第一篇：美術鑒賞之超現實主義

超現實主義

1.背景

第一次世界大戰后在法國興起的在文藝及其他文化領域里對資本主義傳統文化思想的反叛運動，及其影響波及歐美歐美其他國家。它的內容不僅限于文學，也涉及繪畫、音樂等藝術領域。它提出了創作源泉、創作方法、創作目的等問題，以及關于資本主義社會制度和人們的生存條件等社會問題。超現實主義者自稱他們進行的是一場“精神革命”。

運動是由一群參加過第一次世界大戰的法國青年發起的，他們目睹戰爭的荒謬與破壞，對以理性為核心的傳統的理想、文化、道德產生懷疑。舊的信念失去了魅力，需要有一種新的理想來代替。超現實主義就是他們在探索道路上的嘗試。

超現實主義為現代文學開創了道路。超現實主義作為一個文學流派，實際存在的時間并不很長，作為一種文藝思潮，作為一種美學觀點，其影響卻十分深遠。

2.審美

超現實主義者的宗旨是離開現實，返回原始，否認理性的作用，強調人們的下意識或無意識活動。法國的主觀唯心主義哲學家柏格森的直覺主義與奧地利精神病理家弗洛伊德的“潛意識”學說奠定了超現實主義的哲學和理論基礎。

給現實派最大的啟示是奧地利維也納大學精神病心理學教授佛洛伊德的精神分析學和下意識心理學的理論。從整體上說，超現實主義作為一個藝術運動，與弗洛伊德的精神分析學還是有非常密切的聯系。超現實主義的精神與思想領袖布列頓有過學醫的經歷，他在讀了弗洛伊德的著作后，立即領會到精神分析與達達派的無意識表白之間的關聯。精神分析注重對夢想、幻想和幻覺的分析，并把白日夢作為一種可能的藝術創作方法加以誘導。依此而從事于下意識的夢幻的世界的研究，與自然主義相對立，不受理性支配而憑本能與想象，描繪超現實的題材，表現比現實世界更真實的，比現實世界的再現更具重大意義的，想像領域中的夢幻世界。

在思想上企求打破心物二元的宇宙觀，建立一元化的形而上學，因此他們任意表現夢與想象，很多奇異的變形與線條令人無法了解。他們的創作活動自由自在的安排在一種時空交錯的世界中，毫不受空間與時間的束縛。如果用布列頓的這種視覺形象來解釋超現實主義繪畫的話，還只說明了超現實主義繪畫的一種主要風格，即以達利、馬格利特、德爾沃為代表的風格。這種風格以精細的細部描繪為特征，通過可以識別的經過變形的形象和場面，來營造一種幻覺的和夢境的畫面。它的來源是盧梭、夏加爾、思索爾、基里柯及19世紀的浪漫主義藝術。它企圖運用弗洛伊德所下的定義，創造一種不受意識和理性控制的形象。但是其作畫的過程實際上與寫實畫法沒什么區別的理性過程，因此這種風格又被稱為自然主義的超現實主義和古典的超現實主義。另一支超現實主義的繪畫則是以米羅、馬宋等人為代表，他們追求作畫過程的無意識性，以致在畫面上出現純粹受心理作用支配的意象，最終結果總是充滿幻覺的和具有生命形態的抽象畫面。因此，它又被稱為有機的超現實主義或絕對的超現實主義，這一傾向與達達主義者和某些未來主義者所從事的偶然機遇和無意識行為的試驗有關聯。

超現實主義致力于探索人類經驗的先驗層面，力求突破合乎邏輯與真實的現實觀，嘗試將現實觀念與本能、潛意識與夢的經驗相揉合，以展現一種絕對的或超然的真實情景。超現實主義運動以其充滿幻想色彩和異國情調的奇特風格，對20世紀美學產生了重要影響

3.代表人物和作品

超現實主義藝術家主要有盧梭（H.T.Rousseau）、米羅(Joan miro)、薩爾瓦多·達利(Salvador dali)、恩斯特(m.ernst)、雷尼·馬格里特(r.magritte)、巴勃羅·魯伊斯·畢加索（Pablo Picasso）等人。米羅（Joan Miro，1893—1983）的創作表現方式是有意的打亂知覺的正常秩序，在直覺式的引導下，用一種近似于抽象的語言來表現心靈的即興感應。因此在它的作品中會有象征的符號和簡化的形象，使作品帶有一種自由的抽象感，也有兒童般的天真氣息，是被人們認為“把兒童藝術、原始藝術、民間藝術揉為一體 大師”。他的盛期、動物和某些象征性的物體，都采用單純的線，色彩干凈明亮，他似乎用天真無邪眼睛看世界，但不時地對這混亂的世界發出嘲諷的笑。作品畫人。主要的作品有《荷蘭式家居室內》等。薩爾瓦多·達利（Salvador dali，1904—1989）相較與米羅，他采用相反的表現手法。達利認為藝術家要將潛意識的形象精確的紀錄下來，所以他采用“具象”，精確地復制非正常邏輯思維產生的幻象，把毫不相干的事物全部組合在一起，使畫面中充滿戲劇效果，帶給人視覺與新心靈的震撼。更有甚者，他把受激情產生靈感的創作轉變成流動性的過程，并把這些過程稱之為“偏執狂的批判方式”，即將自己內心世界的妄誕、怪異加入或替代外在的客觀世界，常用分解、重疊、綜合、交錯的方式來反映潛意識的過程。他的有些作品含有宗教的神秘感和色情因素。要作品有《向鳥投石子的人》、《永恒的記憶》、《內戰的預感》等。

