第一篇：電影《心花路放》觀后感

電影《心花路放》觀后感

片頭，各種粉屑紛飛，所有的東西都被鋸成兩半，我以為這是一個破爛回收站，看到后面才知道這是耿浩在跟要離婚的前妻分財產，看到所有的東西，一切能切割的東西都被耿浩鋸成兩半，并且康小雨的律師告訴他康小雨不需要分財產的時候，我們被這個二逼屌絲耿浩蠢醉了，整個影院，笑聲持續十幾秒。雖然我知道，在他把這些東西分成兩半的時候，他的心，也只剩下了一半。

整個故事，把郝義帶著耿浩去給劇組送道具，展開的療傷之旅和一個叫做小雨的女孩，情路坎坷，在經歷完閨蜜婚禮，還有修也修不好的水龍頭后，被一首名叫《去大理》的歌曲忽悠，說走就走去了大理的兩個故事交叉敘述。我一直以為這個叫做小雨的姑娘會是耿浩最后一個艷遇。

在經歷完醉酒嘔吐洗胃吊水后的耿浩，在郝義開完天目山的車上醒來，讓郝義掉頭回北京，他們在哪里發生了一次爭執，郝義說服耿浩是拿出兩張美女的照片，說了那套陰影理論：陰影讓物體顯得更立體。耿浩說是的，我站在陰影里讓你更立體。

其實這句話就像朋友之間會抱怨這人跟我玩是不是因為我是一個綠葉，正好襯托他是一朵紅花。

最后，耿浩還是頂不過這種復雜的感情，用了港劇里常有的對白，對郝義說了恩斷義絕的話，從此分道揚鑣，耿浩刪了前妻的電話，和郝義的照片，去了大理，去了他們認識的客棧，這時，我們才恍然大悟，那個盼望逃離紛擾的女孩小雨就是康小雨，耿浩的前妻。他擦去了他們第一次見面的那句：耿浩 對不起 康小雨。他也終于承認，失敗的過去是人生的一道陰影。他終于接受了這道陰影，說出了祝福。說過的人都知道這聲祝福如石頭，有多重只有自己知道。放在心頭壓著難受，盡管再難受，也總是舍不得放低。只有承認過去，承認失敗，人生才會更加立體美滿。

你的歌里全是騙人的。

“我不愛吃橘子，只是喜歡橘子皮的味道。”“嗯，剛好，我喜歡吃橘子。”

一部電影走到這里也接近尾聲，有許多眼簾邊緣的淚水，在看到耿浩大亂夜色pub，被酒吧老板一群人群毆時，恰好出現的果汁和郝義，看著郝義那不顧形象，不管身形奔向耿浩的身影時，溢出。雖然那個啤酒瓶還是砸在了耿浩的腦袋上。郝義背著耿浩找醫院，后面跟著果汁。其實我們都需要這樣的朋友，損嘛損的要死，還以為你好打頭，可是在緊要關頭會一直陪著你。看著你難受分開也會擔心，就算吵鬧也會回頭來找你。這樣的友誼好似戀愛，卻勝似愛情。

色鬼郝義最好還是栽在睡過兩次的阿凡達手里，走進了陰影。放下心中石頭道出祝福的耿浩走到了陽光下。其實，朋友之間對彼此來說既是陽光也是陰影，光影相互作用，物體才會更加立體。

看到好看的電影，在結束燈光亮起時，磨磨蹭蹭舍不得離開影院，只想聽完最后的片尾曲，然后在細細品味剛剛的電影。

大理 蒼山 洱海

電影里的景色很美。剛好是個假期，對電影里的景色都充滿了向往。

我也想有一輛車，和最好的朋友在路上，如果我愛的人不在我身邊，那么一定在3000公里以外的遠方。如果你不來我身邊，請不要阻止我去找你，帶著我的好朋友。

嗯，還想再看一遍電影，有人請我么？

第二篇：心花路放影評

耿浩：好人卻沒有好婚姻

愛情中很難分清楚，到底是誰對不起誰，但是在電影中黃渤飾演的耿浩很明顯的沒有對不起袁泉飾演的康小雨。耿浩始終是個好人，不亂勾搭女人，并且很重感情，在機場和康小雨通話，耿浩淚如雨下的臉上明明白白地印著兩個字“不舍”，而嘴上說著自己放下了，轉身卻又自欺欺人的把手機號碼刪掉。反觀康小雨呢？這個大齡女青年，情路坎坷又被閨蜜各種逼婚，懷著這樣的情緒來到了大理尋找愛情，恰好遇到了自己喜歡的歌手耿浩，沖動之下就開始了感情。這段感情一開始就預示著不詳，因為康小雨目的性太強，又太沖動，閃婚之后只能是閃離。

