第一篇：外國音樂欣賞論文

西方音樂中人文精神的內涵及其發展

許多同齡人對西方音樂不太感興趣，而我卻能在西方音樂中找到一種讓我莫名感動而心向往之的美感，這不只是音樂本身帶來的歡愉，也不是演奏技巧的浮夸帶來的感慨，細細品味，這是西方音樂重要的精神內涵——人文精神帶給我的別樣感受。人文精神是一種普遍的人類自我關懷，表現為對人的尊嚴、價值、命運的維護、追求和關切。而西方音樂在上百年的發展歷史中無時無刻不在體現這樣的人文情懷。

（一）中世紀——贊美神的頌歌

長達一千多年的歐洲歷史被稱為“中世紀”（Middle Ages）。以一貫的歷史眼光，中世紀是一個扼殺人性的黑暗時期。而事實上，并不絕對。大約從公元450年羅馬帝國的崩潰開始的早期中世紀，是一個充滿遷移、**和戰爭的時期，被稱為“黑暗時期”（dark ages）。但是中世紀晚期（大約截止至公元1450年）是個文化繁榮時期：人們可以看到羅馬式教堂的興起、修道院（1000-1150）與哥特式大教堂（1150-1450）的建造、城市的發展和大學的創辦?？梢娙说膭撛炝烷_發力是被多大程度的實現了。

由于歷史及宗教原因，大教堂不僅在景觀和精神上占統治地位，它也是音樂生活的中心。當時主要的音樂家是神職人員，他們同時也為教會工作。男童們在學校接受音樂教育與教會和大教堂結合。而女性不被允許在教會里歌唱，但可以在女修道院中從事音樂活動。在這種教會占優勢地位的情況下，我們就不會奇怪，為什么在幾個世紀中只有宗教音樂被記載保留著。這的確體現了某種程度上的人性的壓抑。但是，不同歷史時期的人性實現程度是不同的。在中世紀，人文精神與宗教信仰緊緊捆綁在一起，當他們信奉愛神就是愛自己、愛人類的教條時，我們就會從他們虔誠的圣歌中聽到他們對自己的愛護與關注。他們的莊嚴彌撒無不表達著他們對神的贊美和崇拜，而這也是因為他們依賴神來保護眷顧，他們表達的不過是自己的生活的欲望和追求。那時，對自我的關注，具有人文性質的精神是被隱秘地藏在對上帝的的誠摯的信仰中的。

（二）文藝復興時期——世俗音樂

從14世紀開始，中世紀的封建主義社會政治制度，騎士制度，教皇統治的權威都逐漸地衰落，哥特藝術的黃金時代已經過去。一個新的文明的時代被稱為文藝復興（西方音樂史上的文藝復興約指1430年——1600年的時期）。文藝復興時期的學者在學術研究中使用人文主義的方法，并在藝術創作中追尋現實主義和人類的情感。文藝復興時期產生的人文主義思想主張個性解放，反對中世紀的禁欲主義和宗教觀；提倡科學文化，反對蒙昧主義，擺脫教會對人們思想的束縛；肯定人權，反對神權，提倡以人為本。那時人文主義已經稱為一些藝術家明目張膽的信條，一種藝術變革的旗幟。文藝復興精神在音樂中的表現，與直接受到古典作品啟發的文學、繪畫和雕塑相比，要來得遲緩。音樂家仍然要在教堂中受到訓練，并服務于教會或宮廷。但是世俗音樂的價值已為人們所認識。音樂不再僅僅作為宗教儀式的附屬品，它同時也是一門獨立的藝術。在歐洲各地，音樂被配以不同語言的詩歌，包括意大利文、法文、西班牙文、德文、荷蘭文、德文、與英文（之前只有拉丁文）。音樂印刷術的發展推動了世俗音樂的傳播，出現了數以千計的歌曲集。音樂成了一種重要的休閑活動；每位受過教育的人都被認為應該具有彈奏一種樂器以及識譜的能力。也就是說音樂的社會角色發生了轉變，它不再是僅受宗教控制的，已被用來美化生活。作曲家樂于摹仿自然界的聲音，如鳥鳴與街道上的哭喊聲。在一首名為《戰爭》的名曲中，法國人雅生動的模仿康戰爭的噪音、鼓聲與號角聲。音樂的題材也從刻板的宗教中走出來，更加豐富多彩，展現社會形態，描繪人的情緒，更加貼近生活，更加富有人情味。

（三）巴洛克風格的代表——巴赫

音樂上的巴洛克風格盛行于1600年制1750年。歌劇的成功深深影響了宗教音樂，使之在音樂內容上不單是那種傳統的圣經故事和傳說，還添加了許多戲劇化表現，而且不但加上類似歌劇中的獨唱，重唱，更是把樂隊都帶進其中，成為不可分割的必要部分。這種宗教音樂的世俗化的結果不僅徹底裝飾了傳統的音樂類型，還創造出前所未有的作品類型，包括清唱劇、神劇、受難曲等等。

巴赫是我最喜歡的古典音樂作曲家，我在寫作業的時候很喜歡聽巴赫的小提琴奏鳴曲。（酷我音樂盒介紹：在巴赫之后，幾乎沒有人再創作無伴奏小提琴奏鳴曲，因為巴赫實在是一座難以逾越的巔峰，沒有人有自信能夠做出超越巴赫的創作。）

巴赫于1685年出生在德國中部的埃森納赫，其家族以“盛產”音樂家而著稱。巴赫的一生為這個世界貢獻了大量的優秀音樂作品，他創作了出歌劇以外的所有巴洛克式的作品。巴洛克音樂傾向于表現情緒的一致性，巴赫的音樂尤其如此，他喜歡在每首曲調中，精心營造一個單獨的旋律，以不變的節奏形成統一。巴赫生活的時代是以宗教為中心的時代，他的音樂活動從未離開過教堂，他的音樂創作都與宗教有著千絲萬縷的聯系，被譽為“宗教音樂的集大成者”。但巴赫的音樂其實是在宗教的外衣掩蓋之下，反映普通人的情感，體現著對人性的思考，以不同的音樂形象從不同角度反映了當時德國人民的現實生活，充滿了人文主義精神.尤其是《馬太受難曲》，更是將對宗教的信仰和對人類的人文關懷統一于一體。我們看到的是一個教徒走向人民的感人場景。

（四）古典與浪漫的人文之聲

古典主義及浪漫主義時期,是西方音樂作品風格的成熟時期。該時期,音樂為人類歷史寫下了輝煌篇章,節奏隨同與旋律、和聲等要素得到了全面發展。

古典主義音樂承繼著巴洛克音樂的發展，是歐洲音樂史上的一種音樂風格或者一個時代。這個時代出現了多樂章的交響曲、獨奏協奏曲、弦樂四重奏、多樂章奏鳴曲等等體裁。而奏鳴曲式和輪旋曲式成為古典時期和浪漫時期最常見的曲式，影響之深遠直至二十世紀。古典主義時期的音樂，情緒的豐富變化和對比獲得了全新的強調。相對于晚期巴洛克音樂中單一情緒的表達，古典主義作品中的情緒波動起伏。情緒的轉變可能是漸進式的，也可能是突然地表達情緒起伏的極端沖突，古典作曲家充分控制著這種沖突和對比。音樂大師如海頓、莫扎特、貝多芬都能使富有情感的音樂賦予統一和邏輯。古典作曲家開始重視中產階級的品味，他們創作易于為業余愛好者演奏與理解的作品。他們將嚴肅的歌劇改寫成喜劇，由受貴族喜愛的英雄主義與神秘主義的情節，轉變為中產階級的主題與民歌式的曲調。他們的喜劇有時揶揄貴族，而舞曲樂章也逐漸脫離優雅與宮廷氣，而越來越富有活力與鄉村氣息。嚴謹的創作因為融入了民間與通俗的音樂素材而受到歡迎，古典主義大師有時以熟悉的曲調作為交響曲與變奏曲的主題。

