第一篇：美術鑒賞

美術鑒賞（外國）

這張是梵高最富盛名的《向日葵》，曾幾何時這張畫是梵高的象征，讓大家一看到這張畫就想到了梵高，以至于曾經的我一直以為梵高就畫過這一幅畫。

這幅畫是把后印象主義的特征表現到了極致了，強烈的色彩對比和不拘一格的構圖，以及渴望將自己所有內心實感表現到油布上的沖動。

這幅《在阿爾勒臥室》，就是那十幅風景畫之外的又一幅佳作。從這幅作品中我們可以看到梵高在盡力營造一種緊張的氛圍，構圖極為的緊湊，顏色也是如統一的一股力量般。畫面中還有一個特別的地方，就是所有的物體都沒有投影，給我們一種失重的感覺，這也應該是梵高可以安排的，為的是讓畫面更為緊張。

《有烏鴉的麥田》曾經被認為是梵高最后的一幅作品，但具體是怎樣也是眾說紛紜無法得出一個正確的結論。但不管它是不是梵高的最后一件作品，我們能在畫面中看到的是這樣一幅場景，黑壓壓的天空壓著金黃的麥浪，沉重的讓人透不過氣來，一群狂躁的烏鴉配合激蕩的筆觸，更是加重了畫面的壓迫感。由此可見當時作者是極度的壓抑和痛苦

這是由一個觸目驚心的、狂暴的、尤其是缺乏色彩的形體所構成的畫面；這色彩是指光影和立體感，也正是由於缺乏這一點，它就象征著死亡。這死亡不僅是轟炸受難者的死亡，而且也是文明的死亡。《格爾尼卡》畢加索

此畫描寫了畫家在畫女模特兒的情景。右側的裸女坐在地上，畫家坐在椅子上聚精會神地作畫。背景簡略，人 物充滿畫面。畫家完全以自我的立體派面貌來表現對象，他將人體拉長、壓扁、扭曲、調位，從而獲得了令人驚駭 的藝術效果。

《赤腳的女孩》這幅畫并不純粹以技法取勝，難得的是畢加索在那樣一個年齡卻著力捕捉同齡模特兒的內在氣質和生命，從結果來看他的努力亦非常成功。所以，表現在畫中的強烈的視覺和情感對比才是這幅畫引人入勝之處。畢加索本人對《赤腳女孩》也相當滿意，一直將它保留在身邊。

大師在畫麗莎時，是用真誠而純潔的情感去描繪的，他用對母親和情人的雙重情感來盡情描繪此人的肖像。不僅如此，他還把她作為一種理想，一種美的象征，作為人類世界的歡樂和光明來描繪

《最后的晚餐》是基督教新約圣經記載的最重要的事件之一，幾乎被所有宗教畫家描繪過。但在達·芬奇為米蘭格雷契寺院食堂畫《最后的晚餐》是意大利畫家達·芬奇于1495－1497年費時三年為一所修道院的餐廳所作的壁畫。這幅畫著重刻劃耶穌的門徒在聽到主說“你們中間有一個人要賣我了”的時候所表露出來的不同的心理反應。

在拉斐爾過去創造的圣母中，總是極力追求美麗、幸福、完好無缺、更多地具有母親和情人的精神氣質和形象。而這幅《西斯廷圣母》是在更高的起點上塑造了一位人類的救世主形象：她決心以犧牲自己的孩子，來拯救苦難深重的世界。

拉斐爾的《雅典學院》便是唱出引人的自覺和清醒理智的贊歌。而且在構圖上還巧妙地利用建筑的特點,把畫面上背景,建筑物的透視和前面真實建筑物的半圓拱門連接起來,擴大了壁畫的空間效果,使建筑物顯得更加寬敞,壯麗。

這幅作品描繪的是透過薄霧觀望日出的景象，直接戳點的繪畫筆觸描繪出晨霧中不清晰的背景，多種色彩賦予了水面不同的光輝。真實的描繪了法國海港城市的光與色給畫家的印象。

莫奈神往于光線穿過玻璃頂棚射向蒸汽煙云的效果，莫奈相信光線和空氣的神奇效果是最為重要的，他巧妙的平衡了畫面的調子和色彩，這幅畫充分的表現了力量、空間、對比、和運動。

在《穿紅背心的少年》中，男孩的形象占滿整個畫面，他那呈弓形的身軀是整個構圖中主要的構成要素。這一形象被牢牢地限定在一個緊密的空間結構中——左側被窗簾的斜線限定；上端被后部墻上的水平線框住；而右側則被那三角形的深顏色所限制。弧形的手臂與弧形的身體彼此協調。全畫形、色、點、線等因素，均按一定的理性秩序一起組構。為求得畫面結構的妥貼與和諧，畫家有意改變客觀形象的外形及比例。

《大宮女》依照對角線安排裸女身軀，一條長長的流利曲線，從背部延伸到腳下，在趁于圓潤的長長玉臂，生動的描繪出美妙的形體。

在1917年，杜尚將一個從商店買來男用小便池起名為《噴泉》，匿名送到美國獨立藝術家展覽要求作為藝術品展出，成為現代藝術史上里程碑式的事件。杜尚之所以把小便池命名為《噴泉》，除了他確實是水淋淋的外表之外，也是對藝術大師們所畫的《泉》的諷刺。

野獸派核心畫家馬蒂斯的《舞蹈》，色彩和線條就像詞語之間激情的結合，體現著色和構圖結合的情趣。線條是舞蹈流動的痕跡，而色彩使得抽象畫面更為干凈。線條和色塊在馬蒂斯那里非常合乎美感地融合起來，它所產生的空間感讓舞者有了自由舞蹈的姿態。五個舞者相互協作，群舞的一致性讓舞蹈自然產生生命感和由此帶來的喜悅。

達利運用他那熟練的技巧精心刻畫那些離奇的形象和細節，創造了一種引起幻覺的真實感，令觀眾看到一個在現實生活中根本看不到的離奇而有趣的景象，體驗一下精神病人式的對現實世界秩序的解脫。

《兩艘駁船》

德朗想把凡·高、高更、塞尚的因素與印象主義、新印象主義因素融會貫通于自己的創作中，這使他的野獸主義帶有明顯的折衷成分。在這幅畫中畫家賦予了色彩以獨立的地位，明亮的紅、黃、藍、綠等色彩構成了強烈而和諧的對比。畫中色彩具有爆炸的耀眼光芒，令觀者振奮。但是他的藝術表現、空間處理和造型并沒有脫離古典法則，色調也類似新印象主義，看得出畫家想把傳統與現代結合在一起的愿望。