“耿浩對不起康小雨”，很多人認為這句話暗示了這段失敗的婚姻中，耿浩的責任更大，因為他沒有滿足康小雨的人生追求，放棄當歌手的夢想去賣二手音響。由徐崢飾演的好朋友郝義也認為要是當初耿浩繼續唱下去絕對比現在有前途，但耿浩為什么要放棄當歌手呢？其中的一個原因就是為了康小雨，沒有物質的愛情是長久不了的，而有了愛情后的男人就會渴望穩定，因此耿浩更堅定的放棄當歌手這個本來就不靠譜的夢想，酒吧老板之所以放他的歌只是因為他唱的是大理，不然誰會喜歡他這樣要臉蛋沒臉蛋要背景沒背景的怪咖？康小雨為孤寂的心尋找了一個暫時逗留的地方，但卻帶給耿浩難以抹去的心傷。

康小雨：對不起，請你原諒我耿浩當然也有自己的問題，癥結就在于他對感情也是很懵懂。影片中沒有提到耿浩在遇到康小雨之前的感情經歷，但從他待人接物來看，耿浩估計也是個初哥，康小雨應該是他第一段正式的感情。耿浩不像郝義，郝義長袖善舞擺得平各種女人，并且發展出自己的一套愛情攻略：不和同一個女人上兩次床，而耿浩在離婚之后，連和女人搭個訕都不懂，居然天真拿出錢來要小姐說愛他。初哥的耿浩遇上同樣“情商”低下的康小雨，只能是個悲劇。試想如果不是康小雨主動，耿浩這樣的木頭敢追求她嗎？從這一點來看，耿浩也沒有對不起康小雨。

耿浩和康小雨離婚是早晚的事，但是耿浩沒有對不起康小雨，他已經做出自己的努力來維持這段感情，可惜他并沒有成長多少，或者說康小雨也沒有幫助他成長，甚至連成長的時間都不給他。康小雨最后是和李晨飾演的小三走到了一起，老實說這位論長相、前途都拉耿浩好幾條街，康小雨和他在一起是會更合適，但是康小雨不應該用自己的幸福來打擊耿浩。離婚之后應該相忘于江湖，而康小雨卻一味的希望耿浩原諒他，更是在離婚不久后就迅速步入婚姻的殿堂，這讓仍然心傷的耿浩情何以堪！

耿浩沒有對不起康小雨，但是也不能說康小雨對不起耿浩，雖然她傷透了耿浩的心，卻也讓他真正的成長起來，明白了愛情不是一時沖動，愛情不是不可或缺，在愛情之中也要保持自我，只有我努力才不會讓別人把你搶走，我們也才能好得讓別人妒忌。這也是影片給我們的一個啟迪。

