第一篇：精彩影評

電影推薦

假期閑來無事，尤其是在流量快用不完的前提下，看了幾部電影，給大家推薦幾個自認為比較經典的影片。

第一個：《追風箏的人》

以美國人的視角去審視阿拉伯國家的民主文明。該影片無疑是在嫁接一種美國式的民主文明，但好就好在該影片用對了載體。以一個旅美阿拉伯人的童年回憶去把美國人的價值觀自然地寄于影片之中。當片中主人公拿起風箏并對他的侄子說：“為了你，我愿意追一千次。”這不禁令我眼眶濕潤。細節就不給大家說了。看看電影吧。也許你也會有同感，想起你那兒時不舍不棄的玩伴，想起滋養你的那一片土地。

第二個：《hello，樹先生》

自己認為是王寶強的演技的全面爆發。說實話，看了一遍這個電影有些似懂非懂。但無疑的是已經被寶強牽動著每一根神經。看了看專家的影評之后才明白

這不愧讓寶強奪得海參崴國際電影節的影帝。該影片植根于改革開放的浪潮，將視角投射在東北的一個小山村。單身青年樹先生經歷讓我們唏噓不已。在改革開放的經濟浪潮中，一個普通的青年卻成了經濟騰飛的殉葬品，讓人不禁嘆息。樹先生的瘋癡，似乎在向現在的人們敲響警鐘。這么深刻的電影讓我“讀”到了魯迅先生的味道。

第三《我是傳奇》

WILL SMITH 的又一力作。當世界中絕大多數人類滅亡，而整個紐約市只有你一個人，你會怎么辦？我們的威爾當然不會閑著，拿起步槍去狩獵，去和喪尸作斗爭，去研究解藥——————但無疑威爾有時孤獨的。他是多么希望有人陪伴，就連他唯一的伙伴狗狗也被咬死時他不免絕望。我想知有威爾才能把表演尺度拿捏得這么準確。大家看看吧！聽說還有2------

第四：《陽光小美女》

聽了第十放映室的介紹才去關注這部早已獲得多部大獎的電影。各具問題的一家人，陪著自家最小的孩子奧利芙踏上了開往加州的陽光小美女選拔比賽之旅。在這場旅途中一家人發現著彼此，關愛著彼此，最終使一家人更具凝聚力。我想影片之所以能夠獲得諸多獎項應該是其關注了美國當下的許多問題。例如：青春期，破產，吸毒，同性戀，離婚------將這么多的社會毛多集中體現在一家人身上，可見導演功力。

第五：《查理的生與死》

生死問題向來是哲學家熱衷探討的的問題。你是否相信有靈魂，你是否相信上帝，你是思考過為自己為何活在這個世界上。以《歌舞青春》、《17again》走紅的美國小生扎克-埃夫隆演技顯著提升的又一叫好的電影。親情，友情，愛情。。常拍常新的的題材------

第六：《荒島余生》

奧斯卡影帝就是奧斯卡影帝，《阿甘正傳》《幸福終點站》等影片讓我就對他佩服得五體投地。而這部影片功能更讓我為之動容。現代版的魯濱遜。但我對該電影的中文名稱翻譯稍有疑義。英文 cast away 字面義應為拋掉，扔掉的意思。而電影中的主人公正是被上帝丟掉，被生活遺忘。但他并沒有服輸，沒有向命運屈服。最終還是獲得了新生。不如叫《被遺忘的人》。

第七：《博物館奇妙夜》

很奇幻的童話，很適合父子在一起共同欣賞。在每個男孩的心中父親就像一座山那樣偉岸，令人崇敬。但如果你是片中的小人物剛剛失業，老婆嫁給大款，又交不起房租-----你會怎么辦呢？你會愧對父親這一偉大的稱呼嗎?幸好一個自然歷史博物館守夜人的工作“找到”了他接下來就是奇妙的博物館之夜了。看看吧，很簡單很溫馨。

第二篇：精彩影評

精彩影評

《海角七號》觀后感：夢想只要堅持，命運終將報償

有道是“三十年河東，三十年河西”，雖然出道于娛樂圈，但人生軌跡的轉換讓我這些年一直埋頭于公司事物，已經少有閑情逸致去影院去看電影了，有時難得打開電視也僅僅限于新聞、財經類節目，以至于近來有一部叫《海角七號》的影片紅透了半邊天卻渾然不知，經不住身邊同事好評如潮的推薦，畢竟是家鄉拍的片子，起碼也可以重溫一下鄉情，因此還是忙里偷閑找來碟片看了看。應該承認這是一部很不錯的影片。

片中的恒春是臺灣南端一個非常原生態的半島，由于地處熱帶，三面都是湛藍清澈的大海，加上豐富多樣的生態資源，1982年臺灣政府將第一座“國家公園”設立在恒春鎮東邊的墾丁。可即便就是在這么美一個的地方，鄉土與現代，固守與發展之間也如同難以交融的水與油。自然資源的過度開發，鄉土傳統在現代化進程中的迷失，年輕人對家鄉情感的淡漠，仿佛是這個時代前行中無法規避的通病，“有錢人買下了飯店，也買下了海，年輕人寧愿出去給人家當伙計，也不愿意留下來。” 民意代表的一席話道出了老一輩人對本色鄉土日漸式微的憂慮與無奈。

在另一方面，在臺北奮斗15年一無所獲的主人公阿嘉，用力將象征人生夢想的吉他砸碎，載著滿腹的不甘與失落回到故鄉的故事緣起，也真實的反映出當下許多年輕人背井離鄉，到大城市追求人生夢想卻歷盡坎坷，不得不向現實妥協的社會生態。影片故事背景的設置巧妙契合了這個時代(特別是金融風暴背景下)主流人群普遍性的焦慮心態，難怪在兩岸三地引起如此廣泛的共鳴。一個寫著日據時代舊址“恒春郡海角七號番地”的老郵包，一個為了度假中心演唱會而組成的“草臺”樂團是影片推進的兩條主線，而影片情節卻簡單到用幾句話就可概括。七封寫于六十年前的老情書以感傷的日語旁白，適時地填充電影里每一個過場。兩條情節主線一喜一悲，讓人很難定義這是部喜劇還是悲劇。