從貝多芬之后，西方古典音樂就進入了浪漫主義時期。浪漫主義音樂家們要么更側重于個人情感的抒發（如舒伯特、肖邦），要么著迷于表達文學作品中強烈的戲劇性（如瓦格納、理查?施特勞斯）。他們不停地打破古典主義的條條框框，只是為了能讓人們更易為自己表達的獨特內容而感動。此時的不少音樂在結構上已喪失了古典主義時期的嚴謹，但也更為靈活了。很多音樂的旋律性大大加強，和聲的處理也是變化多端，所以這些音樂大都有了更為細膩的情感色彩的變化，不用說，表現的范圍較之古典主義時期也是大大加寬了。浪漫主義的后期，民族主義思潮襲來，民族主義音樂盛行。民族情緒沸騰了，這是一種個人升華為國家的個性表達，作曲家在表達自我時帶上了濃厚的愛國情緒，其主題更加能夠讓人產生強烈共鳴。

浪漫主義音樂前所未有地強調了自我表現和風格的個性化。肖邦年輕時，就懷有創造一個“音樂新世界”的目標。一些具有聽過一些古典音樂經驗的愛好者，只需要幾分鐘甚至幾秒鐘，就可以馬上分辨出是舒曼還是肖邦，是柴可夫斯基還是勃拉姆斯的音樂。浪漫主義作品探索了各種情感體驗，尤其有無數的歌曲和歌劇都歌頌了浪漫的愛情。

（五）20世紀及以后的個性狂歡——流行音樂誕生

1900-1945，這是一個混亂而暴動的時期，因為政治上的變革，價值觀的揉碎再組合，過去的教條和宗旨變得渺小而可笑了。這個時期的音樂和其他音樂一樣是一個叛逆的時代。在過去，作曲家所依賴的，是聽眾對于潛在的音高與和弦之間內在關系的一般原則的理解——不管是有意識的或無意識的。而這個時期的音樂很少依賴預先建立的關系或期待。當我們敞開心扉去聆聽，不去預期音與音之間“應該”如何聯系，那么聆聽現代音樂就猶如去經歷一場冒險。就似是而非的差別而定義的音樂派別而言，有新古典主義、印象派、表現主義等各具特色而又挑戰傳統的派別。

二戰以來，我們進入一個信息爆炸的時代，時尚與視覺藝術的新風格的傳播與消失同樣迅速，在音樂方面也一樣，新穎與變化一直受到強調。1945年以來，在音樂上的創作較20世紀前半葉還要多。音樂上出現了許多新方向，正如美國作曲家彌爾頓?巴比特在1984年所觀察的：“音樂的世界從未如此多元，如此分散?！?/p>

多元的音樂來自于獨特的個性表達，是作曲家和受眾的趣向反應及指引，是對自我的終極探求，是嶄新時代的人文召喚。

二戰之后流行音樂的發展是西方音樂發展的又一新方向，流行音樂（Popular Music）準確的概念應為商品音樂，是指以贏利為主要目的而創作的音樂。它的市場性是主要的，藝術性是次要的。流行音樂19世紀末20世紀初起源于美國，從音樂體系看，流行音樂是在叮砰巷音樂、布魯斯、爵士樂、搖滾樂、索爾音樂等美國大眾音樂架構基礎上發展起來的音樂。其風格多樣，形態豐富，可泛指Jazz、Rock、Soul、Blues、Reggae、Rap、Hip-Hop、Disco、New Age等20世紀后誕生的都市化大眾音樂。

流行音樂很多作品都是抒發自我的真實感受，人們在音樂中感受到的是如同自己身邊的氛圍，聽到的是如同自己內心的聲音，從而喚起廣泛的情感共鳴。流行音樂所表現的是真實的生活與生存狀態，從某種意義上說，流行音樂把藝術生活化了，同時也使生活藝術化了。流行音樂的普及，使得更多的人有了通過音樂表達自己感情的途徑。作曲再也不是受過專門訓練的音樂家的專利，越來越多的底層社會人群走上了流行音樂創作的道路，他們的作品能夠像巴赫一樣廣受歡迎，美國歷史上的黑人音樂就是流行音樂具有平民性的非常鮮活的證明。在西方流行音樂世界誕生了貓王（Elvis Aron Presley）、披頭士（The Beatles）、邁克爾杰克遜（Michael Jackson）等優秀的杰出流行音樂代表人物，也涌現了雅尼（Yanni）樂隊等一批杰出的現代音樂樂隊，而他們無一例外都通過表達普通人內心共有的情感而獲得萬千歌迷的喜愛，這正體現出現代流行音樂與西方古典音樂一樣具有豐富的文化精神內涵，這些精神內涵也許隨著時代的變遷有所變化，但不變的是對人類美好感情的關注，對自身和世界的愛的表露。

西方音樂生生不息沿著其獨特軌跡前行，曼妙的舞曲抑或恢弘的交響詩、甚至狂暴的重金屬都是一種個性的表達，傳達了不同群體或個人的心，目的是尋找一種給予滿足的美感，傳達一種人文關懷與精神撫慰。

參考文獻：《聽音樂音樂欣賞教程》世界圖書出版社 部分參考資料出自：

第二篇：外國音樂欣賞論文

外國音樂欣賞論文

編號：120 姓名：李初 班級：建筑與城市規劃學院建筑學1501班

一、歐洲古典音樂簡介

歐洲古典音樂是一種文化現象，是歐洲文化的結晶，它包括交響樂、管弦樂、歌劇、協奏曲、器樂獨奏等。欣賞歐洲古典音樂可以培養對音樂的興趣和愛好，全面提高人的素質和審美能力。歐洲古典的創作背景一般可分為巴洛克、古典主義、浪漫主義和民族樂派、近代主義樂派四個時期。情感欣賞是進一步的古典音樂欣賞，也就是通過感受音樂的各要素，體驗、理解音樂的情感，在欣賞過程中，對音樂的節奏、旋律和聲、音色、力度、速度、調式、曲式、織體加以了解分析，節奏常被比喻為音樂的骨架，節奏是音樂中重拍弱拍的周期性，有規律的重復進行，基本的節奏所表現的音樂風格我們應該要了解，如慢

三、慢四一般表現抒情、優美，圓舞（快三）表活潑，進行曲表現有力量等；旋律也稱曲調，高低起伏的音樂按一定的節奏有秩序地橫向組織起來，我們在欣賞音樂的過程中思想一定要跟著旋律走，基本的感覺一定要找到，如水平進行時表現的是柔和和優美、寧靜、級進和跳進時就是主題推向高潮，下行一般表現激烈轉為平靜；和聲也稱和弦的運用，一般歐洲古典音樂都是多聲部的音樂，如果說旋律是橫向進行，和聲就是縱向進行的，如此以來，音樂就豐滿起來，也有了氣勢；音樂力度、速度等這些要素我們可以適當學習一些音樂常識得以掌握，歐洲古典音樂作品的曲式、和聲、織體是十分規范嚴謹的，我們可以運用這些知識去體驗理解，再加上興趣進入歐洲的古典音樂情感的欣賞也是不難實現的。

二、我感興趣的樂曲及其作者

在諸多歐洲古典樂曲中，也許是傳言中的聽了莫扎特的作品智商普遍提高的莫扎特效應的原因吧，我選擇了欣賞莫扎特的一些作品，而在這些作品中，我選擇了知名度較高的g小調第四十號交響曲。

沃爾夫岡·阿瑪多伊斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart，1756年1月27日－1791年12月5日），出生于神圣羅馬帝國時期的薩爾茲堡。歐洲古典主義音樂作曲家。

1760年，莫扎特開始學習作曲。1763年至1773年，莫扎特隨父親列奧波爾得·莫扎特在歐洲各國進行旅行演出。1781年，莫扎特到維也納開始10年的創作生涯。1791年12月5日0時55分，莫扎特逝世，享年35歲，死因不明。

