站到了塔特林的一邊，從事構成主義的實驗。直到大約1922年，他們才在蘇聯藝術轉向社會主義現實主義之后，紛紛移居歐洲，對歐洲的現代藝術，尤其是通過“包豪斯”，產生了決定性的影響

構成主義藝術家嘉博堅持認為，“構成主義觀念”不是為了把藝術和科學統一起來，不是要探索物質世界的奧秘，而是要去感覺其真理。這使構成主義既沒有想成為一種藝術的抽象風格，甚至也沒有想成為一種藝術之類的東西。構成主義運動的理論家之一阿列克賽·甘曾經寫道：構成主義“不欲作出抽象的計劃，而是以具體的問題為出發點。”也就是說，他們試圖從社會便利和實用意義出發，以科學和技術為基礎，取代以前藝術家的靜態活動，創造新的動態的藝術，這成為構成主義的第一原則。因為構成主義者相信，機械的基本條件和人的意識，自然會創造出反映他們時代的美學。這使他們喜歡用兩個頗有說服力的詞匯來說明創造的辨證過程：構造的和既存的，二者綜合的結果就是構成主義的真實性。對他們而言，“構造的”，即整個觀念乃基于社會應用和方便的物質上的基礎概念——內容和形式的結合；“既存的”，即物質本身的自然傾向，在其構成和變化過程中的特殊條件的實現。這種觀念在此后的“風格派”（de Stijl）或“新造型主義”（Neoplasticism）、包豪斯、“國際風格”（International Style），以及所有追求“抽象”的藝術中，都多少有所反映。

抽象藝術

“抽象藝術”（Abstract Art）同樣具有廣義與狹義之分。從概念上說，“抽象”本身就是一個很難確定的用詞。人們在使用“抽象”一詞時也是模糊不清的，它往往在兩種含義上被使用，一方面是指非自然主義的表現，如采用夸張、變形或減少等手法來描繪一事物；另一方面則是指那種完全拋棄了任何可視自然形象的表現的藝術形式。實際上，嚴格的“抽象藝術”應是指后者，但人們在使用此詞時并非那么嚴格，如有時立體主義和野獸主義也被不恰當地稱為“抽象的”，準確說來它們至多只能是“半抽象的”。“抽象藝術”一詞由于它的含混性而并不適用于精確地描繪那種不表現具體現實可視形象的藝術形式，所以，20世紀許多藝術家都根據自己的理解為之命名，杜斯堡稱之為“具體藝術”，蒙德里安則用“新造型主義”和“非客觀的”來描繪它，另外還有“非再現的”、“非具象的”和“非傳統的”等，但“抽象藝術”一詞卻流傳最廣，盡管可能它最不恰當。

一般認為，真正的“抽象藝術”是從康定斯基1910年創作的一幅水彩畫開始的，但到底誰是第一位抽象畫家目前還難確定（或者說根本無法確定）。美國的達夫（Arthor G.Dove，1880—1946）、捷克的弗蘭克·庫普卡（Frantisek Kupka，1871—1957）、立陶宛的米科拉斯·齊馬利昂尼斯等人都是合適的人選。但不管是誰，“抽象藝術”都可以說是20世紀藝術發展的必然。“抽象藝術” 具有兩個方面的發展，這兩個方面都直接來自“后印象主義”。一方面是“色彩的抽象”，它從凡高、高更經過野獸主義、表現主義到康定斯基的最后解放，以后影響到奧爾甫斯主義、同步主義、塔希主義、非正式藝術或其他藝術、抒情抽象、行動繪畫或抽象表現主義等；另一方面是“形式和結構的抽象”，它從古典主義開始，經過新古典主義、庫爾貝、塞尚、修拉到立體主義，以后影響到未來主義、構成主義、輻射主義、至上主義、風格主義或新造型主義、具體藝術、圓與方、抽象創造社、硬邊繪畫、極少主義等。前者由于強調感情的直接宣泄、有機的形態和表現方法上的繪畫性而俗稱“熱抽象”，后者因著重于理智的結構分析硬邊、幾何化的造型和平涂的塑造方法而俗稱“冷抽象”。在推動“抽象藝術”的發展中，德國藝術理論家和哲學家沃林格于1908年出版的《抽象與移情》一書起了關鍵的作用；1912年康定斯基出版的《論藝術中的精神》一書則第一次全面系統地闡述了“抽象藝術”的原理和原則，給“抽象藝術”的發展以重大影響。