港片的陰面 吳宇森雖在好萊塢歷練多年，但他的這部《赤壁》卻不是一部好萊塢作品，而是一次港片素質的大爆發。香港電影在八九十年代初居于強勢，強勢下自有陽剛表現，我這一代人的青春偶像便是香港黑幫分子，而不是革命烈士。具備友愛、勇敢等諸多中華傳統美德的黑幫分子，是香港電影的陽面，而自輕賤他的心態是其陰面。商業片是陰陽互補的，大眾一方面需要被震懾，另一方面也需要發泄，崇拜欲和詆毀欲是大眾心理的陰陽兩面。崇拜，建立某種價值，產生一個強者，觀眾會有“我等于他”的感慨，于是感覺良好；詆毀，則是毀掉某種價值，產生一個弱者，觀眾會有“他不如我”的感慨，從而感覺良好。商業片的目的，就是讓人自信地活下去。八十年代初的香港陰盛陽衰，充斥著《最佳損友》一類的自輕賤他的喜劇片，《英雄本色》很難找到投資，吳宇森最早是一個與港片陰面作斗爭的導演，他斗爭成功，掀開了英雄片浪潮。但港片的血統是陰陽雙全的，雖然他以陽面勝出，但他本具的陰面一有機會便會不可抑制地爆發，所以有了《赤壁》。全世界大眾文化的陰面都是“幸災樂禍”式的，北野武在日本電視界相當于趙本山，一直自覺是大眾寵兒，結果他出車禍毀容后，發現日本人都很高興，他傷了心--大眾文化本就如此，其現象很多時候來自于嫉妒，所以一個明星會自嘲，是自我保護的最好手段。而香港電影中的自嘲達到了自毀的程度，徐小鳳是香港一代歌后，五十多歲在舞臺上仍美得像女神一樣，但她樂于在《最佳拍檔》、《賭圣》系列里出演惡俗肥婆，盡顯老丑--這恐怕是其他地區的“后”級人物難以做出的事情，比如好萊塢的影后嘉寶怕容顏衰老，破壞影迷心中的美好記憶而息影隱居。巔峰人物為維持地位，總是要自尊自愛，這是常情，而香港的帝后們勇于丟人現眼，非把自己弄惡心了為止。幾乎香港的影帝都玩過屎尿，周潤發在《監獄風云2》中表演過拉屎，鐘鎮濤在《賭圣 2》中表演過摳屎，劉德華在《雷洛傳》中表演過淋屎，至于周星馳……此君的電影中，人體的各種排泄物都是點睛之筆。按照西方心理學的說法，一個人有屎尿情結，說明心理深層未脫離兒童期，這類人在生活里都很粗魯殘暴。但按照西方人的說法分析東方人，不見得準確。我將其稱為“畢加索式玩鬧”，畢加索回到西班牙故鄉，故鄉風景有著古典牧歌之美，美得令他不自在，認為只有在風景里擺上一個尿池，自己才能舒服過來。因為喪失了古典情懷，所以要搞點破壞，搞得越不協調，心理越平衡。港片的自我詆毀之風，來源于何處？中國文化的主流素來莊重，日本學者普遍認為中國是貴族文化，那么可能是來自于日本。香港文化一定程度上受日本影響，日本有“搖屁股節”，就是讓平時威嚴的神職人員穿街走巷地大搖屁股，接受老百姓的嘲笑，歐洲的牧師們決不會做這種事。日本的動漫便毫不吝惜地自毀形象，即便寫的是一個劍圣、棋圣，這個至高無上的人物在耍帥之后，會突然尿急起來，或是變成了一坨屎，參見《棋魂》、《浪客行》。日本動漫的這個特點，大陸七零一代之上的人都會不太適應，我自小受的教育是“貫徹始終”的完整性，最容易打動我的是朝鮮，除了金正日沒有毛主席帥，算是微有瑕疵，朝鮮近乎十全十美。而港人與日本動漫一拍即合，周星馳承認他“無厘頭”的靈感，多是來自于日本漫畫。中國男女私奔，是一逃萬里；日本男女私奔，則是去跳海。地方小了，便容易自毀，這是生存的惶恐。香港也是局促之地，喪失了傳統的大陸無法承擔其精神依托，日本的惶恐必然會感染香港，但港式的惶恐比日本濃烈。如果說日本的價值顛覆，還維持在“無傷大雅”的小比例上，香港則呈現出徹底惡俗化的特點，其強大程度可以讓吳宇森在《赤壁》中蔑視好萊塢劇作法。好萊塢劇作 好萊塢商業電影的定義是“一種工業、一種藝術、一種精神力量”，而我們近年的大片只是將其作為一門生意。尼采用來批判瓦格納歌劇的理由，幾乎可以照搬來批判中國的大片：第一，那不是音樂，那是做戲，瓦格納以舞臺效果取代了音樂；第二，小心天才，這是個掩飾自己沒素養的詞匯。大眾通過追捧瓦格納，來掩蓋自己看不懂傳統歌劇。