或許，正是這樣的安排才更好的體現了我們這個時代的特征：一切既向前快步發展著卻又難免于失落的惆悵，內心有抗爭同時又在妥協，生活看似絕望但不經意間卻又暗藏了希望，每個受環境操縱疲于奔命人生，夢想卻始終不屈不饒頑強的生長。經過漫長一甲子的等待，老婆婆終于等到了舊情人不辭而別的答案;伴隨著那個塵封已久卻又被重新被發現的地址，阿嘉也找尋到了曾經失落的夢想與新生的愛情;穿越歷史的曲折，那艘曾經一去不返的航船，好象又悄悄開回國境之南的港口;透過泛黃的信箋，兩個無法彼此相守的靈魂，此刻卻又再次重逢?? 的確，現實當中是有太多令人無奈的迂回和曲折，但人不可能沒有夢想而活，當面對生活的遺憾時候，我們更愿意勇敢的相信，只要堅持，夢想終將得到命運的報償。

《海角七號》：七封情書光影留證 青春萬歲

故事

一個失意的搖滾青年阿嘉(范逸臣飾)從臺北回到故鄉——臺南的某海邊小城。小城里的高齡郵遞員茂伯在工作中摔傷，阿嘉臨時頂替了他的工作，也因此得到了七封遲到了60年的書信：日本戰敗后，一個日本教師在回國的途中寫給臺灣戀人友子的信。阿嘉在尋找友子的同時，無奈加入一只臨時拼湊起來的樂隊，為即將到來的海濱演唱會表演。除了阿嘉是內行，鍵盤手是個整天哼著流行歌曲、發育未完全的小女孩；會吹口音的被拉來當了吉他手；只會彈月琴的茂伯甚至也客串了一段時間的貝司手??另外，一位也叫友子的日本女孩(田中千繪飾)則負責監督樂隊的排練，她和阿嘉的關系也從最開始的格格不入開始轉變。以阿嘉的人生起伏為電影主線，滿眼是臺南的風土人情，人與人之間復雜的關系，三代人之間沖突與和解，理想的失落與再生，愛情的幻滅和追逐等豐富多元的因素都涵蓋其中。

劇照

在《海角七號》的故事中，阿嘉帶領一群外行人從一個草臺班子變成有模有樣樂隊的過程就是內核所在，不過這件事很難被稱為“青春成長事件”，因為除了范逸臣一個人還在青春的尾巴上，樂隊里就只剩下未成年少女、失意中年男和暴躁老人了，看完全片我們只能說他們的精神確實很“青春”。《海角七號》的主旋律是滑稽的，先是在毫無競爭性可言的海選中確定了樂隊的陣容，雖然在排練中屢遭不順，主力也頻頻換人，只會彈月琴的茂伯竟然變成了貝司手，在演出時大家都穿上了印有米酒廣告的T恤??

樂隊的故事當然談不上新鮮，范逸臣和田中千繪的表演只能說是差強人意，不過讓人眼前一亮的是兩個非常搶戲的配角——未成年少女大大和暴躁老人茂伯。大大其貌不揚，出落成美女的可能性不大，但是她在電梯中的一段幾乎沒有臺詞的戲完全稱得上驚艷！大大以成45度角仰望的姿勢站在電梯口，旁若無人地哼著小酸曲“情是什么玩意，只不過是玩玩而已??”那氣場強悍到無以復加，在此我們只能預祝她早日成為演技派。與大大的老成不同，茂伯就是一個胡攪蠻纏倚老賣老的暴躁老人，當他發現自己確實不能勝任貝司手的時候便主動推薦了馬拉桑，當大家同意這個意見時，茂伯卻發火了：“干！要回答地這么快嗎？不考慮就回答，我是

老年人嘢，我的心肝不是鐵打的，我也會傷心的！”最后茂伯還是為自己爭取到了搖鈴手的位置，不過他卻在排練的時候大發脾氣，還企圖當主唱，在最后關頭甚至還表演了一把月琴，用茂伯自己的話來說他“就是寶貝，惹得起嗎”？

愛情

愛情當然是每部青春電影難以回避的元素，因為那個時候的愛情是最美好的，說白了就是最好騙人眼淚的部分。《海角七號》的高明之處就在于：虛幻和現實愛情兩條線并行，一方面是遲到了60年的七封情書娓娓讀來，另一方面則是阿嘉與友子漸生情愫。

不過現實的愛情發生得太突兀，剛剛還在別人婚宴上翻白眼，一覺醒來阿嘉與友子就躺在了床上。更讓人受不了的則是阿嘉的表白，沖上去抱著友子就說“留下來，或者我跟你走”，真是白白浪費了大好海景。說來說去還是怪兩位主角演技尚嫩，沒有流暢表現出情感的起承轉合。反而是虛幻的愛情，成了全劇最濃墨重彩的一筆。配合著輕柔的音樂，七封情書用男中音娓娓讀來，時而是60年前的情景再現，時而應和的是當下的人物心情，每一封都讓人動容。尤其是最后一封——“我想我會把你放在我心里一輩子，就算娶妻生子，在人生重要的轉折點上，一定會浮現你提著笨重的行李逃家，在遣返的人潮中，你孤獨地站著，你戴著那頂存了好久錢才買的白色針織帽，是為了讓我能在人群中發現你吧！我看見了，我看見了??”當離別的情形再現，當一雙顫抖的手展開信紙的時候，沒有人不流淚的。而且片中的七封情書都是導演魏德圣自己撰寫的，字里行間流露出的真摯情感讓人為之嘆息悲傷，其優雅與綿長的氣質正是網絡時代快餐文化時代所欠缺的，尤顯珍貴。

打架

可以這樣說，沒有打架的內容就算不上真正的青春片，因為不打架不足以成長。一想起青春片中的打架戲，腦海里閃現的就是《陽光燦爛的日子》中那轟轟烈烈，彌漫著雄性荷爾蒙氣息的場面。

