第一篇：莫奈《日出·印象》

真實的瞬間

——試分析《日出·印象》

《日出·印象》是印象派畫家莫奈的作品。描繪的是法國勒阿弗爾港口一個多霧的早晨的景象，表現的是海上日出時光的顫動與色的和諧。

印象派是19世紀中葉歐洲藝術從現實主義向現代主義過渡的重要階段，印象派畫家以創新的姿態登上法國畫壇，其鋒芒針對陳陳相因的古典畫派和矯揉造作的浪漫主義。印象派畫家在繪畫中開始對室外自然光進行研究，認為景物在不同的光照條件下有不同的顏色，倡導走出畫室、去戶外寫生，力求真實地刻畫自然，直接描繪陽光下的風景和日常生活。

《日出·印象》畫面展現的是充滿霧靄的早晨，一輪紅日冉冉初升。桔紅的光影閃爍在銀灰色的海面上，海水被晨曦染成淡紫色，天空被各種色塊暈染成為紅色。遠方港口碼頭的輪廓，在朦朧迷漫的朝霧中影影綽綽。水的波浪由厚薄、長短不一的筆觸繪就，三只搖曳的小船在薄涂的色點中顯得朦朧模糊，船上人影依稀可辨，遠處的工廠煙囪，大船上的吊車等若隱若現。畫家把從一個窗口上看到的這一印象收入畫布上，如此大膽地用凌亂的筆觸來展示霧氣交融的景象，是史無前例的，也因此這幅作品震撼了畫壇。

眾所周知，印象派繪畫的最重要的特點之一，就是捕捉動態大自然的一瞬間，把它定格，將它畫出。印象派繪畫都是取材于實實在在的現實世界，反映著真真切切的社會生活，這是他們對傳統的繪畫，追求理想主題的浪漫主義、追求絕對真實的現實主義，發動的一次革命。

靜謐的早晨，薄霧里撐船的人，一幅畫。光和影的融合，水面上顫動的印象，一幅畫。所有的藝術家都能把時間凝固，而在畫布上，莫奈凝固了整個清晨。他將人們平日幾乎忽視的勒阿弗爾港口的美景完美的展示出來，也許為此，當人們再次見到真實的勒阿弗爾港口時，會駐足觀看這日出而作的場景。

我們可以看到莫奈選擇他觀察日出的地點，不是一望無際的原野，不是山巒起伏的高原，而是他生活了多年的勒阿弗爾港口。他熟悉這里的海岸景色，他留戀這里的水上生活，他甚至敏感這里的氣候變化，所以這幅風景畫充滿了生活氣息，人文的蹤影。水光相應，煙波渺渺。幾葉扁舟畫龍點睛，給畫帶來了生氣，船上的人若隱若現，給畫賦予了靈魂。

如果點擊這幅畫的局部而把它的細節放大的話，就會發現莫奈用筆相當粗曠，剛勁有力，層層疊疊，厚薄不同，長短不一，基本是深淺不同的藍色和桔紅色兩種。筆觸分明，都是單一的純色，一筆一筆的堆砌清晰可見，輕快分明。近看，粗糙而雜亂，而遠看，畫面上的小筆觸和分割的色彩卻在視網膜上混合了，成為了灰色的調子，成為了和諧的顏色，而且更加豐富，更加鮮艷，再現了陽光下色彩的立體感，跳動感和閃爍感！

莫奈是一個善于運用色的大師，不但如此，他還是一個善于運用光的大師。早晨的陽光經過晨霧的過濾，變成了橙紅色。而在陽光沒有照及的地方，處于陰影中的物體，則是它的互補色--藍色。這種處理是一個了不起的創舉。在經典的畫法里。迎光處都畫成白色亮色，陰影都畫成黑色暗色，莫奈的高明果然不同凡響。冷色和暖色的對比，明色和暗色的交融，都來自清晨陽光的作用。

