第一篇：畫藝網：盛世天空美術館將舉辦畫展

盛世天空美術館將舉辦畫展

2014年5月10日下午4點在北京798盛世天空美術館將舉辦法國藝術家弗朗西斯·德·朗洛先生《紅與藍|藝術中法1964-2014》現代派畫展，展覽將持續至5月19日。弗朗西斯·德·朗洛是歐美著名的藝術家、畫家，他于1964年開創了獨具一格的新抽象派畫風，并于1971年本人命名為【大宇宙建構主義】。弗朗西斯·德·朗洛被法國官方指定為2014年中國法國建交50周年的法國現代藝術代表。

2013年弗朗西斯·德·朗洛在北京法國大使館遇見了法國總統弗朗索瓦·奧朗德先生，總統先生當時對他說：“您的藝術就是在傳承中法友誼”，這就是為什么弗朗西斯·德·朗洛先生在法國政府和很多中國朋友的幫助下決定主辦2014年的這個畫展。法國外交部和法國駐華大使館給予弗朗西斯·德·朗洛先生在北京798的個人畫展官方全程支持和協助。弗朗西斯·德·朗洛的畫展將于2014年5月1日到20日在北京798藝術區[盛世天空美術館]展出。弗朗西斯·德·朗洛獨特的畫展將解釋什么是1964年至2014年的現代法國藝術。

弗朗西斯·德·朗洛的畫展將展示其于1964年以來在油畫上無窮的想象力，他是一位激情的、非常富有表現力的藝術家，一位過渡具象到抽象的畫家。弗朗西斯·德·朗洛很容易在任何地方與周圍環境和諧相處，他認為他的靈感來自于任何他當時所處的外部世界。弗朗西斯·德·朗洛的畫有力地、激烈地表達愛和情感，他的畫是行動與韻律的和諧碰撞，純粹并富有想像力。弗朗西斯·德·朗洛所創作的畫，不僅是放進博物館展覽與收藏，也可以置身于大小公寓收藏與裝飾，其原創和獨特無法復制，畫將與愛畫之人和諧共處，互映人生。

第二篇：畫藝網：油畫展《旅途》在今日美術館開幕

油畫展《旅途》在今日美術館開幕

2014年5月25日下午，由今日美術館主辦，博雅文化傳媒公司協辦的“旅途--吳雷油畫展”在今日美術館開幕。“旅途--吳雷油畫展”展出了吳雷多次進入西藏的繪畫作品和近期的寫生作品40余幅，他把對雪域高原的情感融于畫筆之中，將那片神秘而凝重的土地、人情，實實在在的呈現在了我們的眼前。

有多少段旅行就有多少段故事，他人生中的十年，與西藏這塊土地、與一次次的旅行和其中的故事編織在了一起。吳雷的作品畫面用色大膽艷而不俗，浪漫與豪情并重，藝術風格獨具魅力，作品情感自然真摯，每一張畫，不僅僅是畫，更是他旅程中的世界。展覽將持續到6月4日結束。

吳雷，1974年生于北京，1997年畢業于中國戲曲學院舞臺美術系風景繪畫專業。從小酷愛藝術，專業繪畫近十年。大學畢業后在舞臺美術領域大施拳腳，多次擔任大型活動的視覺設計并執導舞臺制作，屢樹業內口碑展露專業才華。后懷揣夢想個人創業，從自己作圖設計一直到當老板搞管理，累積跨界經驗。他深知真正的畫家并不只是埋頭苦畫，更重要的是體驗生活，經歷磨難，才不至于膚淺的表達，才能真正腳踏實地的作畫。他沒有輕易動筆，但思考從沒有停止，對繪畫的熱情，對繪畫的向往，每一天，都在升溫。

吳雷不像很多畫家那樣過著苦行僧的生活，他認為畫畫讓他無比喜悅，他會一生與畫幸福地相戀相愛。他不喜歡空談，是行動派，憑他的專注和勤奮，加上多年積累的綜合實力，他的畫的性格會有獨樹一幟的超然魅力。在他看來，自由自在的旅行，自由自在的畫畫，同樣重要，同樣美好。守望純凈的心靈，無所畏懼的去表達，什么也阻擋不了他對自由和繪畫的向往。