相比之下，《海角七號》的打架戲顯得清淡多了。值得一提的倒是這部戲里女人的粗魯，其中的一場戲就是女主角掌摑“怪伯伯”。在一場熱鬧而嘈雜的露天婚禮上，友子因為樂隊的事正悶悶不樂，旁邊的怪伯伯卻不知好歹地喊她的名字，一邊喊還一邊搖晃友子的肩膀。焦躁不安的友子隨即怒喝“不要碰我”，而對方卻借著酒膽繼續作惡。“叫你不要碰我”，友子突然火山爆發，以迅雷不及掩耳盜鈴之勢將怪伯伯拍倒在地！這場打架戲發生的如此突然，結束的又是如此干脆，令觀影者跟片中人一樣措施不及，極具帶入感。半秒之后你會發笑：怪伯伯真是冤枉！更絕的是，畫面接下來立刻切到婚禮表演的舞臺上，兩個火爆而鮮艷的泳裝女郎仿佛救場般地唱著人民群眾喜聞樂見的歌曲。兩個畫面反差如此強烈，讓人哭笑

不得。接下來，醉酒的友子更是撒潑般脫下鞋子，砸碎了阿嘉家的玻璃窗，又躺在地上打滾，又哭又罵！

音樂

沒有哪個青春期的人不會嚎上兩嗓子。于是，《海角七號》選中了范逸臣和中孝介。尤其是中孝介，他自己研習島歌(日本的一種民歌)的曲風，聲音被稱贊充滿了透明感，他的演唱有一種純凈之感，劉德華的《紅顏自閉》正是翻唱自他的出道單曲《各自啟程》。

總的說來，全片令人印象深刻的音樂場面頗多，元素也很豐富，民樂、西洋、流行一網打盡，歡快、憤懣、憂傷、甜美等情緒在音樂的表達上也稱得上淋漓盡致。大大唱小酸曲，先是未經修飾的童聲，然后音樂響起，原音跟上，重疊間讓人有了隱約的感動。然后有一段范逸臣的英文SOLO，走英倫搖滾路線，顛覆了范逸臣留給大家的慣有印象。不過最出彩的地方還是出現情書朗讀時的配樂，做出了在雨中低語和傾聽的效果，實在不俗。建議聽這七封信的原聲音樂，有可能聽不懂說什么，但是意義上的疏離可能更讓人貼近情感的真實。

充滿細節之美的《海角七號》

最早知道《海角七號》這部電影的消息，還是因為日本歌手中孝介。2006年末到2007年初，正是中孝介走紅臺灣并波及內地的時候，因為喜歡中孝介，才在他的個人官方博客上，發現他參演這部電影的消息，那時應該是去年的四月。然后直到今年暑期，突然爆出《海角七號》大熱臺灣影市，票房熱度持續高漲，甚至超過《色戒》什么的云云。不免有些好奇，到底是什么樣的影片能夠讓幾乎不看國產片的臺灣人如此癡迷呢？到了10月，《海角七號》終于現身網絡。

作為內地人看到這部電影，老實說肯定還是沒法明白，為什么這樣一部看似普通的青春勵志片能壓倒《色戒》、《赤壁》這樣的大制作電影的超高票房？

《海角七號》講述的是一個臺灣小鎮恒春為了迎接日本歌手中孝介要召開海灘演唱會，需要立刻組織一個當地樂團作為暖場嘉賓而展開的一系列努力，過程中不乏搞笑，失落，直到不斷堅持而獲得成功的勵志故事。本來很簡單的一個故事，因為導演獨具匠心的加入一段60年前的中日跨洋愛情，通過七封遲到的情書的傳遞表現出來，而使得整部影片豁然呈現出一種迥異于一般青春片的厚重與雋永氣質。

影片中的七封情書是導演魏德圣親自操刀撰寫的，文字功力很深，年輕人一下子感受到文字書信的魅力，這是網絡時代的他們所缺失的，因此顯得尤為浪漫。但這段愛情其實只被導演用作一個淡淡的背景，甚至作為日籍教師的臉部特寫都沒有，永遠是遠景或虛景。而更關鍵的場景，60年后老太太收到后輩們努力送來的情書，竟然連一個臉部都沒有給，顯然顯示了魏德圣決意避免煽情。實際上這種舉重若輕的處理方式形成的留白比煽情更有余韻。

內地人自然很難了解為什么，這部影片在臺灣那么廣受歡迎。臺灣網友這樣告訴我：這部影片出來的時機很對，現在是臺灣人民民族意識最高漲的時候，對于反映本土民俗的電影尤其歡迎，這才是《海角七號》狂破票房的真正原因。至于有敏感的大陸影評人認為影片反映出是不良的殖民文化，就完全是不了解臺灣歷史的放言。為什么日本人敗走臺灣時是影片表現的那樣和平，原因是雖然日本統治臺灣51年，但事實上也把日本先進的基礎建設、城市規劃都帶到臺灣，當時臺北是第一個在亞洲有街燈的城市，臺灣的第一條鐵路都是日本人

建造的，比起清廷、葡萄牙、荷蘭等其他統治者來說，臺灣人民對日本的好感遠遠超過前者，所以臺灣人對日本是有感激之情在其中的。（這些內容都是臺灣網友告訴我的，在網上查了一下，似乎都是事實。只是內地從來沒有說這些而已。當然這些都是影片的外延，有興趣的同學可以自己去搜索了解。）

其次，電影對臺南小鎮。市井民情的細致入微的寫實是電影取得成功的另一大原因，日語、臺語、閩南話夾雜反映出一個鮮活的小鎮文化，演員的表演也全部以寫實為主，所以大部分觀眾都是被這種真實所打動。好幾個臺灣網友告訴我，哇，電影中的那個誰誰就是他們鎮上誰誰的樣子呢。因為離的近，臺灣人對此自然更加感同身受。而內地人看起來就與《練習曲》這樣的沒多大區別了。

影片沒有邀請一個大腕明星：中孝介在日本本土都不算著名歌手，在國內雖說影響力大概比在日本本土都大，但無論如何也只是在一部分白領與小資中流傳，所以范逸臣、林曉培這樣就已經算是最大的大牌。