《下樓的裸女》：曾被譏為“木材廠大爆炸”。杜尚的這幅作品被認為是未來主義的先驅之作。在這幅作品中，人們看不見什么裸女，也沒有完整的樓梯，只能見到一些看來雜亂無章的線條。杜尚后來把這幅畫送交第28屆獨立畫展時，被評委拒絕，說它超出了人們所能忍受的限度。它曾在美國軍械庫展覽會露過面，被當時一些人諷刺為“木材廠大爆炸”。

畫家從顏料管里擠出的原色，不

是直接排列到畫布上的而是應自然本色來加以概括，使它更單純化，免去復雜的中間調子，不僅能引起觀者視網膜的振動感應，還表達了一種飽和的情緒，比點彩派的“科學”排列更富感染力。這幅《威斯敏斯特大橋》，正是他時斷時續地追隨野獸派時期的代表作

第二篇：美術鑒賞

微軟中國

《中西方繪畫藝術作品比較賞析》

—《中西方山水話對比》

微軟用戶 2014/6/11

專業：工商管理 班級：1303 姓名：蔣妍 指導老師：李雅娟

[在此處鍵入文檔摘要。摘要通常為文檔內容的簡短概括。在此處鍵入文檔摘要。摘要通常為文檔內容的簡短概括。]

【內容摘要】中西方繪畫藝術在觀念和表現上有著差異和趨同性，通過中西方繪畫作品內容、形式的對比，以及中西方藝術觀念差別的簡單描述，最終認識到中西方在差異和區別之上的共同目標。中國非常強調人與自然的調和，認為自然先于人類而存在，人是自然中后生的一部分；而西方則認為人是自然的主人，自然為人類而存在。這種觀念的差異，表現在藝術中，就形成了不同的藝術主張，在藝術實踐中，形成了不同的傳統和風格。中西方世界觀、藝術觀等方面雖然有著差異，但畢竟是生活在同一片藍天下的人類，必然存在著相似或共同點。一件藝術品，內容方面的因素有主題、題材等，不同的內容決定了作者采用不同的形式，同樣的內容可以有不同的表現形式，而不同的內容也會有相類似的表達方式。美術史上的大量事實，展示了中西方藝術作品中形式與內容的復雜關系。美術史上的大量事實，展示了中西方藝術作品中形式與內容的復雜關系。

【關鍵詞】中西方；黃公望；富春山居圖；梵高；星空

【正文】 第一部分

在“元四家”中，若論對后代山水畫發展影響最深廣的，無疑是黃公望。他年資最高，直接受教于趙孟頫，從五代荊浩、關仝及北宋李成啟學，所以畫的品格極高。元代畫家開始以紙為畫本，趙孟頫的《水村圖》已見干筆皴擦，元畫靈動松秀的筆墨已然初具，而黃公望享年85歲，至其晚年則紙本水墨的技法已經爐火純青。其《富春山居圖》，可以說是代表其晚年風格的經典之作。

《富春山居圖》始畫于至正七年(1347)，于至正十年完成。是元代著名書畫家黃公望的一幅名作，世傳乃黃公望畫作之冠，以浙江富春江為背景，全圖用墨淡雅，山和水的布置疏密得當，墨色濃淡干濕并用，極富于變化，是黃公望的代表作，被稱為“中國十大傳世名畫”之一。為紙本水墨畫，寬33厘米，長636.9厘米，是黃公望晚年的力作。

黃公望，字子久，號一峰，工書法、通音律、善詩詞，少有大志，青年有為，中年受人牽連入獄，飽嘗磨難，年過五旬隱居富春江畔，師法董源、巨然，潛心學習山水畫，出名時，已經是年過八旬的老翁了。黃公望把“畢生的積蓄”都融入到繪畫創作中，嘔心瀝血，歷時數載，終于在年過八旬時，完成了這幅堪稱山水畫最高境界的長卷——《富春山居圖》。它以長卷的形式，描繪了富春江兩岸初秋的秀麗景色，峰巒疊翠，松石挺秀，云山煙樹，沙汀村舍，布局疏密有致，變幻無窮，以清潤的筆墨、簡遠的意境，把浩渺連綿的江南山水表現得淋漓盡致，達到了“山川渾厚，草木華滋”的境界。

明朝一位名為吳子問的收藏家得到真跡后，愛不釋手，至死不能割舍，囑咐焚燒此畫殉葬。他的侄子趁他昏聵時把畫搶了出去，但已經燒掉了三四成。重新裱裝修補后變成了兩段，前段面積為31.8×51.4厘米，后段面積為33×636.9厘米。前段畫幅雖小，但比較完整，后為浙江收藏家吳湖帆所得并于解放后捐獻給浙江博物館；后段則修補較多，目前被收藏在臺灣故宮博物館。據說前段還曾與一幅偽作同時入過清宮，自詡長于畫作鑒定的乾隆皇帝將偽作定為真品，實圖如下：

在“元四家”中，若論對后代山水畫發展影響最深廣的，無疑是黃公望。他年資最高，直接受教于趙孟頫，從五代荊浩、關仝及北宋李成啟學，所以畫的品格極高。元代畫家開始以紙為畫本，趙孟頫的《水村圖》已見干筆皴擦，元畫靈動松秀的筆墨已然初具，而黃公望享年85歲，至其晚年則紙本水墨的技法已經爐火純青。其《富春山居圖》，可以說是代表其晚年風格的經典之作。至元四年，黃公望79歲，一次從松江歸富春山居，偕好友無用禪師同行。暇日，黃公望始于山居南樓援筆作此長卷。但他經常云游在外，而畫卷留在山中，只得“逐旋填札”，故“閱三四載未得完備”。無用似不放心，怕被人奪愛，便請黃公望在畫中題文，明確歸屬。但最后何時完成，終不得而知。

清王原祁在《麓臺題畫稿》中說是經營七年而成，但黃公望自動筆至去世也就只有七年。一幅畫畫了這么多年，也稱得上一奇，而二百五十年后藏者吳洪裕臨終前囑家人當面將畫焚燒殉葬，而其侄吳靜庵趁他彌留之際于火中奪畫殘卷，更是曠古之傳奇。至今，我們已無法確知原卷的長度，但知前《剩山圖》縱31.8厘米，橫51.4厘米；后《富春山居圖》縱33厘米，橫636.9厘米。圖繪富春江兩岸秋初的景色。開卷描繪坡岸水色，遠山隱約，接著是連綿起伏，群峰爭奇的山巒，再下是茫茫江水，天水一色，最后則高峰突起，遠岫渺茫。山間叢林茂密，點綴村舍、茅亭，水中則有漁舟垂釣。山和水的布置疏密得當，層次分明，大片的空白，乃是長卷畫的構成特色。筆墨上已顯然取法董源、巨然，但更為簡約利落。山石的勾、皴，用筆頓挫轉折，隨意而似天成。將近20厘米的長披麻皴，枯濕渾成，功力深厚，灑脫而極富靈氣，洋溢著平淡天真的神韻。全圖用墨淡雅，僅在山石上普染一層極淡墨色，并用稍深墨色染出遠山及江邊沙漬、波影，只有點苔、點葉時用上濃墨，但已足以醒目。這是一幅濃縮了畫家畢生追求，足以標程百代之作，無怪乎董其昌見了驚呼：“吾師乎！吾師乎！一丘五岳，都具是矣。” 第二部分：