莫扎特留下的重要作品總括當時所有的音樂類型。他譜出的協奏曲、交響曲、奏鳴曲、小夜曲、嬉游曲后來成為古典音樂的主要形式。

莫扎特善于把藝術中美好的東西和滲透生活的深刻性結合起來，再把強大的力量、直率的氣質和剛毅的意志以及現實意義的感覺結合。其作品具有古典樂派的嚴謹，對稱的特點以外，還具有其自身的特點。在他的藝術歌曲中，令人稱道的是詩與音樂完美的結合，貫穿了他的創作時期的始終，因此也體現出不同時期的藝術特征和創作特點。他的音樂作品主題完整，有著鮮明的輪廓，細小的結構單位之間也有精致的、動機的聯系。

作為維也納古典樂派的代表之一，其大量作品涉及各種體裁，其音樂博采德、奧、意、法諸國精華，風格典雅，感情真摯，朝氣明快。后期的作品，內容和形式完美統一。鋼琴協奏曲是莫扎特作品的重要組成部分，他的作品富于創新精神，思維活躍。他的小提琴協奏曲美妙動聽、晶瑩剔透、充滿幽默感。

莫扎特的作品主要包括鋼琴奏鳴曲、鋼琴協奏曲、交響曲、歌劇等。在這其中，莫扎特的鋼琴奏鳴曲歡愉暢快、旋律優美、合聲簡潔、情緒明朗樂觀，洋溢著青春活力，仿佛讓人進入了一個無憂的世界。如《A大調第十一號鋼琴奏鳴曲》（K.331）中的第三樂章《土耳其進行曲》，其主題簡潔而極其節奏化。八分音符均整一貫的節奏，加上十六分音符來提高活潑感，全曲表現出一種帶有童貞般的單純。莫扎特在鋼琴協奏曲中更多強調的是明暗法而不是對位法。在他的鋼琴協奏曲中，富有創作精神并且思維活躍，也是其器樂協奏曲的精華，齊奏聲部和獨奏聲部的和諧平衡達到完美的境界。從莫扎特最后一首鋼琴協奏曲《降B大調第二十七號鋼琴協奏曲》（K.595）中可以感覺到有種“與世辭別”的性質，但是在這種與優美、深遠的鋼琴協奏曲的“告別”之中，它顯得豁達而超然。在交響曲方面，莫扎特重視各樂章之間以及樂章中的主題之間的對比性，自然流暢的旋律和精致復雜的技巧引人入勝。因受到不同風格的影響而帶有模仿不同風格的痕跡。《g小調第四十號交響曲》是莫扎特寫過的最陰沉、最豪放、最狂暴的一部作品。這部交響曲的所有樂章都是抒情性的，它的基調就是抒情加上悲愴，同時又充斥著憤懣激昂，傾訴了作曲家的哀怨、生活的無奈。而莫扎特所作的歌劇樸素、生動、有力，內容與形式達到高度完美的統一?！顿M加羅的婚姻》是莫扎特最具代表性的歌劇之一，莫扎特充分運用各種藝術手法，巧妙地使用音樂形式，使音樂與戲劇的高度融合。

三、對莫扎特作品的欣賞

g小調是莫扎特音樂中世人最熟悉也最珍愛的，而g小調第四十號交響曲更是其中的佼佼者，成為了超越了一切時代的純音樂典范、整個音樂史上真正完美的杰作之一。很多人聽到這首曲子的時候，它是作為流行曲《不想長大》的前奏部分出現的，這首g小調第四十號交響曲可以說是在莫扎特的眾多作品中我最為熟悉的一部。

通過查詢資料我了解到，莫扎特的創作是在難以想象的困境中完成的，當時作曲家的妻子患病，沒有錢買藥，饑餓的孩子沒有面包。莫扎特在紙上寫的首先不是樂譜，而是乞求借債的信件。正是在這種困窘悲憤的狀況下，天才作曲家寫下了他的最后三部交響曲。其中《g小調第四十號交響曲》用了兩個星期的時間。同時，莫扎特將曲調定為他很少使用的象征傷感和痛苦的g小調。這是一部最陰沉，但也是莫扎特寫過的最豪放、最狂暴的作品。這部交響曲的所有樂章都是抒情性的，它的基調就是抒情風格加上悲愴氣氛，同時又充滿著悲憤激昂的精神，這部作品傾訴了作曲家的哀怨之情，但這并不是作曲家當時貧寒生活的直接反映，而是深深地凝聚了一個貧困作曲家的生活體驗，是他一生中所有悲慘遭遇和挫折的集中體現，是莫扎特含著淚水的微笑。

在首樂章剛出來的時候就能感受到用中提琴和小提琴營造的這種悲切，層層不折，一波接一波的音符，表現出一種愁苦壓抑，急于發泄又找不到出口的感覺，用不安的節奏輕輕地敲擊著。當音樂逐漸轉為舒展流暢的音調時，另一個樂章就呼之欲出了，感覺好像總處于一種不可解脫的痛苦壓抑之中，這也許為這部交響曲奠定了悲涼的基調吧。然后又一個全面樂段的重復出現，強弱音的巨大起伏表現出了一種沖出痛苦的氣勢，很快有了一個微小的停頓，轉入了一段安靜的旋律，那精雕細琢的音符閃現著莫扎特原本樂觀開朗的性格。但這點明快的氣息沒持續多久，感覺音樂有了一片不和諧的驟變，音樂變得越來越緊張，痛苦急促的氣息到處撞擊，仿佛不曾有一顆的穩定與安寧。又迎來了一個緩解的小間歇，有一點明朗，抒情，互為補充，映照出一線溫柔親切的光亮，就像莫扎特那個既清苦又溫暖的家庭。斷續的節奏和一些微小的休止也為這部交響曲投下了一片陰影。情緒轉為熱烈激昂，卻絲毫沒有小步舞曲的那種溫文爾雅，在壓抑的g小調中不斷攀升，直到最高點才發出音樂最痛徹傷感的淚花。這一串明亮的音符就像最耀眼的光線突然讓我心境開朗，自然是感到無比的開心和快樂，可能也象征著莫扎特那種開朗的天性吧，而后卻又一串感覺隱含痛苦掙扎的音符，盡管此時的旋律較為柔婉，卻掩不過音樂中淡淡的哀愁。閉上眼睛，仿佛就能看見莫扎特那雙藍色的大眼睛飽含淚水，卻又堅強純真地微笑著。又一串激奮有力的音符，仿佛看到他在片刻的平穩中獲得了片刻的安慰，柔和中突然有了一個急速激昂的高潮，這種性質更加凸顯了他的堅定，直到最后，這洶涌的音潮像是莫扎特邁著急速堅定的步伐，面向人生的種種苦難前進。音樂中洋溢著作曲家奮進不屈的勇氣，結尾處輝煌而振奮，仿佛在告訴我們，不管人生的道路有多艱難，一定要勇敢前進！

第三篇：外國音樂欣賞論文

西方音樂風格嬗變的人文解讀

摘要：西方音樂是人類音樂文化的重要組成部分，主要指歐洲的音樂。由于歐洲歷史上統治階層比較重視音樂，因此許多音樂家都得到資助和保護，發展出比較完善的音樂理論。目前西方的音樂理論在全世界的音樂界占有主導地位，歐洲音樂界發展的記譜法和作曲的程式得到世界的公認。而在漫長的歷史長河中，政權更迭，國家興衰，滄海桑田，西方音樂也因社會、宗教、政治、文化、地理、作者個性等因素經歷了多次轉變，西方音樂史大概分為這么七個時期：古希臘羅馬時期的音樂、中世紀時期的音樂、文藝復興時期的音樂、巴洛克音樂、古典主義音樂、浪漫音樂、現代主義音樂。下面本文將就上述人文因素展開介紹各個時期的西方音樂風格特征。