代表作《天梯》

4.個人觀點

超現實主義是一種術上的表現以探索潛意識中的矛盾為主，如生與死、過去和未來等，超現實主義的畫家也為了表現這樣的奇發異想，大多運用拓印法、黏貼法、自動性技法等，特殊的表現技法來創作。另外為了表現與真實世界的扭曲或矛盾，他們也常常采用精細而寫實的手法來表達超現實的世界，甚至出現幽默的效果。

在我看來，這是一種對生活，對自我態度的表述，古有“莊周夢蝶”不知是老莊夢見自己變成蝴蝶，還是蝴蝶變成老莊。梵語有言：世界不過是梵天一夢，大家都存在于梵天的夢境之中。在某些方面而言，人們認為承認的事物其存在價值卻拒絕矛盾，超現實主義給予人的一種視覺上的沖擊是影響至深的，有的人們在否認其真實性的同時，卻懼憚超現實主義的表現體（個人理解為超現實主義的載體）。人們過于相信眼睛，認為所有的事物眼見為實而忽略了心對事物的感受。物欲橫流的社會迷惑了人的眼，蒙蔽了人的心靈，往往造成的是人們心靈上的缺失，超現實主義給予的一種心靈的震撼，以一種看似“怪異”的體現手法，向所有人闡述事物的一個“方面”，或者說是事物的本質，揭示一種不為人知的認識，直白大膽，一針見血。在許多人看來，有些瘋癲，癡狂甚至是病態。

很多人覺得超現實主義是不存在的東西表現，或者是扭曲。殊不知，到底是人在看畫，還是畫在看人，人在畫中，還是畫在人中。換言之，超現實主義所表現的，是世界的另一面，人們在真真假假，虛虛實實中漸漸迷失的，或許超現實主義才是世界的最真實的一面，人不過是活在虛幻之中，而超現實主義學者，在某個不覺然的影響下，瞥見了世界的真實，掀開了真實的面紗，有的人沉溺于虛幻中不敢直視真實，有的人面對現實的載體驚懼不安，我們都在不知不覺中被世界迷惑，人們所最求的本源物質，是否是超現實主義的載體。或者說，我們都在沉睡中，等待被敲醒，亦或是，我們中的某些人會驚醒，帶著那些有所覺然的人最求的物質的本源，現實的本源。

第二篇：美術鑒賞之哥特式建筑

《哥特式建筑的美》

前言

美術，在我看來是人為創造出來美的技術。世間充滿著各式各樣的美，而欣賞美，追求美是人類的天性！當然，我也不例外，對于美的享受，我總能得到一種幸福感。

這也是我選擇?美術賞析?這門選修課程的原因，伍老師用他的語言，結合ＰＰＴ課件，圖片，還有視頻，為我們學生深入淺出的講解了西方美術的一些基本常識和作品的賞析，其中主要包括西方的繪畫、雕塑、建筑等。幾節課下來，我對西方建筑藝術最感興趣，當老師介紹西方建筑風格時，看到大屏幕上顯示的哥特式建筑風格的教堂圖片所深深吸引住了。

在聽老師賞析講解下，我更了解哥特式建筑了，也喜歡上了這樣美麗的建筑，出于喜歡和好奇我通過網絡大量收集相關資料，從大量的圖片中我享受到了視覺盛宴，我發現了一些哥特式建筑的共同特點和規律，在西方歷史文獻瀏覽中也了解了產生這種風格的歷史背景。我就通過這次論文，將自己對哥特式建筑的一點認識和賞析感受和老師分享分享。

關鍵字：哥特式風格，背景起源，藝術特點，巴黎圣母院。

哥特之源

在聽老師介紹歐洲建筑或城市的時候聽到哥特式建筑或其風格建筑的解說，那到底什么是哥特式建筑？有是怎么發展起源的呢？這個問題恐怕很多人說不清楚。下面讓我們了解一下哥特式這一建筑風格的背景起源