梵高的宇宙，可以在《星夜》中永存。這是一種幻象，超出了拜占庭或羅曼藝術家當初在表現基督教的偉大神秘中所做的任何嘗試。梵高畫的那些爆發的星星，和那個時代空間探索的密切關系，要勝過那個神秘信仰的時代的關系。然而這種幻象，是用花了一番功夫的準確筆觸造成的。當我們在認識繪畫中的表現主義的時候，我們便傾向于把它和勇氣十足的筆法聯系起來。那是奔放的，或者是象火焰般的筆觸，它來自直覺或自發的表現行動，并不受理性的思想過程或嚴謹技法的約束。梵高繪畫的標新立異，在于他超自然的，或者至少是超感覺的體驗。而這種體驗，可以用一種小心謹慎的筆觸來加以證明。這種筆觸，就象藝術家在絞盡腦汁，準確無誤地臨摹著他正在觀察著的眼前的東西。從某種意義上看，實際確是如此，因為梵 高是一位畫其所見的藝術家，他看到的是幻象，他就是幻象。

實圖如下：

《星夜》是一幅既親近又茫遠的風景畫，這可以從十六世紀風景畫家老勃魯蓋爾的高視點風景手法上看出來，雖然梵高更直接的源泉是某些印象主義者的風景畫。高大的白揚樹戰栗著悠然地浮現在我們面前；山谷里的小村莊，在尖頂教堂的保護之下安然棲息；宇宙里所有的恒星和行星在“最后的審判”中旋轉著、爆發著。這不是對人，而是對太陽系的最后審判。這件作品是在圣雷米療養院畫的，時間是1889年6月。他的神經第二次崩潰之后，就住進了這座療養院。在那兒，他的病情時好時壞，在神志清醒而充滿了情感的時候，他就不停地作畫。色彩主要是藍和紫羅蘭，同時有規律地跳動著星星發光的黃色。前景中深綠和棕色的白楊樹，意味著包圍了這個世界的茫茫之夜。梵高繼承了肖像畫的偉大傳統，這在他那一代的藝術家里鮮見的。他對人充滿了激情的愛，使他不可避免地要畫人像。他研究人就象研究自然一樣，從一開始的素描小品，一直到1890年他自殺前的幾個月里所畫的最后自畫像都是如此。它如實地表現出瘋人凝視的可怕和緊張的眼神。一個瘋人，或者一個不能控制自己行為的人，無論如何也不能畫出這么有分寸、技法嫻熟的畫來。不同層次的藍色里，一些節奏顫動的線條，映襯出美麗的雕塑般的頭部和具有結實造型感的軀干。畫面的一切都呈藍色或藍綠色，深色襯衣和帶紅胡子的頭部除外。從頭部到軀干，再到背景的所有的色彩與節奏的組合，以及所強調部位的微妙變化，都表明這是一個極好地掌握了造型手段的藝術家，仿佛梵高完全清醒的時候，就能記錄下他精神病發作時的樣子。記得一句關于梵高的話：“燦爛到極致不是黯淡就是死亡，所以梵高也只能，毀滅了自己。”

這幅畫, 展現了一個高度夸張變形與充滿強烈震撼力的星空景象。那巨大的、卷曲旋轉的星云, 那一團團夸大了的星光, 以及那一輪令人難以置信的橙黃|色*的明月, 大約是畫家在幻覺和暈眩中所見。對梵高來說, 畫中的圖像都充滿著象征的涵意。那輪從月蝕中走出來的月亮, 暗示著某種神性*, 讓人聯想到梵高所樂于提起的一句雨果的話：“上帝是月蝕中的燈塔”。而那巨大的, 形如火焰的柏樹, 以及夜空中象飛過的卷龍一樣的星云, 也許象征著人類的掙扎與奮斗的精神。在這幅畫中, 天地間的景象化作了濃厚、有力的顏料漿, 順著畫筆跳動的軌跡, 而涌起陣陣旋渦。整個畫面, 似乎被一股洶涌、動蕩的激流所吞噬。風景在發狂, 山在騷動, 月亮、星云在旋轉, 而那翻卷繚繞、直上云端的柏樹, 看起來象是一團巨大的黑色*火舌, 反映出畫家躁動不安的情感和狂迷的幻覺世界。梵高在這里, 并沒有消極、被動地沉溺于他那感情激流的圖像中。他能將自己作為一個藝術家而從作品中抽離出來, 并且, 尋找某種方式, 用對比的因素與畫面大的趨勢相沖突, 從而強化情感的刺激。我們在畫中看見, 前景的小鎮是以短促、清晰的水平線筆觸來描繪的, 與上部呈主導趨勢的曲線筆觸, 產生強烈對比;那點點黃|色*燈光, 均畫成小塊方形, 恰與星光的圓形造型形成鮮明對比。教堂的細長尖頂與地平線交叉, 而柏樹的頂端則恰好攔腰穿過那旋轉橫飛的星云。

中西繪畫在空間意識表達上,中國畫構圖講究“散點透視”,而西方繪畫講究“焦點透視”,此觀點有其合理的一面,但中國畫的遠近法在本質上既不同于西畫的焦點透視,更不是人們假設出來的散點透視。我們對中西傳統藝術家創作的不同主題的繪畫在透視法的比較性解讀上,這兩種透視方法的差異性應該被解釋為直接反映了不同地域、不同社會環境、不同民族的審美心理對透視法緩慢形成的重要影響。

第三篇：美術鑒賞

美術鑒賞心得體會

姓名：李炳程 學號：2015011379 專業：經管應用經濟學

本學期有幸學習了張景鴻老師的美術鑒賞這門課，我深感提高了我們當代大學生的藝術修養和審美，提高了大學生的素質，最根本的是提高了大學生的精神境界。美術鑒賞的最終意義，就在于大學生的情感得到了陶冶，思想得到了凈化。品格得到了完善，從而使身心得到了和諧發展，精神境界得到了升華，自身得到了美化。

我個人比較喜歡西方美術的作品，喜歡印象畫派，印象派是19世紀中葉歐洲藝術從現實主義向現代主義過渡的重要階段，印象派畫家以創新的姿態登上法國畫壇，其鋒芒針對陳陳相因的古典畫派和矯造作的浪漫主義。19世紀后半葉到20世紀初，法國涌現出一大批印象派藝術大師，他們創作出大量至今仍令人耳熟能詳的經典巨制，除了這次來華展出的著名畫作外，馬奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出·印象》、凡·高的《向日葵》等更是鼎鼎大名。印象派畫家走出畫室，深入原野、鄉村、街頭寫生，力求真實地刻畫自然。