關鍵詞：西方音樂 時期 人文解讀

文學以智性的方式觸及我們，油畫喚起我們活生生的情感，而音樂則喚起了我們心靈的全部激情。音樂是一個人類永恒的話題，它從何而來我們不得而知，但它伴隨人類從古至今。而作為人類音樂文化重要組成部分的西方音樂，在全世界的音樂界占有主導地位，歐洲音樂界發展的記譜法和作曲的程式得到世界的公認。下面本文就西方音樂的八個時期展開介紹，分別是古希臘羅馬時期的音樂、中世紀時期的音樂、文藝復興時期的音樂、巴洛克音樂、古典主義音樂、浪漫音樂、現代主義音樂。

一、古希臘羅馬時期的音樂(公元前3200年—公元400年)西方音樂的歷史發展最早可以追溯到古希臘、羅馬。古希臘是西方文明的搖籃，是歐洲最早創造文明的國家。古希臘的文明史發源于愛琴文明。約公元前2000年左右，希臘人開始在巴爾干半島南端定居，從公元前16世紀上半葉逐漸形成一些奴隸占有制國家，出現了邁錫尼文明。

古希臘在文學、建筑、雕塑、哲學等方面的輝煌成就早已為人們所仰慕。但相比之下，音樂對于古希臘人來說更重要。遺憾的是，音樂方面有許多資料沒能存留下來。我們今天對古希臘音樂方面的了解主要通過兩種渠道：一是通過神話傳說來了解，第二是從一些文字記載、繪畫、浮雕等歷史遺跡上了解到的。有資料統計這一階段殘存下來的樂譜還不到10件，但是從殘存下來的雕塑等諸多文化遺產可以看出曾經存在過的輝煌與成就，古希臘的大哲學家都曾對音樂進行過

討論與研究，這被后人視為西方音樂之源。古代希臘音樂的最初歷史與其對神的崇拜、同神話和傳說交織在一起。神話是古希臘藝術的豐富土壤，在古希臘神話中音樂是極富魅力的。阿波羅不僅是太陽神，也主管音樂。半神半人的底比斯國王安菲翁用琴聲的魔力修筑了底比斯城堡。色雷斯的歌手奧爾菲斯以音樂的魅力拯救出地獄中的妻子尤麗狄茜，后又得而復失。這個故事體現出古希臘神話的人性特征，它被近百次地譜寫成歌劇?？娝梗∕uses）是分別掌管文藝和科學的九位女神的統稱，而“音樂”（music）一詞還是由繆斯演化來的，足見在古希臘人眼中，音樂是與人類追求真和美的活動密切相關的。同時，古希臘也是管弦音樂的源頭。雖然古希臘音樂以聲樂為主，但樂器仍引起古希臘人的強烈興趣。在開放的社會環境下，他們用不同音色的樂器演奏樂曲，賦予其以豐富的色調。西方最早的弦樂器是里拉琴（Lyre），又稱詩琴。神話中的眾神的使者赫耳墨斯在龜殼上蒙上牛皮，支起兩只羚羊角，架橫木拉起琴弦便發明了里拉琴。古希臘的管樂器是阿夫洛斯管（Aulos），一種蘆管制成的單管或雙管的豎笛。里拉琴多用于獨唱伴奏，史詩彈唱，它是祭祀阿波羅儀式中的主要樂器。而在崇拜酒神的儀式中，及后來的酒神合唱和雅典悲劇合唱中，阿夫洛斯都是重要樂器。在西方現代文化觀念中，里拉琴和崇拜阿波羅的音樂與阿夫洛斯和崇拜酒神的音樂，已成為相互對立性格的兩大類音樂的象征。前者平靜而節制，后者狂喜、放縱。

公元前146年古羅馬征服了希臘，咕羅馬征服者將征服的大量塑像、浮雕和作為奴隸的舞蹈音樂藝人輸入古羅馬。古羅馬人吸收同化于古希臘及希臘化東方的音樂文化。遺憾的是，古羅馬并沒有把希臘音樂中全民的、健康的東西繼承下來，而是發展了音樂中娛樂、消遣、外觀宏大的特征，這不能不說是文明的一種倒退。古羅馬音樂走下了祭壇，成為大眾的音樂。這個龐大的帝國充滿著攻擊性，對內時刻鎮壓奴隸，對外頻繁軍事擴張，龐大的軍隊中，一支軍樂隊顯得格外重要。古羅馬統治階級豢養了龐大的軍樂隊，以炫耀軍威，鼓舞士氣；貴族們為了炫耀，組建私人奴隸樂隊，在雜技和戲劇表演中，龐大的歌隊和樂隊人數有時甚至超過觀眾。

二、中世紀時期的音樂（公元476年—1300年）

公元476年羅馬帝國瓦解后，希臘、羅馬文明變趨衰微。日耳曼人統治歐洲西半部，歷史上稱為“黑暗時期”，也就是“中世紀時期”。它既是整個西方文明的基礎時期，又是西方音樂藝術的構成時期，特別是中世紀基督教文化的迅速發展對音樂、文學、繪畫等藝術文化有著深遠的影響，因此中世紀文化又被稱為“基督文化”。教會是當時人們的生活重心，具有政治、經濟、文化的重要地位，藝術家在宗教中生存，因此當時藝術與宗教息息相關。中世紀很多的音樂家都來自與寺院，他們在寺院中從事教士和神父等工作，同時他們參加集體的音樂活動，學習音樂藝術理論，對音樂進行系統的整理，研究。在調式理論，復調地位，樂器演奏法，記譜法等方面創立了完整的宗教音樂體系，為西方專業音樂文化的發展奠定了重要基礎。

在西方重要的音樂文化遺產中，最能代表早期中世紀音樂風格的音樂體裁就是“格列高利圣詠”。它是西方藝術音樂發展的源泉。該圣詠因羅馬教皇“格列高利一世”而得名。公元六世紀，各地的教會音樂并不統一，格列高利一世實行集權制，統一了天主教禮拜儀式，改革宗教音樂。它收集原由的教會圣歌著成《對唱歌集》一書。并要求各地天主教會予以采用，使其浸透劍宗教禮儀的每一個角落。他利用這種旋律冷靜、超脫、毫尢私心雜欲的宗教經文歌曲來加強自身統治階層的力量。作為西方中世紀宗教音樂早期發展的豐體，格列高利圣詠可說足沃十一片。它推動了音樂理論和記譜法的研究，四線譜就是在那個時代發明的，為復調音樂的興起和發展奠定了基礎，為音樂學校的建立創造了條件，即便是現代調式體系也都是以格列高利圣詠的調式為基礎的。直到今天，在天主教會中格列高利圣詠仍常常被采用。

三、文藝復興時期的音樂（公元1450-1600年）

西方的文藝復興是指14世紀末在意大利各城市興起，以后擴展到西歐各國，于16世紀在歐洲盛行的一場思想文化運動，帶來一段科學與藝術革命的時期，揭開了現代歐洲歷史的序幕。文藝復興時期的音樂藝術：一方面，是出于當時的思想家和藝術家們都認為自己是再復興古希臘和古羅馬文化；另一方面，他們要求擺脫宗教禁欲的束縛，在關心靈魂得救的同時，也向往世俗的享受。于是此時的音樂開始從顯貴氣派轉向大眾化；從宗教感情轉向崇尚理性和追求人性的發展，強調直接可感的人的心境和感情的表達，與具有神秘、抽象、禁錮感情等因素的中世紀藝術風尚相對立。

文藝復興時期是復調音樂的黃金時代，聲樂復調創作是這個時期音樂形式的代表，以合唱最為突出；16世紀的文藝復興時期出現了獨立發展的器樂劇體裁；音樂創作中心為15世紀的尼德蘭和16世紀的意大利；音樂日益趨向世俗化和專業化發展，宗教音樂和世俗音樂的分野比較含混模糊；音樂創作手法、體裁的運用和協作的規范趨于標準化，亦出現民族性和地域性的特點；情感表現的特點是靜態的、一元化的，但值得注意的是戲劇性的二元對立的因素也在醞釀當中。