第三篇：畫藝網：繪畫的品格油畫展在大都美術館開幕

繪畫的品格油畫展在大都美術館開幕

2013年12月29日，由中國油畫學會和大都美術館共同主辦的“繪畫的品格·2013中國油畫展”在大都美術館開幕，展覽將展至2014年1月15日，持續展出15天。本次展覽共展出了170幅優秀油畫作品，這些作品是經過照片初選、復選和原作評選，從全國送選的5000余幅作品中嚴格評選出來的。

從參展作者可以看出中國油畫界薪火相傳，人才輩出。其中不僅有許多優秀的青年畫家嶄露頭角，也有許多老畫家老當益壯，積極參與。從展覽作品中，我們可以感受到中國油畫家對祖國和大地的熱愛，對美好人性的追求，對油畫語言的精益求精。

展現了在迅速現代化和經濟化的時代，藝術家對于人類精神家園的守望。中國油畫學會成立十八年來，先后舉辦了一系列高水準、有影響的油畫展覽，每一次展覽都提出一個特定的學術主題，以適應時代的需要。

以“繪畫的品格”為題來舉辦全國性的油畫展，在中國油畫學會已是第二回了。2006年的“精神與品格——中國當代寫實油畫研究展”，曾得到積極的反響。這次重提“繪畫的品格”，就是全面考慮了中國現時期油畫面臨的發展方向。中國油畫學會主席，中國美術學院院長許江先生，在展覽前言中講到：今天，數字媒體發展迅疾，日常圖像的獲取只在指尖點擊，如此的輕巧帶來諸多表象，世界圖像化的弊端正在其中。繪畫的指掌猶強調手與心應、心手合一。

那指掌觸到的雖也是筆彩媒介，但其同在共存的、直觀漸進的、親嘗親歷的、可觸可摸的過程卻是數字媒介所不具有的。因此，繪畫在今天通過人類的指掌維系的不僅是一種技藝，更是一種“天地與我并生，而萬物與我為一”的漸進可觸的感受力，更是上述的品格敘述得以落腳的真實而富有批判力的精神載體。所以，繪畫的品格堅守在今天猶為重要。它既是面對無所不能的數字圖像得以自守的關鍵，也是繪畫自身與時俱進、得以批判地進行和開拓著的要義。

繪畫注重品第格調，進而論及畫者的品性味況、胸壑襟抱，是中國文化的重要傳統。繪畫由于它所承載的豐厚的中國文化內涵而得以發展和延續，它將因其豐富而高雅的品格成為我們生活中重要的精神家園，成為我們持久的觀看對象與心靈的寄托。在油畫藝術持續發展的今天，堅守繪畫的品格，不僅是老一代油畫家們的諄諄囑望，也是廣大青年油畫家們的殷殷追求。

第四篇：畫藝網：藝術留給時間來證明

藝術留給時間來證明

翻開法國美術史，我們可以看到寫實肖像畫家讓·克魯埃(Jean Clouet)，卡拉瓦喬主義藝術的代表喬治·德·拉·圖爾(Georges de la Tour)，洛可可風格的代表人物讓·奧諾雷·弗拉戈納爾(Jean Honore Fragonard)，印象派領導人物之一的皮埃爾·奧古斯特·雷諾阿(Pierre-Auguste Renoir)??但是，他們的代表作被收藏在法國的各個博物館內。要想在一天內觀看到他們的代表作，就得在法國各家博物館來回奔跑。

慶幸的是，5座知名法國博物館首次聯袂呈現“名館·名家·名作——紀念中法建交五十周年特展”于4月11日開始在中國國家博物館亮相。在這次展覽中，上述名家的代表作來到了展覽現場，讓藝術愛好者可以通過這些名作，看到法國從16至19世紀的重要藝術成就。歐洲各國君主從15世紀開始，就習慣借用文藝復興時期流行的寫實肖像畫讓自己流芳百世。但由于內外諸多原因，法國的文藝復興要比其他國家晚將近一個世紀。在16世紀，楓丹白露畫派的形成標志著法國文藝復興繪畫的誕生。這時期最富盛名的就是以肖像畫著稱的法國畫壇三父子，即讓·克魯埃、他的父親讓·富蓋(Jean Fouquet)和他的兒子弗朗梭瓦·克魯埃(Fran?ois Clouet)。其中以讓·克魯埃的成就最為舉世矚目，《法蘭西斯一世肖像》就是他的代表作。