《赤壁》是一部戰爭片，以好萊塢“一種精神力量”的標準衡量，戰爭片的精神力量是“我們的生活很美好，為了它，我愿意付出血的代價”。越戰之后，老兵們發現生活糟透了，付出的代價不值，所以好萊塢的戰爭片一度絕跡，因為精神基礎崩潰了。以此論《赤壁》，其所要維護的美好是什么？ 吳宇森列舉了很多：給母牛接生，和孕婦做愛，耍兩句貧嘴，編編草鞋……倒是閑散愜意，但要以生命來換這些，似乎不值。那么就是為了個政治理念--維護人權、保護百姓。但影片一開頭，諸葛亮就明確地說：“曹操要滅的是咱們，只要咱們逃了，老百姓就安全了，因為曹操要追咱們（大意）。”諸葛亮這番話根本就沒法反駁，但劉備還非要和老百姓一塊走。老百姓會被他拖累死的！好萊塢劇作注重情感，人物行動在經濟、軍事之外，還需要一個情感的理由。劉備一系人物沒有打仗的理由，而孫權是為了證明自己不是“孬種”--這都太小了，構不成強大的美好。反派的曹操是為了一個女人，特洛伊戰爭是為了一個女人打的，但女人只是一個由頭，而不是理由。《特洛伊》電影中，海倫的丈夫之所以要發動戰爭，是因為媳婦被拐跑，觸犯了他的尊嚴，并由自尊心引申到信仰問題，他原本是個和平的愛好者，是小國共處的城邦制度的信仰者，但因為這個事件，他原有的信仰崩潰了，成了一個暴力主義者--這是一個電影的開戰理由。而曹操的情感只停留在女人的層次上，并且有“戀童癖”的嫌疑，喜歡小喬是因為“她小時候，我見過她”，并且還找和小喬相像的軍妓來睡，以作心理補償。如果他不睡，只是欣賞這個軍妓，還算是個情感，但他睡了，所以他也就喪失了打仗的理由。張愛玲評西方交響樂“就像一個陰謀”，西方的藝術都是陰謀化的，注重結構。結構不是大小多寡的關系，而是性質的改變，發生、發展、高潮的三段體敘事不是量變，是質變。我們覺得伯格曼電影隨心所欲，而費里尼評伯格曼則說其玩三段體“趨于玄妙”。好萊塢的敘事是事件的危機和情感的危機同時層層加重的，高潮戲是外部危機的崩盤點，同時也是心理上死活過不去的一道檻。而《赤壁》中的人物，不缺乏危機，但這些人都太聰明，有點危機就自我調節過來了，不按照戲劇規律辦事。以好萊塢的標準來看，作戰的雙方都沒有開戰的理由，并且大多數人物都沒有內心的質變，只有常態，而沒有性格，性格是反常態的。穩重不是性格，當一個人內心崩潰的時候，仍然保持著穩重的外觀，才是性格。不是變化大了就能有性格，常態和變化形成一個有趣的關系，方能顯性格。《赤》片主角周瑜做得最有“性格”的事，是他作為指揮官，親下戰場廝殺去了。此舉違反了軍事常規，變化不可謂不大，但沒有表現出周瑜有內在血勇的性格，反而覺得他不靠譜。西方戰爭片中有許多主帥帶頭沖鋒的例子，我們都很感動，為何對周瑜不感冒？因為他的常態是吹笛子、彈琴、打獵、做愛，他不顧身份親下戰場，屬于他的散漫作風，我們像諸葛亮的反應一樣，是像看小孩一樣，一笑付之。性格是有感染力的，如果周瑜形成了性格，我們就會被血勇打動，而不會去思考合不合理了，這就是好萊塢劇作法的妙處。劇作是一個偷換概念的游戲，能把不合理的變得可以接受，在觀眾眼皮底下玩以假換真的魔術，之所以這個魔術能完成，因為作用在了觀眾的情感上，在客觀知識上不對的，但在觀眾在情感上認同了，這事就成立了。但調情從來是一件很難的事情，容易的是當嫖客。中國的商業電影，嫖客心態太重了，自從上個世紀八十年代開始拍商業片以來，至今如此。在消費上占有它，在心理上鄙夷它，這是嫖客對妓女的心態，也是導演們對觀眾的心態。我們是把老百姓當作最粗俗的蠢貨，覺得是幾招就可以擺平的，所以二十年來，我們的商業片都是在向外國偷招，把幾部好萊塢電影中的經典橋段拼湊在一起，覺得就是商業片了，可以取信于投資方，自己也自信了。有的劇作書上描述的好萊塢，容易帶來錯覺，覺得好萊塢類型片就是幾招法寶。所以中國的電影“湊招”的多，我們去談投資的時候，最常用的套話是：“我這劇本，這段用了《特洛伊》的情節，這段用了《阿甘正傳》的情節。”投資方聽了很高興：“你這么一說，我對你就有信心了。” 