第一篇：中國電影美術和好萊塢工業電影美術的差別

我喜歡看電影，我相信許多人和我一樣，都被電影深深吸引。看一場電影，就好像是給心靈的一次過濾，一次震撼，一次感動。電影的魅力，最重要的就是能夠讓人回味無窮，一場電影就是一段記憶，一頓精神大餐，而不僅僅是一場視覺盛宴。而中國電影和好萊塢電影各具特色,各有各的精彩！

先讓我們來看看中國電影的特點：尊重藝術的客觀規律，創造出各種真實生動的銀幕形象，塑造了各類不同的典型性格；在風格與樣式上趨于多樣化。由于題材領域的擴展，使藝術家們可以自由地發揮自己的才能和特長，探索自己最適宜的風格、樣式，表現最完美的內容。中國武俠電影作為中國電影界最重要的組成部分之一,多年來深受觀眾的喜愛和追捧,并且也是中國電影界進軍國際影視圈最為成功的電影類型。它以獨特的魅力吸引了無數的海內外觀眾。究其原因,我們認為,中國武俠電影之所以這么受歡迎是因為它以中國古典美學為依托,彰顯了中國傳統文化之美。《臥虎藏龍》的成功便是最好的例證。《臥虎藏龍》在2000年大放異彩,它將中國古典美學傳統詮釋到一個新的高度,其攝影、舞美、動作、音樂等都體現了濃郁的中國古典文化韻味。中國美術片從形式到內容都極富有民族風格和特色。中華人民共和國建立以后，美術片是中國影片在國際上獲獎最多的一個片種。新聞紀錄片已向縱深發展，充分利用豐富的資料，系統地編輯一些重要的文獻片，并對群眾普遍關心的問題與重要事件進行綜合報道、專題報道；還注意表現人物和人物的精神世界，抓住真人真事中豐富的細節，以情動人。

好萊塢一直聲稱尊重多元文化，推動藝術發展，然而內在的商業需求是其發展的首要動力。好萊塢電影通過對市場的準確把握和調研，緊密扣合了它的最廣大電影消費人群的心理結構，首先滿足他們的娛樂需求——追求感官刺激、消遣與獵奇。一方面，電影在各種充滿矛盾的緊張沖突的故事情節中讓人們得到賞心悅目緊張刺激未曾體驗的視聽感受，導演在類型片的運籌帷幄，內容編排，特技使用更為輕車熟路，而演員對類型片的演技掌握也更為到位，對所扮演角色的體驗和發揮也很充分，另一方面，好萊塢融合了各種電影特技的畫面和聲音，給人帶來強烈的視聽震撼，這種技法成為很多人渴望觀影享受動因。好萊塢成為了世界各地無人不知，無人不曉的一個重要的商業標識和文化景觀。

好萊塢電影商業與文化的結合還體現在好萊塢制片商深諳將世界各地的傳統文化整合成適合大眾消費的流行文化的套路，播放之后大多數都獲得了不錯的票房。比如好萊塢近年逐漸意識到中國巨大電影市場存在的商業利益，由于文化的重大差異催生了西方觀眾對中國文化和中國社會的好奇，這種獵奇心理產生了市場需求，迎合或潛在地迎合觀眾的需求以培養忠誠消費者是制片方要考慮的頭等大事之一，同時也為了征服更多中國觀眾，自然考慮到在影片中添加中國文化元素，中國文化就這樣在好萊塢登場了。

最近幾年出現了拍中國風景、講中國故事這樣的“攀親”行為。影片《碟中諜3》中相當比例的鏡頭取景上海，《面紗》的故事發生在中國上海和桂林，《木乃伊3》中中國古城西安和黃河成了故事發生地，兵馬俑也扮了回埃及法老，《黃石的孩子》中出現的敦煌戈壁。更有《上海紅美麗》這部中美合拍片，從頭到尾講述了一個上海女人的故事，《南京》好萊塢版(the Rape of Nanking，2007)是為紀念南京大屠殺70周年特別拍攝。2008年李連杰和成龍主演的《功夫之王》據稱改編自中國古典神話《西游記》：2008年《功夫熊貓》在全球票房大獲全勝，更是“打中國牌”策略的勝利。

對于數量和種類龐大的中國元素在好萊塢電影中的出現，并非雜亂無章也絕非偶然，好萊塢總會按美國文化的傳統思維和好萊塢商業理念對各種文化進行整合，盡可能達到全球文化的內涵的簡單化，無差別化。中國文化在好萊塢電影中的體現從中國面孔到中式服裝、中國音樂及中式道具琳瑯滿目，從動作片到劇情片也不一而足，被打上中國標簽的各種符號，既滿足了西方觀眾對中幽文化的好奇，又讓中國觀眾倍感親切。

好萊塢對中國文化的整合以商業標準為前提和準則，所有的中國元素和中國文化必須符合商業化的需要。其中出現頻率最高的要數中國功夫了。中國功夫和中國功夫明星能在好萊塢電影中大行其道主要就是因為功夫電影視覺沖擊力強，元素簡單，便于傳播推廣，而且制作成本相對低廉，符合商業運作的標準。對于好萊塢而言，功夫不過是吸引觀眾lIR球的賣點，只需要給它加上一個正義戰勝邪惡的劇情就可以了，而電影反映的仍然是兩方的文化價值觀，常常在中國文化置入“小人物拯救世界”的思維。1998年由迪士尼公司出品的動畫電影《花木蘭》和2009年由派拉蒙公司出品的卡通電影《功夫熊貓》都是好萊塢對中國文化解讀的代表作，替父從軍的弱女子與憨態可掬的大熊貓最后都成了拯救世界的大英雄，更重要的是，好萊塢電影制造的這些電影符號勾勒的符號王國，通過一系列符號虛構生活和想象世界的場景，建構一種意義結構，讓觀眾在電影中最終感受到美國政治形態、社會秩序的穩定性，看到了理想的道德典范和純粹的生活方式，讓人們從內心深處既對電影的視聽內容感到渴望，又對其透露出來的思想感到了依賴，就是貫穿電影始終的美國核心文化的體現。

再看看好萊塢電影：好萊塢類型電影的制作和類型電影觀念的發展，盡管某種程度上豐富了電影的敘事形式和敘事語言，但從整體上看，好萊塢類型電影的敘事模式，仍舊隸屬于戲劇性的敘事模式。類型片強調影片故事情節取勝，人物關系也從屬于情節關系。好萊塢電影是世界電影的“基點”和“坐標”，美國的電影研究者曾經對經典好萊塢電影的特點進行了歸納：（1）講故事是個基本的、慣常的主題；（2）“三一律”是電影形式的基本特征；（3）追求介乎戲劇和自然之間的真實；（4）用剪接和“看不見的”敘事來掩蓋人工痕跡；（5）影片必須清晰、易懂；（6）具有基本的超階級、超民族的動情力和感染力.好萊塢強調連貫性的剪輯和流暢性的時空組合，以利于一環扣一環的封閉的因果關系的線性發展。影片的情節和鏡頭也遵循著邏輯的發展，竭力造成時空的連貫性，便于得到觀眾的認同。舊好萊塢電影在主題和題材上多為遠離現實和政治的消遣娛樂內容，在創作上體現中產階級的共性，中庸和保守的價值觀，現實主義傾向的影片在這一時期所占的比重很極少。好萊塢電影卻表現出對舊好萊塢電影的反叛，其電影對社會問題的尖銳暴露，批評和抗議，對現實生活直面的廣度和力度都給人以極深的震撼。好萊塢能真正借以風靡各種層次觀眾的“美國文化”表現有四大類：

