第一篇：攝影體會

攝影要三多：多學，多拍，多思考

——攝影培訓后的思考和所得

2月22日，我參加了部門組織的攝影培訓班。通過學習，我對單反相機的原理與基本常識、攝影構圖與用光的技巧都有了比較全面的了解、而且對攝影的審美觀念和處理畫面人物的方法也提升了一步。

我們都知道，在新聞傳遞中，除了文字外，攝影圖片無疑也起著至關重要的作用。一篇好的新聞報道，如果配上一副或幾幅傳神的新聞照片，可以增強報道的感染力和說服力，起到相輔相成的作用。通過這次學習，我熟悉了相機的一些基本原理和簡單的操作；通過構圖與用光的學習，在腦海中就形成了一個很好的意識：謹慎構圖、合理布光，力求使畫面達到完美狀態，使事物永遠停留在最美麗的一瞬間。我還學會了照相機不同模式的使用方法。過去我攝影多采用自動模式，對光圈優先、快門優先、手動等模式不是很熟悉，通過老師講解，使我對相機的一些性能有個全面了解，對我在今后的拍攝上有了很大幫助。

努力形成自身獨特的思維方法和藝術風格。這相對來說是一個比較艱難的任務，但如果要真正掌握攝影這門技術，就應當努力培養自己的思維方式，對待事物形成自己獨特的見解并通過攝影的渠道很好地表現出來。縱觀國內外的各位攝影大師，他們都有著自己的思維方式和獨特的藝術表現形式，從而影響了世界攝影藝術的發展。如：卡蒂埃布勒松是以抓拍現實生活的普通細節和感人場景而著稱的攝影

大師等。所以，思維方法不只是攝影者選擇的拍攝對象和角度等，還應該包含著攝影者的設計創意、設計元素和所要表達的思想情感。這方面，我們要多看下有名的攝影大師的一些代表作，從中我們就可以看出攝影師所要傳遞的思想，他的構圖和取景方法，對光線的運用等。只有識多才能見廣，通過不斷地學習和實踐加上自己的領悟就會自然而然地形成了自己的風格，也就是所謂的世界觀達到了一定的認識程度。

因此，我認為，攝影更多的是需要我們在課后多學、多拍、多思考，也只有把課堂上的理論有效的和實際聯系起來，我們才能真正做到兼收并蓄，學以致用。

第二篇：攝影學科體會

攝影藝術學科論文

學號：

班級 ： 姓名： 指導老師：楊春明

學科體會

短短的十幾節課程就快要結束了，竟有些不舍，起初選這門課時并不是對攝影方面很感興趣，只是想混個學分，又想到攝影這種活動是比較有技術性的，還得要求各種配套設備，自己從來沒有接觸這些東西，對于這樣一個陌生的課程，只是抱著一個無所謂的態度，這樣的感覺竟在幾節課之后發生了轉變??

原來老師講的不是生澀難懂的攝影技術方面的東西，而是拿生動的圖片展示給我們，我們講解這些圖片的故事和由來，后來我發現，老師展示的每一張圖片不僅僅是張簡單圖片而已，每個背后都還有一個不簡單的故事，這些故事或催人淚下，或激人上進，或發人深省??而故事總是隨著時間的流逝悄然淡化，甚至慢慢逝去，如若想留住這片刻的畫面須我們去記載，文字是一種辦法，這種辦法卻略顯蒼白，文字留給觀賞人更多的是遐想，觀者也不免會強加自己的理解于故事，給原來的故事蒙上一層面紗，使真實的場景難以重現。此時，相比文字，圖片卻成了這一故事擴展和傳承的更好辦法，圖片鮮明直接，更具有表達力，觀者能直接明其意，讀到故事的真實情況，假若配以文字，那將是更好的組合。

照片也不僅僅是一種紀實，紀實的照片完全淪落為新聞圖片，除此之外，我們會發現很多的照片是富有美感的，例如你可以想象一下這些的景色，“大漠孤煙直，長河落日圓”、“日出江花紅勝火，春來江水綠如藍”，如此美景，肯定會讓人陶醉其中，假如此刻我們眼前有這樣的景色，我們肯定會流連忘返的，攝影就為我們提供了一個

留下美景的機會。拿起手中的相機拍下來，這樣我們就有永久保存這美景的機會了，后日里翻出來看一眼，重新感受這美好景色的同時，也記錄了自己曾經的足跡，這大概也就是為什么那么多人迷戀攝影的原因。因為愛記錄生活和美，所以愛攝影，而因為攝影記錄了美好生活的點點滴滴，通過它，發現了生活中美好的東西，而更加熱愛生活，從而培養了美的性情，陶冶了個人的情操。