我們覺得湊招的模式是向好萊塢學的，但真實的好萊塢一線電影是不湊招的，在其劇本創作的時候，一個點子被其他影片用過，便會舍棄不用。好萊塢不變的不是點子，而是故事類型，故事類型就是情感的模式，情節為何要曲折？因為情感不是一蹴而就的。我們只注重刺激場面，而忽略了它產生的過程，自然做不好商業片。西方故事的精華在發展段落，因為這里變化最多，我們不去研究，只愛學人家的高潮，自然會有問題。香港電影比我們早幾十年做商業片，早有湊招的風氣，一直在偷好萊塢的橋段，因其結合了本地風情，固然取得了成功，但“不學發展學高潮”的毛病一直有。看香港的電影，往往發展段落不是系統化地演進，而是并列上幾件事，來湊夠時間。香港電影總是顯得松散，因為普遍欠缺布局能力，所以就在每一場景上竭盡視覺效果，以局部視覺彌補整體構成的不足，然后以一個華麗高潮來救場，一把贏回來，周星馳的《大話西游》就是靠結尾贏了北大學生。當然，如果香港電影的這種反故事的散漫，因為每一場戲都很精彩，也自成美學，名為“串珠”。雖然結構薄弱，但每場戲都有獨立趣味，就像一條串起來的珍珠。吳宇森拍《英雄本色 2》失敗了，但他的《縱橫四海》則是一部串珠的好片。《倩女幽魂》、《黃飛鴻》系列都是串珠。顯然，吳宇森的《赤壁》是不打算講故事的，而是要串珠的，否則他會請好萊塢編劇。做一部好萊塢資金標準的香港片，應該是他的初衷。可惜，香港的趣味敗壞了赤壁這場戰爭。串珠，要省略事件演進過程，像詩歌一樣。每換一個段落就有新的趣味，如此才能揚長避短，回避掉不能把事件系統化的弱點。《四海》、《倩女》都是把每一小段玩“神”了，才成功的。這種電影是神來之筆，走運了才能有。《赤壁》則具體段落都有欠風流，所以敘事整體上的弊病就暴露無遺了。雪上加霜的是前面分析過的香港電影的陰面--自毀意識，這種意識下產生的幽默是反敘事的。西方的戰爭片是緊張與幽默并存的，但那種幽默是局面中的幽默，比如《拯救大兵瑞恩》中，營救隊員們千辛萬苦找到了瑞恩，卻覺得那個瑞恩氣質太差，覺得為他拼命不值，于是小聲議論瑞恩的樣子--這幾句話便是戰爭片的幽默，它是人物在屈從大命運的情況下，小小的價值質疑，在理性范圍里，沒有脫離人物的真實處境。《赤壁》中的幽默是非理性的，比如小喬給周瑜包扎繃帶，都是大擁抱的貼身動作。周瑜享受溫情時，小喬撒嬌說：“看來我可以為戰士們做些事。”她要做慰安婦去勞軍么？對此，周瑜知趣地笑笑--他倆的幽默，毀掉了他倆將軍貴婦的身份和三國時代。諸葛亮許諾給苦守的張飛送援軍，結果只送來了一個人--關羽，表明他一個人就等于一支部隊，有萬夫不當之勇。但這是詞匯上的腦筋急轉彎，不是此情此景下的邏輯，破壞了辛苦營造的“大兵壓境，絕地反擊”的肅殺局面。《赤壁》中的幽默造成了價值觀的混亂，破壞了基本的情景設臵。這種肆意破壞比比皆是，所以不能將其視為導演的敗筆，只能視為是導演風格，是導演骨子里的香港文化在起作用，即便是拍了四五部好萊塢電影，也無法將其消磨。陣法槍法 在劇作上，吳宇森串珠不成，反受其害。吳宇森的地位，首先是他作出了視覺上的創新，他的剪接和動作設計都很輕盈飄逸，而《赤壁》的視覺則泯滅了個人特征。這也是他去美國的必然，他的剪接手法雖然被塔倫蒂諾這個的超級粉絲推崇備至，但在美國電影院中是引起爆笑的。美國人太實在，覺得他的拍法虛假，所以吳宇森在美國的電影越來越收斂，浪漫派的代表人物變得寫實起來。看《三國演義》上的描寫，每個人都太會穿衣服了，用料之貴重、色彩搭配之講究，并且都穿出了個人品位。中國的商周傳統是只有貴族才當兵，孔子的時代作為高級知識分子的“士”同時也是“兵”，兵痞要等到南北朝的時候才大量涌現，關羽、趙云這些出身低的人當上將領后，是自覺地貴族化的。三國戰場就是一場超豪華時裝秀，這幾乎是所有中國人的共識。但吳宇森沒有這樣拍，他認同了美國人能理解的戰場，把趙云等名將拍得一臉污垢、臭汗淋漓。也是為了讓美國人理解，用烏龜殼比喻八卦陣。拍出的八卦陣也的確是烏龜殼的樣子，是幾塊方陣拼成的一個大橢圓形。