可以說文藝復興時期音樂的特征可以用歌劇的誕生作為一個總結。歌劇的體裁、內容的自由化、感性化正是文藝復興時期文化傾向的寫照，同時，歌劇的復調性、主調性、加上歌劇內容的故事性和藝術性，正是文藝復興時期音樂風格變化的真實寫照。

四、巴洛克時代（公元1600年—1750年）

這是歐洲從封建社會向資本主義過渡的時期，君主國家走向繁榮，宮廷的權力和財力擴大，統治者熱衷于扶持藝術，宮廷音樂和沙龍音樂盛行，為貴族服務的音樂顯示出豪華和嬌柔的氣息，刻意修飾成為風尚。但是音樂家自己生活在人民中間，他們的社會地位是十分低下的，所創作的音樂也表現普通老百姓的悲慘遭遇，富于感情，體現了音樂家對客觀世界的感受和態度。文藝復興晚期出現的歌劇音樂體裁，在巴洛克時期得到了巨大的發展。巴洛克時期的音樂幾乎都是圍繞歌劇這個大主題展開的。

通常來說，巴洛克音樂有如下一些特色——它的節奏特別強烈、活躍，短促而律動；旋律精致、跳躍且持續不斷；采用多旋律、復音音樂的復調法；作曲家普遍強調作品的情感起伏，以至于音樂的速度、力度變化很是被看重；曲目的調性也從文藝復興時期單一而保守的教會調式發展為采用大小調形式。同時西洋管弦樂器也在巴洛克時期得到了迅速的發展，小提琴的出現、撥弦古鋼琴的成形都為巴洛克音樂提供了更豐富的表現力；其他樂器的發展也使得某些特定風格的巴洛克音樂其配器得以朝著多元化、大規模的方向發展。不過像管風琴、羽管健琴、維奧爾琴這類頗具歷史的古樂器依然被廣泛使用。在音樂表現形式方面，由于皇室以及貴族對音樂的需求，促使許多巴洛克音樂家開拓出很多新的音樂表現形式。雖然巴洛克時期的歌劇曾被一些專家批評為“矯揉造作”，但不可否認的是這成為了此后歌劇發展的一個基礎。聲樂領域的其他表現形式還有神劇、經文歌、清唱劇、受難曲和彌撒曲等，這些都是帶有強烈宗教色彩的。由此可見在巴洛克時期，宗教音樂在西洋音樂中依然占有很大的分量。巴洛克時期的器樂曲發展很迅速，出現了大協奏曲、獨奏協奏曲、管弦樂組曲、各種舞曲、前奏曲、幻想曲、托卡塔、賦格和奏鳴曲等諸多表現形式。其中很大一部分通過發展、演變，從而成為了后來更為成熟的形式。

五、古典主義音樂（公元1730年－1820年）

古典主義的萌芽，發生在巴羅克時代的意大利。后來由于在維也納出現了海頓、莫扎特和貝多芬三人，借此古典主義音樂便得以形成。因此，音樂方面的“古典樂派”實際上指的是“維也納古典樂派”。古典主義藝術，首先發生在文藝領域中，它以恢復希臘、羅馬的古典藝術為目的，注重形式上的勻稱和諧調，主要放眼于追求客觀的美。音樂從教堂走入宮廷，并逐步走向社會走向民眾。旋律不再采用巴洛克時期連綿不斷擴充的音型，而是是短小的二四小節為基本單位而形成的方整型樂句，音樂呈現簡單、優美、動聽的特質。古典樂派的主要成就在器樂方面，合唱作品相對不那么突出，但音樂上的特征是一致的。在表現時的要求

也相同。古典時期的合唱作品謹慎地使用漸快和漸慢，速度標記是名副其實的，不能隨意改動。漸強和漸弱的使用較多，但多數在一個音量等級之間。重復的樂段或樂句，如果初現時較弱，重復時必然較強，這是一條不成文的規律。不協和和弦予以解決的進行，明確的終止式，大、小調式的轉換和遠近關系調的轉移都充分利用來表達內容，和聲的功能作用成為主要的推動力。但是，古典時期音樂的感情仍然比較內省，表演時切忌過分夸張，這些作品結構清晰，段落分明，表現上含蓄，主要運用對比性手法表現矛盾沖突或者戲劇性題材，無論內容和情緒都應該是明確清楚的。

六、浪漫時期的音樂（公元1820年—1900年）

從19世紀初到20世紀初通常被稱為浪漫主義音樂時期。它在政治上反對封建專制，在藝術上與古典主義相對立，屬于資本主義上升時期的一種意識形態十八世紀末年，隨著浪漫主義思潮在歐洲文壇的勃興，浪漫主義這一術語就用得非常流行了，并且在一七九八年法蘭西學別的創作方法的名稱。此音樂最早在德國和奧地利興起，它與古典音樂有著體裁形式，作曲技法的繼承關系，然而從貝多芬延伸到瓦格納，音樂創作和音樂表演都呈現“護展”，有調性的旋律和聲、復調，配器的寫作擴展到極限，尤其足管弦樂的創作。和聲應用變得更加豐高多彩，和弦及連接愈來愈復雜，音樂內容反映的面廣泛，作曲家主觀體驗作感受的思想情感有了充分表現，浪漫主義作曲家普遍重視音樂與文學的結合，熱衷于與標題音樂、浪漫主義音樂在歐洲的興起和發展有重大的社會意義和歷史意義，積極而有力地推動著西方音樂文化向縱深發展。

浪漫主義音樂與古典主義音樂所不同的是，它承襲古典樂派作曲家的傳統，在此基礎上也有了新的探索。如強調音樂要與詩歌、戲劇、繪畫等音樂以外的其他藝術相結合，提倡一種綜合藝術；提倡標題音樂；強調個人主觀感覺的表現，作品常常帶有自傳的色彩；作品富于幻想性，描寫大自然的作品很多，因為大自然很平靜，沒有矛盾，是理想的境界；重視戲劇，研究民族、民間的音樂文學，從中吸取營養，作品具有民族特色。在藝術形式和表現手法上，是繼承古典樂派，但內容上卻有很大的差異，夸張的手法也使用的特別多。在音樂形式上，它突破了古典音樂均衡完整的形式結構的限制，有更大的自由性。單樂章題材的器樂曲繁多，主要是器樂小品，如即興曲、夜曲、練習曲、敘事曲、幻想曲、前奏曲、無詞曲以及各種舞曲——瑪祖卡、圓舞曲、波爾卡等。在眾多的器樂小品中，鋼琴小品居多。聲樂的作品中出現了大量的藝術歌曲，并將諸多的聲樂小品串聯起來形成套曲，如舒伯特《美麗的磨坊女》、《冬之旅》等，就是浪漫主義音樂派創新的藝術題材。和聲是表現浪漫主義色彩的重要工具，不諧和音的擴大和自由使用，7和弦和9和弦以及半音法和轉調在樂曲里的經常出現，擴大了和聲范圍