抽象藝術的產生被理論家解釋為是人類在一種與生俱來的“抽象沖動”的支配下創造的，即它是藝術家通過藝術沖動去創造具有永恒價值的藝術形式的強烈的內在要求，這種沖動可以是來自外部的刺激，也可以直接由藝術家的內心需要產生。這一術語是本世紀初德國藝術理論家沃林格（Wilhelm Worringer，1881—1965）最早提出的。他認為，現實世界變幻不定，五光十色的景象引起了人類心靈強烈的騷動不安，如果人不能認識和把握這個世界中的規律秩序，就會產生對世界的精神恐懼，因此，人有一種整理紛亂的現實、從中找到超越個別事物偶然性存在方式的內在要求，這就是強烈的抽象沖動。所以抽象沖動是人由外在世界引起的巨大內心不安的產物。但是這種抽象沖動也可以理解為文化積淀所形成的先驗心理結構內在地作用于人的情感活動，支配人類從事精神生產的結果。

至上主義

1913年馬列維奇也在著名的“靶子”展覽中展出了一批典型的“立體未來主義”的繪畫。在這些作品中，繪畫對象被以圓筒形式表現出來，形成交錯的、近乎機械的節奏，這使人們想到了萊熱那些表現工業場景和工業題材的作品。但是馬列維奇對自己作品里還殘留著主題這一不正常現象耿耿于懷，于是，他又在展覽會上展出了一幅白底上有一個黑方塊的作品，以表明他對純粹藝術的追求。照他本人的話說：“我竭盡全力要從物體的重擔下把藝術解放出來。”這是一幅鉛筆素描，是這種風格的第一個實例，也使他成為最早把繪畫作為一個絕對純幾何抽象體系的畫家，馬列維奇把這種畫稱之為“至上主義”（Suprematism）。在他寫的一本名為《至上主義：非客觀的世界》的書里，這樣解釋了他的藝術：“所謂至上主義，我指的是繪畫藝術中純感覺的至上。”他寫道：“從至上主義的觀點看，客觀世界的視覺現象本身是無意義的，有意義的是感覺——在本身中和在已被喚起的完全獨立的上下關系中。”從此出發，馬列維奇就把學院派印象主義，甚至塞尚和立體主義等都視為“自然主義”，是與“藝術”無關的，因為“客體”對世界的本質而言只是“謊言”，真正的藝術應該是與自然無關的“非客觀”的存在，而“至上主義”就是“對在時間過程中由于‘客體’的增長而早已逝去的純藝術的再發現”。

馬列維奇是一位虔誠的基督教神秘主義者，他認為，可以證明一幅繪畫是完全能夠脫離任何影像，或者脫離對于外部世界的模仿而獨立存在的，這使他的藝術具有了某種神秘主義色彩。在1915年和1923年之間，他繼續實驗了三度的素描和模型，其中研究了在三度之中的形式問題。這些抽象的三度模型所提出的問題，使“立體未來主義”成為一種過渡的風格，它不僅對以后俄國構成主義以及以構成主義為基礎的抽象藝術的成長有重要的意義，而且通過馬列維奇的弟子，特別是李西茨基，傳播到德國和西歐，影響了包豪斯的設計教學，以及現代建筑的國際風格的進程。