范逸臣扮演的影片主角阿嘉，是一個因為在都市中懷才不遇沖撞得頭破血流，而不得不避縮到家鄉小鎮的年輕人，這是現代都市造就的典型悶騷男孩，內心的憤怒與困頓無法宣泄，有些自閉與憂郁，和家人及外界無法溝通也拒絕溝通，代表了很大一部分現代都市年輕人，開頭砸吉他以及惡狠狠罵出的“操你媽的臺北”，實在讓觀眾看得爽快。

女主角友子扮演者田中千繪比范逸臣要搶眼，也許是因為自身與角色的高度吻合，千繪本身就是在臺灣進修的留學生，所以更容易代入到影片中角色的設定中，她將友子作為日本人孤身在臺灣的不適感，以及角色本身所要求的小小倔強與堅持表現得非常出色，當然更因為身材的激凸、自身的略微性感，賦予這個角色很多源于日本女性的魅力。

但事實上小人物才是影片的亮點：林曉培扮演的心事重重清潔女工；熱血敬業的小米酒推銷員馬拉桑；執拗火爆的青年交通警察；國寶月琴師茂伯；克制不住暗戀明戀老板娘的機車修理伙計；輟學去教堂參加唱詩班的高小女學生鍵盤手大大，這些配角的表現全部比主角更加搶眼，一個個都讓人過目難忘，印象深刻。

當然最最搶眼的就要數那個民意代表主席了，“我叫洪國榮今年65歲，身高170公分、體重75公斤。興趣是打架、殺人、放火。”，“我要把恒春鎮放火燒掉，然后把所有年輕人叫回來重建恒春。”“要自己回來當老板，不要當人家的伙計。”作為主角的繼父又是恒春的代表主席，這個演員霸氣十足，無論是表情、臺詞還是形體動作都非常有個性，只要他一出現，鏡頭中其他人都可以完全無視，有手腕有魄力又不乏頭腦與善良，應該是整部片子中最精彩的人物。后來臺灣網友告訴我這個老戲骨是在臺灣非常大腕級別的馬如龍，年輕時就是臺灣的武俠明星，也是臺劇支柱，老了演技更加爐火純青，演起這樣的角色自然是駕輕就熟，輕松自如。有個小八卦是電影中扮演范逸臣母親的那個演員，也是馬如龍現實生活中的夫人。

而已經趨于化境的國寶月琴師茂伯的扮演者林宗仁，在臺灣也是確確實實的國寶大師，只不過不是月琴師，而是北管大師，這是他第一次拍電影，據導演透露他的音樂造詣很高，稍微學了一下月琴就使用自如了，而生活中的他還是幾個餐廳的老板，非常精明能干。現實中的他最大愿望居然是紅到好萊塢，真是和茂伯有一拼！

所以為什么這部電影如此受歡迎，是因為影片中包含了現實生活中幾乎所有小人物的投射：阿嘉是不被大都市接納屢屢碰壁的年輕人；清潔女工林曉培也處于社會底層工作，而且

與上一代總有解不開心結的年輕人；火爆交警勞馬投射的是那些外表很剛強但實際內心卻很敏感纖弱總有很溫柔一塊的年輕人；機車修理工對老板娘的暗戀也好明戀也好，是每個底層青年在從事著貌似沒有前途工作時都會有的性心理；被上帝都趕出來的搞怪鍵盤手大大只有10歲，充分表現出90后的早熟和搞怪（話說她在電梯中唱的那首歌《愛你愛到不怕死》已經在網絡上飛傳）；而每個做過業務的銷售員一定對馬拉桑非常認同，那種敬業與熱血是從事銷售工作的人所必須具有的；片中茂伯執拗到可愛的程度也讓人重新認識到老人們的魅力；這些都很容易引起大眾觀影人群的共鳴；而且，導演功力更深的是將每個人物的故事都只是點到為止，絕不啰嗦，這樣每個人物都有留白，給觀眾留下的想象空間就更巨大，所以要是看第二遍，反而感覺會比第一遍更好，正因為只有在看第二遍的時候，你才有可能注意到很多這樣導演用心的細節，通過這些點點滴滴的細節，才能將小人物們對生活的熱情與積極向上態度完整的表達出來。

在這個好萊塢大片通殺全球的時代，有這樣一部文藝片能夠奇峰突起，獲得史無前例的票房記錄，是非常讓人驚訝的。什么時候，內地也能有這樣一部文藝片占領票房冠軍的時候呢？

療傷系電影

記得去年的這個時候，同樣是一部臺灣片“夏天的尾巴”也感動過我，常常說臺灣沒有電影，可出來的每一部都是精品。其實兩部片子有很多共通的地方，最明顯的就是本土化。我們常講民族的才是世界的，可看看我們的片子，全是城市里面愛來愛去的，煩不煩啊。看人家拍的，綠波蕩漾的田野，一望無際的大海，柔和的夕陽，絢爛的彩虹，眼睛看上去也爽啊，何況墾丁、恒春那些地方本來就是很美的。再比如理想，同樣是對理想的執著和堅持，勵志片的根本，讓人看了很熱血。還有不能少的是音樂，還記得趙傳唱的“可是我有音樂和啤酒”，是啊，即使什么都沒了，還有令人振奮、感動人心的音樂。當然，“海角七號”的成功，也拜這次金融風暴所賜。喧囂的人們在彷徨失措之余，看到這樣一部堅持理想，堅持愛情，純凈到透明的電影，自然能治愈心中的傷口，從中汲取繼續前行的力量。

影片的OST是強力推薦的，除了“無樂不作”，“國境之南”等之外，“情書”的theme也經常出現。其實，這幾首歌的MV早就看過，沒覺得怎么好聽，可在電影當中聽到，卻又是另一番感受，戲托音樂，音樂襯戲，這叫和諧。