在莫奈的作品中都非常注重在色彩領域的探索，忽視對物象形體的寫實。側重于用光線和色彩來表現瞬間的印象，追求繪畫上色彩關系的獨立美。他是第一個真正強調外光寫生的畫家。他還常常對著一個景物，分別畫出對象在不同時間，不同光線下的色彩變化，如油畫《草垛》和《里昂大教堂》等。《日出·印象》是印象派的代表之作，充分反映了印象派畫家對光和色的追求，具有不可估量的藝術價值，同時，它也開辟了一種不同于傳統的新的創作方式，對以后繪畫的創作產生了深遠的影響。

第二篇：莫奈花園餐廳 慰問信樣本

中秋慰問信

尊敬的父母及家人，您們好！

正逢中秋國慶佳節來臨之際，我謹代表“莫奈花園餐廳”全體管理干部及員工向辛苦勞累的您們致以節日的問侯。首先感謝您的兒女及親人，在此佳節之際，仍堅持在公司的工作崗位上；更深深的感謝您們一家人對企業的支持和信任。

正因為有了您們的支持和理解，以及您們優秀的兒女努力工作下，才有了公司的發展壯大。“兒行千里母擔憂”，遠離故鄉、遠離家庭的兒女們，他（她）們的思親之情溢于言表。每逢佳節倍思親，在外面游歷的兒女想念故鄉，思念親人，但請您們放心，在我們“莫奈花園餐廳”這個大家庭里，他們會享受到象父母親一樣的愛，兄弟姐妹一樣的情。

海上升明月，天涯共此時，此刻，讓清風明月帶去我們最誠懇的祝愿及崇高的敬意。祝愿我們的員工和善良的您們：一生幸福、平安！

祝：佳節快樂心想事成此致

敬禮

莫奈花園 餐廳

總經理：

年月日

第三篇：梵高、莫奈繪畫作品簡介

《翁費勒的塞納河口》

此畫是1865年的官方沙龍上展出，并受到了熱烈的歡迎，當評論家評論此畫時說：“用調子所組成的和諧色彩??頗能吸引觀眾們的大膽感覺”。這表現出官方對人們很喜歡這幅畫是完全可以理解的。油畫表現了豐富的中間調子和那種暗淡、沉著的色階。向深處展開的空間，通過河岸線而處理得十分成功按照傳統，河岸線標志著中景和遠景。在這幅畫上，出于莫奈自己的東西，就是表現在前景水的筆觸和云的筆觸上的“頗能吸引觀眾的大膽感覺”，這些筆觸加強了畫面的傳統效果。

《日出·印象》

莫奈創作了揚名于世的“印象·日出”。這幅油畫描繪的是透過薄霧觀望阿佛爾港口日出的景象。直接戳點的繪畫筆觸描繪出晨霧中不清晰的背景，多種色彩賦予了水面無限的光輝，并非準確地描畫使那些小船依稀可見。真實地描繪了法國海港城市日出時的光與色給予畫家的視覺印象。由于它突破了傳統畫法的束縛，有位批評家就借用此畫的標題，嘲諷以莫奈為代表的一批要求革新創造的青年畫家為“印象主義”，這一畫派以此得名。這幅畫在1874年開幕的印象派畫家第1次聯合展覽會上展出，這幅作品是莫奈畫作中最具典型的一幅。

《圣日爾曼·俄塞羅瓦教堂》

這幅畫對于他未來風格的發展具有更大的意義。此畫是他從羅浮宮的一個陽臺上畫的，這幅畫是要表現樹葉上的反光。并排的筆觸生動地表現了空氣的振動，依靠這些筆觸的結合而取得了綠黃色的光和綠黑色的影的生動效果。這里的用筆方法已經是印象主義的了，但色彩還不夠透明，甚至藍色的陰影也還是渾濁的；它們畫得就像是黑色。教堂和房子在顫動的樹葉相比之下顯得過于密集了。畫中沒有整體的形象，但樹葉的畫法卻給我們透露出一點莫奈的色彩理想來。