及表現功，增強了和聲的色彩。作曲家創立了多樂章的標題交想曲和單樂章的標題交響詩，這是浪漫主義音樂的重要的形式。

七、現代主義音樂（公元1900年至今）

泛指19世紀末20世紀初印象主義音樂以后，直到今天的全部西方專業音樂創作。然而，由于在近90年的時間里，西方音樂的風格、流派十分繁雜，演變也非常劇烈；從歷史風格的范疇而言，現代音樂特指20世紀中所創作的有特殊風格的作品，并非指所有寫于20世紀的作品。因為某些作曲家（如С.В.拉赫瑪尼諾夫、J.西貝柳斯等）雖然也在20世紀寫下了不少重要的作品，但從總體風格上看，他們仍屬于19世紀的浪漫主義音樂。和浪漫主義及其以前的西方傳統音樂相比，現代音樂不僅有了非常大的變化,而且風格也十分多樣化。在現代的經濟、政治、科學以及其他藝術思潮的影響下，在音樂藝術本身內在規律的作用下，西方傳統音樂的基本法則相繼被一一打破了；在這個過程中，由于各個作曲家所采納的途徑、手段不同，因而流派之間、作曲家之間以及作品之間都呈現出比歷史上以往任何時候都更為復雜的面貌。在以往的歷史時期中，總有一種占統治地位的主要音樂風格，而在20世紀中，幾種不同的、甚至相對立的音樂思潮平行發展的現象是屢見不鮮的。音樂風格的變遷決定了音樂內部各個組成要素的創新。在音高、節奏、音色、力度、組織結構法等各個方面，現代音樂都作了前所未有的突破。這一方面形成了現代音樂本身的主要音響特征，另一方面音樂的表現范圍也空前擴大了。作曲家獲得了更多、更豐富的創作手段，但是由于這些技法常常越出了人們的聽覺習慣和熟悉的音樂思維的范疇，聽眾與現代音樂之間常常出現深刻的隔閡。

20世紀初，法國出現了德彪西、拉威爾的印象主義音樂；奧地利作曲家勛伯格于1909年完成了第一首無調性鋼琴作品。1912年在倫敦首演，引起評論界激烈反對。由于第一次世界大戰的影響，新音樂試驗的溫度有所下降，但還是繼續出現了勛伯格的十二音體系（1923）、瓦雷茲的實驗性作品和哈巴的微分音音樂等。1945年以后，各種流派和風格的實驗音樂又時興了起來，勛伯格的無調性十二音音樂發展成了序列音樂，從當初很少有人接受它，到現在被普遍采納。斯特拉文斯基在節奏方面的創新，也有了進一步的發展。有的作品不再具有強弱規則交替的節奏形式，甚至把節奏從小節線所謂的“束縛”下解放出來。音色和音響成了音樂表現的主要手段。無論在人聲還是在樂器使用方面，都有很多新的探索。不僅如此，還對開發新的音源顯示出濃厚的興趣。20世紀10、20年代試驗過的噪音音樂，原本是以失敗告終，現在又死灰復燃。借助于新的技術條件，出現了具體音樂、電子音樂，還有偶然音樂、直覺音樂、空間音樂、概念音樂等等，確有令人眼花繚亂之感。很多作品已經沒有傳統意義上的旋律、節奏、和聲，也有的作品主要不再由樂音所組成。與此同時，民族風格不再受到重視；但在形形色色的新音樂創作中，也有作曲家基本上仍按傳統的風格進行寫作。大約從20世紀70年代起，音樂的發展雖然呈多元化的態勢，沒有哪一種風格占據中心位置，但新的音樂實驗的高潮過去了。進入近現代之后，文化趨向于多元化，人們也不拘泥于某一種音樂體裁或者形式，而是更多地自由選擇自己所喜愛的音樂體裁。而且，20世紀至今，許許多多不同風格的音樂體裁在世界范圍內出現，通過信息的發展，使得西方音樂藝術不再局限于西方，而是擴展到了全世界。

漫長人類發展長河，總有音樂相伴，不同時期不同的音樂風格正反映了其時代人類社會特征。音樂用它獨特的魅力與力量為我們帶來希望和歡愉，故而總有些音樂歷經世紀，洗盡鉛華，卻依舊為人喜愛，這也算是一種文化傳承。

參考文獻

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第四篇：外國音樂欣賞

外國音樂欣賞
一 簡述 1．關于音樂本質的幾種主 ． 要理論是什么？（或論述）要理論是什么？ 或論述）答：造型說 造型說：造型說的美學 造型說 觀的實質是觀察、認識和表 現世界的一種旁觀態度。造 型說是音樂史上較早產生 的一個美學流派。這個流派 以古希臘哲學家柏拉圖創 立的 “摹擬論” 為理論依據，認為音樂是對于客觀現實 中各種音響的摹擬，它從屬 于現實；現實中的聲音原形 象是第一性的，根據現實中 聲音原形象而創造的音樂 形象是第二性的。造型說將 音樂摹擬客觀現實中的音 響作為其基本任務，認為音 樂造型的最高目的是“摹 擬”。這一學說強調了音樂 藝術的造型性特征，指明了 音樂形象對現實生活的依 賴性。表情說 表情說：表情說的美 表情說 學觀依據于人的情緒能動 性。表情說以感情論作為立 論的根據，在德國的唯心主 義和浪漫主義的觀念中得 到特別的發揚。它傾向于主 要地、有時是絕對地把音樂 的內容看做是人的感情和 靈魂的 “內在世界” 的表現。表情說強調了音樂中最寶 貴的東西——它的人的內 容，闡明了音樂與人的情感 之間的關系?？鞓分髁x 快樂主義：快 快樂主義 樂主義強調的是感性的享 受，強調的是音樂使人產生 的悅耳的感官享受，即音樂 影響人的心理生理活動及 引起愉快或不愉快的感覺。音樂的旋律和節奏因素具 有純形式的性質。形式主 形式主 義：形式主義的美學觀認同 理性，把純粹而狹隘的職業 性提到首位，將音樂與外部 世界和人類社會的現實生 活、人類的情感等隔離起 來。2.音樂主題的特征 音樂主題的特征 音樂主題的

答：1.情感表現特征：按不 同的情感需要，可以分為歡 樂的，悲傷的，憤怒的，幽 默的，柔美的，雄壯的等。2.體裁特征：不同的音樂體 裁，其主題的種類和形式特 征不盡相同。如分為聲樂 的，器樂的，室內樂的，交 響樂的，舞曲的，進行曲的，夜曲的，歌謠的，歌劇的，舞劇的等等。3.風格特征： 包括作曲者本人的創作風 格，民族風格，音樂時代風 格，流派風格。3.音樂的美育效能有哪些？ 音樂的美育效能有哪些？ 音樂的美育效能有哪些 或論述）（或論述）答：1.能夠培養敏銳的審美 感知能力。敏銳的感知能力 是培養和積累豐富的內在 感情、生動的想象和審美理 解力的重要基礎。這是因 為，人的內在情感體驗、想 象和理解認識能力等主要 是通過各種感覺感官對客 觀世界和各種藝術形式的 感知而完成的。2.能夠培養 豐富而高尚 的感情。音樂 是一種以情感表現為主要 特征的藝術。當豐富的情感 內容以特有的音樂音響作 用于

人的聽覺時，能夠在聽 者的心靈中激起強烈的感 情共鳴。音樂使大腦的聲波 感受細胞得到不斷發展，對 于各種音樂的性質具有一 定的分辨和感受力。3.能夠 培養豐富的審美想象力。優 秀的音樂具有特殊的啟發 人的想象力的魅力，使欣賞 著從音樂音響感知開始，再 進入由變幻無窮的音響世 界和生動的情感體驗所延 伸出來的神秘想象世界。在 這種幻想世界中，欣賞者能 夠暫時超越自我和現實，使 心靈得到凈化。4.能夠培養 深刻的審美理解能力。審美 理解力，是對審美對象的感 受基礎上把握住對象的意 義、內容或內涵意味的能 力。審美理解力不是先天具