就這樣，慢慢喜歡上了這一門課，老師豐富多彩的講解讓人學習了解到了很多東西，每次一周繁重的專業課下來，總是讓人頭疼不已，而每周一次的攝影藝術課反倒成了放松心情、陶冶情操的良好藥劑。

第三篇：攝影構圖體會

[攝影構圖體會](1)黑白灰

無論彩色片還是單色片,都具有層次,(黑白灰),在色彩中一般紅色紫色

深藍明度低,感覺重,黃色淺綠等色明度高,感覺輕.有些片子感覺沉悶,就是層次沒拉 開！一張片,要有一處“白”來透氣,要有一處“黑”來點睛.(2)點、線、面

一張片子,不管內容多么復雜或簡單,它內在的構圖要素還是點線面.點線面是相對的,小的面可稱為點,寬的線也可稱為面.一張片,不能全是點,那就叫一地 芝麻！不能全是線,那是斑馬！不能全是面,那叫有眼無神.最好點線面都具備,線與線最 好不要垂直相交.(那有種機械感)我們并不是追求點線面為目的,說穿了,點線面,就是在講究畫面內容形狀的處理,避免 形狀的雷同.通常,天空,地面,水面,房屋頂墻壁等可以稱為面；路,樹干,水紋,建筑物的邊等可以稱 為線；遠處的人,近景中的幾片葉,小的窗戶,燈,云朵等,可稱為點.(3)光線

光線---色彩之母,沒有好的光線,一切景物都是死的！很多朋友容易忽視這一點.比 如有一位青島朋友拍的教堂,看得出花了功夫,長焦廣角都用上了,但說實話,效果一般, 還屬于生活照,到此為一游,為什么?就是不注意選擇光線,我們平時看電影,一看到下 雨刮風就會想到一場悲劇要上演,特別是一些香港電影中,在一些緊張情節的用光上, 簡直夸張到了無以復加的地步,比如晚上毒品交易,一條長街道,街道盡頭一盞巨大的 藍色背景燈,一人影或一線車從背景中出來,長焦,有用軍用望遠鏡看的那種感覺,有時 為營造效果,還得放一些煙霧,在一些銜接鏡頭的處理上,也很夸張,嘎---的一聲,車停, 門開,一雙錚亮的皮鞋,逆光,長長的腳影.還有,倉庫的排氣扇不停的轉,一道道的光 影.這些用光的表現手法雖然粗俗,但這是最好的教材料.(4)透視

透視---近大遠小的視覺規律，還包括：近高遠低，近長遠短，近實遠虛，近處色彩 鮮艷，遠處色彩變淡變淺變灰，攝影構圖體會。

透視---是表現空間感的有力手段！通常廣角透視夸張，空間、立體感得到強化；長 焦則壓縮透視，前后物體貼得緊，空間感不強。(我們有時也把這種強列的透視變 化稱為視覺沖擊力，但不是全部)(5)色彩

色彩--不僅僅指顏色，還是一種感受，一種比較，一種心理，一種修養。

可以這樣分類：明度，純度，色相，對比色，調和色，冷色，暖色，環境色，光源光，補色，視神經，色彩的聯想，色彩的重量。太多了，講不完，講幾條主要的。色彩的聯想：

紅色代表激情，精力充足，殘暴。

藍色：高貴，冷淡，傷感，憂郁，沉靜，孺弱。黃色：天真，活潑，明朗。綠色：希望，和平。

紫色：高貴，高雅，不穩定，神經質。橙色：熱情，外向，低檔。

白色：(和黑色一樣，嚴格的說不算顏色)純潔，做作。黑色：死亡，消極、神秘。視神經： 舉個例子，眼睛盯著一張紅紙一段時間，紅紙移開，眼前會出現一片綠色，為什么?視神經的調節現象。

補色：就是最相反的顏色(教科書上說的是色輪中對立的顏色)與人的感受有關，比如，紅與綠，黃與紫，藍與橙。

冷色：青、藍、紫等象征冰和海水的顏色。暖色：紅、橙、黃等象征火焰的顏色。

對比色：色相上差別大的顏色：紅與藍，藍與黃，橙與綠，白與黑。

(調和色-類似色-齡近色)：色相，明度上比較接近的顏色：紅與紫，藍與紫，黃與橙，黃與綠，綠與藍，黃與白，橙與紅。光源光：主要指光源的冷暖。環境色：色彩與色彩間的相互影響。以一個放在窗臺上的紅蘋果為例：陰天，光源色是冷的，蘋果的受光部可能變為帶冷色的品紅，背光部可能受環境色的影響而呈帶暖灰的大紅、蘸紅色；晴天，則相反，所以說色彩不是孤立的固有色，而是受光源、環境影響的復合色！色彩的輕重：色彩有重量：紅、藍、黑、深紫、深綠屬重量級；黃、粉紅，淺綠，淡紫屬輕量級。