哥特，原為參加覆滅古羅馬帝國的一個日耳曼民族，其稱謂含有粗俗、野蠻的意思。它是文藝復興時期的歐洲人，因厭惡中世紀的黑暗而?贈?給中世紀建筑的。哥特式建筑是以法國為中心發展起來的。在12—15世紀，城市手工業和商業行會相當發達，城市內實行一定程度的民主政體，市民們以極高的熱情建造教堂，以此相互爭勝來表現自己的城市。另外，當時教堂已不再是純屬宗教性建筑物，它已成為城市公共生活的中心，成為市民大會堂、公共禮堂，甚至可用作市場和劇場。在宗教節日時，教堂往往成為熱鬧的賽會場地。習慣上人們將與中世紀的這種主要建筑風格一致的建筑，均稱為?哥特式建筑?。其實，哥特式藝術與哥特人并無任何聯系，它乃?羅馬式?藝術的更高發展，為中世紀天主教神學觀念在藝術上的一種反映。

哥特發展歷程

早期：第一座哥特式教堂是1143年在法國巴黎建成的圣丹尼斯教堂，其四尖券巧妙地解決了各拱間的肋架拱頂結構問題，有大面積的花窗玻璃，為以后許多教堂所效法。1144年，在慶祝圣丹尼斯重修完成舉行的典禮上，各國的主教們吃驚地發現這種建筑形式有著不可抵擋的魅力。于是25年之后，凡有代表參加過慶典的地區都出現了哥特式教堂。

經典時期：12世紀末到13世紀中葉。

晚期：輻射狀哥特式和火焰哥特式發展。直到16世紀被文藝復興風格替代。

復興：1820年，哥特式裝飾風格復興，主要在內裝飾上。

哥特之藝術特點

通過網絡圖片分析比較可以籠統的歸納出哥特建筑的幾個共同之處：尖塔高聳、尖形拱門、大窗戶及繪有圣經故事的花窗玻璃。在設計中利用尖肋拱頂、飛扶壁、修長的束柱，營造出輕盈修長的飛天感。新的框架結構以增加支撐頂部的力量，使整個建筑以直升線條、雄偉的外觀和教堂內空闊空間，常結合鑲著彩色玻璃的長窗，使教堂內產生一種濃厚的宗教氣氛。

哥特式建筑的外觀的基本特征是高而直，其典型構圖是一對高聳的尖塔，中間夾著中廳的山墻，在山墻檐頭的欄桿、大門洞上設臵了一列布有雕像的凹龕，把整個立面橫聯系起來，在中央的欄桿和凹龕之間是象征天堂的圓形玫瑰窗。西立面作為教堂的入口，有三座門洞，門洞內都有幾層線腳，線腳上刻著成串的圣像。所有墻體上均由垂直線條統貫，一切造型部位和裝飾細部都以尖拱、尖券、尖頂為合成要素，所有的拱券都是尖尖的，所有門洞上的山花、凹龕上的華蓋、扶壁上的脊邊都是尖聳的，所有的塔、扶壁和墻垣上端都冠以直刺蒼穹的小尖頂。

與此同時，建筑的立面越往上劃分越為細巧，形體和裝飾越見玲瓏。這一切，都使整個教堂充滿了一種超俗脫凡，騰躍遷升的動感與氣勢。這種氣勢將基督教的?天國理想?其次，從內部空間的特點，哥特式教堂的平面一般仍為拉丁十字形，但中廳窄而長，瘦而高，教堂內部導向天堂和祭壇的動勢都很強，教堂內部的結構全部裸露，近于框架式，垂直線條統帥著所有部分，使空間顯得極為高聳，象征著對天國的憧憬。束狀的柱子涌向天頂，像是一束束噴泉從地面噴向天空；有時像是森林中一棵棵挺拔的樹干，葉飾交織，光線就從枝葉的縫隙中透進來，啟示人們以迷途中的光明，每當陽光從布滿窗欞間的彩色玻璃照射進來時，整個教堂的空間便彌漫著迷離與幽幻，教堂仿佛就是天堂。此種氣氛已盡顯了基督教的精神，而這種氣氛的形成，又無疑得益于尖券、尖拱及空間結構等技術。哥特之巴黎圣母院

哥特式建筑在不同國家也有各自的特點，最負著名的哥特式建筑有俄羅斯圣母大教堂。記得在高中就讀過《巴黎圣母院》這本經典名著，對書中描寫的巴黎圣母院的建筑了解少之又少，也不知道它是屬于什么建筑風格，直到上西方美術賞析時，經老師介紹才知道這是屬于哥特式建筑。