《野罌粟》

該畫作于1873年，當時莫奈的生活相對穩定。畫中的人物是畫家的妻子卡米耶和他們六歲的兒子讓。母子倆在田野里采集鮮花，盡情享受著陽光，完全陶醉在大自然中。《野罌粟》中的人物給人以輕柔的、富有節奏的動感，然而畫中那一片片鮮紅的斑塊才是這幅作品的要旨，是畫家對映入眼簾的光和色所做的如實描繪。盡管這些斑塊的形狀具有罌粟的特征，卻不是具體的，它們有的重疊在一起，有的被隨意擺放，有的為了表現是在后面而被縮小，然而晦暗、單調的背景更加突出了鮮亮明快的暖色調。

《穿綠衣的女士——卡美伊》

這幅肖像引起了爭論，但總的說來是成功的；有人甚至把它同馬奈的肖像畫相媲美。這幅肖像充分顯示出了莫奈的個性：他對造型的淡漠態度，以及這個女人的動勢和她的裙子上顫動的光都賦予整幅畫特殊的說服力；由此而產生了一種動力感和生動性。這里的畫面基本上是根據一幅照片安排的，這說明莫奈并不介意使構圖服從了自然景物的偶然性。照片本來也該使莫奈想到空間的深遠效果的，然而，莫奈對此也并未介意。但這幅油畫缺乏色調效果：光線和陰影落在了人物所占據的同一個平面上，因此，光線不能滲透人體，不能成為形的實體。大片固有色起了過多的作用。所有這些合在一起，與其說是真實表現了所見的事物，不如說是一種公式，但這種公式正是一個空前大膽的綱領。這一綱領的公式化一旦消失，光線便將滲入中間調子，生命也將滲透每一個筆觸，而整體的統一也就將要形成，那時，藝術就會變得花團錦簇，印象主義就要完全成熟了。

《圣拉查爾火車站》

每一個研究莫奈創作活動發展的人都會發現，如果說最初的命運促成了莫奈的發展趨勢，那么后來就是他自己創造了他的命運。之所以莫奈成為“印象主義”風格奠基人、被他的朋友公認為“班首”，是因為莫奈不可動搖的堅強意志。眾所周知，印象主義意味著感覺和觀察方式的變革，它不僅改變了繪畫，而且改變了雕塑、音樂、文學，就是到了今天，它也沒有失去影響力，仍然改變著我們。繪于1877年的“圣拉查爾火車站”是一幅表現巴黎火車站的畫，這是一個日常生活場面的實際“印象”。莫奈神往于光線穿過玻璃頂棚射向蒸氣煙云的效果，神往于從混沌之中顯現出來的機車和車廂的形狀。莫奈相信光線和空氣的神奇效果是最為重要的，他巧妙的平衡了畫面的調子和色彩，這幅畫出色的表現了力量、空間、對比和運動。

《睡蓮》

莫奈晚年最重要的一件作品是連作《睡蓮》。這是一部宏偉史詩，是他一生中最輝煌燦爛的“第九交響樂”。1880年之后，莫奈與印象派的其他畫家們疏遠了，他在吉維尼造了一座小花園，住在里面作畫。他喜歡把水與空氣和某種具有意境的情調結合起來，這樣產生了《睡蓮》組畫。沿著水面，美麗的睡蓮一片片向湖面遠處擴展開來，畫家利用了樹的倒影，襯托出花朵的層次，是十分有創造性的構思。莫奈把整個身心都投在這個池塘和他的睡蓮上面了，睡蓮成了他晚年描繪的主題。此后27年里，他幾乎再也沒有離開過這個主題。《吃馬鈴薯的人》

是荷蘭后印象派畫家文森特·梵高創作于1885年的油畫。該畫描繪了貧困農家晚上在昏暗的燈光下吃土豆的景象。小的餐桌邊，桌上懸掛的一盞燈，成為畫面的焦點。昏黃的燈光灑在農民憔悴的面容上，使文森特·威廉·梵高《吃馬鈴薯的人》在這幅畫上，樸實憨厚的農民一家人，圍坐在狹他們顯得突出。低矮的房頂，使屋內的空間更加顯得擁擠。畫面構圖簡潔，形象純樸。畫家以粗拙、遒勁的筆觸，刻畫人物布滿皺紋的面孔和瘦骨嶙峋的軀體。背景設色稀薄淺淡，襯托出前景的人物形象。文森特·威廉·梵高在色彩上為了突出其內容，特意采用了夸張的形式。畫面色彩處于陰暗色調之中，給人以沉悶、壓抑的感覺，畫上的慘白色燈光與與微綠的昏暗色調的對比，造成一種幽暗低沉的氣氛，使人物形象顯示出強烈的光點，盛土豆的盤子里散發出縷縷的蒸氣，這一切都活畫出了貧苦農民家庭生活的真實情景。