---我認為最要注意的是色彩的輕重、冷暖協調。(6)質感與視覺心理

質感、視覺心理--(風馬牛不相及的事，放在一起講算了：)--人的眼睛對什么亮度最舒適? 好像還沒有誰研究過，不過肯定不是純白或純黑！就像我們的房子室內裝修一樣，我們現在一般不會用純白色來涂墻壁，那樣太刺眼，不柔和，心得體會《攝影構圖體會》。--人的眼睛對什么色比較舒適? 有人馬上會說：我喜歡藍色、我喜歡紅色。這只是性格決定對色彩的偏向。先把它放一邊。我想，太灰，太純的顏色對人的眼睛都不合適。整體而言，淺灰色是令人舒服的，但有時也需要有對比，比如說你喜歡吃牛肉，但不能餐餐吃牛肉：)你喜歡紅玫瑰，但又討厭到處都是玫瑰紅。當然，有人喜歡強烈對比，喜歡刺激，喜歡紅衣服綠背景，這。這。有點俗：)人的眼睛還有一些不喜歡：不喜歡抬頭看太陽，不喜歡某些時候的逆光，不喜歡太光滑，太人造的東西。(說到質感上來了)質感--人的手也好，眼睛也好，都喜歡觸摸令人愉快的東西，這可能就是質感吧。大自然中的一些東西，如水、石頭，原木、沙灘，以及一些人造的東西，如絲綢、麻料、打火機、斑泊的舊墻，嬰兒的臉。總是令人愉快的。是它們的質地使人愉快，沒有社會原因，就象男人愛女人，是天性。(7)攝影的特征

我不能理解一些老玩家玩大型機器，好像很懂套路，什么區域曝光了，什么解像力了，什么顆粒了(職業需要的例外)，那不是攝影，那只是玩過程，他們與工匠沒區別！那么，攝影是什么呢?--我們應該跳出這個圈子，橫向比較：

攝影、繪畫、雕塑、電影電視、都是一門視覺藝術，各自具有鮮明的特點，攝影的特點應該可以理解為，時間、空間、瞬間，(有人干脆說是瞬間的藝術)這是攝影的靈魂！

攝影作品---應該具有一種味道，一種照片味。(這里面應該包含一些元素：顆粒感、質感、瞬間的凝固。)有些人---對攝影走進了種種誤區，就是把根本的目的忘了，而把一些技術手段當成了最終目的！比如，以單純追求層次細節為美(那些玩大型機的最講究這個了)，以追求景物本身的美為美(千里迢迢出門，就算拍回了幾張精致的明信片又怎么樣?)；比如以追求光線氛圍為美；以追求質感為美；還有的干脆以各種焦段帶來新鮮的視覺感受為美。這些都是脯助手段，是一盤菜中放的調料。

如果有人說：這片拍得好啊，像一幅水墨畫。那么這不是一張很成功的照片。如果有人說：這畫畫得好啊，像一張照片。那也肯定不是一幅好畫。

畫有畫的味：畫畫講究筆觸，講究過程，講究寫意，講究似是而非。特別是寫意國畫。我在想，時代在發展，相機的功能也在逐步變化，從一種非常嚴肅的記錄工具，變為一種。一種創作工具吧。就像繪畫，由最初的留影寫實功能變為純藝術，因為相機的出現，使最高明的畫家也比不上最低劣的相機。而攝像機|電影電視的出現，使相機的作用又發生一些微妙的變化。相機可能介于繪畫、攝像之間，這個位不好定。

有些人喜歡拍組照，一些大師們評片時總喜歡說：不錯，如果拍成一個系列可能更好。我不這么認為，這是過份強調了相機的功能，拍組照，還不如拍電影記錄片，因為電影更適合。單張、經典---正是攝影的魅力。(傳世作品中，組照比例點極少。)(8)黃金分割

---黃金分割、畫面中一個點與周邊塊面的關系。

我們平常說的黃金比，即0。618的比例，大約處在1/3的位置上，據說是從維納斯雕塑中發現這一美的規律，不是說處在這個點上的東西就美，而是指處于這個點上，整體就協調，很舒服。數字1-10中，7是最有品位的，因為它正處于黃金比上：))有人認為黃金比是小兒科，用多了，就時不時玩一把正中的、對稱的“破常規”構圖，這很膚淺！最近我在想，黃金比絕不僅僅是把人或物體安排在畫面1/3處這么簡單！絕不是一條線中某個點的位置！--它是全方位的，立體、綜合之比。它包括：