我尤其喜歡梵高的那幅巨作《向日葵》，梵·高筆下的向日葵，像閃爍著熊熊的火焰,是那樣艷麗,華美,同時又是和諧,優雅甚至細膩,那富有運動感的和仿佛旋轉不停的筆觸是那樣粗厚有力,色彩的對比也是單純強烈的。然而,在這種粗厚和單純中卻又充滿了智慧和靈氣。觀者在觀看此畫時,無不為那激動人心的畫面效果而感應,心靈為之震顫,激情也噴薄而出,無不躍躍欲試,共同融入到凡高豐富的主觀感情中去。總之,梵高筆下的向日葵不僅僅是植物,而是帶有原始沖動和熱情的生命體。他曾多次描繪以向日葵為主題的靜物，他愛用向日葵來布置他在阿爾的房間。他曾說過：“我想畫上半打的《向日葵》來裝飾我的畫室，讓純凈的鉻黃，在各種不同的背景上，在各種程度的藍色底子上，從最淡的維羅內塞的藍色到最高級的藍色，閃閃發光；我要給這些畫配上最精致的涂成橙黃色的畫框，就像哥特式教堂里的彩繪玻璃一樣。”梵·高確實做到了讓阿爾八月陽光的色彩在畫面上大放光芒，這些色彩熾熱的陽光，發自內心虔誠的敬神情感。堪稱梵高的化身的《向日葵》僅由絢麗的黃色色系組合。梵高認為黃色代表太陽的顏色，陽光又象征愛情，因此具有特殊意義。他以《向日葵》中的各種花姿來表達自我，有時甚至將自己比擬為向日葵。我喜歡他那絢爛的色彩，,滿懷熾熱的激情令運動感的和仿佛旋轉不停的筆觸是那樣粗厚有力,色彩的對比也是單純強烈的。然而,在這種粗厚和單純中卻又充滿了智慧和靈氣。

雖然小時候就比較喜歡美術，但這種喜歡并不意味著我對美術有非常深刻的理解。我只知道美術會給人美的享受，讓人完全沉浸在其中。當然了，前提是你喜歡它。原本以為美術就是指畫家的畫作。比如像那些水墨畫、水彩畫、油畫和素描等。直到上了美術鑒賞課，聽了老師的講解，我才從這個狹隘的概念中走了出來，真正走進了美術的世界，也才真正認識到了美術的博大和內容之豐富。美術一詞被我所理解，也正是上了美術鑒賞課以后。下面我就來談談對美術鑒賞課的感想：欣賞以線造型的中外美術作品，提高學生對“線”這一藝術形式的審美能力。

線條是美術最基本的造型手段，是構成視覺藝術形象的一種基本因素，無論平面的還是立體的作品；不論是寫實，還是裝飾；不論是抽象的，還是具象的??在長期的美術發展過程中．“線”作為美術家創造形象和表達自己思想感情的藝術語言，一直處于十分重要的地位，并越來越顯示出豐富的表現力及藝術美感。中國著名繪畫大師吳冠中的《山水》一畫，皴染不多，主要以毛筆線條勾勒，但其中線條流暢自由，輕重虛實的變化，隨意性較強，具有濃厚的抒情意味和鮮明的時代感。法國后期野獸派大師勻蒂斯的《紅沙發上的注女》（油畫）以簡潔概括、富子感情色而又極富裝飾件的線，極為和諧、簡練地勾畫出一個呼之欲出的少女形象。

美術鑒賞課走進大學校園是為了更好的培養大學生，提高大學生的素 質，最根本的問題是要提升大學生的精神境界。美術鑒賞的最終意義，就在于使大學生的情感得到陶冶，思想得到凈化，品格得到完善，從而使身心得到和諧發展，精神境界得到升華，自身得到美化。

第一：美術鑒賞有益于大學生靈魂的雕鑄和人格的完善。藝術教育注重開發和挖掘人自身的潛能，并致力于培養人的自尊、自信、自愛、自立、自強意識，不斷提升人們的精神文化品味和生活質量，從而不斷提升人的生存和發展能力，促進人的全面發展與完善。人的全面發展，正如恩格斯所認為的那樣，包括智力、體力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面發展是一專多能的素質型發展。鑒于此，大學生的藝術素養已經日益融入時代的潮流之中，倍受人們的重視與關注。大學生美術鑒賞作為美育的一種手段，在促進大學生靈魂雕鑄和人格

完善的全面發展中起著重要的作用。

第二：滿足大學生的審美需要，提高和培養審美能力。在美術鑒賞課上，通過大量地、廣泛地鑒賞優秀藝術作品，就會逐漸具有和提高感受美、理解美的能力了。這里不單單是提高學生的鑒賞水平問題而是如何發展學生的價值取向問題。提高學生對美術意義的認識，培養我們正確的審美理想，健康的審美情趣，提高對美的感受力、鑒賞力、表現力和創造力。

第三：陶冶大學生的思想情操、提高大學生的精神境界。通過美術鑒賞對美和藝術增進理解，無疑對提高文化素質和思想境界，都會產生不可估量的作用。

第四：幫助大學生開闊眼界，擴大知識領域。在這種鑒賞活動中，是美術作品為我們提供了種種與他人產生共鳴的經歷與感受，能夠以一種藝術的眼光和態度看待周圍的一切事物，并獲得一種全新的洞察力。

第五：美術鑒賞可以娛情怡神，激發想象力培養創造性。通過鑒賞不僅使人視覺愉悅、心情舒暢，更在于美術作品都是通過點、線、面、色彩、空間、肌理等形式組成，所以畫面上的節奏感、韻律感會對人的視覺產生影響，進而使人產生聯想。因而，當我們在鑒賞美術作品時，不管是遇見那些賞心悅目的寫實作品，還是一些現代派藝術家的抽象作品，都會使我們獲得一種喜悅與滿足。對美術作品鑒賞的過程中，也更能促進身心健康的發展，陶冶情操激發創作熱情與創造能力。

總而言之，作為美育的重要組成部分，大學美術鑒賞課的開設，對提高大學生的素質，培養創新精神和實踐能力，塑造健全人格具有不可替代的作用。通過美術鑒賞課的學習發展大學生形象思維，培養創新精神和實踐能力；樹立正確的審美觀念，培養高雅的審美品位，提高人文素養，提高感受美、表現美、鑒賞美、創造美的能力，促進德智體美全面發展。為培養文明合格的下一代，具有重要的意義。