備的，而是后天有意識的審 美教育和無意識的文化熏 陶的結果。優美的音樂是人 類大腦中最美好崇高感情 信息的釋放，它具有偉大的 精神力量，反映出人類生命 的希望，能夠啟迪和激勵人 們在任何情況下去追求光 明和真理的信念與決心。4.音樂風格的多樣性和一致 音樂風格的多樣性和一致 性特征 答：首先，音樂藝術所反映 的客觀世界本身的多樣性，音樂家主觀精神世界和創 造才能的多樣性，不同時代 對藝術要求的多樣性，不同 欣賞者對音樂藝術的需要 和興趣的多樣性等，決定了 音樂藝術在不同時期和不 同狀況下的表現實質，內 容，形式和美學意義上的多 樣性。同樣，也就規定了音 樂藝術風格的多樣性。音樂 風格的多樣性，不僅表現在 不同時期的不同音樂家的 作品中，也表現在同一時期 的不同作曲家的作品中，還 可表現在同一作曲家的作 品中。在作曲家的創作生涯 中，由于其精神面貌，思想 觀念，感情和生活經歷等的 變化或其創作才能多方面 的適應性和發展性，使其在 形成自己主要藝術風格的 同時，也有可能創作出具有 多樣風格的作品。音樂風格 的一致性，主要表現在作曲 家創作風格必然為其所生 活的特定的歷史時代，國 家，種族的文化審美特征和 需要所制約，這就使得處于 同一時代的作曲家的音樂 風格也不可避免的帶有一 致性。音樂風格的多樣性和 一致性是辯證統一的關系，正確認識其關系，對于把握 音樂風格，進行音樂欣賞具 有重要的意義。5．在音樂中，古典”一詞 ．在音樂中，古典” “ 的解釋和含義 答： 以超時代的普遍性，（1）

永恒性的藝術價值和音樂 藝術最高業績為標準，將那 些能作為同時代和后代典 范的，具有永久價值的音樂 統稱為“古典音樂”。根據 這一標準，古典音樂又稱為 “嚴肅音樂”或“藝術音 樂”，用以與通俗音樂相區 別。（2）指浪漫派以前的音 樂。在風格上強調曲式結構 的勻稱，平衡，音樂設計

計的 清晰，協和，明澈，客觀與 理性。在這一意義上，從文 藝復興時期至古典時期的 音樂都可稱為古典音樂。（3）特指 1750~1820 年左 右的古典樂派時期。這一劃 分，包含了此時期音樂對于 古希臘，古羅馬時期文化特 征的繼承，對于崇高藝術價 值的追求，以及該時期音樂 家在傳統基礎上進行的偉 大音樂實驗，發現和改革。6．20 世紀音樂的三種主要 ． 特征 答：1.對傳統音樂近300 年 的傳統功能調性概念予以 擯棄。主要傾向為，以巴爾 托克，興德米特和斯特拉文 斯基為代表，雖保持調的概 念，但卻以全新的方法和手 段來建立和使用它；以勛伯 格為代表，徹底否定任何形 式的傳統調念，以稱之為 “十二音體系”的序列音樂 技巧來將其取而代之。2.創 作并大量使用不協和和弦。在 20 世紀的大多數作品中，和弦的連接進行不再以不 協和和弦向協和和弦的傾 向解決為遵循原則，而是以 不協和和弦獨立的使用，和 弦之間的關系主要表現出 復雜與簡單，緊張與松弛，柔和與刺耳的性質對比，并 由此活得前所未有的，更為 豐富多彩的和聲效果。3.節 奏上愈加復雜化和自由化。7． 新古典主義”的美學觀 ． 新古典主義” “ 點和主要作曲家 答：美學觀點：反對音樂的

標題性，戲劇性和情感體 現，強調藝術的理智因素，主張音樂應該回到“古典” 中去，應當保持嚴格的客觀 精神。氣美學觀點強調作曲 家的作用就是要控制抽象 的音響結合，建立一個結 構，一種秩序，一旦結構完 成，秩序獲得，所有的東西 就“說完了”。主要作曲家： 斯特拉文斯基，斯特拉文斯基 作品分為三 個時期：1.俄羅斯風格時期（1908~1919）三步芭蕾舞 ： 劇 《火鳥》 《彼得魯什卡》 《春 之 祭 》 2.新 古 典 主 義 時 期（1920~1951）歌劇—清唱 ： 劇《俄秋浦斯王》，芭蕾舞 劇《詩神阿波羅》，合唱與 樂隊《圣詩交響曲》 《C 大 調交響曲》等。3.序列主義 時期（1951~1966）：芭蕾舞 劇 《阿貢》 電視音樂劇，《洪 水》，女低音，男低音，合 唱與樂隊《安魂曲》等。興 興 德米特：歌劇《畫家馬蒂 德米特 斯》，芭蕾舞劇《最高貴的 幻景》 鋼琴曲，《調性游戲》，交響曲《世界的和諧》等。巴爾托克：歌劇《藍胡子公 巴爾托克 爵的城堡》，舞劇《木刻王 子》，鋼琴曲集《小宗廟》，《弦樂，打擊樂與鋼片琴的 音樂》等。8．通俗音樂的幾種解釋 ． 答：1.作為嚴肅音樂（或稱 古典音樂，藝術音樂）相對 的概念，泛指不具有較高藝 術水準的，不具有超時代的 永恒性價值音樂。2.指介于 民間音樂和藝術音樂之間 的一種產生與城市，流傳于

市民生活中的音樂。這類音 樂具有專業性，但有些又以 口頭傳播為主。根據這種解 釋，歐洲中世紀的游吟歌 手，流浪藝人，15，16 世紀 城市中的流動劇團，歌手 會，世紀的通俗喜劇，18 法 國大革命時代在街頭演唱 的歌曲，世紀通俗音樂劇 19 場和舞廳中的音樂，以及 20

世紀的音樂喜劇，爵士樂等 等都可視為“通俗音樂”。3.狹指產生于 19 世紀末，20 世紀初歐美的一種娛樂性 音樂。4.指較短期的，商業 上成功的音樂。在許多情況 下，通過視聽媒體（電視節 目和唱片，錄音帶等）和演 唱會，夜總會等，由歌星演 唱，商業“包裝”，并從娛 樂界的各個渠道傳播出去。其最主要的價值在于其 “新”，追求風靡一時，轟 動效應。9.木管樂器的三種類型 木管樂器的三種類型 答：無簧類 無簧類：氣流直覺吹入 無簧類 管內，形成氣柱的震動和共 鳴，產生音波發聲。這類樂 器有長笛，有短笛。雙簧類：。雙簧類 由兩個葦質鏟形簧片構成 一個哨子，氣流通過雙簧而 產生振動，產生音波發聲。雙簧管，英國管，大管等屬 于此類樂器。單簧類 單簧類：用一 單簧類 種葦質簧片套接在樂器吹 口上，氣流通過單簧而發生 振動，產生音波發聲。單簧 管，薩克管等屬于此類樂 器。10.嚴格變奏的三種類型 嚴格變奏的三種類型 答：（1）固定低音變奏：以 4~8 小節的低音旋律或和弦 進行為主題。當主題不斷反 復時，上方聲部不斷地變化 復調結構與和聲織體。（2）固定曲調變奏：主題旋律每 次出現時都不變，而改變其 他聲部的肢體形式。例如格 林卡的管弦樂曲《卡瑪琳斯 卡雅》中的兩個主題都是如 此變奏的。裝飾性變奏：（3）將一個節奏完整（通常為二 段式）的主題，進行一系列 的變奏。通常的手法又：裝 飾主題的旋律，并改變其織 體； 改變主題的速度、節拍、節奏、調性、調式；從主調 體變為復調體等等。11.現代組曲的四種類型 或 現代組曲的四種類型（列舉）列舉）答：1.民族風格的組曲 民族風格的組曲：由 民族風格的組曲

民歌主題或按民間音樂的 體裁與風格創作而成，如德 沃夏克的管弦樂《捷克組 曲》 我國作曲家馬可的、《陜 北組曲》、冼星海的《滿江 紅組曲》等等。2.集錦式組 集錦式組 曲：從歌劇、舞劇、戲劇或 電影配樂中選擇若干樂曲 匯集而成，如格里格的《培 爾·金特》組曲，柴可夫斯 基的《天鵝湖組曲》 《胡桃 夾子組曲》，比才的《阿萊 城姑娘》組曲，我國作曲家 王酩的《海峽》組曲等等。3.根據文學作品、繪畫或自 根據文學作品、根據文學作品 己構思的內容而創作的標 題組曲 ：