1、一條線上某個點的比例：---*--這根線可以是縱向的。

2、面與面之間的比例；

3、黑、白、灰之間的比例；

4、色調冷暖、色塊顏色之間的比例；

5、光線明暗之比例；

6、。(沒想好)我們見過高手下圍棋，開局第一顆棋子落上去，嘿嘿，那是眼觀四路，耳聽八方，氣象萬千，講究的就是一個比例與精確啊。

一張照片，從某個角度來說也是如此。畫面關鍵性的“點”的位置，起到了對整個畫面的分割和分配作用！畫國畫的人最講究這一點了，一筆下來，落在什么位置，對畫面空間的分配起到什么作用，需要左看右看，上看下看：)并不是為畫什么而畫什么，實際上是在經營空間，而這個空間不能雷同。所以國畫中的技法中常說什么：“疏可跑馬，密不透風”、“知白守黑”等等，其實都是指如何避免塊面的雷同。

不厭其煩，再舉些例子：拍一個物體，假設背景是純的，如果這個主體在正中間，那么不是指這個位置不好，而是指這個物體四周空白的面積大小相同，不美！移動一下物體，周圍空間面積大小便發生了變化，這就是我所說的畫面中一個點與周邊塊面的關系。

不管拍什么，都可以把畫面中的一切具象物體看成是一個點，一塊面，一根線，(空白也是如此)這時候，你就達到了“看山不是山”的境界了(這可不是最高境界)：)

第四篇：攝影創作體會和認識

談談攝影創作的體會和感受

主要談三個方面的話題

一、攝影與攝影創作的關系

二、攝影創作的體會和感受

三、攝影創作的表現方法

第一個話題，攝影與攝影創作的關系

1．攝影是借助照相器材記錄現實影像的一門專業技術，只要我們掌握了一定的攝影技術技法，就能夠從事商業攝影、新聞攝影等專業職業。

在過去的膠片時代，對攝影技術的要求比較高。因為在按下快門之前，需要預測現場光線，然后根據光的強弱，手動調整適當的快門速度和光圈大小，控制膠片感光量；其次是要目測照相機與被攝體的距離，然后手動調準鏡頭焦距。這是膠片時代攝影者必須熟練掌握的基本功，不然就無法拍出一張曝光準確、影像清晰的照片。

進入數碼時代，攝影成了一件人人都能操作、非常省力省心的事情。只要拍攝者按下快門，所有以前那些專業性很強的攝影技術完全由照相機自動處理，拍攝者要做的僅僅只是把鏡頭對準被攝物體就能夠拍出清晰度、影調、成像十分完美的照片。所以有人說，數碼時代人人都是攝影家。

2．攝影創作是一種復雜的審美認識活動和審美表現活動，它是攝影者借助照相器材料，從審美認識到審美表現、從藝術構思到藝術傳達的過程。攝影創作最終的結果就是攝影藝術作品。通俗的說法就是，攝影創作就是從醞釀、構圖到制作完成攝影作品的一系列活動及其過程。因此說：

攝影創作重要的不是照相器材如何先進，不是攝影技術如果精戡，最重要的是鏡頭后面的眼睛。

然而在現實中，卻有不少攝影愛好者沒有正確認識攝影與攝影創作的關系。比如有些人對攝影器材研究得十分透徹，他們對不同型號的各種照相機性能和鏡頭參數如數家珍，爛熟于心。他們經常在拍片時不斷更換各種焦段的鏡頭、使用多種多樣的器材配件，而對拍攝時最重要的諸如用光、選景、構圖、主題表達卻漫不經心。

其實，對于攝影創作來說，攝影器材只是畫家手中的畫筆、雕刻手中的刻刀，人的思想和藝術修養才是攝影創作的關鍵。3．怎樣區別一張普通照片和攝影藝術作品

打個比方，如果我們只是簡單地拍了一張田里的稻子和稗子的照片，不管曝光怎樣準確，不管影像如何清晰，它都只能算是一張記錄現實影像的普通照片。但是，如果把稻子和稗子這二種自然植物進行巧妙取舍、構圖，拍成一張漂亮的照片，就成為一張給欣賞者以審美愉悅和啟迪的藝術作品。比如八十年李英杰拍攝的一張很有名的攝影作品《稗子和稻子》，（示圖）

這幅作品，作者為表現無知者驕傲、博學者謙虛這一主題，僅僅選擇了稗子和稻子這兩種既形象又含蓄的植物，運用擬人和比喻的手法，賦予它們以人的性格，概括地將人類社會生活中的復雜問題，通過稗子和稻子這兩種簡單的形象淋漓盡致地揭示了出來，使得作品所包含的內容遠遠超過了作品本身的形象。

再說第二個話題，攝影創作的體會和感受 看山是山看水是水； 看山非山看水非水； 看山是山看水是水。

這幾句看似頗有禪意的話，是說從前有個出家修行的人，在離開家鄉時看到的山水和修行后回來時看到的山水，然后經歷再次離家修行后回來看到山水時三個不同階段的心境。我覺得這與攝影創作所經歷的感受有異曲同工之妙。因為攝影創作一般也會經歷這樣三個階段：