巴黎圣母院是巴黎第一座哥特式建筑，它開創了歐洲建筑史的先河。

圣母院坐東朝西，正面風格獨特，結構嚴謹，看上去十分雄偉莊嚴。它被壁柱和三條裝飾帶分為九部分，其中，最下面有三個透視門，站在塞納河畔，遠眺高高矗立的圣母院，巨大的門四周布滿了雕像，一層接著一層，石像越往里層越小。門洞上方就是所謂的?國王廊?，上有分別代表以色列和猶太國歷代國王的二十八尊雕塑。大門上雕刻也是精巧無比，多為描述圣經中的人物。大門正中間是一幕「最后的審判」，中柱上的耶穌在?世界末日?宣判每個人的命運，一邊是?靈魂得救者?升入天堂，一邊是被推入地獄的罪人。左右兩邊各另設一個大門，左側大門刻的是圣母瑪利亞的事跡，其雕刻之精美，格調之雄渾居三門之冠。右側刻的則是圣母之母－圣安娜的故事，每一個雕塑作品都層次分明，工藝精細。在所有的柱子都挺拔修長，與上部尖尖的拱券連成一氣。中庭又窄又高又長。從外面仰望教堂，那高峻的形體加上頂部聳立的鐘塔和尖塔，使人感到一種向藍天升騰的雄姿。

教堂內部結構嚴謹，卻極為樸素，幾乎沒有什么裝飾。走入圣母院內，右側安放一排排燭臺，數十枝白燭輝映使院內洋溢著柔和的氣氛。大廳里，門與門相套，逐層后退，形成典型的尖圓拱券。無數的垂直線條引人仰望，數十米高的拱頂在幽暗的光線下隱隱約約，閃閃爍爍，加上宗教的遐想，似乎上面就是天堂。于是，教堂就成‘與上帝對話’的地方。在這高曠、明亮、可容納近萬人的教堂大廳里，聆聽著數千根音管的大管風琴奏出的莊嚴的圣歌、唱詩班的祈唱和牧師不緊不慢的布道，人們仿佛超拔與塵埃之外，心凝神釋，與上帝融為一體了。

圣母院的第二層樓就是著名的玫瑰花形的大圓窗。哥特式建筑的另一特點就是取消了臺廊和樓廊，增加了側廊窗戶的面積，甚至整個教堂都采用大面積排窗。這些窗戶既高且大，幾乎承載了墻體的功能。圣母院的花窗還應用了從阿拉伯學來的彩色玻璃工藝，拼成一幅幅五顏六色的宗教故事。花窗玻璃以紅藍二色為主，色彩斑斕，但這可不僅僅是裝飾，這富麗堂皇的彩色玻璃刻畫著一個個的圣經故

事。由于以前的大多數民眾不識字，這些圖像正好方便以前的神職人員來做傳道之用。

院內擺臵很多的壁畫、雕塑、圣像，因此前來觀覽的游客絡繹不絕。要享受獨自一人片刻的寧靜，不妨上去圣母院第三層樓，也就是最頂層，雨果筆下的鐘樓。圣母院的正面有一對鐘塔，兩座鐘塔高69米，由一條裝飾精美的走廊連接。南鐘樓有一口重達13噸的巨鐘，北鐘樓有一個自上而下的石頭樓梯，由387個臺階組成。中庭的上方有一個高達百米的尖塔，塔尖補充了花窗上方的空白，并與建筑的正面構成了一個完美的平面對稱圖形。登上鐘樓的最高處，游客可以盡賞巴黎美景。

正如雨果在《巴黎圣母院》的那段名言：?這座可敬的歷史性建筑的每一個側面，每一塊石頭，都不僅僅是我國歷史的一頁，而且是科學史和藝術史的一頁。?它不僅?寫出了人類的世界通史?，而且是一部?規模宏大的石頭制造的交響詩。建筑成為了藝術，在改變人類物質生活的同時，也帶給精神世界美的享受。雖然我不是藝術家，但我有一顆追求美的，發現美的心。我喜歡哥特式建筑，喜歡巴黎圣母院，喜歡上一切美麗的藝術。感謝老師的教學，雖然選修課已經上完了，但我仍然會用心去發現周圍的藝術，欣賞它，獲得美的感受來升華自己的靈魂。

第三篇：美術鑒賞之心得《向日葵》

美術鑒賞之心得

美術欣賞課將我帶到了一個全新的世界，帶到了一個我以前從未涉足過的領域，帶到了藝術的殿堂，我可以說出那些美麗的作品的故事，它讓我發現原來世界是這么美，原來一個人的思想可以這樣表達，原來先代們是那么的智慧。

美術又稱造型藝術、視覺藝術、空間藝術。美術鑒賞是運用感知、經驗對美術作品進行感受、體驗、聯想、分析和判斷，獲得審美享受，并理解美術作品與美術現象的活動。

從不了解美術，到懂得欣賞美術；從無視美的存在，到學會發現美；從對美術不感興趣，到喜歡上美術，這就是這學期學習美術鑒賞課的最大收獲。

繪畫是造型藝術中最主要的一種藝術形式。它是指運用線條、色彩和形體等藝術語言，通過造型、設色和構圖等藝術手段，在二維空間(即平面)里塑造出靜態的視覺形象，以表達作者審美感受的藝術形式。