《向日葵》

是荷蘭畫家梵高在陽光明媚燦爛的法國南部所作。梵高用簡練的筆法表現出植物形貌，充滿了律動感及生命力。向日葵是梵高最典型的最具代表性的作品。一位英國評論家說：“他用全部精力追求了一件世界上最簡單、最普通的東西，這就是太陽。”他的畫面上不單充滿了陽光下的鮮艷色彩，而且不止一次地描繪令人無法逼視的太陽本身，并且多次描繪向日葵。在梵高看來，向日葵象征著一種激情，象征著一種生命的永存。整幅畫以黃色為主，像閃爍著熊熊的火焰，滿懷熾熱的激情令運動感的和仿佛旋轉不停的筆觸是那樣粗厚有力，色彩的對比也是單純強烈的。然而，在這種粗厚和單純中卻又充滿了智慧和靈氣。觀者在觀看此畫時，無不為那激動人心的畫面效果而感應，心靈為之震顫，激情也噴薄而出，無不躍躍欲試，共同融入到梵高豐富的主觀感情中去。總之，梵高筆下的向日葵不僅僅是植物，而是帶有原始沖動和熱情的生命體。

《星月夜》

也被譯為《星夜》是荷蘭后印象派畫家文森特·威廉·梵高于1889年在法國圣雷米的一家精神病院里創作的一幅著名油畫，是梵高的代表作之一，現藏紐約現代藝術博物館。有種普遍的說法，由于這是梵高在精神病時期所作，世人普遍認為這是梵高想象出來的美妙情景。這幅畫中呈現兩種線條風格，一是彎曲的長線，二是破碎的短線。二者交互運用，使畫面呈現出眩目的奇幻景象。這顯然已經脫離現實，純為梵高自己的想象。在構圖上，騷動的天空與平靜的村落形成對比。柏樹則與橫向的山脈、天空達成視覺上的平衡。全畫的色調呈藍綠色，畫家用充滿運動感的、連續不斷的、波浪般急速流動的筆觸表現星云和樹木；在他的筆下，星云和樹木像一團正在熾熱燃燒的火球，正在奮發向上，具有極強的表現力,給人留下深刻的印象。

《夜間咖啡館》

這是梵高的晚期作品，用了他最喜歡的藍色與黃色作為主基調。很容易讓人聯想到《星空》。不同的是，畫中的夜晚并沒有給人壓抑之感，而是多了幾分和諧歡暢。那時梵高的心情應該是自由快樂的，暫時忘卻了生命的孤獨。藍色與黃色向來是梵高的最愛，這兩種對比色，一個訴說著恬靜的心情，一個代表著喧鬧的氣氛，在這幅畫中，即便靜謐的藍色夜晚將至，但由鵝卵石鋪成的廣場，在黃色調的燈光下，依舊展現著人們的歡樂與活力。本幅畫的筆觸相當準確，這是梵高細心觀察的結果。黃橙的燈光和深藍的夜空相互對比，視線沿著咖啡棚和座位向后延伸，使畫面產生縱深感。梵高曾說這是一張不用黑色的夜景圖，他成功的運用色彩表現了夜間戶外寫生的效果。

第四篇：美術鑒賞莫奈

畫家最不缺乏的就是對美的發現。但是在這個姹紫嫣紅的世界上，為什么天賦甚高的凡高，會獨獨鐘情于算不上特別美麗的向日葵？他又為什么會在一生中無數次把滿腔的愛意奉獻給它，包括生命的最后？這幅畫究竟有著怎樣的魔力，使其傲然屹立于世界經典名畫之林。而且能被“佳士得”拍出天價？