手上有機心中無機（初學入門階段）手上無機心中有機（探索提高階段）手上有機心中有機（融入思想階段）先說第一階段，初學入門

初學攝影創作時會覺得攝影其實并不是一件十分難的事情。這時候會覺得拍什么都興奮、新鮮、有成就感。因為只要多按幾下快門，一張自己認為漂亮的照片就完成了。但漸漸會感到失落、沮喪，慢慢會對自己拍的照片越來越不滿意。因為往往在現實中看到的那些十分壯美的景色或場景，卻在自己拍出的照片中并沒有得到原本所期望的那種審美愉悅和沖擊力。這時候，會覺得什么都不值得拍，覺得按快門是件很無聊而且徒勞的事情。一般情況下，這時候很多人會對攝影創作沒有了激情、失去了信 2 心，最后選擇了放棄。事實上，如果這個時候能夠靜下心來認真想一想問題的癥結在那里，然后潛心學習，不斷實踐，并持之以恒，那么就會突然有一天，一張有份量的攝影處女作品就會誕生。而這時候你的攝影創作水平已經在不知不覺中上了一個臺階，從而進入了第二階段。在這個階段，你會逐漸清楚自己要拍什么和怎樣去拍。

第二個階段，探索提高

事實上，不論你以前對攝影一竅不通，還是已經有所造詣，無論提高攝影技術的目的只是做一名業余攝影愛好者，還是做一名專業攝影家，最重要的一點就是要提高“眼力”，也就是要學會觀察。在攝影創作實踐中，最重要的就是要知道應當追求什么。在日積月累地吸收了關于照片中應當追求什么東西之后，就會開始對如何觀察、攝取周圍現實中美麗景物或物景有自己的方法和見解。這種發現客觀現實中美的景物或場景的能力和技巧，就是所謂的“攝影者的眼力”。

鍛煉這種“攝影者的眼力”需要不斷學習加勤奮，離開了這二點，攝影創作將寸步難行。為了在攝影創作中不斷創新、不斷有新的意境、新的角度、新的構圖，不僅要走別人走過的路，就是別人沒有走過的路也要不斷去探尋。所謂“讀萬卷書，行萬里路”，這正是攝影創作的最高追求。因為讀書是思考，行路也是思考，讀書是從文化藝術修養上來充實、提高自己；而行路是原發性創作的思考。事實上，許多優秀作品，不是憑空“想出來的”，而是靠在現實中“跳出一畝三分地”四處奔波，探索發現，靠雙腳走出來的。

第三個階段，融入思想

作為生活在特定歷史條件下的攝影創作者，他所創作出來的作品，無論用何種手段，無論是什么形式和內容，都不可能不留下時代的烙印和個人的感情色彩。當我們舉起照相機，面對的都是客觀存在的形狀、線條和結構，我們根據自己的創作意圖將它們取舍后攝入鏡頭，實際上也就表達了我們自己的某種思想認識、感受和審美趣味。因此在攝影創作實踐中，就要注意以下幾個方面：

（1）不要迷信大師

攝影創作不僅僅是客觀真實地記錄下事物的存在和情景，也不僅僅是電子、數字化功能的體現。作為一種藝術，它不僅是客觀存在的反映，便主要的是攝影創作者表達自己思想感情的一種影像圖式語言。攝影大師如此，攝影愛好者亦如此。

（2）不要刻意模仿

客觀世界萬物本身紛繁萬千、豐富多彩，攝影創作者抓住的每一個瞬間，都是此時此 3 刻對這一情景的某一種理解、想法和特別感受的反映，正是在對這種特定時間、特定空間、特定場景的選擇來寄托自己的感情表達和自己的思想認識。每一幅照片，都寄托著攝影創作者的情感，都是攝影創作者心聲的真切反映，根本沒必要去刻意照搬、模仿別人的東西。

（3）釣魚不在吃魚

我很敬佩愛好釣魚的人，他們不僅要飽嘗日曬雨淋、長時間等候，還要把自己千辛萬苦釣上來的魚支付比市場價高得多的價錢，最后還送了人。這是一種什么樣的精神？這是一種不圖回報、不計得失的忘我精神，他們享受的只是釣魚的過程，而不是結果。這種精神實在值得搞攝影人的尊敬。