第四篇：美術鑒賞

1、敦煌石窟為佛教石窟寺，位于甘肅省敦煌是 _____莫高窟_____、_____榆林窟_____、_____西千佛洞_____ 的綜合體，是國內______最大____ 的石窟群，其中最主要的 ___佛教藝術寶庫_______

2、我國三大石窟分別為______莫高窟___、______云崗石窟____、_____龍門石窟_____。

3、默寫的典范作品 ____韓熙載夜宴圖______ 是五代顧閎中所描繪。全畫有聽樂、______觀舞____、休息、清吹、送別五個情節段落組成，畫風精細，色彩艷麗，代表了古代人物畫的藝術水平。

4、《清明上河圖》的作者是宋代張擇端，此作品采用了傳統的 ________長卷形式__，全圖以不斷移動視點的辦法，即“ ____散點透視______ ”來攝取所需要的景象。《清明上河圖》反映的是當時的首都 _______清明時節___ 的繁華景象。

5、皮影戲的影人是 ______生旦凈末丑，各角色齊備演出具有豐富、熱烈的舞臺效果。

6、中國古代稱肖像畫為“傳神”，它要求畫家不僅要畫出對象的 _______形體___，而且要深入地表現人物的 _____神性_____。

7、中國畫按畫科進行分類，可以為 ____花鳥畫______、______山水畫____、______人物畫____，按照技法進行分類，可為 _____工筆_____、寫意__________、兩大類。

8、美術包括_____繪畫美術_____、__雕塑美術________、____建筑藝術______和工藝美術等四大門類，中國美術史上還有兩個很重要的門類，分別是_______書法__，____篆刻_____。

9、宋代是瓷器藝術發展的高峰時期，名窯遍及南北各地，各有自己獨特的藝術成就，其中重要的有_____棄定用汝_____，_____鈞窯器____，_____艮岳山_____，___官窯瓷_______，_____宋室南渡_____。

10、故宮分為外朝和內廷兩大部分，外朝區最主要的三大宮殿，自南朝北，依次為_____太和殿、中和殿、保和殿___。

11、蘇州地區留存下來的著名園林有蘇州的_____留園_____（原名寒碧山莊）、________拙政園__、網師園。心得體會：

經過一學期《美術鑒賞》課的學習，欣賞到了許多東西方不同類型的美術作品、繪畫風格，對東西方美術的發展有了初步的了解，并從中感受到了東西方藝術的特點與異同。西方是以人作為藝術表現對象的主體，主體是人物，從古到今，都是這樣。因此，在一個人身上，體現出的每一個時代的審美觀點也不一樣。比方從希臘、羅馬時代到拉斐爾、提香、達?芬奇，這些人表現的人體是很古典的，很完整的。那么波提切利則不同了，他表現人體的韻律感、線、節奏，多方面地表現人體。因為時代不同，每個人的感受也不同：比方畫人，達芬奇的《蒙娜麗莎》與凡高的《自畫像》，都是肖像畫，但兩者就完全不一樣了，同樣的肖像，他們畫得都很像，都達到了藝術的高峰，但是，每個人都不一樣，每個時代的差異很大很大。另外，西方古代繪畫都是以人為主題，樹木、風景只是作為一種陪襯，作為一種背景，是次要的，到后來獲得了獨立的發展，才有了風景畫、花卉等獨立的畫種。西方的大師畫人物，也畫風景、靜物、肖像，對象只是作為啟發他感受的一個材料，什么東西都可以感受，都可以入畫，都可以進入到他的感情。在這個問題上東西有很大的區別。西方早期的風景畫，也不是實際的寫生，而是在室內閉門造車，畫一個大概，因而不是太生動。西方真正的風景畫，是印象派油畫，真正是對景寫生，畫出自己不同的感受。每一種風景里面，早上、中午、晚上，即使同一個對象也不一樣，這是很寫實的。中國畫的構圖以山水風景為主，一般都是立幅的，山從下面開始，一層一層往上。它的構圖比較雷同，可以歸納為四個字：起、承、轉、合。“起”，往往都是從幾棵樹，或者一個沙坡，或者石頭、水、亭子開始。“起” 之后，另外一個山來接過去，叫做“承”。“承”之后，因為很長，要適應這個畫面，那么要變化，叫“轉”，扭曲一下。轉到最后，要“合”。這是中國山水畫構圖的四個字。我們看東西，遠景、中景比較豐富??因為遠了，形象豐富、重疊，而近的東西則單調。

“美術”一聽到這個詞就會給人一種美的感受，我的整個心情也變得豁然開朗，這或許是我個人的原因吧！我小時候就比較喜歡美術，但這種喜歡并不意味著我對美術有非常深刻的理解。我只知道美術會給人美的享受，讓人完全沉浸在其中。當然了，前提是你喜歡它。原本以為美術就是指畫家的畫作。比如像那些水墨畫、水彩畫、油畫和素描等。直到上了美術鑒賞課，聽了老師的講解，我才從這個狹隘的概念中走了出來，真正走進了美術的世界，也才真正認識到了美術的博大和內容之豐富。美術一詞被我所理解，也正是上了美術鑒賞課以后。下面我就來談談對美術鑒賞課的感想：

當初輔導員讓同學們選選修課我想既然自己比較喜歡美術，為什么不選美術鑒賞呢？大學應該是一個全面發展的時期，我不能這么死板。第二天，我毅然選擇了美術鑒賞。第一次上課給我的感覺是讓我很舒心，每次上課我都感覺心情很好，課堂上也很輕松，在課堂上你不用記太多的筆記，只要帶上你的頭腦就可以了，通過美術鑒賞課，可以使我的視野更開闊，可以拓寬我的知識面。在課堂上，我學到了很多知識，也讓我學會了如何去真正地欣賞一幅畫，以及畫家在畫一幅畫的時候是抱著何種心情。還有作者到底在一幅畫中所想要表達的意思??