幾何抽象 又被稱為“硬邊繪畫”，即它是用邊緣清晰的幾何形來構成其形象的。這一概念是由美國評論家朱利斯·郎斯納于1959年提出，用以描述那些使用大面積的、平涂的、未加調和的色塊，再由精確勾勒出的邊緣加以限定的繪畫形式，這種繪畫類型從1960年以后才開始流行。評論家艾洛維給這個概念下了一個定義，他認為，硬邊的定義與幾何藝術正好是相反的，“塞尚以之成名的‘錐形、圓柱形和球形’，繼續出現在20世紀的大部分繪畫作品中。然而，即使如此，這些形式也表現得不純正，抽象藝術家們已經傾向于編排獨立的要素。形式曾一直被當作分離體來看待”，而“在硬邊繪畫中形式不多，畫面潔凈無瑕，整幅繪畫成為一個整體單元，形式展現于整幅繪畫，色調限于兩到三種，這種稀疏空曠回避了背景圖形的立體效果”。“硬邊繪畫”與更早時候的幾何傳統之間的重要區別，正是這里所引述的探尋一種完整的統一體，沒有前景或背景，也沒有“背景圖形”。這種繪畫的主要人物是凱利（Ellsworth Kelly，1923—?）、萊茵哈特、亞歷山大·利伯曼（Alexander Liberman，1912—？）等。

造型畫布

是流行于20世紀60年代美國的一種藝術表現形式，即將畫布繃在隱藏的支架上作有形的或三維形狀的表現，以使畫面產生新的張力。盡管這一形式在中世紀、文藝復興直到19世紀一直都有表現，但20世紀這種新的形式有自己的特點：(1)采用各種形狀的畫布造型；(2)畫面主題為各種幾何形的抽象組合；(3)畫面常采用各種材料向三維空間發展；(4)邊線交界明確。

抽象表現主義 “抽象表現主義”（Abstract-expressionism）一詞最初是在1919年人們用于描述康定斯基的某些抽象作品。約于1946年，美國藝術評論家柯蒂斯開始把它用于某些美國年輕畫家身上，但現在一般特指20世紀40年代末至50年代的一批具有強烈獨創性和影響力的美國表現主義藝術家的繪畫風格。由于它的主要特征是畫家在作畫過程中有意識或無意識地引入了動作，評論家盧森堡又把它稱為“行動繪畫”（Action Painting）。它還有“滴畫”（Drip Painting）和“整體繪畫”（Over-all Painting）等名稱，都是對“抽象表現主義”的不同側面和特征的表述。

“抽象表現主義”的主要特征就是主張徹底擺脫傳統美學觀和藝術觀，追求自發的、任意的個人表現，認為藝術家應當服從于自然而然的內心沖動，追求自我表現，強調藝術是作畫的行為或過程而非結果，并把這種過程看成是自我完善的手段。但是從另一個方面來說，抽象表現主義與其說是一種風格，不如說是一種思想，因為抽象表現主義者是各不相同的一些個人，除了他們所反對的和追求的總的目標比較一致外，他們的表現方法和手段卻很少有相同之處。高爾基（Arshile Gorky，1904—1948）從超現實主義中獲取靈感，創造了一種有機的抽象藝術；德·庫寧（Willem de Kooning，1904—）追求一種大寫意的抽象筆法；克蘭（Franz Kline，1910—1962）和托比（Mark Tobey，1890—1976）、湯姆林（Bradley Walker Tomlin，1899—1953）等人則崇尚東方式的書法意味。此外還有巴喬蒂斯（William Baziotes，1912—1963）、特沃柯夫（Jack Tworkov，1900—？）、馬卡雷里（Conrad Marca-Relli，1913—？）、布魯克斯（James Brooks，1906—？）等。

需要說明的是，“抽象表現主義”的出現不是偶然的，它既是美國藝術家20世紀以來不斷努力的結果，又反映了美國人一直以來的一種強烈的民族意識和競爭意識。從“軍械庫展覽”之后，美國人就激發起勢與巴黎爭雄的決心。因為從西方美術史上看，從17世紀起，巴黎就已經取代了羅馬而成為西方藝術的中心，而“抽象表現主義”的出現，則表明了西方的藝術中心又轉向了紐約。但是，這一結果卻是伴隨著強烈的政治意識而來的，在抽象表現主義的成長過程中，美國中央情報局給予了極大的支持，不僅出錢出人，而且為其大作宣傳，使之成為冷戰中美國宣傳其價值觀的工具。視幻藝術