《向日葵》油畫，高99厘米，寬76厘米。作于1889—1890年間。是凡高以向日葵為體材的十三幅作品中，最大的一幅。畫面中“從土壤到花瓶，隔陰陽二界”的向日葵即將枯萎。它象征著在巴黎某角落里奄奄一息的凡高，蒼涼的“盤點著蓬勃的往事”，雖然“荒野和廳室，彰顯著生命的兩面“，但他仍然奮力“掙扎，在失水之前。”等待著那“風干之后”的解脫。呈血紅色的莖已被剪斷。此刻雖然“太陽浮在瓷瓶上方”它再也“不用搖頭晃腦地追隨星際的游戲”“生命至此，成熟與否”實在是“無關緊要”了。這種心情和即將辭世的凡高的心情，實現了“完美的契合”。畫中明亮的黃色和陰暗的淺蘭形成對比。使乎是一種非現實的美。而畫面左上角用“跳動”的紅點凃過，這“跳動”的色點融匯在淺蘭色的筆觸中。也就是這片小小的“火焰”意味著畫家即將息滅生命之火的最后閃耀。奏響一支命運交響曲。

文森特?梵高（1853.3.30-1890.7.29）出生在荷蘭一個鄉村牧師家庭。他是后印象派的三大巨匠之一。梵高年輕時在畫店里當店員，這算是他最早受的“藝術教育”。后來到巴黎，和印象派畫家相交，在色彩方面受到啟發和熏陶。以此，人們稱他為“后印象派”。

梵高全部杰出的、富有獨創性的作品，都是在他生命最后的六年中完成的。他最初的作品，情調常是低沉的，可是后來，他大量的作品即一變低沉而為響亮和明朗，好象要用歡快的歌聲來慰藉人世的苦難，以表達他強烈的理想和希望。一位英國評論家說：他用全部精力追求了一件世界上最簡單最普通的東西，這就是太陽。他的畫面上不單充滿了陽光下的鮮艷色彩，而且不止一次地下面去描繪令人逼視的太陽本身，并且多次描繪向日葵。

人們如果確能真誠相愛，生命則將是永存的，這就是梵高的愿望和信念。可是冷酷和污濁的現實終于使這個敏感而熱情的藝術家患了間歇性精神錯亂，病發之時陷于狂亂，病過之后則更加痛苦。他不愿增加別人的負擔，自殺身亡，享年只有37歲。

梵高最有名的作品是這幅畫有16朵的《向日葵》。對于梵高而言，向日葵這種花是表現他思想的最佳題材。夏季短暫，向日葵的花期更是不長，梵高亦如向向日葵般結束自己短暫的一生，稱他為向日葵畫家，應該是恰如其分。

他曾多次描繪以向日葵為主題的靜物，他愛用向日葵來布置他的房間。向日葵是太陽之光，是光和熱的象征，是內心翻騰的感情烈火的寫照，亦是熱愛生命選擇生活的表現，但為何卻成了梵高苦難生命的縮影。他自己則成了向日葵的背叛者，如此看來熱愛生命與選擇滅亡并不矛盾。梵高身為一個畫家，成就了藝術卻蔑視了生命。

他曾說過：我想用《向日葵》來裝飾我的畫室，讓純凈的或調和的鉻黃，在各種不同的背景上，在各種程度的藍色底子上，從最淡的維羅內塞的藍色到最高級的藍色，閃閃發光；我要給這些畫配上最精致的涂成橙黃色的畫框，就像哥特式教堂里的彩繪玻璃一樣。梵高確實做到了讓阿爾八月陽光的色彩在畫面上大放光芒，這些色彩熾熱的陽光，發自內心虔誠的敬神情感。16朵形態各異的向日葵，或絢爛或枯委，或隱或現，以淡黃色為背景，以深黃色為向日葵的主色調，另有幾朵含苞未放以淡黑色點綴花蕊，顏色上給人一種強烈的對比，畫面總體上給人一種明亮而又強烈的生命力，讓人感到生活充滿希望，陽光是那樣的明媚，天空是那樣的廣闊。梵高許多以向日葵作為主題的作品一直在沖擊著我的思想，一個如此熱愛向日葵的畫家為何卻為如此輕視生命，自己選擇走向生命的盡頭。梵高一生中共作了11幅《向日葵》，有10幅在他死后散落各地，只有一幅目前在梵高美術館展出。他以《向日葵》中的各種花姿來表達自我，有時甚至將自己比擬為向日葵。