就像梵高的藝術是偉大的然而在他生前并未得到社會的承認。他作品中所包含著深刻的悲劇意識其強烈的個性和在形式上的獨特追求遠遠走在代的前面的確難以被當時的人們所接受。他以環境來抓住對象他重新改變現實，以達到實實在在的真實，促成了表現主義的誕生,在人們對他的誤解最深的時候，正是他對自己的創作最有信心的時候。因此才留下了永遠的藝術著作。他直接影響了法國的野獸主義德國的表現主義以至于20世紀初出現的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在陽光明媚燦爛的法國南部所作的。畫家像閃爍著熊熊的火焰滿懷熾熱的激情令運動感的仿佛旋轉不停的筆觸是那樣粗厚有力色彩的對比也是單純強烈的。然而在這種粗厚和單純中卻又充滿了智慧和靈氣。觀者在觀看此畫時無不為那激動人心的畫面效果而感應心靈為之震顫激情也噴薄而出無不躍躍欲試共同融入到凡高豐富的主觀感情中去。

總之梵高筆下的向日葵不僅僅是植物；而是帶有原始沖動和熱情的生命體。我更愛看窗外那一片向日葵，愛看她們在陽光下開出燦爛的笑容。我不敢展示真正的我，我也不知道真實的我是什么樣。在向日葵面前，我有一種自信的感覺，展示著那個成功、全新的我；我在看見向日葵時，心里總有種暖洋洋的感覺。

我看見梵高背著畫夾，在向日葵叢中專心致志地畫著那幅熱情奔放的向日葵。我看著向日葵明朗的臉，眼睛一亮。我對梵高喊道：“你必須面對自我，絕不能逃避。不管這有多么困難，需要多大勇氣!”其實這句話不僅是對梵高說的，也是對我說的。雖然梵高已經成為過去，而我卻可以改變。我要感謝的不僅是那扇窗，更要感謝窗外精彩世界為我帶來的美好遐想。

美術鑒賞課更好的培養我們，提高我們的素質，最根本地是提升了我們的精神境界。美術鑒賞的最終意義，就在于使大學生的情感得到陶冶，思想得到凈化，品格得到完善，從而使身心得到和諧發展，精神境界得到升華，自身得到美化。美術鑒賞有益于我們靈魂的雕鑄和人格的完善 藝術教育注重開發和挖掘人自身的潛能，并致力于培養人的自尊、自信、自愛、自立、自強意識，不斷提升人們的精神文化品味和生活質量，從而不斷提升人的生存和發展能力，促進人的全面發展與完善。人的全面發展，正如恩格斯所認為的那樣，包括智力、體力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面發展是一專多能的素質型發展。鑒于此，大學生的藝術素養已經日益融入時代的潮流之中，倍受人們的重視與關注。大學生美術鑒賞作為美育的一種手段，在促進大學生靈魂雕鑄和人格完善的全面發展中起著重要的作用。滿足我們的審美需要，提高和培養審美能力，在美術鑒賞課上，通過大量地、廣泛地鑒賞優秀藝術作品，就會逐漸具有和提高感受美、理解美的能力了。這里不單單是提高我們的鑒賞水平問題而是如何發展我們的價值取向問題。提高我們對美術意義的認識，培養我們正確的審美理想，健康的審美情趣，提高對美的感受力、鑒賞力、表現力和創造力。陶冶我們的思想情操、提高了我們的精神境界。

通過學習本課程，可以使我們了解更多的美術知識，提高我們的美術鑒賞能力，培養我們的藝術審美興趣，而這對提高我們的全面素質起著十分巨大的作用。

以《向日葵》作品為例

“生活對我來說就是一次艱難的航行，但是我又怎么會知道潮水會不會上漲，及至淹沒嘴唇，甚至會漲得更高呢？但我將奮斗，我將生活得有價值，我將努力戰勝，并贏得生活”——這是生活在低處、靈魂在高處的梵·高對待生活的態度。對于這位極具個性的超時代畫家來說，他悲苦的一生就是向命運抗爭、為藝術獻身的一生，也是強烈捍衛生命個體尊嚴的一生。