一、不畏強權，挑戰謬誤；

二、孤膽英雄，直面邪惡；

三、展示科技，普及法律；

四、燦爛青春，銘心愛情。

從《黃土地》到《邊走邊唱》，寬松的制片廠環境讓那時的陳凱歌可以由著自己的性子去拍電影，拍得純粹、徹底。那也是中國電影最具活力的時候。之后，制片廠改制，拍電影的環境日益險惡，陳凱歌便開始了一次又一次痛苦的蛻變。

說到底，陳凱歌是個知識分子，他并不是一個天才的藝術家。知識分子在獲得自閉的滿足的同時，也有著一些先天的弱點。陳凱歌軟弱、優柔寡斷、磨磨唧唧，既想保持住自己知識分子的獨立人格與思想，又不愿意失去世俗世界的繁華喧鬧。這是一個未能成為天才的藝術家最可悲的地方。作為強烈追求入世的知識分子，他太怕沒人聽他說話，沒人贊揚他的優秀，找不到符合自己要求的位置。

這便有了《霸王別姬》。惟獨這么一次，陳凱歌找到了符合自己的位置，找到了自己的理念與主流電影之間的平衡。象征、隱喻的影像依舊存在，但是都附載在了悲歡離合的通俗故事上，而推動情節跌宕起伏發展的又是國家、民族和時代的大起大落。有心的觀眾可以從程蝶衣斷指、段小樓臉譜，還有戲院后臺化妝間里的鏡像等設計中，讀解出無數的理論和思想。不愿多費心思的人則可以對它們視而不見，簡簡單單地感動一回。陳凱歌把該說的全都說了，故事卻因此更加好看、更加豐富。這是一個主流文藝大片的標本，憑著它拿到金棕櫚獎確實名至實歸。

前面說了，《霸王別姬》是陳凱歌在和體制、環境的對話中惟一找到感覺的一次。那之后，成功給他帶來的自由又一次讓他的精英自我膨脹起來。《風月》中的故事晦澀迷離，陳凱歌陶醉在如古墓中織錦一般華麗而糜爛的影像中。那之后，在《刺秦》的現場，袁和平閑得沒事干，陳凱歌一個人和秦皇與刺客們爭辯著家國的興亡、人性的善惡，又開始了自言自語。在外人看來，《刺秦》應該是陳凱歌電影創作的轉折點，青壯年的陳凱歌電影在那里經歷了一次更年期。從《霸王別姬》開始的路在那里走到了一堵墻壁。對于知識分子陳凱歌，真是成也《霸王別姬》，敗也《霸王別姬》。《霸王別姬》給了陳凱歌金棕櫚和奔馳車，換走了翠巧肩上挑的那五千年，沒了這五千年，陳凱歌當時就找不著北了。

五年過去了，陳凱歌拍了《和你在一起》，一部徹底不講理的電影：沒有深刻，沒有理念，老老實實地講了個故事，簡單純粹地煽了一把情。然后，電影得到了觀眾與領導的一致肯定，獲得了今年的金雞獎。陳凱歌坐在金雞獎的頒獎現場是怎樣的忐忑?給他最佳導演，他至多頷首一笑，謝一聲“大家賞臉”!不給他最佳導演，他至多還是頷首一笑，使勁替楊亞洲鼓兩下掌，說一聲“楊導拍得好”!結果卻偏偏是最讓他尷尬的，并列。這就是陳凱歌的位置，他辜負著自許的身價，卻得意于別人的夸獎。在這樣的尷尬中間，“和陳紅在一起”，拍電影，賺錢!這變化說起來驚人，但是想想到了二十一世紀，連最流行的歌星都吐字不清，所以似乎真的沒什么話是非說不可的，更沒有多少人要聽你去講理。陳凱歌說“十分鐘年華老去”，這是一個溫情的信號。從戰國的屠城到北京一處叫作百花深處的胡同拆遷，結果有什么不同嗎?沒有，無非都是塵歸塵，土歸土，不同的是一個人看問題的角度。

其間的變化應該源自陳凱歌自己的生活，他現在是一個生活著的男人。以前他像許多導演一樣，把拍電影看作是格物，殊不知，格得久了也并不一定知道天理，不如自己去作那物，便知道天理是自然存在的。陳凱歌自己也說，現在他有了看山還是山看水還是水的感覺了。

也是在這個時候，我們看到了《和你在一起》。我們假定這時候的陳凱歌已經做到看山又是山看水又是水了，但是他沒有把眼前的山水說清楚。如果說他只把看山是山表現在了拍這樣一部電影的行為上，而不是表現在他拍出來的電影里面，那他的看山是山也就無所謂了，因為那只是他個人的提升，對我們這些看山還不是山的人也沒什么裨益。我們只能期待他在個人提升的同時，把他的電影表達也提升到一個相匹配的層次上，那將是中國電影的大幸事。當然還有一個最慘的可能，就是陳凱歌已經把他提升到一個不屑于再用電影爭什么的層次上，那他的《和你在一起》就到頭了，拍電影只不過成了他的一份工，成了他繼續過幸福生活的保障。

我真不希望是這樣的。

陳凱歌是中國電影導演中少有的知識分子，像古往今來的讀書人一樣，他講究的是生死家國，以天下為己任，思考并表達。及人，訓詁啟蒙直到教誨；及自己，窮其一生只為做一個君子。這些本來是陳凱歌和他的電影最具魅力的地方，然而不幸的是陳凱歌也如古往今來的讀書人一樣，有著知識分子共同的軟弱，在滾滾紅塵面前沒能夠在自己應走的路上堅持下去。這本來也無可厚非，但是誰讓他站在了中國電影和中國導演的前臺呢?!如今，普通人的生活似乎讓陳凱歌走出了死胡同，進而得到了他一直缺乏的“平常心”，那么，我們希望的是他能夠把這境界帶到他的電影中，試著再去走走他該走的路，而不是像現在這樣，只是用這平常心敷衍出些平庸的東西。

張藝謀支撐著現在的中國電影工業，他成功地策劃了中國電影的一次次高潮，也正是因為這些精良的策劃，他不用再顧忌電影的品格

張藝謀之于第五代導演就如宋江之于梁山好漢，他把第五代導演的精神實質抽空了，他打江山是為了當頭兒，這是中國農民持續了兩千多年的夢想。張藝謀身上體現著農民階級的特征，他的實踐也帶著些農業生產的意味。這倒不是說農業戶口什么的，而是農民式的謹慎、勤懇和對過上好日子的渴望。當然，一般老實人都會有這些追求，張藝謀還有一些別的。他像農民一樣，時時注意天象，為著能好好照顧眼前的收成。電影對張藝謀其實就是一種作物，一種經濟作物。什么地種什么莊稼，怎么個種法，什么作物賣的價錢高，他都研究得透透的，不會馬上取經，加上起早貪黑，收成自然比人家好。張藝謀真正是把好手，是個行家。

張藝謀還是學了一門手藝的人，田壯壯說起當年，“敘事就沒進入我們的視野”，但是張藝謀很快就把敘事納了進來。作為攝影，沒有敘事的畫面是美術，是媒體藝術。基于電影這門手藝的要求，張藝謀把敘事加到攝影里面，使他自己成了一個導演。對中國電影硬件的貢獻也在于此，張藝謀是懂得畫面與敘事的關系的人，不過也正是因為這一點，因為對于電影這門手藝的精通，他把第五代導演的電影降格為沒有意義的形式。