以前聽過臺灣某藝人見到梵高《向日葵》原畫淚流滿面的報道，心想未免夸張，可當我見到這幅《14朵向日葵》時，也不由黯然嘆息：這樣拼了老命出力地畫，不瘋才怪，不短命才怪。

自從梵高畫了一組11張向日葵油畫后，向日葵就屬于梵高。《14朵向日葵》隔鄰是高更的《梵高畫向日葵》從未有人為向日葵投注這樣激烈專注的熱情！梵高化的向日葵好像在燃燒，浮雕般色彩如此強烈厚重，感情筆觸如此飽滿有力，真正是天真充沛生命旺盛的太陽旋轉之花。梵高嗜畫向日葵，因向日葵是追光拜日的農民之花。畫向日葵即畫太陽，也是自畫。太陽、向日葵及梵高融成一體。梵高和向日葵譜出相濡以沫生命與共的藍與黃交響樂章，是其悲劇一生的象征物。

梵高強烈地愛上了遍地生長的高貴向日葵及炙熱目眩般的陽光。他不無自嘲：“我越是年老丑陋、令人討厭、貧病交加，越要用鮮艷華麗、精心設計的色彩為自己雪恥。

梵高是天才，也是瘋子。你說他陷入癲狂割下自己的耳朵，可他偶爾清醒冷靜得可怕。向日葵用色如此大膽強烈，因為他清楚地知道：歲月將使它們變得暗淡，甚至過于暗淡。可那股以螺旋的渦流向外噴射的金黃色烈火，百年之后還能深刻感受到。百年前的向日葵不是更加金黃炙熱嗎？我們都愛梵高的光與熱,因為我們正常聰明世故得不會把自己逼向絕境。梵高知道高更喜歡他的向日葵多于莫奈的向日葵而高興萬分。高更這么形容：在我的黃色房間里，帶紫色圓環的向日葵突出于一片黃色背景之前，花梗浸在一只黃色壺中，壺放在一張黃色桌上。金黃色的太陽透過我房間里的黃色窗簾，生氣盎然沐浴在一片金黃色中。

僅用絢麗的黃色色系組合繪成的《向日葵》，堪稱梵高的化身，也可說是他的代表作。梵高集中精力創作《向日葵》系列作品時，正是他的藝術成熟時期，此時他非常喜歡使用黃色。

對于梵高而言，向日葵這種花是表現他思想的最佳題材。夏季短暫，向日葵的花期更是不長，梵高亦如向向日葵般結束自己短暫的一生，稱他為向日葵畫家，應該是恰如其分。

梵高的十一幅《向日葵》中，有十幅在他死后散落各地，只有一幅目前在梵高美術館展出。梵高總是一人獨自生活，在他為愛徘徊的時候，唯一伴隨他的只有強烈的孤獨感。而 象征梵高化身的《向日葵》，在他死后則被西奧家人珍藏，一直保留至今??