梵·高在自己繪畫的成熟期創作了《向日葵》這幅作品，畫面上朵朵葵花夸張的形體和激情四射的色彩，使人頭暈目眩。他內心充滿激情地去畫那些面朝太陽而生的花朵．花蕊畫得火紅火紅, 就像一團熾熱的火球；黃色的花瓣就像太陽放射出耀眼的光芒一般．畫家用奔放不羈、大膽潑辣的筆觸，仿佛使其中的每一朵向日葵都獲得了強烈的生命力，在這里你用“栩栩如生”來描繪這些向日葵，已經顯得軟弱和淺薄，因為那火焰般的向日葵仿佛是一朵朵燃燒的生命，畫家賦予它們一種生命蓬勃燃燒的沖動和張力。有人說這是“梵·高的向日葵”，因為那是他內心火熱感情的寫照，是他精神力量的外露，就如同沒有曹雪芹就沒有《紅樓夢》一樣，沒有梵·高就肯定沒有梵·高式的《向日葵》。天才的藝術家往往能在某個領域樹立起劃時代的藝術高峰，后人只能膜拜，絕不可以企及，梵·高就是如此。作為現代表現主義的先鋒，極端個性化藝術家的典型，梵·高更強調他對事物的自我感受，而不是他所看到的視覺形象，他大膽追求線條和色彩自身的表現力，不拘一格，恣意妄為。他曾說過：“為了更有力地表現自我，我在色彩的運用上更為隨心所欲。”其實，在這幅作品中不僅是色彩、線條，就是透視和比例也都面目全非，徹底變了形，以適應畫家隨心所欲表現自我的需要。凡·高這種無拘無束的創造風格，使他把不同類型的人物、花卉和靜物，都拿來當作了“習作”的對象，并一絲不茍地把它們直接寫生出來的，從這個層面看他是在描寫印象，但外在的手法已經不再重要，他更注重畫中的內涵和神韻。從而可以很清楚地看到，從印象派那兒得到不可或缺的藝術啟蒙后，他以超越印象派極遠。正如他說過的那樣：“關于藝術’一詞，我找不到比下述文字更好的闡釋：藝術即自然、現實、真理，但藝術家能以之表現出深刻的內涵，表現出一種觀念，表現出一種特點，藝術家對這些內涵、觀念、特點有自己的表現形式，其表現形式自成一格，不落窠臼，清晰明確。”

作為一位用生命創作的畫家，梵·高將自身的主體創作意識、內心的情感意識與東方繪畫的因素加以巧妙融會，在最慘烈的生活境遇和對藝術狂熱執著的追求中，樹立起了劃時代的豐碑。

第四篇：美術鑒賞

美 是 一 種 體 驗

系

院：生物與化學工程學院

專

業：化學工程與工藝

姓

名：蔡曉亞

學

號：105010640030

上課時間：周日7-8節

什么是美?如果說要給美下一個確切的定義，我覺得是很難表達出它的神韻和內涵的。美是我們內心深處的最美好的東西，她是柔軟的，她是無法言狀的，只要我們用心去體會，我們就會體會到很多很多的美——大自然的美、人性的美、藝術的美、心靈的美、語言的美、意境的美······就像卡西爾說的“美的品格和本性根本不需要任何復雜而難以捉摸的形而上學理論來解釋，美就是人類經驗的組成部分”，是一種思想上的回歸。

我是覺得，欣賞美和判斷什么是美是一個人的本能，就像我覺得人本能是好奇的，喜歡未知的是一樣的。我很想了解其他人是怎樣看待美，分析美，特別是那些先哲們是怎樣討論美的，比如論語上關于美的經驗的那句話，說一個人要先學詩，再學禮，可理解為先用最單純的方式領會美，再知道規則，結合西方對美學的看法，我覺得很精妙。

柏拉圖的理念論我以前有些了解，只是沒有看過他對美的看法著作中的原話，他說美的背后有美的理念，我很早就贊同這種方式；當然他的理念論本身就是一個創舉，在羅素看來，至少一點是現在都在用的，就是一個事物和其形式是不同的。

愛與美的關系，很多人都想過吧，因為美才愛，還是因為愛才美，我覺得對于親歷的具體事物這要是想清楚了，心理上會有踏實和深刻的感覺，然而卻遠離了最初的、單純而美好的、最真實的東西，是可惜的——有很多事情都是知道的越多就越不好。是否得不到的東西，才想拼命追求；得到了反而放棄？人有很多天生的缺陷，是他自己無法克服的，這點可能就是吧。

說花紅和花美從詞性來講是一樣的，紅是表達事物性質的形容詞，美是表達主體情感的感嘆詞，表達花紅時說紅，表達花美時卻可以說“啊”，一個“啊”字表達了對花的無以言表的贊美，我覺得非常貼切。

美是無處不在的，在漫長的歷史中，各個時期的美術都具有鮮明的色彩，各個藝術家們用他們獨特的體驗展現他們對美的認識，并將他們眼中的美記錄、流傳下來讓后人們品評、欣賞。