從《紅高粱》到《大紅燈籠高高掛》，第五代導演所謂的實驗電影已不復存在，越來越走上主流文藝片的路數。在這里，思想和內涵只是一個提供情節發展張力的故事核兒，影像是為了把故事講清楚，加上的隱喻，為的是讓影片的造型有個支點和載體。普通觀眾稍加點撥都可以明白高粱、染坊的直白含義。《大紅燈籠高高掛》更是超越國界，走進了法國的主流院線。最極端和最后的一次實踐是《圖蘭朵》，那是一場在歐洲舉行的第五代導演的葬禮，張藝謀使出渾身解數，把僵死的第五代導演造型全都掏了出來，拼貼到一部歐洲的歌劇上。中國的一場電影運動在那里變成了一具供展覽的僵尸。

從觀賞心理來講，張藝謀的電影也體現了電影所能帶給人滿足的種種欲望的隱晦目的。張藝謀電影中體現的心理特征非常近似于施虐和受虐，快感轉變為這樣那樣的儀式，他對于美感的追求是變態的，故事都帶著中國式的受虐的特征，張藝謀不原創劇本，總是把被改編的藍本的文學性去掉，再把它雕琢成一個具有良好的銀幕支點的故事。很難把他的電影作為一個作品，更多的是一次體驗的快感。張藝謀的電影是電影心理學的非常好的研究文本。張藝謀電影提供的快感更多地作用于腦垂體而不是整個大腦，這里面有性的快感、窺視的快感、農民式的因果報應等等，這些其實都是我們進電影院看電影的目的。從這個角度也可以說明，張藝謀的電影正是電影工業中的主流和中堅。

不用做理論分析，《菊豆》里面所說的一切都直接了當地表現在了情節上。整個電影就是一個受虐、施虐，報復與反報復的故事，再加上一點點弒父和文化對人性的扼殺，我們就可以和楊天青一樣，既滿足了窺視的欲望，又可以為人生的沉重由衷地慨嘆一番，然后睡個覺把這一切都忘掉。在這里，思想只是讓電影更好看一些的標簽，并不是拿來讓大家討論思考的。

這些還都是張藝謀早期的電影，那之后，他越來越變成了一個策劃。

比起一個導演的創作沖動來說，張藝謀更注重電影能給他帶來的結果。因此張藝謀才會在以后的創作中向策劃發展，一切都要在設計之內，每一部片子都要有一個說法。張藝謀是個聰明人，又有功底，勤奮，所以他每每都能得到他希望得到的結果。

最明確的轉變是《秋菊打官司》。當年剛看到片子的時候簡直震驚，怎么也想不明白張藝謀如何能有如此徹底的改變：除了演員，母題和風格蕩然無存!如果那時候我就知道了阿巴斯如何被法國影評界追捧，如何橫掃歐洲各大電影節；如果那時候我就看到了《何處是我朋友的家》的DVD，那我相信我震驚的內容肯定會發生變化。不過現在說這些已經沒什么意思，現在大家都跟張藝謀學會了怎么學，但是卻都沒有他學得那么好，這倒更值得說上兩句。

張藝謀是一個勤奮的學習家，他在身屬第五代導演的時候便努力學習著第五代，他在國際電影節上獲得了更多的學習機會，他比整個中國電影界都更早地學習了阿巴斯，然后他學王家衛，再學李安。其實他連自己都學了，還有誰是學不來的呢。除了用心學，還要懂得學以致用。雖然張藝謀的弱點是沒有創造力，但是他懂得采別家所長為己所用，都學阿巴斯，有哪一個學得像《秋菊打官司》那樣精彩?張藝謀并不是一味學樣的，他是從別人那里受啟發，爾后融會貫通到自己的體系里來，這是一個匠人之所以能成為巨匠的原因。這就比那些一邊學一邊還認為自己在追求藝術的人要精彩得多。張藝謀的電影就是這樣，什么能做到最好，就做什么，并且一定要把它做到最好。但是“最好”的標準又是什么呢?拿《英雄》為例，如果按傳聞所言，賺錢不成問題，那“最好”的標準就是奧斯卡了。有的人會說張藝謀世俗，但是我倒覺得這世俗其實最值得大家學習，而且急待發揚光大。這是一個國家電影工業的主流產品都該力爭達到的標準，它代表著國家電影工業的水平。張藝謀勤勤懇懇，致力于保證國家電影工業的硬件在一定水準之上。和那些一心想要得到點什么的平庸跟風者相比，張藝謀深厚的電影功力和拼命三郎的作風讓他能夠最終拿出一個屬于自己的完整漂亮的作品。而且，張藝謀還具備一般導演所欠缺的整體策劃設計的運籌能力，他能從一個作品的故事構架開始細致準確地把握，并且把這種控制一直延伸到拍攝和后期制作、宣傳以及其他一些商業環節中，從而保證電影最大程度地達到他設想的效果。張藝謀是一個綜合型人才，這是最能適合當下電影環境的人才。

就像《英雄》注定是會成功的，因為從策劃開始就是成功的，對于票房的策劃，對于影片的策劃，對于奧斯卡的策劃，張藝謀是能用自己的實力讓這些策劃實現的。你可以說張藝謀不是一個什么樣的導演，但是你必須承認他是一個成功的導演。與其批評張藝謀沒有品格，不如讓大部分的中國電影走上張藝謀的道路，這是電影工業的必由之路。而現在有許多拒絕這一道路的人其實比張藝謀更沒有品格，而他們自己所謂有品格的電影也遠不如張藝謀的電影精彩，最多只能算是一塊用來招搖的遮羞布。

中國電影需要至少十個以上手藝出眾又懂得策劃經營的張藝謀，而一個張藝謀的后面至少墊著一二百個職業導演，這樣才能滿足正常的工業化需求。但是很慘，現在只有一個。

當然比起張元這些晚輩，張藝謀的好名聲是更加貨真價實的。張藝謀其實是最能代表當下電影環境的人選，恐怕只有他能做到名實俱佳，他忠誠于國內外的電影檢驗標準，也體現著我們國家電影工業所能達到的最高水平。不過這對于張藝謀來說也許并不成為問題，因為他追求的自我價值就是現世的光輝與榮譽。

馮小剛令“大鼓書電影”發揚光大，他用自己的努力給中國電影作了一種提示，但是同時也帶壞了一批電影觀眾

馮小剛是從學徒開始的，這和其他幾位很不一樣。他曾經和趙寶剛一起在北京電視藝術制作中心學徒，這種啟蒙對馮小剛和趙寶剛后來的定位是非常重要的。電影學院和戲劇學院都會教人體系，像斯坦尼斯拉夫斯基什么的。北京電視藝術制作中心不會，在這里只能學到操作和市場。馮小剛便是這樣一個沒有體系的作者，所以他的實踐也最見現實之必需，沒有體系支持的生存是叢林式的，要么活得很好，要么就平庸得受人作踐。

他出身電視，就算在對待電視仍然十分藝術的那個時候，電視和電影的差別也是白居易和韓愈似的。所以馮小剛的電影和電視劇是一碼事，他拍什么都是這樣，不用分。馮小剛從開始就沒像其他一些人似的把電影當個殿堂，電影就是他的廠房。有定單，有原料供應，有成品的檢驗與反饋，但是這成品按什么圖紙造出來的，就只有廠房里的人自己清楚了。