又稱“光效應藝術”（Op Art），或直譯為“歐普藝術”，這個詞準確而形象地描述了這種藝術的特性，即它不存在任何思想上或觀念上的意圖，它的意圖只有一個，就是以各種圖形和手段在觀眾與圖像之間造成視覺上的幻覺，即一種在作品和觀眾之間造成純粹視覺反應的藝術形式。它與后來西班牙的“五十七小組”（Equipo 57）、意大利米蘭的“T小組”（Group T）、帕多瓦的“N小組”（Group N）、德國杜塞爾多夫的“O小組”（Group O）和法國的“視覺藝術探索小組”（Group de Recherche d’Art Visuel）、“藝術與技術實驗”（Expeeeeriments in Art and Technology）等都有關系。但是“光效應藝術”卻主要集中在對光的運用上，即利用人們對光的反應創作藝術品。

造型藝術與光的關系，藝術家很早就給予了關注，文藝復興時期威尼斯畫派的作品就是一個例子。后來倫勃朗的強光、維米爾柔和的自然光更是產生了迷人的魅力；印象派畫家深入探索了光與運動的關系（如莫奈在有55幅作品的《草垛》系列中，描繪了光在草垛上每隔20分鐘的變化情況）等，這使藝術家不再關心光與物體之間的關系，而是傾注于光與運動本身上。這一傾向在20世紀60年代被確定下來之后，向著兩個方向發展，一是在二維平面上利用光幻效果在作品和觀眾之間造成純粹視覺關系的藝術品，即“光效應藝術”，另一個就是對光的雕塑性使用即在三維空間中光與實際運動相結合，而對觀眾造成“虛”空間延伸的活動藝術。

這時的“光效應藝術”在像阿爾伯斯和瓦薩雷利這樣的藝術家那里達到了新的綜合。對他們來說，繪畫不再是藝術家自我表現的手段，而是藝術家用來探索一種藝術形式或視覺作用的過程。他們以色彩、結構形式上的對比、重疊、錯位、透視等手法，給觀眾的視覺以迷幻，進而造成心理上的變化。可以說，現代知覺心理學為“光效應藝術”的發展創造了無限的可能性，這種藝術就是要以不同形式要素的不同的組織方式，通過觀眾眼睛的作用所產生的視覺幻象形成心理反映。對于這一過程法國評論家費舍爾是這樣描述的：“由于組合成分之間是均等的（即保持完全的和諧），所以單色形象在結構上就具有了重要的意義。重要的是一幅畫就構成了一種蜂窩狀的結構，并且其整體也是以分格式的秩序組成的，這就有可能通過單個部分有規律的變動，加進分裂的成分或造成分割而打破這一結構的規律性。比如，造成不會影響大局的變動，而不至于使觀眾因而分散了對整體的注意，通過使用曲線、凸線、網狀線和類似曲線的手法，藝術家就可以把這種有前有后的底面變成一個緊密的整體。由于線條繁復，所以在很多情況下，要么形成一個單一的平面，要么形成兩個相同但卻無法相互分開的平面，其中一個是正面，一個是負面。在整個結構中，這些組合成分輕微分裂，導致了一種光效畸變，藉此，作品產生波動、閃爍、振動等。”

此后，各方面的努力使這一藝術形式于1964年秋發展成一個廣泛的藝術運動，其作品首次刊登于《時代》雜志。1965年2月，塞茨在紐約現代藝術博物館舉辦了題為“敏感的眼睛”的展覽，使這一藝術形式產生了國際影響，并開始應用于設計和櫥窗陳列等實用美術領域。因此，幻覺光效繪畫意義上的“光效應藝術”，到了70年代就衰落了，雖然與它有關的某些藝術家還在繼續堅持這一脈絡，或許他們當中的一些人身價已逐步提高，如瓦薩雷利繼續保持老一輩光效藝術大師的地位，雖然這時的作品與其說是構成與知覺幻覺的關系，倒不如說與印象派的幾何圖案的關系更為密切。而英國畫家賴利（Bridget Riley，1931—?），實際上也是如此，她逐步放棄了波浪形的線性幻覺，代之以組合平行線條的彩色圖案，有時可與諾蘭60年代和70年代初的繪畫相比擬。這樣，這時的“光效應藝術”已逐步退出了藝術領域，開始作為一種藝術手段進入商業領域，例如采用霓虹燈技術而發展起來的霓虹藝術，而且更重要的是，許多藝術家對這種視覺游戲已不再發生興趣，而是將他們的興趣轉向了其他與之相關的“環境藝術”和“大地藝術”去了。