美術的內容和形式是豐富和多彩的。美術，淺意識地理解就是色彩，各種不同顏色的搭配，形成一幅幅畫面。一般人們都只了解一幅畫的表面含義，如果想了解得更深，就要更深層次地了解美術了。美術，更進一步的理解就是藝術，美術是一門藝術，同時也包含著作者在作畫時往往蘊涵著深刻的含義，把自己的心情表現在一幅畫中，使欣賞畫的人產生共鳴。還有一些作品表現出了某一個時期特定的社會現象，蘊涵著社會矛盾，反映了社會底層勞動人民的生活狀況，尤其是在戰爭時期，也有一些作品是人們無法了解的只能憑感性去認識畫家的意圖，這些通常具有寶貴的文化和研究價值，例如凡篙晚年的作品，他晚年精神失常，畫的一些畫總是讓人匪夷所思，而如今他的畫舉世聞名，具有很高的研究價值。正像老師所說的那樣，看美術作品更多是關注作品背后的故事，而不是只強調所帶來的經濟價值。當然經濟價值也是一個方面，但是它與美術作品的產生，發展的心酸歷史和它所具有的文化，時代價值來說，那就次的多了。因此美術不僅僅是畫，美術包含多方面的內容，所涉及的面也非常廣泛。美術鑒賞課讓我學到了許多，尤其是在欣賞古代繪畫時。欣賞古代繪畫，不能以現代的眼光去欣賞，而要結合歷史，講究意境、章法和筆墨。經過漫長的歷史進程，美術的發展也越來越多元化。現代美術與古代美術有著本質的差別，現代的美術更多的帶有現代的氣息，現代畫也十分地簡明、易懂；而古代美術卻讓我們很難理解，以現代人的眼光，我認為古畫看上去很難讓人產生共鳴，必須與歷史結合起來，才有所體會。古畫也并不講究進大遠小的規律，以人物畫為例，重點人物通常占的比例較大，次要部分占的比例較小。

學了美術鑒賞課，真讓我受益匪淺，平常對生活粗略地觀察也變得細心起來了。讓我的文化素質和道德修養得到了提高，還學到了日常生活的一些小常識，讓我時刻觀察生活中的美，知識面也得到了拓展，短短的課堂可以讓我學到如此多的知識。在這課堂上也讓我感受到了大學的氣息。

作為唐文化形態之一的繪畫，繼承了六朝繪畫的優良傳統，又加之統治者的開明政策，在安定繁榮的情況下有了很大的發展。據《隋書·經籍志》記載，隋煬帝時曾在宮中設寶跡臺，專門收藏古畫。而唐朝建立后，繼承這一政策，在集賢殿書院設畫直負責古今圖畫的收藏，有工作人員八名（見《唐六典》）。楊昇的《望賢宮圖》，張萱的《少女圖》、《鞦革遷圖》皆收錄其中。這無疑有力地鼓勵了畫家們的創作熱情。

唐代繪畫計有人物、山水、花鳥、鬼神、鞍馬、屋宇等分科。專題分科在古代繪畫發展上是題材擴大和技術進步的跡象，也標志著唐代繪畫在歷史上進入全新的發展階段。

唐代處于封建社會上升時期，封建經濟日益發達，為了更好地適應上層統治階級的審美趣味和愛好，唐代人物畫獲得了更進一步的發展，其中，道釋畫、肖像畫、仕女畫風靡一時。在初唐和盛唐時期分別涌現了一大批杰出的人物畫家，如代表初唐美術新水平的人物畫家閻立本、尉遲乙僧，盛唐時期寺觀壁畫的代表畫家吳道子，反映仕女生活情態的畫家張萱、周昉。此外，花鳥畫，山水畫也出現多種風格，并逐步趨向成熟、繁榮。在畫史上頗具影響力的花鳥畫家有畫鶴名家薛稷，“花鳥畫之祖”邊鸞以及鞍馬畜獸畫家韓幹、韋偃、曹霸等。山水畫家有青綠山水名家李思訓、李昭道，詩畫合一的文人畫家王維等。

由于統治階級宣揚政治的需要，唐代的宮廷衙署及寺觀壁畫也占相當大的比重，褒揚功勛的功臣畫像仍繼續流行，如閻立本的《凌煙閣功臣像》。石窟及寺觀壁畫較之南北朝，無論規模之宏偉，還是技藝之卓絕在歷史上都是空前的。如敦煌莫高窟壁畫中的《西方凈土變》，畫面的繁復與盛大既給人敬畏與向往，宣揚了佛教精神；又給人以美感與享受，充滿世俗的歡樂。在佛教壁畫中，西域畫風仍有流行，但具有鮮明中原畫風的作品占了絕對優勢。敦煌莫高窟130窟的樂庭瓌夫婦的供養像，其中的樂妻王氏像，豐腴秾麗，悠然自若，呈現了一派唐代社會的大氣雍容。

唐代的畫論著作有彥悰的《后畫錄》、李嗣真的《續畫品錄》、裴孝源的《貞觀公私畫錄》、朱景玄的《唐朝名畫錄》、張懷瓘的《書斷》等。最具有代表性的著作是張彥遠的《歷代名畫記》，它是我國歷史上第一部系統的、完整的，關于繪畫藝術的通史。張彥遠認為，繪畫藝術不僅是藝術門類的一種，同時還是一種重要的文化現象，并強調了如何對待繪畫藝術的傳統性以及繪畫內容的現實性問題，《歷代名畫記》是對唐代以前中國繪畫理論和歷史研究的總結概括，并為以后的研究奠定了基礎，在中國繪畫史學的發展中，具有無可比擬的承先啟后的里程碑的意義。

唐代社會的整體精神蓬勃向上，社會氛圍積極開放，在時代賦予的豐厚土壤之上，唐代美術必然獲得空前的發展。而繪畫作為唐代美術的首要代表，亦充分體現了對外交流的輝煌成果。

唐代的人物畫發展已走向成熟階段。就繪畫題材而言，畫家們不僅善于描繪上流社會，宮廷貴族仕女等的生活情態，外來題材也非常流行，這恰恰是當時對外交往活躍的真實寫照。著名的人物畫家閻立德、閻立本兄弟就很擅長表現外來題材。唐朱景玄《唐朝名畫錄》云：“閻立德《職貢圖》異方人物詭怪之質，自梁、魏以來名手，不可過也。”《職貢圖》記錄了外國和邊疆少數民族的使節到唐朝朝貢的場面，共有波斯（今伊朗）、百濟（今朝鮮）、倭國（今日本）等國使節12人。在每個使者的旁邊，都用楷書記錄了這個國家的地理位置、山川地貌及風土人情等情況。全圖主要采用高古游絲描來刻畫人物形象和表現服飾紋理。閻立本的重要傳世作品《步輦圖》記錄了貞觀十五年唐太宗李世民會見吐蕃使臣祿東贊的重大歷史事件。唐太宗的雍容大度有氣魄，祿東贊的謙卑有禮又自信的神態皆刻畫的生動傳神。《步輦圖》不僅歌頌了唐太宗的英明睿智，體現了泱泱大國的宏偉氣魄，還記錄了漢、蕃兩族的友好關系，說明了唐人的開放氣魄。據史載，閻立本還畫過《職貢獅子圖》、《西域圖》等反映中亞題材的繪畫作品。