攝影創作是一件復雜的審美認識活動和審美表現活動，我們付出的所有努力其結果并不一定總是能夠有成功的回報。如果攝影創作帶有太重的功利心，那就失去了攝影創作的原始樂趣和意義。當然，自己付出努力創作的攝影作品能夠獲獎，那是贏得社會承認的一種重要途徑，但衡量一幅攝影作品的價值并不僅僅只有獲獎這一條陽光道。請記得，在我們身邊還有一條獨木橋，你也可以試著去走一走，說不定比陽光道走得更有趣味、更有意義。如果要說到是不是被社會所承認，那么十八世紀荷蘭畫家凡·高一生窮困潦倒，甚至被送進了瘋人院。他的作品，只有一幅題為《紅色的葡萄園》是他在世時出售的唯一作品外，根本就無人問津，更不要說獲獎了。然而，凡·高的藝術成就卻在后來的歐洲繪畫史上產生了巨大影響。那么這種現象又當怎樣去解釋呢！所以我認為，攝影創作就像人生一樣，重要的不是結果，而是過程。

第三個話題，攝影創作的表現方法

（一）技術層面 1．光的運用

攝影是通過光和影來紀錄物體，抒發情感的，光起著造型作用，也起著取舍作用和透視作用，同時光也可以起到美化作用，攝影的本質就是要善于駕馭各種光線，變幻出各種不同的畫面，抒發各種不同的情感。（圖例）

2．色彩運用

在攝影創作中，色彩是重要的藝術語言。攝影創作中，可以通過構圖、角度、光線、特技以及后期加工等手段來控制色彩，在畫面中建立起良好的色彩秩序，色彩的美感并不在于單一的色彩，而在于色彩的互相組合，互相映襯和對比。（圖例）

3．構圖決定一切

構圖是表現攝影作品內容的重要環節，它可以讓構成畫面內容的內部結構得到適當的表現。可以說，要想拍出好照片，就需要掌握構圖的相關知識并能靈活應用。

攝影構圖是將照片構成所涉及的一切因素進行恰當的安排和處理，它包含全部造型因素和拍攝手段。具體是指如何把人、景、物安排在同一幅畫面中以獲得最佳布局。在形式上表現點、線、形態、質感、用光、明暗、影調、色彩等配合，以表現某個主題思想和審美情感。具體需要把握四點：

（1）運用黃金分割法

也叫三分法構圖。即把影像畫面從上到下、從左到右平均劃分出九份，然后將關注點放在切線上或交叉點上。三分法是最有保障性的構圖方法，能夠突出主題，產生較好的視覺美感。（畫圖示例）

（2）疏可跑馬，密不透風

在中國傳統繪畫中，講究“寓情與景，借景抒情”、有“景愈藏，境界愈大，景愈露，境界愈小”的創作技法。所以國畫中有“疏可跑馬，密不透風”之說。所以攝影作品常常需要根據不同題材運用大量留白。所謂“畫留三分空，生氣隨之發”，這是中國畫中表現高遠意境的有效手法。留白是突出主題的需要，空白有助于創造畫面的意境。（圖例）

（3）繪畫是加法，攝影是減法

畫家需要根據自己的創作意圖，在畫布上一點點加上景物元素，而攝影創作是要把已經存在的客觀景物減少減少再減少，直到保留最基本的能夠表達作品主題思想的影像元素。

（4）拍攝中需要避免一般性錯誤 ① 地平線橫穿畫面中心 ② 有分散主體的干擾物體 ③ 畫面散亂、主體不突出 4．掌握后期處理

（1）盡量用RAW模式拍攝

RAW格式不是圖像文件，而是一個數據包，這個數據包不經過相機內的影像生成器的轉換，除曝光之外，一切都可以在后期改變。比如，使用RAW格式可以在后期任意地調整白平衡，在后期無論設定什么樣的色溫對畫質都沒有影響。RAW格式可以使圖像處理游刃有余。這種模式是沒有壓縮拍攝的儲存模式，其特點是拍攝后處理的空間很大，也 5 就是寬容度大，曝光可以找回兩檔，色彩、色溫任意調整。

（2）必備的Photoshop處理技巧

畫家需要經過數十年的訓練才能夠掌握繪畫這門技能，他們通過筆和紙的演繹描繪自己抽象的思維，表現自己對藝術、美的理解。而Photoshop軟件可以讓一幅同樣環境和焦距光圈下拍攝的照片，調整出不可思義的效果。雖然PS處理方法很多，但大部分照片的基本處理方法只需要4步：

⑴ 色階調整 ⑵ 曲線調整 ⑶ 銳度調整 ⑷ 色相飽和度調整

（二）藝術層面

怎樣盡快提高攝影創作水平

對于藝術的培養是一個日積月累的過程，一個主題 + 一個能夠吸引注意力的主體 + 簡潔明了，只要注意這三點原則，不久就能夠用一種新的眼光去觀看、分析和評價一幅美麗的照片；更重要的是，你將會開始用一種新的標準、新的方式去觀察世界，用新的目光來拍照片了。