馮小剛從學徒而學習成為一名藝術家，這期間便難免演化出了一些小資的品貌特征。所謂小資，就是很想作富人的窮人。資訊通暢、求知欲強使得有追求的窮人們了解了富人在干什么，于是不能變得富有，便先按照富人的品位要求自己，從他們對真正富人而不是暴發戶的模仿中可以想見他們窮得有多絕望，反正是做夢，能夢見月亮干嗎去夢床頭的燈泡呢。藝術便是馮小剛的月亮，他追求具備夠藝術的品位，用了多年才擺脫不夠藝術的自我貶低。他懸在藝術家與俗人之間，上下求索。可能還是王朔幫他解脫了，王朔因為說藝術是屎而成為了文學家，不光馮小剛解脫了，一大批人都解脫了，在合適的經濟文化條件中成為現在的一個階層。

大家伙都知道馮小剛的賀歲劇，但是在那之前他就拍過電影了，叫《永失我愛》。徐帆演的一個空中小姐，在高速公路邊上蓋了一間美國鄉村式的木板房子，這真是要多小資有多小資。但是那部片子賣得不好，因為它小資得太標準了，沒什么特點。賀歲劇開創了一種中國人喜聞樂見的電影，也創造出了中國人自己的小資形象，葛優不管怎么說還有一套自己的房子(《甲方乙方》)，還有一輛自己的車(《不見不散》)，他甚至跑到了美國，弄了輛誰見誰覺得酷的大拖車。當然，最讓小資們滿意的是葛優對現實的那副不以為然的樣子，這徹底贏得了中國小資們的心。票房是個證明，我想眼下愿意掏錢上電影院的小資肯定占大多數，大爺大媽們也喜歡馮小剛，但是他們至多也就買張盜版光碟。

其實如果沒有這種小資的格調，馮小剛是很藝術的，他的電影很獨特，對于中國的現時文化是非常有價值的。馮小剛的這種口唇期電影真正是中國內地類型。一切都不動真格的，說說而已，馮小剛不太追求完滿的電影幻覺，都知道是假裝，只有說的是真的。這里面可是大有可研究的，這假裝是最具中國特色的敘事藝術，而說則是平民英雄的不二法寶。這些東西重新引起大家的注意，還多虧了電視劇的發展呢。

中國電影注重描寫生活的光明面，主題是給人希望，讓人們相信還是社會主義好，好萊塢電影避諱地展露社會地黑暗面，故事情節緊湊，在選擇電影方面我確實崇洋，不過這是事實，無論在情節，配樂，拍攝技巧還是演員的演技方面，我們都有很大地空間需要提升，不只是時間的問題，而是需要中國地電影人從思想上根本轉換，而不是一味的炒作，吹噓，電影是藝術。中國電影，其實中國的電影發展史幾乎是與世界電影史同步的，只晚了10年，但和美國相比中國的近代一直處在分裂，割據、內戰，抵抗侵略的戰亂時代，電影業根本談不上有什么大的發展，只是在建國后才又逐漸覺醒起來，但在技術上已經落后于世界電影的發展水平，但隨著第四代電影人的崛起，中國電影又在世界上開始展露頭角了，在不少國際電影節上獲獎為中國電影的發展翻開了新的一頁，但大部分獲獎的電影都非主流電影，很多電影在電影院都看不到，這也是市場的差距，還有其他方面差距還是不小的，無論從電影業規模，電影的發行，票房，都有很大的差距。

我們應該立足于本國本民族的文化傳統,用自己的方式展現在世人面前,并且應該相信我們傳統文化的獨特魅力并不亞于世界上任何其他文化傳統。這種文化的展示并不是一味地迎合西方的口味,更不是商業炒作,而是要發揮中國文化自身的魅力。我們要以開放的、有特色的、本土化的方式去向世人介紹我們的文化,這才是中國電影走向全球化的正確道路。

第二篇：淺談好萊塢電影和中國電影中的跨文化現象

淺談好萊塢電影和中國電影中的跨文化現象

王楠

2012-5-23 9:00:46 來源：《電影文學》 2011年11期

自從全球化趨勢加劇以后，傳媒產業就在日益發達當中，電影產業正在取代傳統的文學形式，如小說，成為西方想象東方的載體。很多學者都把學術興趣轉移到電影或者是電影的相關領域當中，并且已經取得了一些學術方面的成果。

一、理論反思

隨著高科技媒體的快速發展，電影的格局發生了很大的變化。DVD播放器的各種檢索功能為老電影提供了一種新型的觀看形式，也對傳統的影響提出了新的挑戰，傳統電影是依賴于膠片來制作幻覺，但是畫格本身卻是精致的，這種錯覺的呈現是傳統電影的表現形式。也就是說，電影能夠做到挽留演員的生命表象，膠片可以使得靜止的瞬間復活。白話現代主義是從經濟、技術上大眾文化的對應產物，白話是一種社會性的話語形式，是個人的表達形式，在公共場所能夠被他人認同，它與方言不同，可以在很大范圍內得到應用和流通。白話現代主義可以分析在語言上有很多差異的電影，不同的電影和不同的現代經驗可以補充現代主義白話理論，使白話主義更加系統化、精細化。20世紀二三十年代的電影涉及了很多現代性的問題，如失業、貧困、犯罪、危機以及性別等。這些經驗在當時的文化當中都有呈現。

二、好萊塢電影的跨文化現象

好萊塢電影當中借鑒中國元素的創造很早就已經存在了。在20世紀初，好萊塢電影就開始刻畫華人的形象了，不過很多都是作為陪襯的。中國形象的典型特征就是唐人街上的長辮子男人、長指甲女人等。好萊塢拍攝了第一步完全以中國為題材的電影《大地》，這部電影當中的故事發生的時間跨度有40年之久，主要展現了一對中國農村夫妻的悲慘命運和他們對中國國土的眷戀之情。這部電影的音樂都是采用的中國音樂，它修正了早期電影當中中國人的形象。在70年代，李小龍帶著自己的武術進軍好萊塢，引起美國觀眾對中國文化的熱愛，這是中美電影文化進行交流的一次小成就。

在70年代以后，由于互聯網對電影的沖擊，好萊塢電影在美國國內市場逐漸萎縮，每年只有十分之一的電影可以贏利。在1952年，美國電影從國外獲得的收入占總收入的42%，在70年代這一比例升到55%,自從90年代開始，美國電影在歐盟電影市場當中有70%的份額。

由于全球化，好萊塢電影在主體以及拍攝方法等方面產生了變化。貝納爾多?貝托魯奇導演于1988年導演的電影《末代皇帝》是一部偏西方視角但是制作很精良的傳記電影，這部電影獲得了第60屆奧斯卡的九個獎項。華裔導演王穎于1993年拍攝了電影《喜福會》，這部電影是根據小說家譚恩美的暢銷小說改編而成的，這是當時好萊塢主流的電影之一。很多以中國為題材的電影都有爭議，但是這些電影的票房方面都很成功，很有開發的潛力。這吸引了很多導演都以中國為題材來拍攝電影，更多地加入中國元素來吸引大眾的眼球。隨后的很多電影當中都加入了很多中國元素，如《花木蘭》《非常人販》《面紗》《上海正午》《駭客帝國》《上海騎士》《生死格斗》等。在2008年，好萊塢又推出了《功夫熊貓》等帶有中國元素的電影。《功夫熊貓》的制作用了5年的時間，制作成本達到了1.3億美元，推廣的成本達到了1.5億美元，它的票房共計是6.3億美元。這些作品或者是從中國傳統文學來尋找題材，或者是把中國作為故事發生的場景，或者是運用了中國所特有的文化符號，雖然運用了很多中國元素，但是卻沒能夠反映中國的現實生活狀況。