好向往那片能讓人療傷、重拾信念的美麗海灘。

留下來, 或者我跟你走

友子提著笨重的行李逃家，我想她是想跟著他走吧，但是可能是日籍教師不想讓她跟著走吧，所以他才說“我不是拋棄你，我是舍不得你”。我想，如果他愿意，或許是可以帶她走的，但是他只是埋怨時代決定了他的命運。可能真的是他的懦弱吧，有時候就是這樣，因為太愛，會感覺自己是對方的負累，用離開來給對方所謂的幸福，就像我們經常聽到的那句“我不想讓你跟著我受苦”。這樣的人往往自以為是。我不知道這會不會就是所謂的成熟，畢竟他是一個老師，而友子是一個學生。有時候這樣的所謂成熟是否具備其真正的意義呢。對每個人來講，幸福的定義都可能不盡相同。我不知道他要給友子怎樣的生活他才會覺得給了友子幸福，但是我覺得對友子而言，不管發生什么，只有能跟他在一起就是她想要生活，她想要的那種幸福，所以她才會提著笨重的行李逃家。但是他卻殘忍地選擇默默地離開她。

這樣的人是可恨的。他其實很舍不得，所以他才會說“想著你未來可能的幸福我總是會哭”，那可能的幸福不是他給她的。其實他很清楚，當一個人為了另一個人逃家愿意遠走高飛的時候，是刻骨銘心的，一輩子都不可能忘記，因為這樣的事情，在每個人的一生中或許不會發生超過一次。所以他才說，“我會假裝你忘了我，假裝你將你我的過往

像候鳥一般從記憶中遷徙

假裝你已走過寒冬迎接春天“。

因為他很清楚，沒有人會忘記得了。

當船在海面上已經再也看不見之后，提著笨重行李的友子，想的又是什么呢？她后來的生活又是怎樣？沒有人敢去想，那種場面實在過于傷感。

但是，后來，友子的孫女在和女主角友子的談話中說：“日本人懂愛情嗎”，我猜想，友子后來可能沒有再結過婚，她的兒子可能就是和那個日籍教師生的。所以，友子的孫女才會反問女主角友子，因為她肯定知道自己的祖母當年就是被日本人傷害過，而她自己估計也是愛上日本人而被傷害過。影片沒有給老的友子一個正面的鏡頭，只是給背影和側影，看了讓人心碎。影片之所以沒有給一個老年的友子一個快樂狀態的正面而給出的是讓人感覺凄涼的孤獨背影，我想，也正是想說明，其實日籍教師的狠心一人離開，并沒有讓友子得到他自以為是的那種幸福，她是孤獨的。

不管信寫得多感人凄美，但結果都改變不了那種傷害。所以，到最后，影片借阿嘉的口升華了影片的主題。阿嘉和友子都看過那些信件，當友子說要回日本的時候，他很清楚，深愛一個人的感覺未必會因為距離的拉開而消逝。勇敢在一起才是真正的愛情，所以阿嘉說，“留下來，或者我跟你走“，和日籍教師形成鮮明的對比。我想，這或許就是這部電影想要告訴我們的，深愛著的兩個人，自以為是的離開未必就是讓對方得到了你認為的那種愛情和幸福，如果真的相愛，應該勇敢選擇在一起。

有人覺得影片不怎么樣，其實我覺得是一部值得細細體味的電影。如果你沒有看得感動，或許你沒有深愛過，更別提遠距離的想念。好好先深愛過，或許你會像我一樣看到落淚。

只想單純的愛一次！

拋開政治，只是理智的去看《海角七號》，或者，拋開理智也好！完全按照自己的心去游歷一下電影本身！“留下來，或者，我跟你走！”大家有愛過嗎？？有真的去動心過嗎？？為了不可抗逆的外力，或者是為了比愛情更讓人不可動搖的目標！還有什么比愛情更讓人不可動搖啊！有的！那是你的心啊！誰沒有失去過！那份鐫刻在心底的痛徹心扉的痛啊！你們忘記了嗎？？或許今天，你過的很好，但是，阿嘉做到了！他執著的面對了自己突然來臨的愛情！我不知道該說點什么！或許有我的影子！又或許是滄海一粟的感動讓我們不曾有那些不曾經的最淳樸的愛，回來了！

首先是感人最深的日本老師與學生（同名為友子）的愛情，“我只是一個窮教師，為何要我背負一個民族的罪，時代的宿命是時代的罪過??我不是拋棄你，我是舍不得你。”遠去和淡化戰爭的血腥和屈辱，這樣的愛情衷腸確是令人同情和惋惜。電影最高明之處在于它沒有讓隱藏老故事里的人物正式出場，只是偶爾掠過一兩個日本老師在船上寫信的情景，其余的全交給音樂和情書去訴說，遙遠、飄渺、悵然若失。據說七封情書是由導演魏德勝親自寫的，功力很深，“我心里已經做好盤算/一旦讓我著陸/我將一輩子不愿再看見大海/海風啊/為何總是帶來哭聲呢/愛人哭/嫁人哭/生孩子哭/想著你未來可能的幸福我總是會哭/只是我的淚水/總是在涌出前就被海風吹干/涌不出淚水的哭泣/讓我更蒼老了/可惡的風/可惡的月光/可惡的海”文字的美有時是畫面和語言的無法企及的，但如果光有文字也并不見得就感人，畫面、音樂、讀說三者一

體，才催人淚下。第二個亮點是村民的眾生相。年老的茂伯堅持著自己的音樂夢想，但也不拖累年輕的樂隊，只是換人時一句“我是老人家，我會傷心呢？”道出老人心里的真切感受。水蛙畸形的愛戀，年輕警察煩悶的心情，鎮代表的憂心，馬拉桑想方設法的推銷，全由一個小小的樂團交接在一起。電影提出了很多嚴肅的社會問題，“我們這里的海這么漂亮，為什么就留不住年輕人？”“報紙上天天說我們是國寶，而??”阿嘉面對繼父（鎮代表）的感情，大大的單親家庭等等，加之一系類搞笑的臺語對白，叫人在忍俊不禁中思考著種種的問題，擺脫了說教型的嚴肅和沉悶，所以既受年輕人的歡迎，也得到各界的好評。最難得的是《海角七號》中沒有一個配角是為了增加搞笑的成分而設計（在此之前很多電視劇電影中的滑稽人物都是專門添上去的，功能單一），他們個個都可以讓你捧腹大笑，但每個人物都是一種身份和生活的代表，老青少三代。很多臺灣網友說影片中某某好像他們周圍的某某，這是因為在對臺灣本土原生態的采景和取材方面，電影做得相當成功的體現。能夠寓嚴肅的社會問題于詼諧的臺語對白當中，是該電影一大特色。