（1）學習提高攝影技術法則和藝術法則

技術手段的掌握與藝術技術的運用，前者容易，后者難；搞攝影創作需要掌握攝影技術法則和藝術法則，二者缺一不可。前者靠學習，后者靠積累和培養。平時多學習一些與攝影相關的東西，一個好的攝影師就是在千百人司空見慣的視覺中去發現美。一幅好的攝影作品應當是看時吸引人，過后有韻味。

（2）重視作品鑒賞

一幅水彩畫，大山間的小溪水中有一群蝌蚪，標題是《千里聞蛙聲》，作者沒有表現千里之外的蛙，但觀賞者能從畫面上聽到蛙聲，這就是可視藝術想象延伸。當我們看到一張很美的照片的時候，能不能說出它為什么美？能不能說出作者是怎樣制作這些照片的？

一幅作品的藝術價值不僅在它畫面美不美，便取決于它蘊意深不深。言有盡而意無窮，這是判斷一幅好作品的最簡單考量。（圖例）

第五篇：兒童攝影體會和心得

兒童攝影體會和心得（非常實用）

來源：生命樹數碼沖印 http://

其實我也只是個業余攝影愛好者，只是接觸數碼攝影比較早，我最初買數碼像機的動機就是為了記錄即將出生的女兒的成長經歷。到現在，女兒快四歲了，兒童攝影我也就在業余的生活中積累了一部分經驗，也拍了些自己比較滿意的兒童生活照。

經常碰到有人問我是如何拍好兒童生活照的。在這里就花點時間寫些經驗與大家共同分享，希望能幫到愛好和需要給寶寶拍照的爸爸媽媽們；

關于攝影基礎技巧，大家可以再生命樹數碼沖印網了解很多基礎數碼攝影技術。

在這里，我主要講密切相關的兒童攝影注意事項：

光線不足如何拍？

很多時候我們是在家里給寶寶拍照，在大部分情況下，室內光線是絕對不夠的，盡管是白天，由于采光和天氣原因，還是不夠光線讓我們拍好照片。那么如何判斷光線不足呢？很簡單；在數碼像機的自動拍攝模式下（A），出現閃光，那肯定就是表示光線不足了。或者在快門優先的拍攝模式下（P），快門速度低于200。也表示光線不足，快門速度低于100，那就是嚴重不足。

那么到底在光線不足的情況下來拍好室內照片？

1；加強采光；例如開窗，或讓寶寶盡量在窗邊或陽臺上。或者利用大塊的泡沫板和大面積的白紙等反光材料來把室外的光線收集進室內寶寶身上。

2；加強燈光；打開家里所有的燈源，最好是落地燈、伸縮燈、甚至臺燈，讓光線盡量集中在寶寶身上，但要注意安全，不要讓寶寶可以接觸到或強光直射寶寶的眼睛。

3；利用像機的閃光燈；這個不推薦使用，而且要盡量避免使用，在逼不得以的情況下使用，也

要盡量少用，強調一點；千萬不要對著寶寶的眼睛使用閃光燈。有條件（例如閃光燈可以旋轉）

要巧妙利用反射閃光來加強光線，例如對著白墻來閃光。

4；加大光圈以及降低快門來增加曝光；如果你的數碼像機有手動拍攝模式（M），可以把光圈

開到最大（例如2.0，一般也有2.4），以及降低快門速度（不要低于1/60秒，否則就很難拍

清楚了）。這樣就是為了讓更多光線進入鏡頭。

5；提高感光度（ISO）來增加光線的吸收；如果你的數碼像機有可以調整感光度，你可以調高

感光度（ISO），一般的數碼像機最低感光為50-100。如果光線不足，可以把最低感光度向

上調整一到兩檔。但要了解的是感光度調整后，對畫面質量有直接影響；畫面會出現糙點，感光度越高，糙點越嚴重。

6；用以上多種方法結合使用來達到解決光線不足的問題。

如何讓寶寶的表情更可愛？更自然？

這也是爸爸媽媽最頭痛的問題：往往拿著相機，面對寶寶，一個勁逗他笑，可他就是不笑，或者只要用鏡頭對著她，她就用手來抓。往往為了拍好一張好照片，把爸爸媽媽累個半死....而大部分拍的照片，回家一看，10張有九張不滿意......確實，要給寶寶拍張好照片確實不容易，除了掌握好拍攝技術，還要寶寶的配合。而往往寶寶不會任我們擺布，那如何是好？

一般我是這樣的；只要帶寶寶出去玩，我都會帶上相機，只要她自己玩得很開心的時候，我就會拿出相機開始準備拍照。往往我拿出相機，只是拿在手上擺弄，或等寶寶不注意的時候舉起鏡頭對著她，跟隨她的身形移動，不一定按快門。

她過來就放下鏡頭，蓋上鏡頭蓋，把相機給她摸玩。這樣，她就習慣你的鏡頭對著她了。對相機沒有距離感和恐懼感。而等她再次離開去自己玩的時候，我就可以開工了，根據環境，天氣，距離調好拍攝模式和各種參數，開始追蹤拍攝。