如何欣賞美術作品: 美術的定義：美術是一個比較廣泛的概念，它是采用造型手段塑造禮堂形象的眾多藝術類型的總稱。一般包括繪畫，雕塑，工藝美術，工業設計和書法，篆刻。有時也把同樣具有造型和禮堂特點的建筑，園林和攝 影藝術等納入其中。美術使用的材料極其廣泛，包括從顏料到金屬，石料，竹木，陶土，纖維，織物，皮革，塑料等等幾乎一切能夠構成直觀形象的天然的和人工的材料。美術的主要特征是什么：美術是造型藝術中最重要的部分，感知方式上是屬于視覺的，在存在方式上要占有一定的空間，因此具有造型性視覺性和空間性。1.造型性（塑形，但，不能因此而認為美術只能反映生活的外在現象，對于反映內在的本質，精神，心理等就無能為力。美術作品可以通過藝術形象的外部牲，表現內在的精神，思想，情感和意義等。）2.靜止性（是靜止的，不同于某些藝術種類所創造的可視的活動圖像。）

美術的主要類型：1.繪畫（以線條，色彩，塊面等造型手段，塑造具有一定內涵意味的平面禮堂的藝術樣式。使用的物質材料和技法的不同，分為許多品種，其中主要的是油畫，水墨畫，版畫，水彩畫，水粉畫，壁畫，素描等。油畫具有極高的表現力，創造了輝煌成果，對世界繪畫的發展也產生了極大影響。油畫色彩豐富，能體現色調層次，光線，質感和空間感，能真實生動的描繪一切有形事物。水墨畫主要使用墨和水質，中國畫是其代表，因此中國畫也經常成為水墨畫的同義詞。主要用線條勾畫形象，十分重視筆墨技法，采取散點透視的觀察與表現方式，形象創造和畫面構圖有更大的自由度。因側重點不同，形成工筆畫和寫意畫。版畫是通過制版來印制作品的一種繪畫樣式。有木刻，銅版，石版，麻膠版，絲網版等。壁畫是指繪制在內外墻壁和天頂上的作品。它的制作手段多種多樣，除了一般描繪 之外，還有鑲嵌，拼貼，雕刻，陶瓷工藝以及綜合手段等等。）2.雕塑（雕塑是最有實體感的造型藝術類型，雕塑的題材，只適合于可以通過表態形態來表現的內容。從長期的來看，雕塑主要是表現人，特別是人體，有時也可以動物為題材。雕塑形象具有單純性。還注重發揮材質的審美作用，表現形式上由于實際深度的不同，分為圓雕和浮雕兩種類型）3.工藝美術（傳統工藝美術有陶瓷工藝，金屬工藝，竹木工藝，紡織工藝，印染工藝，玻璃工藝，漆器工藝，服飾工藝和石雕，玉雕，骨雕等等。）4.現代工藝設計（一方面滿足人們對于新的物質產品的需求，同時也使眾機械化生產的產品缺乏美感，只須使 工業技術和美術設計結合起來，才能生產出在市場上更受歡迎的產品，同時滿足人們對于物質和精神兩方面的需要。）

素描的概念（素描是一切造型藝術的基礎，是造型藝術中的一門基礎學科。）學習素描為建筑設計，室內設計，裝飾設計，規劃設計，園林設計，工業造型設計等專業打下了基礎。造型藝術的核心是形與色。其中形為主導，色是表達的語言，說明形的因素很重要，列形的色在造型中是無意義的。素描作為造型藝術的一門基礎學科，最重要的是培養正確的觀察，分析，綜合分析，并把它生動，形象的表現出來的能力。

素描的種類（1.根據繪畫工具的不同分類 2.根據繪畫內容的不同分類 3.根據造型 方法或表現方法的不同分類（結構素描a.線的粗細，濃淡，虛實，長短，曲直，剛柔，疏密的變化來表現對象的開頭，結構，體積，質感空間等變化）明暗素描（通過明暗調子的深淺，虛實，強弱等多種對比和變化的手法來表現和塑對象立體感，空間感質感和光感等。））

素描的工具：鉛筆，能表現豐富細膩的層次，調子色域寬，固定，而且又易擦拭，修改，也能大筆涂抹。

紙：質地分軟，硬，粗，細，厚，薄這分。橡皮：“擦，打，掃，貼，潤，提，畫”。

畫板：大，中小多種型號，初學者用中號畫板60cm#45cm最為適宜。素描基本術語：（1.形體 2.結構 3.輪廓 4.明暗 5.空間感，體積感和質量感）

作畫的基本步驟與方法：a.落筆之前 b.構圖起稿 c.大體明暗 d.深入刻畫 e.整體調整

靜物寫生應注意：a.如何擺靜物。靜物在內容上要盡可能協調，合理。如木工的工具和水果茶具不協調。

b.形體上要有對比。c.物體的造型要鮮明，有主有次。d.物體的色彩應有差異。一組靜物必須考慮具有黑，白，所作的事三大明暗層次，同時也要注意它們相互間的輕重分量和位置的搭配。e.物體質地應有差異。擺放靜物時，應考慮到不同質感物體組合在一起形成的對比，如軟與硬，厚與薄，光滑與粗糙以及的輕重對比等。

靜物寫生的基本步驟：1.選擇寫生的最佳角度。2.具備了和諧的構圖，大致正確的形體造型后，把整體的明暗塊面作概括的 表示。然后，把靜物色彩的黑白灰關系比較一下，按轉折的層次在形體中表現出來。這一步也恰 好是畫水粉靜物時涂大色塊。3.從主體的前景開始，深入具體地象。由于有了初步的色彩明度，現在的重點應是體明暗色調的變化，使其進一步充實起滅，造型更加完整。4.盤中的水果具有豐富的中間色彩層次，要注意歸納，概括，使其層次分明，具有立體感。同時要考慮與后面的陶罐，背景布的關系，要把它們之間的距離拉開。速寫的目的是培養畫者敏銳的觀察力和藝術概括的表現能力，用精練，簡潔的筆墨捕捉物體的內在精神。速寫是素描的一部分，二者不可侵害，又不能相互代替，它們各有特點，互相促進。

速寫可分為速寫和習作性速寫兩種。速寫是為積累素材進行的速寫，其目的不以提高基本功為主。習作性速寫由慢到愉，由靜到動，由淺到深，由簡到繁，循序漸進的練習方式，反復多次的訓練，提高敏銳的觀察力和動手能力。速寫的基本要求：速寫時面對繁雜的事物，畫什么，怎么畫，要求畫者要精心觀察，心中有數。根據自己感受，抓信對象的主要牲，做到胸有成竹地下筆。速寫由于時間短，不能把對象作細致的刻畫，因而用筆力求洗練概括，自如瀏，生動準確。作畫時不能只顧用筆的酒脫，而不顧內容的表現，把線條的作唯一的目的去追求。否則，會導致速寫的公式化，缺乏準確性，真實性。準確性在速寫中一般不作嚴格要求，由于時間和環境的因素，能與對著物體精描細繪的素描要求相一致。過于強求速寫的準確性，勢必會產生用筆刻板，生澀，失去其輕松，流暢的韻律。