舒曼的鋼琴組曲 《狂歡節》、里姆斯基·科 薩科夫的管弦樂組曲《舍赫 拉查達》組曲、穆索爾斯基 的 《國畫展覽會》 4.直接取。直接取 材于生活、材于生活、描寫某一生活側 面的組曲：如丁善德的兒童 面的組曲 鋼琴組曲《快樂的節日》、李煥之的《春節組曲》等。12.近代協奏曲的三個樂章近代協奏曲的三個樂章 或列舉）（或列舉）答：第一樂章：快板，協奏 曲——奏鳴曲式，即有兩個 顯示部，第一個由樂隊奏 出，主部與副部均為主調； 第二個以獨奏樂器為主，與 樂隊協同奏出，副部轉入關 系調。第二樂章：慢板，抒 情性強，常采用省略的奏鳴 曲式、變奏曲式或回旋曲 式。第三樂章：快板，輕快 而富于華麗的技巧，用回旋 曲式或奏鳴曲式。在第二、三樂章間有時會有即興風 格的華彩段。13.古代交響曲的四個樂章 古代交響曲的四個樂章 或列舉）（或列舉）答：第一樂章：快板，奏鳴 曲式，有預示全曲基本思想 的作用，常為典型的性格刻 畫，展示尖銳的矛盾斗爭。第二樂章：稍慢或慢板，常 用有省略的奏鳴曲式、三段 式、復三段式或變奏曲式。通常是第一樂章的下屬調

和關系調。多用以表現深沉 的哲理、人道主義精神、愛 情、憧憬或自然景色等，具 抒情風格。第三樂章：快板 或稍快，復三段曲式，常用 體裁為帶有三聲中部的小 步舞曲或諧謔曲。采用第一 樂章的調性。多表現生活情 趣或群眾性舞蹈場面。第四 樂章：終曲，快板或急板，在主調上采用奏鳴曲式、回 旋曲式、奏明回旋曲式或變 奏曲式。有時曲前冠以慢板 的引子，曲后殿以尾聲。多 表現斗爭的勝利、對生活的 肯定或狂歡等內容和場景。名詞解釋 二 名詞解釋 1.音樂欣賞 音樂欣賞：以欣賞者的音 音樂欣賞 樂審美經驗為條件，它表現 為一系列復雜的心理活動，包括音響感知、情感體驗、想象聯想、理解判斷等等。欣賞者通過這些心理活動 去體驗、發現和判斷音樂的 藝術價值。由于這些心理活 動在欣賞過程中的相互作 用，能在欣賞者心靈中構成 一種奇妙的審美體驗。2.音樂風格 在音樂領域里，音樂風格： 音樂風格 風格可廣泛包括某一音樂 歷史時期、某一國家、某一 流派、某一音樂家、某種體 裁、某部作品等，在音樂思 想、創作原則、藝術個性、表現手段和技法上所具有 的典型特征。3.前奏曲： 前奏曲： “序”、“引 前奏曲 原文是 子”之意。是一種自由結構 的短曲。原指西歐民間歌手 開始歌唱之前伴奏的“引 子”，最初常是即興伴奏。17 和 18 世紀中葉，前奏曲 常放在組曲、賦格曲等樂曲 之前作為序幕，與后面的

第五篇：音樂欣賞論文

音樂，打開心靈之門的金鑰匙

摘要：音樂對人有著特別強的陶冶作用。它既可以幫助人們表達情感，也可以豐富人們的情感體驗。既可以鼓舞人們奮斗、前進, 也可以幫助人們釋放自己的悲傷和痛苦。

關鍵詞：情感體驗 陶冶 理智的欣賞 貝多芬

正文：音樂，是情感的藝術。無論是大眾能夠普遍接受的流行音樂，還是被許多藝術家盡情演繹的高雅音樂，都能以一種適合而通暢的載體浸侵到我們或空蕩或充盈的內心世界。

音樂能表達人們的感情，觸動人們的內心世界，起著不能用言語所能形容的影響作用。文字尚需通過符號，來傳達感情、思想和內容，且文字有時因民族不同而尚須翻譯。而音樂，它可以直接反映人們內心感情的起伏及復雜的情緒，不受人種、民族、國家、地域等等限制。因此，不論什么民族、國家、地城、階層的人民，雖語言不通，卻都能通過音樂，直接感受這種真摯樸素的感情。

音樂可以不斷豐富人的情感體驗，提升人的情感強度，使人的情緒、情感同音樂情緒、情感和諧地溝通與交流。通常來說，欣賞音樂作為一種審美活動可分為三個不同的層次：官能的欣賞、感情的欣賞和理智的欣賞。官能的欣賞主要滿足于悅耳即好聽，是比較膚淺的欣賞。感情的欣賞和理智的欣賞應成為我們追求的目標。人更需要內心深處的體驗，通過感情的欣賞和理智的欣賞，我們可以尋求出那種動人心魄的、使人感到震撼的藝術效果與境界。

每一種音樂都會帶給我們不同的感受，我們的喜怒哀樂都可以讓音樂表達出來。聽舒伯特的小夜曲，不論他的樂曲多么自然清新，最后都會由心底淡淡地散出一種美麗的悲哀。無論在何種心情之下，這具有魔力的魅音都會漸漸將你拉入忘卻世間喧囂的縹緲之境。猶如這手中茶杯上裊裊升起的清煙。視線和身體的重量都會逐漸變得迷離，卻只有思想，仿佛卸下了包袱?？梢皂б獍肯?。萬物合一獨我，亦是我為萬物的輕盈。在這醒醒醉醉下，美麗的哀傷在心底沉淀、醞釀。好像是游走在夢幻與真實間的彷徨。音樂是最好的表達人們情感的一種手段，它在我們的生活中是不可或缺的。

音樂本身對人有著特別強的陶冶作用,它可以鼓舞人們奮斗、前進, 《倔強》中，有歌詞： 當我和世界不一樣 那就讓我不一樣

堅持對我來說就是以剛克剛

我如果對自己妥協 如果對自己說謊 即使你不原諒我也不能原諒 最美的愿望一定最瘋狂

我就是我自己的神在我活的地方

每一個心中有夢想的人聽到都會為之一振，當自己去追求自己的夢想的時候總會遇到自己的挫折，我們需要的就是和《倔強》一樣的堅持，把困難挫折都踩在腳下，做一個不能被征服只能去征服的人。

音樂也可以幫助人們釋放自己的悲傷和痛苦。人在現實世界里有種種煩惱、憂慮，人會感到自己的渺小與無助，而音樂卻能讓人超然物外，恢復人的心理平衡。音樂不僅能幫助人解除苦惱，而且能夠沖破習慣思維的束縛，使人的想象插上翅膀，激發出巨大的創造力和潛能。貝多芬的音樂美中有“奮”，樂中有“哲”，激情洋溢，形象鮮明，矛盾紛呈，英雄氣勢撼人，如同熊熊烈焰，無比輝煌。音樂家大多注意形式與情感的結合，貝多芬《命運》與《合唱》交響曲中吧音樂審美中的表現派與形式派的融合推到了極致。貝多芬被后人評為“集古典派之大成，開浪漫派之先河”的作曲家。他一生與苦難命運搏斗,對人生的感觸極深,因此在作品中融入了不少前人不曾想象的感情,處處充滿自信.他的作品歌頌了生命的美好和對人類的愛,充滿奮斗向上的精神.雨果說音樂所表達的是無法用語言描述,卻又不可能對其保持沉默的東西。確實如此，音樂的最大功能是從精神上讓我們超越有限的生命的圍墻，把視野投向另一個關于美的音樂世界。她最奇妙的力量在于讓我們日益漂泊的靈魂有回家的感覺，擴充我們生命的寬度和深度，尋找到生命的精神支柱，找到靈魂的歸屬。

總而言之，音樂是打開心靈之門的金鑰匙。音樂帶給我們的不只是一種聽覺的享受，還會讓我們有所觸動，讓我們的思緒隨著歌聲飄蕩。