這樣自己拍的比較從容，想按塊門就按，時機不好就繼續用相機跟蹤她。反正拍一張是一張，就是把你的相機當作你的眼睛，想拍的時候就把按快門當作眨眼就可以了。

最高境界；她只知道你在看她玩耍，你只是把相機當作你的眼睛。這樣，只要你按下快門，鏡頭中的寶寶和動作都是最自然最可愛的！我在照片處理網論壇發布的照片基本都是通過這個方式來拍攝的。

當然，如果有人來配合，例如讓媽媽陪女兒玩，爸爸拿相機跟蹤拍攝，這樣往往事半功倍。

如何在陽光下拍攝？

很多時候天氣好的時候我們都會帶寶寶出去玩，當然拍照遇到太陽大就是常見的了，這個情況下往往拍出的照片對比太強烈，也就是說面部白的地方太白，暗的地方太黑，甚至一邊臉白一邊臉黑，更有可能背景很白，而面部卻黑黑的。那如何避免上面的情況呢？

一般這個情況下；我們需要對光線進行分析，然后采取不同的方式來采用不同的拍攝方法； 1；如果面部白的地方太白，暗的地方太黑，那就是因為在陽光直射下，光照的地方太白，而面部陰影則會比較黑，這時我們要避免陽光直射。例如打把傘啊，或者在樹木陰影下來拍，技術過硬，也可以讓面部背對太陽，就是逆光拍攝。

2；背對太陽逆光拍攝；這個情況下有可能背景很白，而面部卻黑黑的，那如何避免這個情況？那就需要了解數碼像機的測光系統，背對太陽逆光拍攝,一般我們要采用“點測光”。就是把測光方式調成“點測光”后，再用鏡頭對著背對太陽面部的暗處來進行測光。這樣你就會發現這樣拍出來的逆光照片，面部再也不黑了。

3；不了解點測光，或者沒有點測光功能，身邊也沒有傘和其他類似樹的陰影，那怎么辦？沒關系，我們就直接采用順光來拍攝。就是面部直接面對陽光的方向，不要讓臉部產生大量陰影。讓臉部全部暴露在陽光下，這樣拍出來的照片也就避免了“陰陽臉”，不過要注意的是，在這個方式下拍攝要注意要動作快，不然寶寶眼睛受太陽影響，會很累，也容易曬黑，且容易出現小眼睛甚至閉眼睛。

如何讓畫面主體（寶寶）更突出？

一般沒用攝影經驗的爸爸媽媽在拍攝照片的時候，很少考慮構圖和取景方式，以及主題的表現方式。這樣拍出來的照片背景雜亂，主體（寶寶）不突出，那么，如何避免我們常說的“純生活照”，讓我們寶寶的照片更有藝術感？

首先我們要解決構圖問題，因為構圖和清晰是一張好藝術照片最基礎的要求。清晰好解決，只要對焦準確就可以了，而最值得學習的才是構圖，因為構圖沒有公式，只有經驗的積累和藝術的細胞。多看多吸收你認為好的照片，思考這張照片為什么好？只要多看多思考，才能吸收你看到的，并運用到自己的拍攝中去。

如何讓畫面主體（寶寶）更突出？在這里我只是講幾個拍攝構圖技巧，起一個拋磚引玉的作用；

1；首先從顏色說；衣服和環境最好是有一個對比關系，這樣寶寶會從環境中突出來。

例如；在草地上，給寶寶穿帶不帶藍色色調的衣服，穿例如橙色，粉紅，紅色，白色，黃色等等....，在雜色背景，讓寶寶穿純色套裝，例如在人多的地方。給寶寶來一套刺眼的純色套裝，往往就可以讓寶寶在雜色人群中一下就能突出來。

2；采用純色背景，例如寶寶后面背景是一片綠化帶或樹林，又或者寶寶后面是純色窗簾或白墻，這樣，不管寶寶穿什么衣服，都會突顯出來。

3；虛化背景，讓寶寶后面的景物都模糊不清，讓寶寶顯得格外清晰。

虛化背景的辦法就是要大光圈（越小越好），長焦距（越長越好），如果這些名詞你不懂，請先仔細閱讀或了解自己的像機功能，然后用手動模式，調到你的最小光圈（例如2.0），再把你的相機變焦推到最大倍數（例如6倍），然后在距寶寶三米內來拍寶寶的特寫，這樣，寶寶后面的景物就會模糊掉。

4；從特寫的拍攝上來突出寶寶的表情；讓背景在照片中的比例很少。例如只是拍寶寶的頭部或用豎構圖拍寶寶的上半身，這樣背景相對在畫面中的比例相當少，更能讓視覺集中到寶寶身上。