三、教學建議

(一)抽象藝術一般較難理解，可以結合音樂等姊妹藝術一起來加強對抽象藝術的認識和理解。

(二)可讓學生通過具體操作，來具體體會“冷抽象”和“熱抽象”到底是怎么回事。

(三)通過不同類型的抽象藝術作品來講解抽象藝術的藝術美特征。

第三篇：人教版二年級美術教案第五課喂你好

人教版二年級美術教案第五課喂你好！

教學目標：

1、引導學生利用泥、紙盒等材料設計、制作電話機或手機，體驗材料帶來的美感。

2、通過欣賞相關資料啟發學生用夸張、變形、重組等方法，制作與眾不同的電話機。教學重、難點：

1、設計方法。

2、拓展思維。教學課時：2課時 教學過程：

（第1課時）

一、組織教學

導入課題

實驗游戲 ：取自然課的紙口杯與線制成的電話，請倆生表演打電話。揭示課題：喂，你好

二、講授新課

1、設計原則

通過圖片資料簡介電話的有關知識；欣賞一些電話機的設計，“這些電話機給你的印象？”引導學生認識到設計要新穎獨特。激發學生的興趣，“自己設計電話機。”

2、師示范設計一款喇叭花電話機，生糾正，引導生認識到設計原則：造型新穎的同時要滿足聽、說、撥號的基本功能。

欣賞達利作品《蝦形電話》、《唇形沙發》等，“是否符合新與用的設計原則。”

3、設計方法

分析作品：唇形沙發、彩色熱水瓶、一個超現實的房間

問題：“它是一個沙發,它象什么?”（嘴唇）“人的嘴唇是這么大嗎?”“它是運用了什么方法設計成沙發的。”(夸張)“這一組彩色熱水瓶圓圓的瓶蓋、扁扁的瓶嘴、胖胖的瓶身，象什么？”（企鵝）它是運用什么方法設計的。（變形）

“它是怎么設計成一個房間的？”“想想設計師是怎樣設計的。”(把人的臉通過夸張、重組的方法設計成一個特別的房間。)“設計師從哪里尋找設計資料的？他們運用了哪些方法？”

討論：“我們還可以把哪些東西變成我們的設計資料？我們還有其它方法嗎？”引導學生認識到把生活中常見的人物、五官、字母、建筑及各種自然物，通過夸張、變形、重組等方法設計電話機。

4、設計材料

問題：“可以用什么材料來表現。”指生答。

5、討論交流

“我想設計什么樣的電話機，它有什么特點。”

三、學生創作

四、展示作品

以打電話的游戲方式介紹自己的設計，交流電話給我們的生活帶來了什么。

五、收拾整理

提醒學生收拾整理工具材料，保持環境的衛生和整潔。

六、課后拓展

收集有關電話機的資料。運用綜合材料設計、制作新穎的電話機。

（第2課時）

一、組織教學

二、課堂教學

1、復習上節課知識：電話的有關知識，設計方法和材料。

2、小結：通過前面的學習，大家已經掌握了一些設計電話的方法和技巧，有沒有想過要專門為自己設計一款造型獨特的電話呢？（有）

3、分小組討論交流：你想設計一款什么造型的？什么功能的？

4、學生繪畫練習，教師巡回指導，優秀作業點評。

5、作品展示，學生自評，他評。

三、總結

大家設計巧妙，看出來同學們都是非常愛動腦筋的，希望大家今后能將自己的設計運用到生活中去，給更多的人帶來方便。

教學后記：

這節課同學們對做電話非常感興趣，讓學生自己動手做作出來的效果不錯。各種電話都有自己的特色，有造型別致，色彩漂亮。有的電話功能奇特，非常喜歡。課后小朋友可以把這些作品再相互交流欣賞。而且讓學生懂得廢物利用。通過這節課也可以發現學生的團結與合作精神。