在中國傳統文化積淀中的美術家們用他們的智慧創造出一幅幅精美絕倫的作品，用他們的體驗闡釋對美的理解。中國封建時代的人物畫家中最著名的當推東晉顧愷之，他的《女史箴圖》用筆如春蠶吐絲，緊動連綿，循環超乎，格調逸易，風趨電疾。唐代張宣的《搗練圖》描寫貴族婦女的風俗畫。閻立本的《步輦圖》描寫文成公主與松贊干布這一漢藏兩族通婚的史實。五代顧閎中的《韓熙載夜宴圖》則描寫縱情聲色的貴族生活。另一幅杰出的作品是宋代張擇端的《清明上河圖》，他把汴河的繁華景象構成長卷格式的風俗畫，汴河上的各種人物、景物無不具體而生動，真實的展示了當時的社會生活風貌，對古代工程技術也做了正確的描畫，在繪畫史上具有重要的價值。自南朝開始出現專門從事山水畫的畫家宗丙、王微，其后又有唐代張藻，把山水畫又推進了一步，他們還都寫下了山水畫論，從此山水畫在東方持續發展，直至今日。自五代以后則及其豐富，如荊浩的《國廬圖》，關全的《關山行旅圖》、《山溪待渡圖》，董源的《瀟湘圖》；宋代巨然的《萬壑松風圖》、范寬的《雪景翰林圖》、元代黃公望的《富春山圖》等不列盛舉。這些山水畫都有博大與精微相結合的特色，體現著東方的上水美學觀。畫鳥畫家有五代的黃荃、徐熙，宋代的趙佶、翟白、趙昌等。自漢魏發展起來的石窟壁畫，以敦煌莫高窟為最盛，題材屬宗教內容，但也不同程度的反映著時代思想和現實，顯示出中古時代中國美術家的豐富想象力和創造才能。元代以后，文人畫形成了中國美術史上的一個龐大而重大的一個支脈，實際上成為主流，他的流風余韻至今還有很大的影響。文人畫強調畫家要有畫外功，即文學修養。宮廷美術，宗教美術，和文人畫中有許多藝術的精華，具有很高的審美價值，是民族的精神財富。如此多的美術文化財產創造出了中國美術史的輝煌。從中我們不難發現，其實這些美術或者說藝術作品都是作者通過自己的體驗展現出來的，這樣的作品給人的美的感受是生動可感的，讓欣賞這些藝術的人們能帶著自己的體驗進入其意境中感受藝術之美，尋找自己的體驗和美。

對于我來說，我不像那些哲學家或者詩人那樣對美有深刻的理解，但是我相信美是一種體驗，只有自己體驗了，自己才會有自己的認識和體會，才會對美有一定的認識和理解。下面我就談一下我對一些沒美的體驗、認識以及理解。

曾經見過這樣一副畫，蒼白的流水，蒼白的霧，還有霧中若隱若現蒼白的樹木，這樣一副畫，給你的或許是平淡的心境，可是入眼的那一刻，你難道不是震撼著的嗎?在那一片蒼茫中，你的靈魂你的所有悲歡在那一剎那間凝聚，然后淡開，就像那蒼白的遠山近水一樣，慢慢暈開一片心的芬芳和漣漪。若非如此，它又如何進入你的心呢?所以是靈魂的觸及還是視覺的流連，在乎你的心有多深入。就要看你的體驗有多深，是否全身心的如入那種美的意境中。

我認為，大紅大紫不僅僅只是火爆和性感，還有自信和智慧在里面。更甚者，你可曾體會到一個紅衣女子渴望被安撫的軟弱?紅色是強有力的色彩，是熱烈、沖動的色彩。約翰.伊頓教授描繪了受不同色彩刺激的紅色。他說：在深紅的底子上，紅色平靜下來，熱度在熄滅著；在藍綠色底子上，紅色就像熾烈燃燒的火焰；在黃綠色底子上，紅色變成一種冒失的、莽撞的闖入者，激烈而又尋常；在橙色的底子上，紅色似乎被郁積著，暗淡而無生命，好像焦干了似的。教授的見解是源于他深刻的體驗，正因為他有深刻的體驗，他知道什么是真正的美，怎樣去正確理解美，而不是停留在表層的認識。