電影的內容是豐富多彩的，它展現的是臺灣海邊小鎮生活的方方面面。小人物的故事不僅不是次要的陪襯，甚至可以說是電影取得成功的最關鍵原因。

“我看著，一會兒笑，一會兒哭。還沒哭完就笑，還沒有笑完又哭。”他說的是真感受。美麗哀傷的故事，令人羨慕、同情，還要陪著許多眼淚，60年前昏黃的也歲月同樣給人帶來一股淡淡的哀傷。本土文化與外來文化的磨合，新老兩代的摩擦，既碰撞出令人發笑的一幕幕，也引發了嚴肅的思考。電影的最后老人家在事隔60年后才收到當年的信件，重溫了碼頭告別的一段，與片頭的情景相接毫無痕跡，這樣的藝術處理是相當嫻熟完滿的。而恒春當地的樂團取得成功，阿嘉和友子現代愛情的美好結局也是給了人一種溫暖和鼓勵。

第三篇：1942 精彩影評

《1942》影評

這部片子讓我覺得痛心。很沉重！

我們是一個泱泱大國，是一個吃不飽的民族，是一個歷經幾千年滄桑的古文明之邦，是一個不講求同胞血脈的民族！讓人憤恨！

一個簡單的小老百姓在災難面前是如此的無助，被敵人打，被同樣落入困境的同類排擠，被自己的武裝（也許在幾天前才被抓的丁，都是農民），被非本地人的歧視，甚至是自己同胞的子彈打在腳邊嗖嗖作響，為什么？怎么了？人在饑餓的情況下，極度的情況下才能更顯得人的屬性的重要性。但人沒有了肌體，沒有了口中的一點點食物，還談屁的廉恥，屁的民族，屁的貞操，屁的一切？人之將死，這個世界的一切都將和我沒關系了，我還談什么禮義，為啥日本人都能意識到給災民糧食，讓災民拿起槍口對向自己的同胞？自己的同胞卻不拿自己的生命當回事呢？人們是不是在心底并沒有對異族有多深的憤恨。而充滿仇恨的是自己的同胞！

中國這水太深，太渾，漩渦太多！哎

另外還有一個，為啥導演要找一個叫白修德的美國時代周刊的記者，在片里還是個分量不小的角色，是想說明第三方看到中國。但是不需要這么重的戲吧，這是與世界接軌的產物，金陵十三釵里也是老外咋咋咋的。都怎么了，沒有

老外講不清事實？還是為了體現我們的世界文明水平接軌化程度很高了當時已經！不是說和老外有怨有仇，是沒事干就拉幾個老外過來說英文讓人覺得很不高明！是覺得放字幕說英文能去國外拿大獎？

哎，中國的電影人……

可惡的馮氏小聰明——沒了追問的《1942》

如果說《唐山大地震》是一個感嘆號的話，那么《1942》可能就是一個逗號，陳述語氣的使用，虎頭蛇尾的設定，少了起轉承合，等不到的高潮讓這部電影使人十分壓抑，正如有人說的“堵”，確實很堵，所以作為一部電影，它確實沒那么好看，演員表演十分到位，李雪健老師用力有點過猛，關于電影本身其實就是這么回事，遠沒有預告片那么好，但是也沒有很多人說的那么差。

馮小剛無疑是圓滑的，所以這部電影才可以上映，然而阻礙馮小剛的恰恰也是這種圓滑，我們可以在電影里發現馮氏的那種小聰明小幽默，如同往年馮氏賀歲片的風格，在賀歲電影中，無論是多年前的《甲方乙方》《不見不散》或是

《天下無賊》，這種小幽默小聰明讓人可以很舒適的享受娛樂的感覺，也許是被娛樂，不管怎樣，那都是輕松的電影。可在這部災難片里，看見屬于馮氏的那種小幽默與小聰明，多少讓人有些忿怒。因為這些小聰明原本可以用的更加有意義，比如這部電影發布會的名字叫做——《追問·1942》，大概真的沒了追問，所以電影本身馮小剛就干脆吞掉了那兩個字，最后出來的這部電影，也僅僅就是個陳述事實（還不一定是真實的事實）的作用，沒了預告片那種五個問號撲面而來的氣氛，這部電影也就沒了什么內涵之說。電影中那些細節上的小聰明比如各種耍點冷幽默的臺詞，尤其讓人覺得可恨了起來，因為這些小聰明完全可以耍的更高級，耍的更有意義，比如“追問”這兩個字，原本已經可以說明很多東西，可最終，圓滑的馮小剛放棄了任何可以賦予電影少許內涵的細節，不是沒有能力，而是他把能力用在了那些讓人半笑不笑的小幽默上了。

第二，關于外國大影星的參演，在預告片中，我以為這二人的戲份很重，所以請個辨識度比較高的大牌是有必要的，然而上映的電影中，我們發現，白修德的角色多少還有一定的戲份，然而神父這個角色完全可以由任何一個外國演員扮演，沒有必要去請大牌，高價外國影星參演無關緊要的角色，這讓人有一種說不出來的感覺，演員演的沒有任何問題，但是總覺得有些不對勁的感覺。

其實關于電影本身就是上面那么多，好戲永遠在戲外，看電影的時候哪怕是到了結尾的時候，影院里仍然少不了笑聲，如同我們的現實：永遠都少不了看客。

關于饑餓——當災難已經發生的時候，如何才能不挨餓？你有三種選擇，一是吃樹皮，吃泥巴，殺人吃。二是信主吧，信了主餓肚子也就不覺得餓了，直到餓死。

或者第三種選擇，跟熟悉的人組成小團隊，搶別人的糧食，吃別人的肉，發展下去也許你們的團隊會被人吞并，也許會你的團隊變大，吞并別的小團隊，然后占山為王，這時你已經不僅僅想吃飽了，然后占領更大的土地，這時你已經想要成為真命天子了，然后你就君臨天下，這時你就要吃好睡好了，必須把最初一起合作的隊友們全都解決掉，否則你就吃不好睡不好了。