八卦陣傳說是諸葛亮發明，效果是“局部吃虧，整體占優”，吳清源說自己得了諸葛亮的東西，他的圍棋是八卦的最好注解，四處敗跡，最后卻贏了。八卦陣是“井”字形的，圍棋棋盤也是此規格。日本佛教的基本理論認為，成佛也要按照八卦陣次序，其描述修行程序的“金剛界曼陀羅”圖就是八卦陣形。在充斥著談宿命風氣的香港，算命多用八卦，算命的基本算法，就是八卦陣基本的陣法，所以吳宇森找陣法資料很容易。可能顧慮歐美人看不懂，吳宇森放棄了作為東方戰爭最大特點的陣法。這是明智之舉，因為陣法至今只在文學中成功，還沒在東方電影里成功過，黑澤明在《影子武士》、《亂》中都利用夜色或情節，巧妙地在戰場上省略了陣法。而表現武田信玄和上杉謙信決戰的《天與地》，其車旋大陣與魚鱗大陣的對決，便非常失敗，很像一場失控的團體操表演。所以《赤壁》雖在戰前大談陣法，但真開戰了，卻不見陣法，只見盾牌。八卦陣成了能否沖破盾牌的簡單攻防了。其實好萊塢商業片并不排斥講解知識，觀眾看電影的基本心理是尋找新奇的生活體驗，所以好萊塢劇作創作時有“看部電影，學個知識”的口號，奇怪的知識能加劇生活的新奇程度。比如《殺手里昂》中里昂介紹殺手知識：“殺手水平的高低，是以與被殺目標距離衡量的，最低檔次的殺手用狙擊槍，之后用手槍，最高境界是用匕首。”這個說法是那么的不合理，但我們看電影時都聽得津津有味，這是一個知性的刺激。而《赤壁》談陣法，說雁型陣像扇子、八卦陣像烏龜，就把觀眾打發了，其實可以多談點，商業片容量比我們想象的大。東方戰爭最大的特點是陣法和槍法，中國的馬上槍術與西洋騎士不同，中國的武術便是從馬上槍術蛻變來的，香港武打片里口頭禪似的詞匯——“腰馬合一”，就是馬上槍術對腰和胯的要求，以腰力使槍，以胯控制馬，蛻變為拳術后，沒有槍馬了，但對腰胯仍然是槍馬的標準，這是中國武術的基本特點，少林拳和太極拳在此點上是一致的。在中國的兵營傳統里，拳術歷來是馬上槍術的虛擬訓練，可參看明清兵營記載的操練規矩。我們的拳術武打片征服了歐美，現在要拍拳術的正源——馬上槍術了，應該能形成新鮮的動作設計，但不知《赤壁》對此準備不足，還是覺得歐美只認可我們的拳術，不敢出新。所以《赤壁》中的大將們多喜歡跳下馬打架，找個理由就把長槍換成了短刀，甚至赤手空拳。香港武打設計師都懂“腰馬合一”的本源，這是武術的基本概念，但拳術武打在好萊塢的成功，令他們變得保守了，沒能利用這次機會完成突變。但《赤壁》畢竟做了些嘗試，可以預見，這是武打片必然的發展趨勢，中國電影會有自己的騎士，與歐洲騎士、美國牛仔分庭抗禮。好萊塢的經歷消磨了吳宇森的視力，以前的吳宇森對線條、高低位臵極為敏感，所以能把一間普通客廳拍得華麗。《赤壁》中，曹操在戰場上的第一個亮相，是從軍車的圓頂棚搖下到曹操的正身，以頂篷的圓形來強化人物形象——這思路是對的，可惜意識還在，但不敏感了，沒有強化這個圓的線條，把頂棚拍得小得就像一把雨傘，曹操氣勢全無。以前的吳宇森絕不會出現這種情況，這個鏡頭，令人落淚。曹操在漢朝宮廷中的出場，是不見頭腳，以腰部出場的。腰部在古代是男性表現權威的部位，美國的老派資本家一定要挺著個大肚子，《教父》中的老教父教育小教父時，要在談話期間展示腰部，以顯現權威。《吳清源》中日本圍棋第一人秀哉在棋室出場也是以腰部，其強化腰部的方法，是讓其在腰部掛上一塊佩玉，這塊玉穩定地嵌在腰部，隨著人物的前進，無聲地逼近，這個人物就不怒自威了。曹操的腰部也有佩玉，但那是一堆，隨著邁步，相互撞擊得“嘩嘩”亂響，這就失去了威嚴，像個貨郎了。《赤壁》中的種種怪現象，追根到底，是缺失了精神依托后的焦慮。而日本明治維新后，在積極西化的同時，有著“失根”的焦慮，認為在近代化進程中落后的中國反而保留了古典的所有美好，大正年間出現了“中國情趣”風潮，這類人在谷崎潤一郎的小說《鮫人》中表達的心聲是：“居然沒能生在中國，實在是個無法挽回的不幸。” 當今的我們已經后現代了……我們的依托在哪兒，是朝鮮么？