畫中的主角法蘭西斯一世將兩只手做成騎士的姿勢，顯得極為莊重。藝術家借寬闊的肩膀、寶劍、圣米歇爾騎士團領袖勛銜項鏈以及金絲繡成的衣料的精細描繪，大大增加了國王的華貴。雖然畫中國王僅帶著一頂較為素雅的貝雷帽，但象征王權的皇冠圖案在背景中依然明晰可見。但國王的眼睛顯得長而細小，下巴頦呈尖狀，表情冷淡而顯呆板。衣著與容貌的表現形成了一種不協調的感覺：帶著滿臉胡須的消瘦面容與身上的寬袍不能給人帶來審美上的統一。據傳，此幅畫像所記載的法蘭西斯一世與歷史真人極為符合。這位國王在位時，沒有什么功績，反倒因為其野心被百姓扣上“陰謀家”、“沽名釣譽之徒”等綽號。由此可見，畫家不僅有高超的寫實技術，而且還注重對人物內在性格的真實描繪。

到了17世紀，君主是法國的最高權威。因此不論文學還是繪畫、雕刻不但要受到王權口味的局限，還不得不以歌頌君王、服務于宮廷作為創作的首要任務。而拉·圖爾則是一位從不為君主歌功頌德，也不去迎合貴族口味的畫家。

他的《木匠圣約瑟》描繪的是一位借著兒子手中的燭光在夜間做活的木匠。從畫作的名稱可知，這位木匠的身份為約瑟，即基督教中耶穌的養父。他彎著腰，大手緊握著工具，肌肉突起，汗珠在手臂和額頭上閃著光，顯示他正在努力地工作著。孩子臉上的光賦予了他超自然的光彩，就像一股從體內向外自然放射的光芒一樣。手指上及指甲中的污垢則暗示他此時還只是一個凡人。

約瑟與幼年耶穌的眼神交流是整幅畫作的核心。約瑟溫柔的眼神，流露出對孩子的無限關愛。布滿額頭的皺紋傳達出他為兒子的未來命運而擔憂。正在加工的木頭則是耶穌受難時十字架的暗喻。雖然這是一幅宗教作品，卻沒有同時代“古典”畫家那種冷漠、理性而故弄

玄虛的“學究”氣，也沒有因表現宗教主題充斥著宗教氣氛，遠離現實生活。拉·圖爾筆下的圣經人物像是當地的農民，形象質樸，有一種端莊自然的美。他還喜歡表現燭光，那種樸實無華、集中凝練、簡潔概括的形式在與時人們概念中的“古典繪畫”相去甚遠。拉·圖爾在世時名利雙收，但死后卻完全被人們遺忘。他的一些作品曾被人們誤認為是勒南兄弟(The Brothers Renan)兄弟或蒂亞戈·羅德里格斯·德 ·席爾瓦·委拉斯貴茲(Diego Rodriguez de Silve Velazquez)、弗朗西斯科·德·蘇爾瓦蘭(Francisco de Zurbaran)等人的。直到20世紀30年代，在尼科爾(Nikl)和H。沃斯(H.Voss)的努力下才揭開了真相。18世紀前半期法國藝術由稱為洛可可的艷情藝術主宰，它以上流社會男女的享樂生活為主要對象。它一方面不免浮華做作，另一方面卻以法國式的輕快優雅使繪畫完全擺脫了宗教題材。弗拉戈納爾早期藝術生涯中，曾創作過一些符合當時官方欣賞品味的歷史題材作品。隨后，他轉而專注于輕松的主題，比如愛情和情欲，成為了洛可可風格的主要代表人物之一。弗拉戈納爾的《門閂》講述了一個關于愛的征服和隨之而來的歡愉的經典故事。一間臥室中，男人一只手插上門閂，另一只手攬著的女人徒勞地阻止他去鎖門。女人將頭別開，表現出半推半就的曖昧態度，好似在躲開男人的熱吻。凌亂的床和身穿內衣的男人，無一不暗示著男女間已發生的事情。前景的地面上，一把躺倒的椅子和被丟棄的花束，讓人聯想到年輕女人曾徒勞地阻止男人過分的調情。油畫的精妙之處在于其構圖，畫面被一條虛構的對角線貫穿，并將蘋果與門閂聯系在同一條線上。在西方世界中，蘋果象征原罪，而門閂則扼殺一切逃出的可能。作品給人以時間暫時凝固的感覺，故事就這樣在高潮處戛然而止。作品營構出對“愛”這個主題的獨特思考：對神的愛以及男女之間的愛。