關于戰爭——有些人說，戰爭會帶來新生，我同意，但是絕對不是善良的人們的新生，戰爭是只有惡人才能活下去的洗禮，有句老話是亂世人不如狗！沒有饑餓過的人，才會期待一場亂世的來臨，才能知道人不如狗到底是個什么樣子。

以上是看電影時一直在腦子里回應的一些事情，這部電影沒那么好，但是也沒那么差，畢竟在這樣的社會背景下，有些東西必須依靠圓滑，所以我覺得應該值個三星。整部電

影記憶最清晰的一句臺詞是“這次，我要關一批，殺一批！”道明叔其實可以考慮有一天去演演總理，就是準備了一百口棺材的那個！

給四星，一則是為了給那些看都不看就給一星的人，二則是這個影評已經發了兩月，不能對不住那些因為寫的是好評而給了有用的人們。

其實，這只是一部電影，而且只是一部畏畏縮縮說點boss允許說的話的電影。

但也不只是一部電影：“那些事兒，我都已經忘了，你還提它做啥？”——電影最后一句臺詞。

第四篇：《雨果》精彩影評

2丫影視奇異高清網http:///

馬丁斯科塞斯的《雨果》投資高達1.7億美元，從上映之后的反響可以看出，他的這次情懷真誠的造夢之旅是成功的，投資人付出了一個A級大片的高昂成本給這部看似很兒童的電影，而老馬丁，則將他對電影最初的感動和所有的虔誠，以澄澈迷人的童話夢幻形式呈現出來。

自從《無間道風云》讓馬丁斯科塞斯終于如愿以償拿下奧斯卡小金人之后，他的心態也越發收放自如，不用像《紐約黑幫》、《飛行者》的時候刻意迎合學院派，而是以電影資深玩家的心態游刃于影像游戲中，玩轉精神分裂主題的《禁閉島》是深邃黑暗的游戲，而《雨果》就是充滿童趣的游戲，《禁閉島》將敘事技巧玩到了淋漓盡致，而《雨果》中斯科塞斯則熱衷于電影最初的神奇技術——營造夢幻感。

電影如何造夢從“科幻片之父”梅里愛說起

《雨果》是一部關于電影的電影，片中主要的電影人就是法國電影大師梅里愛，他是電影史上第一個正式被稱為“電影導演”的人，在他眼中，電影就是一種能夠將想象中的畫面和故事最直接呈現的魔術，當然，這也與他在做“電影導演”之前的職業有關——舞臺魔術師。他開始熱衷于拍攝歐洲神話主題的電影，后來則轉向科幻題材影片的制作，后來蒙太奇的興起和戰爭原因，讓固執的梅里愛開始走下坡路，晚年則在火車站附近玩具店度過，《雨果》的故事就是從這里切入的。

從片中兩個孩子的角度來看，梅里愛就是一個神奇的造夢魔術師，影片以自動機器人將主人公雨果和梅里愛聯系在一起，而雨果和伊莎貝爾在圖書館里聽管理員講梅里愛電影的時候，才是斯科塞斯最想表達的，這段深情回憶讓本來的懷舊夢幻色彩有了虔誠的氣氛。

梅里愛開發了很多電影拍攝的基本技術，比如快慢動作、淡入淡出、停機拍攝等等，這些后來已經被大量運用，而梅里愛對電影特效技術尤其癡迷，因此才有《月球旅行記》的誕生，《月球旅行記》的故事是科學家們決定乘炮彈去月球，一群美麗歌女用大炮將炮彈發射到月球火山口。科學家們在月亮上看到月神各類奇異生物，后來經過一番激戰返回地球。《雨果》中重點重現了炮彈到月球的過程，這里的月球被想象成巖石表面的臉龐，炮彈正好擊中這張臉上的一只眼睛，兩個孩子對此驚奇不已。而斯科塞斯之所以重點在此，因為《月球旅行記》是影史上第一部科幻電影，其絢麗迷人的特技對太空、月球和星星的展示，月球上的巖石洞穴、奇花異草等等都成為后來科幻片的必備。

不僅如此，梅里愛當時所采用的是耗資巨大的布景技術，正是這種技術將初生的電影從盧米埃爾兄弟創造的“自然記錄真實”路線擺脫出來，真正能夠創造一種虛擬空間的夢幻感覺。《雨果》中，斯科塞斯對梅里愛當時的攝影棚展現得十分豪華精致，在圖書館管理員的講述中，那幾乎是神圣而夢幻象征。

后世的科幻片采用了很多實景拍攝，但電腦特效技術又將實景拍攝無法達到的虛擬效果呈現出來，這好像又回到了當時梅里愛的初衷——造夢。

技術對造夢者的逆襲

同樣作為一個電影大師，馬丁斯科塞斯在《雨果》中對電影視覺效果技術進行了大量嘗

2丫影視奇異高清網http:///

試，觀眾看到的大量火車站場景都是CG特效完成，這不僅僅限于綠幕摳像和后期合成，還包括大量多維度的長鏡頭運動（影評），影片鏡頭在靈動音樂中穿梭于火車站人群、鐘樓大量鐘表零件以及自動機器人內部中，尤其后兩者，由攝影師完成拍攝幾乎是不可能的，所以幾乎全部是后期數字制作，這其實并不新鮮，因為三維動畫肯定完全采用這種方式，卡梅隆的《阿凡達》以及很多科幻電影也是如此。但于作者型導演斯科塞斯在這部非動畫電影前而言，就有了別樣的意味，鏡頭的視角、維度不再需要通過現場靈感捕捉，而需全部設計、制作。

電影發展到今天，當初梅里愛的造夢路線再次飛躍，技術對造夢者進行了逆襲，剝奪了造夢者直接現場捕捉的權利，那些穿梭于虛擬畫面中時的導演視角，其實是一個虛擬的存在。但這并不能說失去了創作者的靈魂。