三、跨文化差異的闡述

中美兩國之間的文化差異是導致中國人對好萊塢電影做出反應的關鍵因素，在文化的生產和理解的過程當中，人們都會通過自己的文化來審視他國的文化，并且運用自己文化的特點來解釋其他文化，觀眾的思維方式、價值觀念以及觀眾本身所具有的文化背景會參與到電影的意義建構當中去。

人們的思維方式是由于文化和個人的不同而不同的，思維方式能夠體現一個民族的文化內涵。不同的民族都有自己不同的思維偏向，有自己特有的思維方式，也就形成了不同的民族文化形態。思維方式的差異能夠影響人們對他國文化的理解以及闡釋，因為一種思維方式的文化信息對于不同的接受者有不同的解釋方式，很容易產生歧義。中美在思維方式上的差異主要有：第一，中國人所擅長的是整體性，美國人所擅長的是具體的分析；中國人會把個人和社會統一起來做考察，強調事物的整體性，而美國人卻喜歡分門別類進行比較，然后作總結和具體的分析。第二，中國人喜歡用形象的思維，而美國人喜歡用抽象的思維或者是邏輯思維來思考問題。中國導演重視色調的運用，追求的是視覺上的美感，而美國的科幻電影當中，故事可以發生在任何時代，但是卻有很嚴密的邏輯。第三，中國人注重的是統一性，而美國人提倡的對立性。美國人強調的是對立性，習慣把事物分割開來，分清楚好壞、對錯和成功失敗；而中國人追求的是和諧，這是中國傳統的人文精神。此外，好萊塢電影追求的是娛樂性，有表面化的戲劇效果，忽略了復雜的內涵，而中國文化的傳統是習慣用認真的態度來審讀電影，具有反應敏感性。

價值觀是依據重要程度來排列的一種體系，不同的世界觀和人生觀對人的生存的意義看法是不同的，形成了不同的價值標準。價值觀的差異影響了中美文化的不同。好萊塢電影主要是進軍國際市場，希望把自己的電影讓全世界的人都接受。在好萊塢的電影當中，是按照美國的價值觀對中國的故事進行改寫，強調的主要是美國人所肯定的價值取向；而中國人在觀看電影的時候，是按照自己的價值觀來理解美國電影，經過這樣的改寫和理解的階段，就產生了跨文化的巨大差異。

定型觀念又可以理解為刻板的成見，指的是人們對特定的事物的認知以及判斷。這種思維方式容易讓人們對事物產生偏見，經常會伴隨著自身的價值觀的評價。刻板成見對跨文化有很消極的影響，西方社會對中國的刻板成見是中美跨文化的障礙，現在也不能消除。

對中國形象的定型化的評判決定了好萊塢電影對中國的定型化的敘述。比如早期的電影形象陳查理等，還有就是電影杰出作品《殘花淚》中的中國男人，他們溫柔，而且多情，這就是中國人形象的典型代表。

四、中國電影跨文化現象

像《臥虎藏龍》和《英雄》這一類的中國大片，可以重塑國族的觀念。國族電影的觀念與實踐都來源于對好萊塢電影的抵抗，這類類似于民族主義對文化帝國主義的反動。但是，我們也需要重新思考“抵抗”本身，因為“抵抗”是一個復雜的過程，這正好說明了跨文化電影的復雜性和生動性。對我國電影進行討論，離不開跨文化的互動和交流。近年來在歐美國家興起的華語電影，與國族電影有密切的關系，但是也有差異。比如各個國家對《英雄》的討論和反饋就可以看出來，這使得英雄和帝國等觀念獲得了闡釋，但是與此同時，也喪失了對我國文本的美學的判斷。對于這樣的問題，臺灣輔仁大學的唐維敏學者從兩個方面進行了回答，第一，他解讀了英國、法國和日本等國家的資料當中對我國內地、香港、臺灣以及海外華語電影文化的特征；第二，他從“內部他者”的視角來解釋華語電影的體系，這樣，他就可以在不同地區的電影達成一種跨界以及互看的策略。但是倫敦大學的博士生史維從敘事的角度來考察這些新時代電影對國族的超越，她認為新時代的影片當中的個體、邊緣以及都市意象是對中國國族傳統電影的顛覆，也獲得了跨文化的品質以及特點。

如果說根據中西文化的交流和碰撞以及多樣化的敘事風格來探討華語電影，那么香港的電影就是一個很好的例子。香港電影的影像世界與現實生活總是有著一道裂痕，這道裂痕無法彌補，導致這種現象的原因是香港缺乏文化歸屬感。在20世紀50~70年代，香港的本土意識開始高漲起來，很多的功夫片補償了香港本土電影的影像文化。等到香港回歸祖國以后，產生了文化認同的危機，這讓香港電影又返回到了在殖民地時期的情調當中，香港人這樣來尋找心靈上的安慰。香港學者認為陳果所導演的電影可以從側面來見證香港人對文化危機的反思以及矛盾的心理狀態。臺灣青年李桐豪對50年代到70年代的“邵氏”古裝片與香港文化認同的復雜關系進行了總結，所得到的結果是：邵氏電影一直以來都是把中華民族主義作為創作的主流意識，但是后來香港本位主義開始流行起來，導致了香港古裝片的蕭條和沒落。

國族電影的領域在跨文化的語境當中，海外華裔學者在語言以及學術背景等很多方面都是有顯而易見的優勢的。可是在中國，這個論題在國內還是有些冷門，它在今后也可能會成為國內電影研究的主要理論，國內學者需要克服語言、理論和研究方法等很多障礙，與國際學術前沿展開有效對話，正確獲得有效的成果，或者能夠把這個論題作為參照，形成自己的獨特的話語優勢以及學術強項，這些都是需要我們繼續努力和思索的。

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第三篇：好萊塢勵志電影

好萊塢勵志電影 大全 1.《風雨哈佛路》 一個最貧困的哈佛女孩從不退縮的奮斗，看完讓人滿身溫暖，一個最貧困的哈佛女孩從不退縮的奮斗 《風雨哈佛路》 一個最貧困的哈佛女孩從不退縮的奮斗，看完讓人滿身溫暖，2.《奔騰年代》 真實故事改編，一個中年喪子富翁，一個不得志的賽馬教練，一個從未獲得成 《奔騰年代》 真實故事改編，一個中年喪子富翁，一個不得志的賽馬教練，真實故事改編，功的騎師以及一匹瘸馬共同創造的奇跡。功的騎師以及一匹瘸馬共同創造的奇跡。-3.《鐵拳男人》 拉塞·爾克勞主演，一個過氣拳擊手在拳臺上為生存為榮譽而戰。《鐵拳男人》 拉塞 爾克勞主演 一個過氣拳擊手在拳臺上為生存為榮譽而戰。，拉塞 爾克勞主演，4.《聽見天堂》 一個熱愛電影的盲童選擇了用耳朵代替眼睛，去記錄他生活的點點滴滴。《聽見天堂》 一個熱愛電影的盲童選擇了用耳朵代替眼睛，去記錄他生活的點點滴滴。，一個熱愛電影的盲童選擇了用耳朵代替眼睛，5.《洛奇》 史泰龍的經典勵志片。《洛奇》 史泰龍的經典勵志片。，史泰龍的經典勵志片，6.《卡特教練》 一個籃球教練率領一群看不到出路的孩子們為夢想作戰。《卡特教練》 一個籃球教練率領一群看不到出路的孩子們為夢想作戰。，一個籃球教練率領一群看不到出路的孩子們為夢想作戰，7.《荒島余生》 湯姆·漢克斯主演，在人生最低谷的時候能給人們巨大的精神力量。《荒島余生》 湯姆 漢克斯主演 在人生最低谷的時候能給人們巨大的精神力量。，湯姆 漢克斯主演，8.《追夢女孩》 碧昂斯主演，3個黑人女孩踏上充滿未知的星途最后獲得成功的故事。《追夢女孩》 碧昂斯主演，個黑人女孩踏上充滿未知的星途最后獲得成功的故事。，碧昂斯主演 個黑人女孩踏上充滿未知的星途最后獲得成功的故事，9.《陽光小美女》 充滿親情溫暖的勵志片。《陽光小美女》 充滿親情溫暖的勵志片。，充滿親情溫暖的勵志片，10.《聞香識女人》 阿爾帕·西諾主演，里面的一曲《一步之遙》探戈舞曲奏響生命的熱情。《聞香識女人》 阿爾帕 西諾主演 里面的一曲《一步之遙》探戈舞曲奏響生命的熱情。，阿爾帕 西諾主演，11.《放牛班的春天》 即使是被社會遺忘的孩子，也有可能綻放生命的光芒。《放牛班的春天》 即使是被社會遺忘的孩子，也有可能綻放生命的光芒。，即使是被社會遺忘的孩子，12.《當幸福來敲門》 威爾·史密斯難得的非商業電影，和兒子一起出演，很有噱頭，而且很勵 《當幸福來敲門》 威爾 史密斯