以前見過一張照片，是一輪紅日懸在山峰之上。有人說是朝陽，有人說是夕陽。我卻堅持說是朝陽。他們斷言是因為我內心喜歡朝陽的，所以才會主觀臆斷。其實是以為我覺得那輪紅日太熱鬧了，沒有夕陽的那份寧靜致遠。即使是在寂靜的破曉，可是那份未經受雕琢和世俗的紅，還是太熱鬧了。我是喜歡夕陽的，喜歡“一場愁醉酒醒后，夕陽卻照深深遠”的那種恍若隔世的淡然和出塵。也喜歡濃夏的傍晚，紅日點燃滾滾紅塵的愛和幸福，一切存在都變得珍貴，火一樣的燃燒俗世，生命變得熱烈而深刻。不過，我最喜歡的應該還是橘黃色落日。安靜的，溫柔的，像慈悲而悲傷的母親，深情的凝視時間下的牽掛，為時間的所有存在和消失祈禱。這就是我的體驗、我的感受，因為體驗不同，所以認識不同，所以對美的事物的認識見解也就不同，但是那又有什么關系呢，美就是一種體驗，我們可以有自己不同的認識，無需為了迎合別人而不忠于自己的體驗和感受，只有我們忠于自己的體驗和感受，這樣的美才是真正的享受！

對于梵高，大家一定都不陌生，但是你知道他的金黃嗎？以前我不明白他的向日葵為什么那么受歡迎，但是，看過他的大部分作品和聽過他的平生之后，至少，我有了自己的理解，或許還是主觀的吧。可是當我看到他的那一大片金黃之后，突然很感動，也覺得傷心。我想，梵高不停地，不停地用大把的金黃色來描繪他見到的一切，其實就是因為他追求一種存在的感覺。作為一個藝術家，不斷地失敗讓他失去了存在的理由，可是作為一個熱愛生命的人，他努力為自己爭取更多的存在感。他把自己的一切都賦予了新的色彩，其實是因為他在努力平衡自己灰暗的世界。用金黃燃燒自己的理想和才華，用金黃裝點自己干涸的世界，用金黃來填充內心的暗淡。他是那么努力地爭取著，可是，當那一天，烏云滿天，一個人的他一瞬間失去了積極的力量，灰暗迅速占領了他的意識。于是他揮筆畫下了凌亂而糾纏的一團暗沉后自殺了。這只是我自己的理解，但是我看到了我自己想要的，這已經很好了。好的作品應該就是這樣的吧，讓不同的人得到自己的所需。這更加讓我體會到，美是一種體驗，需要自己去理解，而不是讓別人告訴你美是什么，只有你自己體驗了你才會真正明白什么是美，你想要的美是什么，這時你就不會在執著于美的概念于定義了，因為美沒有確切的定義，不同的人有不同的理解，你想要什么樣的美就需要你自己去體驗!美的形態十分多樣，變化無窮，其性能各異，或較為顯著，或隱晦而難以捉摸，但是它總是在潛移默化之中給人造成一定的影響。每個人都可以描述個人的審美感受，對不同的審美對象做出自己的判斷，得出自己的體驗。

第五篇：美術鑒賞范文

略對美術作品鑒賞

今晚我們在老師的帶領下，參觀了美術系畫展。面對琳瑯滿目的美術作品，我只能挑選一些給我留下印象深刻的作品進行鑒賞。

《小女孩》中的畫面描繪了一個面帶笑容，身著色彩鮮艷的和服，右手上有一只翩翩起舞的蝴蝶發小女孩。畫中背景雖然色彩淺淡，且有大面積空白，但飽滿的構圖仍使畫面顯得完整充實。這樣的構思主次有分，能使作者的主題更加突出，清晰明了。這幅畫最成功的一點是以形寫神，形神兼備，把人物的神情描繪的如此真實自然。觀看者看了小女孩那天真無暇，甜美的笑容，自己也會不由自主地露出微笑。而且鮮艷的色彩，繪畫的高雅同樣是觀看者的視覺享受。

其中一幅畫描繪出了兩個現代女子神情各異，但都望著地上，陷入遐想沉思中的情景。從畫中可以看出，作者很注重人物眼神刻畫，以及會利用畫筆表達出人物的心理狀態和內心活動。作者把兩個女子的面無表情的坐在那里的情景描繪的如此淋漓盡致，惟妙惟肖。同時作者營造出一種美好境界，引發了觀看者的想象聯想。到底是什么導致這兩個女子表情呆滯？是因對現狀的無奈，還是因為對未來的迷茫。

還有一幅畫以連綿不斷的高聳的大山做背景，一個衣衫襤褸的小女孩的手上拿著鋤頭，旁邊放著一個裝滿草的竹筐，還有一個比她還小的小男孩。小女孩用堅定的眼神望著遠方。作者用有力的線條勾勒出小女孩的形象，寫形傳神。作者的創作意圖是身處深山的小女孩并沒有被周圍惡劣的環境所打敗，她依然對未來充滿希冀，依然憧憬未來。這幅畫讓我們觀看者一股奮發向上的力量。不管遇到什么困難，也不能失去對 未來的信心，勇往直前！

以上是我對美術作品做出的鑒賞。俗話說外行看熱鬧，內行看門道。要真正鑒賞美術作品，還應當了解一些美術基礎知識，這是我寫完這篇作文的深刻體會。