令卡梅隆贊嘆的3D技術

談到《雨果》的3D技術，斯科塞斯表示，既然我們的世界就是3D的，用3D來拍電影再正常不過了。仔細看《雨果》的3D畫面就能發現，老馬丁確實對3D技術進行了深入研究，影片中三位立體效果已經從“層次感”進化到了“融入感”，擺脫3D電影讓球飛到你眼前、讓泥點子甩到你臉上之類炫技賣弄，而是營造空間感將觀眾徹底融入，所以你看《雨果》的時候不再有之前3D電影中物體可以突兀的感覺，而是與畫面融為一體的身臨其境，如果能摘掉眼鏡，這應該就是理想中的3D效果了。

這種3D效果不僅能讓人真正身臨其境，而且在細節上能夠避免畫面變形，不少人在看《龍門飛甲》的時候明顯感到遠景和近景中人物比例嚴重失調，而且對焦都會出現問題，這些在《雨果》中就絕對不會出現了。

《雨果》不是科幻電影，但它是一部關于“科幻片之父”的電影，從這個電影我們才看到，一向以“電影社會學家”著稱的馬丁斯科塞斯，原來藏著如此晶瑩夢幻的電影童心，當有人質疑《雨果》故事過于簡單的時候，其實斯科塞斯何嘗不知，但他也正是用《雨果》告訴觀眾，電影能夠有生命力到今天，恐怕不是因為它一開始對敘事技巧的追求，而它作為一個造夢的工具才是它令世界最興奮與迷戀的原因，它讓人類的想象與夢想能夠真正呈現出來，今天的特效，今天的3D都在發展它造夢工具的功能，因為，電影，在這個狹隘而有限的現實空間之外，它可以創造一個新世界。

第五篇：《霸王別姬》精彩影評

《霸王別姬》影評

影片《霸王別姬》是部通過對人物事跡的敘述，和歷史背景的結合，演繹了一代戲子對于京戲的癡迷，達到人生如戲，戲如人生的境界。

戲中主角程蝶衣（小豆子），由于初入戲園，大師兄（小石頭）對他關心和疼愛，兩人感情十分要好。再一次王公公的唱戲堂會里面，他們倆出演《霸王別姬》曲目。飾演虞姬的程蝶衣和段小樓也因此出名。而后一直以來，程蝶衣和段小樓都唱響了《霸王別姬》的曲目，程蝶衣，對于大師兄的感情也如戲中虞姬別霸王的感情一般，跨越了性別。他把自己當成了虞姬把師哥當成了楚霸王。在他的世界里，他們要唱一輩子的戲，少一天，少一個晚上。少一個時辰。那都不叫一輩子。

他緊緊的記住了師傅的話，唱戲的一定要從一而終。他覺得師哥應該和自己唱一輩子的戲。兩人就如虞姬和霸王一樣的感情。可是不料從中添出一個菊仙小姐，讓他受到了打擊，讓他內心傷心萬分，影中袁四爺的出現也是大有文章，袁四爺迷于京劇《霸王別姬》，而程蝶衣的虞姬真是演的出神入化不辨雌雄的地步，所以對于蝶衣的愛慕和喜歡，也可以用一個癡字形容了。而后的時間里面由于戰亂，程蝶衣不分好壞，不分階級的唱戲，只能說是對戲的瘋魔了，由于歷史背景的熏陶，幾人關系發生了些變化，袁四爺后因為是大戲霸是反革命分子，被鏟除。而后他們兩人繼續唱戲，在經歷文化大革命時代，兩人被游街批斗。觸動我最深的畫面是，當街游行段小樓和程蝶衣。最后為求自保他們相互揭發，當說到菊仙姑娘的時候，因為是舊時代的妓女身份，段小樓在當時情勢所逼混亂的情況下，說出于菊仙劃清界限，不愛她，雖然幾字而已卻讓菊仙深深的記憶，菊仙深愛著段小樓，當然不能接受這樣事情，影片畫面放出特寫和回聲，讓人更加對于人生的感情發以深思。菊仙因不能接受段小樓對她的背叛，穿上鮮紅的嫁衣吊死家中。劇情上升，在一九七七年，十一年后，段小樓和程蝶衣在次同臺演出，程蝶衣還是忠于那句話“從一而終”拔劍自刎。

影片發人深思，從京戲的活躍時代到京劇經歷文化大革命，最終還是以京劇的原有精神面向了觀眾，戲子程蝶衣對戲的癡

迷，達到了。不瘋魔不成活的地步。我們回顧程蝶衣的一生。從被母親拋棄，到母親切斷六指的他，他小小的心里沒有了親情。沒有的依靠，在莫大的戲班子里面唯一信賴的人就是大師兄段小樓。在他的世界里面，沒有人比段小樓重要了，他把友情和跨越性別的愛情溶成了一體，他的世界里面只要有他和師哥就夠了，然后又經歷了段小樓的背叛。他認為段小樓應該和他一起唱戲守候一輩子。沒了段小樓，他的天就塌了，他開始癡瘋玩命的唱戲，為了小樓他舍棄了自我，他的一生是悲哀的，沒有親情也沒有體會到真正的愛情。那種錯亂的情感讓他變得瘋癲，最終入戲不得出。死在戲夢之中，守候了自己唯一的情感。這樣的人生看得讓人心疼，然而又不知道怎么去同情。

除了對京劇的表現，影片也反映了當時的時代背景，和革命場景。演繹了從日本軍到國民黨，最后到達共產黨的時代，時代背景，演繹十分真切，影片表現的淋漓盡致。情節真實不虛假也讓人折服。人物感情雖然錯中復雜。但是還是讓人領會到程蝶衣對大師兄段小樓的情意，段小樓夾雜于一個男人和一個人女人之間，他不能隨意舍棄一方。然而最后時刻他揭發師弟程蝶衣和與菊仙劃清界限。直至菊仙上吊于一死，段小樓的情感不是屬于任何一方的。他有對師弟的情意也有對菊仙的愛意。但是最終對誰都達不到忘我的境界，世上情為何物？只是叫人生死相許，菊仙為他死了，蝶衣也為他從一而終的死了。結局縱然是悲涼的，但是這才是它想表達的。