的非商業電影，難得的非商業電影 和兒子一起出演，很有噱頭，很好看。志，很好看。-威爾 史密斯難得，13.《側耳傾聽》 宮崎駿編劇近藤喜文導演的動畫，一個少女初戀和成長的故事。《側耳傾聽》 宮崎駿編劇近藤喜文導演的動畫，一個少女初戀和成長的故事。，宮崎駿編劇近藤喜文導演的動畫，14.《黑暗中的舞者》拉爾斯·馮·特里厄的歌舞經典作品，一部別出心裁且唯美感性的歌舞片，《黑暗中的舞者》拉爾斯 馮 特里厄的歌舞經典作品 一部別出心裁且唯美感性的歌舞片，特里厄的歌舞經典作品，有一點浪漫，也有一點灰色，但是卻充滿力量。有一點浪漫，也有一點灰色，但是卻充滿力量。-15.《心靈捕手》 馬特·戴蒙和本 阿弗萊克兩哥們的劇本，羅賓 威廉姆斯出任綠葉，一個天才 《心靈捕手》 馬特 戴蒙和本 阿弗萊克兩哥們的劇本 羅賓·威廉姆斯出任綠葉，馬特 戴蒙和本·阿弗萊克兩哥們的劇本，威廉姆斯出任綠葉，少年的非典型成長片。少年的非典型成長片。-

16.《永不妥協》 茱莉亞·羅伯茨借此片獲得影后，十分真誠的勵志電影。《永不妥協》 茱莉亞 羅伯茨借此片獲得影后 十分真誠的勵志電影。，茱莉亞 羅伯茨借此片獲得影后，17.《死亡詩社》 羅賓·威廉姆斯主演的經典勵志電影，還是扮演一個春風化雨的老師，絕對推 《死亡詩社》 羅賓 威廉姆斯主演的經典勵志電影 還是扮演一個春風化雨的老師，羅賓 威廉姆斯主演的經典勵志電影，薦。27.《辛德勒的名單》責任 《辛德勒的名單》 所謂責任，就是未必做得成卻必須去做的事。對于辛德勒來說，救助落難的猶太人是作為一個 真正的人的責任。而把那段歷史搬上銀幕，則是斯皮爾伯格作為一個猶太藝術家的責任。《辛德 勒的名單》包含著對受難者的祭奠，對拯救者的敬意，和對光明一定到來的信念。-28.《面對巨人》 黑暗中的堅持 《面對巨人》 黑暗中的堅持-

第四篇：好萊塢類型電影賞析

物聯網工程學院 微電子1001 王蕊 0301100126 《好萊塢類型電影賞析》期末考核試題

電影《人工智能》影評

電影《人工智能》是著名導演斯皮爾伯格為了紀念好友庫布里克所拍攝的一部科幻電影，該影片講述的是一個名叫大衛的機器人孩子在被母親拋棄后為了回家而一心要變成真人的故事，這個故事本身就有著極強的童話色彩，與木偶奇遇記是十分類似的，機器孩子大衛也正是因為偶然間聽到了木偶奇遇記從而有了想變成真人的心思。所以他不斷的尋找藍仙女，只為了能變成真的人，得媽媽的愛。

《人工智能》我個人認為融合了斯皮爾伯格所有的電影才華，除了他最拿手的科幻元素外，還添加了他細膩的情感元素以及道德元素，在電影的開頭，人類就被安置在一個極度嚴峻的生存環境下，溫室效應導致冰川融化，部分城市已經被海水所淹沒，人類的科技卻極度發達，這無疑是對人類自身的一種諷刺。擬真電子公司的老板并不滿足于已經開發出來的智慧型機器人，而要進一步開發出一個會愛的機器人，一個有心智和情感的機器人。當這個提議被提出的時候就遭來了同事的疑問，因為當前最重要的是要讓人去愛機器人，而不是讓機器人去愛人。然而這個觀點并沒有受到重視，的確，如果一個機器人能真的去愛一個人，那么這個人對機器人又有什么責任呢？這就是影片所要探討的一個道德問題。斯皮爾伯格 在影片的開頭就點明了這個問題。引人深思。

2小時多的片長大致可以分為兩個部分，前半部分以機器孩子大衛在人類世界的經歷為主，主要表達了機器人與人類之間的各種矛盾；后半部分則是機器人的血淚史，表達了一種無奈，同時也是大衛的童話歷險。而兩個部分之間以機器舞男的出現作為過渡，乍看相當突然，細想卻也十分合理。《人工智能》的節奏感是出色的，第一個部分共有三個高潮，第一個高潮是馬丁激大衛吃菠菜而導致起線路損壞，第二個高潮是大衛和馬丁落入游泳池的鏡頭，另一個就是大衛遭拋棄的鏡頭，對于2個多小時的電影來說，在前半部分就使情節緊張是相當重要的，這樣在觀看的時候才不至于顯得沉悶。而且這三個高潮都是影片最出色的地方，感情表達力度相當得大。開始這對夫婦因為自己的孩子將要死去而選擇了用機器孩子大衛進行替代，起初女主人是堅決反對的，那時候大衛的人工智能系統還沒有被激活，他的行動以及大笑時的聲音都是十分僵硬的，直到女主人決定接受他并且說出了激活碼的一剎那，大衛喊出了“媽媽”這個讓人心碎的單詞。女主人接受了這個人工智能的產物。有大衛的日子里，這個家庭是幸福的，生活十分融洽，女主人只是偶爾會想起自己奄奄一息的兒子，略有憂愁，大部分的時間都給予了大衛充分的母愛。然而一個電話打破了這平靜的生活，女主人的兒子馬丁因為醫學奇跡而恢復了過來，重新回到了自己的家中，馬丁的回來意味著大衛的失寵，因為大衛只是一個人類發泄情感的替代品。他就像是一個玩具，被沉重的輕壓得喘不過氣來。馬丁與大衛之間有著明顯的對比，大衛代表的是初生的孩子的純樸，而馬丁則代表著被社會腐蝕所形成的那種邪惡。大衛是機器人，馬丁是人，在馬丁的眼中，大衛僅僅是一個新款的超級玩具。馬丁時刻壓迫著大衛作為一個“人”所應有的那份權利，而大衛總是默默地忍受，沒有任何地反抗。斯皮爾伯格在前部分中用了大量的細節鏡頭來表現這種人與機器人之間的不平等性，這些細節在煽情效果上表現得相當出色。