第四篇：第五課教案2

第五課 五十六個民族是一家——民族禮儀

一、教學目標 ： 知識目標：

1、知道我國共有 56 個民族，是一個統一的多民族國家。

2、知道我國各民族平等地生活在一起，團結互助，共同繁榮，創造了博大精深的中華文明。

3、了解不同民族的服飾、民居和風俗禮儀的特點。認同并尊重不同民族的生活方式和禮儀習俗。

4、比較美國民族政策，初步了解我國民族政策的優越性，分清是非。情感目標：

使學生了解和尊重不同民族的文化，懂得“民族團結則百業興旺”，樹立為增進民族團結而努力的意識。比較美國民族政策，擁護我國民族政策。能力目標：

通過搜集信息、進行展示等活動，進一步了解民族文化，提高搜集、整理、分析和運用信息的能力。

二、教學重點

知道我國是一個由漢族和55 個少數民族組成的統一的多民族國家。各民族平等、團結、互助，共同創造了博大精深的中華文明。理解和尊重民族文化。

三、教學難點

通過搜集信息、舉辦展覽等活動，在教材解讀的基礎上，進一步了解和尊重民族文化，提高學生搜集、整理、分析和運用信息的能力。

四、教學方法

案例探究法、討論法、講授法、角色體驗互動法

五、教學手段

教材、多媒體應用、網絡資料搜集整理

六、課時安排 2課時

七、板書設計

八、課堂小結

九、教學過程

一、導入、播放樂曲《愛我中華》，會唱的同學可以跟著一起唱。、你知道“五十六個星座、五十六枝花，五十六種語言”指的是什么嗎？、小結：是啊，我國是一個統一的多民族國家。中國是一個統一的多民族國家，除漢族外還有55個少數民族。各民族平等地生活在一起，團結互助、友好往來。56族兄弟姐妹、56種語言匯成一句話：愛我中華。正因為我們中華大家庭的56個民族和諧相處，我們偉大的祖國才能鑄就輝煌的歷史，形成燦爛的文明！

二、互動場——進入“民族長廊”

我國是一個擁有著56個民族的多民族國家，關于我們的少數民族你都了解多少呢？現在就讓我們一起走進“民族長廊”，去了解一些少數民族的風俗習慣。

1、填一填，下列圖片中的人物分別來自哪個民族？

2、連一連，下列少數民族風俗習慣屬于哪個民族？

3、選一選，你認為是哪個少數民族？為什么？

4、辨一辨，下面是哪一個民族的文字？（人民幣）

三、小專家

請興趣小組進行民族介紹：語言服飾、風俗文化和禮儀規范等方面

蒙古族：（吉祥三寶）知道這個民族的全稱嗎?（內蒙古自治區）在祖國版圖上找到它了嗎?這里是北方草原上一個古老的游牧民族，祖祖輩輩馳騁在草原，精騎善射，因此也被稱作“馬背上的民族”。他們主要居住在內蒙古自治區。（中國版圖之內蒙古自治區上，該地區閃現）

新疆維吾爾族：請同學們看中國地圖，新疆維吾爾族居住在祖國的什么地方？（出示地圖新疆閃現）新疆維吾爾族自治區位于祖國的西北邊陲，在這里生活著大量的維吾爾族人民，此外還有哈薩克族、柯爾克孜族、塔吉克族、俄羅斯族、塔塔爾族等多個民族的人民也居住在這里。

藏族：是一個非常神秘的民族，他們居住在青藏高原，這里的人們信奉藏傳佛教，在他們的生活中，宗教占據了重要位置，在布達拉宮和大昭寺里聚滿了來自各地的朝圣者。看!他們口念經文行走在轉經道上；他們不知疲倦地磕長頭，還有那一盞盞永不熄滅的酥油燈，都表達著他們全部的信仰與虔誠之心。(中國版圖中西藏自治區閃現)回族：我們來看看回族分布在祖國的哪些地方?（地圖閃現）回族主要分布在寧夏回族自治區和甘肅、青海等地，回族以漢語作為本民族的語言，并保留了一些阿拉伯語和波斯語的詞匯，他們信奉伊斯蘭教，生活習俗受伊斯蘭教影響較大。

壯族：壯族是我國少數民族中人口最多的一個民族，主要聚居在廣西、云南省文山、廣東連山等地，壯族是一個好客的民族，他們信奉原始的宗教，著名的節日有“三月三”歌節。（壯族地圖閃現）