弗拉戈納爾的畫作是與貴族趣味是并存著的。不管是為顯貴們訂購而作的《門閂》還是其他的作品，都表現得非常露骨，輕佻的內容與高超的色彩技巧，是弗拉戈納爾繼承布歇“向婦女獻殷勤”的一種繪畫“傳統”。當時的沙龍內就有人抨擊這種繪畫。但他的名聲也從此沸揚。到了19世紀，歐洲經濟發展迅猛，法國社會也發生了重大的變化。首都巴黎更是改頭換面，商店、夜總會和咖啡廳成為新的娛樂場所。藝術家、工人、朋友和游人喜歡會聚在可以舉行露天舞會的小咖啡館。這時誕生的“印象派”，遭到學院派的攻擊，并被評論家路易斯·勒羅伊(Louis Leroy)挖苦是“印象派”。印象派畫家們拋棄了古典主義畫家們偏愛歷史、神話或宗教類的宏大主題，熱衷于描繪室外的生活，將眼見的社會生活作為創作對象。作為印象派領導者之一的雷諾阿樂于描繪生活中的喜悅和歡愉，常常被舞會中富于青春活力的舞者激發無限的創作靈感，《煎餅磨坊的舞會》中所描繪的正是舞會的典型場景。光線透過樹蔭，照射在人體身上，呈現斑駁情況。描繪出色彩閃動在光點里，完全捕捉到光線落在景物上時，所創造出來的籠統瞬間印象。人物在樹蔭下，光線透過樹蔭照在他們的衣服、臉上，有印象派的輕快的構圖。前景到后景變化很快，后景有往高處發展的呈現，表現出人形逐漸消融在陽光和空氣中。

第五篇：畫藝網：西方傳統繪畫的革命者

西方傳統繪畫的革命者

畢加索雖然是西班牙畫家，但是，他卻在巴黎完成了現代藝術史上的繪畫革命。畢加索是西方藝術史上一位極其獨特的藝術家，他的才能在年輕時就表現得非常卓越，他當年在西班牙所畫的習作已經讓同輩畫家們嘆服，到巴黎后受到印象派影響，尤其是受到塞尚繪畫的啟發，創立了立體主義繪畫。

畢加索終結了自文藝復興以來所形成的西方繪畫傳統，拋棄了三維空間與真實形體的描畫，把固定視角的觀察改變為多視角度空間的觀察，并把不同角度的觀察結果表現在畫面上。畢加索開始考慮文藝復興以來繪畫所遵循原則的意義和價值：繪畫是否一定要遵守透視法的規律來表現客觀真實？他發現，除了西方以外的其他民族在繪畫歷史中，透視法并不重要，非洲藝術沒有透視法，日本繪畫和中國繪畫也沒有，但無論是非洲還是中國，繪畫藝術都已有很長遠的歷史。文藝復興所遵循的原則和闡述的方法，并不能概括所有民族繪畫的原則與基礎。

畢加索思索藝術中最為關鍵的核心是什么： 如果藝術的標準首先要滿足客觀真實的話，那么，藝術家就會因為學習真實而帶上技術的枷鎖，繪畫中情感的自如表達也會受到技術的制約。因此畢加索從非洲的藝術和日本與中國的繪畫中找到新的繪畫表現形式——完全取決于自己內心的情感需求。

這就像我們看到的兩部作品：《讀信》和《斗牛士》。《讀信》是畢加索用古典主義手法來處理的畫面，《斗牛士》卻是用立體主義的手法表現的畫面，這兩個風格迥異的畫面卻都是畢加索一個人的創作。對畫面的解釋并不一定能理解畢加索繪畫的意義，每一個人站在畢加索的畫面前都會有自己的理解和解析。