在游泳池邊上，一群邪惡的孩子用刀在大衛身上做疼痛試驗，大衛躲到馬丁的身后，兩人意外地落入游泳池中，人們跳下水中將馬丁拉了上來，留下了大衛一人在水中張開著雙臂。他同樣渴望著眾人的幫助，但是那一刻沒有人在乎他，大衛在水下看到的模糊晃動的視線與他在水中的安靜形成了鮮明對比，爆發出了巨大的戲劇張力，機器人就是人類的奴隸。我相信當女主人決定把大衛送去擬真公司銷毀時所做的抉擇是艱難的，一個機器人對她付出了無休止的愛，當大衛因為菠菜事件躺在手術臺上被人修理的時候，他可以安慰女主人“媽媽，這不痛，沒事”。大衛與真人唯一的區別就是他是機器做的，然而他的心卻是完全和人類一樣的。所以女主人最終沒有忍心把他送進機器屠宰場，而選擇了森林里放他走。

影片的第二部分也就是在這里正式開始的，機器舞男的出現，他和大衛一起踏上了尋找藍仙女的歷程，大衛堅信藍仙女可以讓他變成一個真的孩子。在這個過程中，斯皮爾伯格制作得相當細致，尤其是機器人屠宰場，完全就是古羅馬的角斗場，機器人在這里像奴隸一樣地被送上角斗場進行搏斗，一個個地走向毀滅，而看臺上歡呼的都是有血有肉的人類，一種鮮明的等級制在這里被展示了出來。人類創造出了他們，認為他們是奴隸，所以可以肆意虐殺，并以此為樂，雖然虐殺的對象不是真實的人，卻比虐殺真實的人來得更加殘酷。但是人類終究是用人性的，當大衛被送上屠宰場的那一刻，在大衛的求饒聲下，看臺上的人群心軟了，大衛逃脫了。也許是前半部分的戲劇張力過于強烈，我總是覺得影片的結尾略力度稍差一點，大衛最終找到了他誕生的地方，但那里并沒有童話中的藍仙女，在那陰森的大樓里，他看到了上百個與他一樣的電子產品，絕望的他跳入了冰冷地海水。但是機器舞男把他撈了上來。我覺得機器舞男也是和大衛一樣懂得愛的，并且是有意識的。他在被抓走的時候說的最后一句話是“我曾經存在”。沒有什么事情比預先知道自己要死更加可怕的了，但是他卻能笑著離開，他堅信大衛可以變成一個真人，如此高尚的情懷恐怕普通人都難以做到。相比之下，更加突出了人們丑惡的一面。

最終的結局設定是這樣的，大衛在水下見到了藍仙女的雕像，摩天輪倒下壓住了潛水器，大衛被困在里面整整兩千年，兩千年中他就那么在漆黑中看著那個雕像，不停的訴說著自己的愿望，直到兩前年后更先進的機器人將他弄了出來。當他走出潛水艇的第一時間就是走向藍仙女，他用手去觸碰藍仙女，但長期住于水的的雕像禁不住歲月的洗刷，豁然倒地，當大衛看到自己的希望就此破碎時，他是多么的絕望。然而那時候已經沒有人類了，大衛這個當時最先進的機器人成為了最原始的機器型號，因為他與人一起生活過。在他的記憶中有許多人類生活的影像，這些機器人為了讓大衛變得開朗，他們用藍仙女知道了大衛的愿望，就是能夠見到媽媽，得到媽媽的愛。但是想要重新制作人，必須有那個人的基因，幸好一直陪伴著大衛的泰迪熊從口袋里掏出了媽媽的頭發，圓了大衛的夢想。但重新制造的媽媽只有一天的生命，在日落時將會永遠沉睡，大衛開心地與媽媽過完了屬于他們兩的這天，日落了，媽媽沉睡了，大衛依偎在媽媽的身邊，也開始了自從”出生“以來的的第一次入睡。影片中我所喜愛的泰迪也爬到床上陪伴著主人。總的來說，也算是個較為完美的結局，大衛實現了自己的愿望，即使時間比較短暫。倫理與科幻的完美結合，造就了這部完美的《人工智能》。

第五篇：十大好萊塢經典愛情電影[范文模版]

1、《愛情故事》Love Story 叫《愛情故事》的電影很多，但是我們記下的就只有這一部。最簡單的愛就是最真實的。愛，就是永遠不要說對不起。

劇情：影片講述富家子弟奧列弗和一位普通面包師的女兒簡真誠相愛。奧列弗不顧家庭的反對毅然結婚。婚后的生活是幸福的，兩人在經濟拮據情況下奧列弗自力更生的完成了自己的碩士學業。畢業后，奧列弗成了一名掛牌律師，經濟上有了起色，兩個年輕人的新生活剛剛開始，但他可愛的妻子簡卻身患絕癥撒手人寰離他而去。影片結尾，他一個人孤獨的來到兩人曾經一起游玩的溜冰場，看著潔白的雪，奧列弗不僅想起過去那一段段甜蜜溫馨的往事……

2、《卡薩布蘭卡》Casablanca 有人說這是上個世紀最偉大的愛情。愛情，因為插上了正義的翅膀而變得堅強而偉大。

劇情：1941年。卡薩布蘭卡。在納粹的鐵蹄之下，要從歐洲逃往美國，必須繞道摩洛哥北部城市卡薩布蘭卡。這使得這座城市的情勢異常緊張。里克夜總會的老板里克是位神秘的男子。一日，捷克反納粹領袖維克多拉斯洛和妻子伊爾莎來到李克夜總會，希望通過里克獲得通行證。里克發現伊爾莎正是自己的昔日戀人，過去的誤解解開后，伊爾莎徘徊在丈夫與情人間，而仍深愛著她的里克，卻決定護送伊爾莎和她的丈夫離開薩布蘭卡。在機場，里克開槍射殺了打電話阻止飛機起飛的德軍少校后，目送著心愛的女人離開…

3、〈亂世佳人》Gone With The Wind 一切都恰到好處。沒有那部首先攻陷心靈的原著，或者沒有費雯麗或是蓋博這樣天才的演員，這部經典之作都將留下不可彌補的遺憾。

劇情：這部傳世經典影片講述的是在美國南北戰爭期間郝思嘉（Scarlett O’Hara）與白瑞德（Rhett Butler）之間的愛情故事。郝思嘉想得到阿什利（Ashley），但阿什利卻要和他純潔的表妹梅蘭尼（Melanie）結婚。在十二像樹舉行大型舞會這一天恰好南北戰爭爆發，舞會上出現了一個新面孔——白瑞德。后來兩個人歷經磨難，郝思嘉一直不承認自己對白瑞德的感情，直到南北戰爭結束后，白瑞德最終離開她時，她才意識到自己內心深處其實是愛白瑞德的。

4、《羅馬假日》Roman Holiday 我們習慣稱赫本為公主是有原因的。即使平民的衣裝也絲毫不能遮掩她公主高貴的氣質。

劇情：某國公主出使意大利，悄悄溜出宮殿，被某報記者帶回家，留宿一夜。第二日，記者通過報紙發現昨晚留宿的女孩與公主頗為相似，想借此機會發條獨家消息，穩賺一筆，遂帶著女孩四處游玩，期間闖禍不少，卻乘機讓好友偷拍下來。同時官方也在到處尋找公主，都被記者巧妙躲避。一天過去了，公主終于要回宮了，倆人依依惜別，才發現彼此已有了感覺。最后的記者招待會上，倆人語帶雙關，以示告別，那些偷拍的照片成了最好的紀念禮物。