梵高是世人公認的藝術大師，同時也是備受爭議的“瘋狂天才”，其代表作《向日葵》歷來是為人稱頌的名畫之一。如今，這幅《向日葵》又獲得一項殊榮———竟能引來蜜蜂駐足花蕊，實在令人贊嘆不已！

英國倫敦大學瑪麗女王學院做了一個有趣的研究：讓一群從來沒見過真花的蜜蜂“欣賞”四幅色彩絢爛的名畫復制品，看看蜜蜂反應如何。結果發現，梵高的油畫《向日葵》特別受蜜蜂青睞。大師筆下惟妙惟肖的向日葵竟讓蜜蜂誤以為真。蜜蜂多次停落在“向日葵”上，想品嘗其中的“花蜜”。

瑪麗女王學院的拉爾斯?希圖卡教授領導了這項研究，研究結果將刊登在《光學與激光技術》雜志上。希圖卡說，用進化的觀點很容易解釋“花朵類”油畫的吸引力。他相信人類對顏色的選擇是由進化而來的。希圖卡指出，科學家已經證明，人類對顏色的分辨是從吃水果開始的，而梵高的畫吸引蜜蜂的原因也和顏色有關。

《向日葵》是梵高在法國南部所作。在法語里面，向日葵的意思是“落在地上的太陽”,人們往往把它看作是光明和希望的象征。梵高的向日葵不是一種亮麗明快、充滿著希望和幻想的向日葵，而是比較瘋狂的。在梵高的精神世界里面，他看到的一切對象都充滿著一種生命———一種存在著壓制和反壓制關系的生命。

盡管向日葵那么美，高更因藝術理念分歧，無法與神經崩潰的梵高相處最終離開了。畫了向日葵后的梵高便是金黃色的化身，把這金黃色的火焰撒遍天際田野，也涂上夜晚的星空，卷成旋渦直到麥田群鴉亂飛，才舉槍結束了這場金黃色的癲狂。金黃色從此屬于梵高。

生前寂寥、死后榮耀的畫作一九七八年，在倫敦拍賣會上，梵高的《向日葵》以大約五十九億日元的天價被日本人買走了，這個消息震驚了全世界。無論是有錢人的附庸風雅還是《向日葵》真的找到了會欣賞它的人。但是商業上的巨大利益，與梵高生前賣畫所比，的確是一種巨大的諷刺。后來，梵高的作品《鳶尾花》和《迦賽醫生像》分別以七十三億及一二七億日圓賣出。如果說現在畫價飛漲是由梵高所引起的，也不為過。可是，梵高生前賣出的作品只有《紅色葡萄園》一幅，而且價格非常便宜，僅為當時的四百法郎而已。在梵高死后不久，社會上就開始評定他是一流畫家。可惜的是，梵高本人卻在還未獲得正確評價之前，就自己拉下了人生的帷幕。

向日葵》確立了凡高在世界畫壇上的地位。

凡高一生創作甚豐。但他作為一位極具個性的畫家，很晚才被人們認可。然而由于他極端自我的形而上，在很長一段時間里不為世人賞識。所以一生窮困了倒，不得不長期依賴弟弟theo經濟和精神的支持。詩中說；“明日或油彩脫落開始、拍賣的錘聲和厚厚的紙幣、才是對我前生哭笑不得的譏諷”是對這位一生追求精神至上的畫家的點睛之筆。我認為，這首詩是對凡高《向日葵》最精準的解讀。

第五篇：畫家莫奈的名言

一、莫奈的名言

1、蔑視榮譽勛章本身，就是一枚一極榮譽勛章！

2、＂People discuss my art and pretend to understand as if it were necessary to understand, when it’s simply necessary to love.”

3、“I would advise young artists...to paint as they can, as long as they can, without being afraid of painting badly....If their painting doesn’t improve by itself, it means that nothing can be done – and I wouldn’t do anything!”

4、我們選擇不拆穿愛情里的謊言，無非害怕失去。

二、關于莫奈：

克勞德·莫奈（1840年-1926年），法國畫家，印象派代表人物和創始人之一，人稱“印象派之父”，擅長光與影的實驗與表現技法。莫奈一生共遺留了500余件素描，2000多幅油畫，作品以色彩和光線的精巧運用著稱。

羅曼·羅蘭說：“他的藝術是一個國家和一個時代的光榮。”莫奈的畫被視為法國國寶，而他自己卻認為，故居和花園才是他最美的作品。

“莫奈有一只眼，但天哪！那是多么厲害的眼睛！”這句“現代繪畫之父”塞尚的博世名言，令人倍感好奇，莫奈的眼睛，到底是什么樣的眼睛？