四、知識拓展延伸

美國西進運動中對待印第安人的政策，影片《與狼共舞》

凱文?科斯特納的影片在銀幕上第一次完整地再現了一個世紀前印第安人質樸純真的生活，對美國政府犯下的滅絕種族、毀滅印第安文化的罪惡進行了大膽的揭露。他不但在影片的取材上大膽顛覆以往白人至上的西部電影傳統，更通過寫實主義的手法徹底打破了種族界限，以平等的角度對少數民族進行客觀的描述和評價，對淳良質樸、勤勞勇敢等傳統美德進行了贊美，并對和平共處、友愛互助等民族相處之道給予了肯定和支持。影片中甚至對西部開拓的歷史在一定程度上提出了疑問，對野蠻的戰爭和爭斗進行了控訴。《與狼共舞》所表現出來的進步思想和深刻內涵不但得到主流社會的高度評價，在少數部族中，尤其是印第安土著中引起的反應更是空前激烈，凱文?科斯特納也因而贏得了人們的普遍尊敬。

我國處理民族關系的基本原則：民族平等、民族團結、各民族共同繁榮。

師生共同總結：在美國利用所謂人權問題攻擊我國民族問題時，縱觀美國過去及現在的民族政策，滅絕種族、毀滅印第安文化的罪惡及現在實行回避“民族”的美國民族政策。在民族權利上，中國給予了少數民族以更多的權利和自由。

第五篇：五上美術教案第五課

第五課

繪畫中的透視現象

教學內容：《繪畫中的透視現象》，教材第10-12頁。教學目標：

1.了解什么是透視，以及視平線和消失點在透視現象中的作用。掌握透視規律，能運用透視知識表現近大遠小的透視現象。

2.通過對比、觀察和分析等方法，幫助學生了解生活中的透視現象，引導學生構建繪畫中的透視規律，運用透視知識，表現近大遠小的透視現象。

3.提高學生的觀察能力和分析能力，感受透視現象給畫面帶來的美感。教學重點：初步了解視平線和消失點在透視現象中的作用，掌握透視規律，感受透視現象給畫面帶來的美感。

教學難點：如何運用透視知識表現近大遠小的透視現象。教學過程：

一、導入新課，分析透視

出示兩張風景圖片，一張平面的，一張有透視現象的。問：哪張圖片給你的空間感個強烈？

為什么呢？板書：透視現象。

二、聯系生活、了解概念

1.消失點：隨著視線的延伸，景物會逐漸聚于一點，這個點叫消失點。2.消失點的位置可以變動嗎？

小結：想突出左邊的景物，消失點就往右移；右邊的景物美，消失點就往左移。

3.視平線：通過消失點的這條水平線。視平線就是與眼睛平行的水平線，平視時，視平線與地平線重合。

4.消失線：視平線以上的景物越遠越向下，視平線以下的景物越遠越向上，景物的輪廓與消失點的連線叫消失線。

三、觀察發現規律

觀察消失線夾角處天空和道路近寬遠窄的透視現象，從而總結出樹的透視規律是一樣的。

四、新型媒材，創新表現

教師演示表現透視現象。

1.確定視平線。

2.定消失點。

3.消失線。

4.畫樹。第一棵離我們最近、看得最清楚，所以要把它畫得生動、具體。畫第二棵樹時，離第一棵樹遠一點兒，體現近疏遠密。

5.畫欄桿。

6.畫環境。

把欄桿的這一側想象成湖泊，運用透視原理畫上幾條小船，把后面想象成連綿起伏的群山，再加上太陽和云，一幅運用透視現象表現的風景畫就完成了。

五、藝術實踐、感受透視

學生創作。

第二課時

一、學生創作實踐。

運用透視知識繼續創作一幅有透視現象的風景畫，并上色。

教師巡視指導。

二、欣賞評價，課后拓展 評價要點：

1.能夠有目的地安排視平線和消失點的位置。

2.能夠運用透視現象在平面上表現立體空間。

三、小結：今天，我們認識了視平線和消失點，并運用透視現象成功地表現了一幅風景畫，你們真棒！