5、《人鬼情未了》Ghost 每對相愛的人都希望能像影片中的男女主人公那樣產生一心同體的感覺。當兩顆心合二為一，愛人成為你的骨肉，成為你身體的一部分，才是愛的極致。

劇情：薩姆與未婚妻美莉忙著結婚前的準備。一天晚上他們看戲歸來，受到了歹徒的搶劫。在搏斗中薩姆中槍身亡，美莉悲痛欲絕。薩姆變成了一個幽靈，發現朋友卡爾是謀害他的主謀，目的是為了竊取銀行的巨款。如今卡爾又對美莉展開了追求。為了保護美莉，懲罰兇手，薩姆對卡爾展開了報復。完成了心愿的薩姆終即將前往天堂。在消失之前，美莉終于見到了顯出身形的薩姆。兩人緊緊地相擁……

6、《當哈里遇見薩莉時》When Harry Met Sally 這部電影讓我們有幸認識了梅格萊恩。雖然最近發生的事情已經大大損壞了我們心中“甜姐兒”的形象。但我還是愿意一次又一次到電影里去找她率性天真的笑臉。

劇情：《當哈里遇見薩莉時》（WhenHarryMetSally）是導演羅伯·萊恩納（RobReiner）和編劇諾拉·艾弗羅恩（NoraEphron）在愛情喜劇題材上的一次大膽嘗試。哈里（Harry）和薩莉（Sally）是一對好友，大學畢業后，兩人偶然相遇，后又共同在曼哈頓闖天下。接下來影片描述的就是他們在曼哈頓長達十年的共同生活。開始時情況并不理想，但兩人的關系卻日漸親密。然而，因為他們各自都對自己一系列挫敗的感情經歷耿耿于懷，兩人決心保持這種柏拉圖式的朋友關系而不越雷池半步。隨著時間的推移，哈里和薩莉之間的關系在不知不覺中已從友情變成了愛情，可兩人卻都不愿意向對方袒露心聲......也許這種情節套路對于觀眾來說有些熟悉，但是艾弗羅恩生動詼諧的劇本、萊恩納令人耳目一新的導演風格以及克里斯托（Crystal）和瑞恩（Ryan）之間的默契配合使這部電影成為八十年代最優秀的愛情喜劇片之一。該片的電影原聲專輯也同樣非常出色，其中小哈里?考尼克（HarryConnickJr）演唱的歌曲更是為流行樂壇寫下了難忘的一筆.7、《魂斷藍橋》Waterloo Bridge 悲劇總是能達到震憾人心的效果，尤其當銀幕上再適時地響起那首耳熟能詳的《友誼地久天才》，任你是第幾遍也照樣能攻陷你的眼淚防線。

劇情：第一次世界大戰期間，陸軍上尉羅依在難得假期中邂逅了芭蕾舞女郎瑪拉，兩人墜入愛河并互訂終身，然而征召令提前來到，羅依未道別便依趕赴戰場，在報紙上，瑪拉得知愛人戰死沙場的消息，在傷心絕望以及生活的壓力下，瑪拉淪落風塵，誰知戰后瑪拉又與羅依意外在火車站意外重逢。在羅依旋目的家族背景中，瑪拉自覺形穢無法繼續這份戀情，在兩人初識的滑鐵盧橋上，瑪拉毅然走向急馳而來的軍車。

8、《看得見風景的房間》A Room With A View 記得有本書上稱這部電影為完整的愛情，它向人們展示了戀愛的七個必經階段：相識、接近、萌芽、迸發、冷靜、矛盾、解惑。

劇情：本片曾榮獲金像獎八項提名，在維多利亞時代的英國，出身上層社會的少女露西和她的表姐、老處女夏洛特一起前往意大利的弗羅倫薩度假，碰到英國青年喬治和他的父親同住在一家旅館。露西因為自己的房間看不到風景很沮喪，喬治的父親把自己住的房間讓給了露西。露西與喬治雙雙墜入情網。但勞動人民家庭出身的喬治性格直率，舉止與露西習慣的那種上流階層的繁文縟禮格格不入，拘謹的老處女夏洛特對喬治也很看不慣，雙方時時發生誤會，鬧了不少笑話。有一次，喬治情不自禁地吻了露西。這在上個世紀的英國被認為是越軌行為。露西認為喬治的行為不合禮儀，便拋下他返回英國。回國后，露西與音樂家維斯訂婚。維斯內心空虛而極重外在禮儀，按說正符合露西家庭的要求，可是露西從他身上卻感到繁文縟禮的虛偽，開始懷念喬治那雖有點莽撞、不合禮儀卻充滿青春活力的真率激情。這時喬治回到英國，兩人重逢。但露西仍然囿于那種虛偽拘謹的禮教不肯直率說明她是否接受喬治的愛。這使喬治無所適從，只得傷心地離去。經過幾番波折，露西的表姐、老處女夏洛特看出喬治雖有點魯莽，卻真誠愛著露西，便暗中安排喬治的父親啟發露西，使露西終于拋棄禮教的束縛，去尋找自己心愛的人。

9、《布拉格之戀》The Unbea-rable Lightness of Being 電影原著的名字是《生命中不能承受之輕》。曾經為這個名字的意思想了很久，直到某次坐飛機突然開竅：不能承受的，也許正是那種無根的飄泊之輕吧？

劇情：講述的是布拉格年輕有為的外科醫生托馬斯有兩個女性知己莎賓娜和特麗莎，這時正是1968年的“布拉格之春”時期，托馬斯投稿發表了激進的文章，蘇聯出兵捷克，托馬斯三人逃亡瑞士，莎賓娜去了美國，托馬斯和特麗莎回捷克，被開除公職，兩人隱居與鄉下，在一次車禍中雙雙喪生，在美國的莎賓納接到噩耗不禁潸然淚下。影片通過托馬斯三人的生活軌跡和感情糾葛，史詩般的展現了那時捷克各階層人民的生活和情緒，富有哲理的探討了人類天性中的“媚俗”的本質……

10、《泰坦尼克號》Titanic 關于這部電影實在不想多說了。不管是那艘倒霉的沉船，還是那段不沉的愛情，都是世紀末的又一個一切剛剛好的機緣巧合。當然，這不妨礙它成為經典。

1985年，“泰坦尼克號”的沉船遺骸被發現。美國探險家洛維特在船艙里看見了一幅畫，102歲高齡的羅絲聲稱她就是畫中的少女，羅絲開始敘述她當年的故事。1912年4月10日，被稱為“世界工業史上的奇跡”的“泰坦尼克號”從英國的南安普頓出發駛往美國紐約。富家少女羅絲與母親及未婚夫卡爾一道上船，另一邊，不羈的少年畫家杰克靠在碼頭上的一場賭博贏到了船票。羅絲不愿嫁給卡爾，打算投海自盡，被杰克抱住。很快，美麗活潑的羅絲與英俊開朗的杰克相愛了。慘絕人寰的悲劇發生了，泰坦尼克號與冰山相撞。杰克把生存的機會讓給了愛人羅絲，自己則在冰海中被凍死。老態龍鐘的羅絲講完這段愛情后，把那串價值連城的珠寶沉入海底，讓它陪著杰克和這段愛情長眠海底。