默寫和記憶：默寫記憶訓練對增強速寫的能力，對素描的理解及想象能力大有幫助。在平時的訓練當中，只要做到持之以恒，必有收獲。

構圖：廣義的構圖指全部過程，即從構思到作品完成的立意。所形成的一種含有畫面組合，構成關系，其中包括了作者的思想，感情等一毓藝術活動在畫面表現上的體現。狹義的構圖即是指置拜布勢，經營位置而言，強調的是一幅畫的。

美術構圖類型：1.以線性分類的構圖，垂直線，水平線，斜線和s曲線 2.以形分類的構圖形態 十字形，L字形和三角形，圓形。

怎樣把握美術構圖的主次關系：主要形象除戰友有重要的位置之外，往往分量較重色，色彩較為鮮明，筆觸，結構較為嚴謹，姿態，氣勢較為突出。如何把握和諧和節奏：

和諧（1.類似，2.方向 3.相關性 4.對稱 5.重復與漸變 6.均衡與對比 7.比例協調 8.形式與內容的有機結合。顏料：

白-鈦白，鋅鈦白，鋅貝白等。鈦白最亮。遮蓋力較強，不透明，與其他顏色混合時能提高明度。

黃-有檸檬黃，淡黃，中黃，土黃，桔黃等。最為透明，介是遮美國力差，而土黃，桔黃不透明，遮美國力較強。

紅--朱紅，大紅，曙紅，玫瑰紅，土紅等。其中，朱紅，大紅，土紅不透明，遮蓋力均較強，曙紅與玫瑰紅，稍有透明感，遮蓋力較差，極易泛色上浮，較難控制。土紅極為穩定，可代替赭石使用。

綠-有淡綠，粉綠，翠綠，深綠等。其中，淡綠與翠綠略有透明感，遮蓋力較差 藍-鈷藍，湖藍，群青，普藍，孔雀藍等。除鈷藍外，其余顏色略有透明感，遮蓋力均較強，孔雀藍與鈦青藍相近。

紫--有青蓮與紫羅藍等。遮美國力較強，但是色相不夠穩定，常以紅藍相調代替。

第五篇：美術鑒賞

我說課的內容是人美版高中課程標準實驗教科書——美術鑒賞第6課《漂亮是美術鑒賞的標準嗎——藝術美和形式美》。我主要從教材分析、教法運用、學法指導和教學過程四個步驟加以闡述。

一教材分析：

1、教學目標：①什么是美術作品的藝術美和形式美②美術作品的藝術美和形式美的基本原則及其在作品中的主要表現。

2、教學重點：美術作品的藝術美和形式美并不完全是現實的直接反映，也不等同于人們一般所說的“漂亮”或“好看”，而是由藝術家借助美術的特定語言、手段和法則創造出美術自身的美，而這種美又是多樣的，即不同類型的美術作品由于藝術家所采用的語言、材料、手段等不同而產生的藝術美和形式美就大異其趣。為了說明這一點，在這里就必須緊緊圍繞美術的語言元素和語言規則兩個方面來講解，因為美術作品的藝術美和形式美主要就是通過它們來實現的。

3、教學難點：主要在于美術作品的藝術美和形式美既是具體的又是抽象的。應特別注意對概念的講解，并在概念與作品之間建立聯系，即注重通過作品來講解概念，以使學生對美術作品的藝術美和形式美的認識有形象的依據。

這里的難點還包括對美術作品的藝術美與形式美之間異同的講解，課文中并沒有特別給予說明，只是在課文的第三部分簡要地指出了這個問題，美術作品的藝術美和形式美之間既有重合的地方也彼此獨立。藝術美包括內容與形式兩個方面。也就是說，藝術美是由內容與形式的統一來實現的。而形式美更強調實現內容的手段，即手段本身的美，其中包括語言的構成關系和所使用的材料的特質。

二、教學方法：

1、利用圖片展示介紹知識，吸引學生注意力，使學生在興趣中學習。

2、充分利用多媒體教具和圖片，不斷采用欣賞·啟發·歸納相結合的教學方法。

三、學法指導：

1、引導學生采用觀賞觀察、實踐、討論、歸納的方法學習，用多媒體展示相關音樂和建筑圖片，并巧妙導出本課。

2、討論法，小組合作法。通過學生的小組合作，解決學生的個別差異，要求全組同學共同討論。

四、教學過程：

一、導入：用多媒體展示雕塑圖片《歐米艾爾》。

小結：美術作品的藝術美是藝術所特有的美。美術作品是由藝術家創造出的不同于現實生活的第二自然。它的美不同于一般人的“漂亮”或“好看”的審美觀念。這種根深蒂固的觀念不僅影響了人們對美術的認識，也有礙于對美術作品的鑒賞。

二、新知探究：環節

一、什么是藝術美，它有哪些表現？

美術作品中的藝術美不等同現實在的“漂亮”和“好看”，而是通過特定的美術形象表現出來的藝術自身的美。藝術美又稱第二自然。是相對自然美來說的。

1、美術形象：指一件美術作品中個別的、具體的、完整的藝術形象，也是指一件美術作品中由這種個別的、具體的、完整的藝術形象所形成的綜合的整體的藝術形象。

教師活動：投放多媒體圖片《艾普色姆的賽馬》和《記錄馬奔跑過程的連續攝影》。結合第三課“藝術形象”這一概念進行講解。

學生活動：欣賞圖片，小組討論，分析美術作品的藝術美。

環節

二、什么是形式美：如何理解和把握形式美：

美術作品的形式美的構成：A、語言元素（點、線、面、色）及其構成的形態變化。B、語言手段（明暗、空間，透視、構圖、肌理）及其所構成的審美意象。C、語言規則（變化與統一，對比與和諧、對稱與均衡、比例與尺度、節奏與韻律等）及其所構成的審美關系。

教師活動：投放潘天壽的作品《雄視》，講解什么是形式美，指出美術作品的藝術美和形式美既相互包含、滲透又彼此具有獨立性。

學生活動：欣賞圖片，理解美術作品的形式美。

三、拓展：提高實踐能力

1、以一件作品為例深入分析作品的形式及其形式美。

2、通過具體作品了解藝術美和形式美在形態上的差異。

四、要點回顧：

1、什么是藝術美？綜合了主觀與客觀、個人審美與時代精神的藝術形象為“典型形象”或“藝術典型”，又根據它與現實生活的關系而稱之為“第二自然”，即“藝術美”

它有哪些表現？

2、什么是形式美？美術作品除了藝術美之外還有形式所傳達出的美，既形式美

如何理解和把握形式美？

五、課堂小結：總結回顧：這一節課我們了藝術美和形式美，了解了什么事藝術美和形式美。