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第三篇：電影《心迷宮》觀后感

很多人都認同父母永遠為子女好，即使父母做了錯事，也堅持父母的出發點是為子女好，并用“好心辦壞事”來進行開脫。

家庭里有人犯了錯，背鍋最多的是孩子，父母總是把“愛”掛在嘴邊，常常用“愛”的名義行“法西斯式”的教育而不自知。

孩子的訴求無人傾聽，平等交流無法實現，沒有互相理解和支持的愛，生活中多見到父子反目，母女成仇。

其實父母對孩子的情感很復雜，那些看似真心實意為孩子好的行為，其內核并不純粹。

《心迷宮》里面就有這樣一對感情不和的父子，因為一具尸體使村子發生了一場鬧劇，最后也因這具尸體，倆人相互理解和原諒。

這部影片于20xx年10月16在中國上映，劇中沒有一個“大明星”，全是“素人”，卻以170萬的小成本收獲1023。53萬的高票房，豆瓣評分更是高達8。6，與今年大火的《我不是藥神》相差無幾。

《心迷宮》的導演用了環形敘事的結構，顛倒時間和空間，使劇情緊湊，敘事明快，能讓觀眾全程都盯著熒幕，不敢落下一分鐘，完全猜不出故事的走向，而且一點都不生搬硬套，一切都從容自然。最值得稱贊的是它通過描繪中國小城鎮和鄉村來展現人性，接地氣的程度在國產電影中實屬罕見。

不務正業的白虎為了逃避賭債連夜回村，哥哥竟說他已經半年沒回過家，村里的妙齡少女黃歡失蹤，麗琴進城打工的丈夫說好回來，卻遲遲不見蹤影，這一連串的怪事，都源于一具突然出現的燒焦尸體。

而這具尸體的制造者，正是那對情感不和的父子。

肖宗耀與相好黃歡到山林里幽會，黃歡為了留住肖宗耀，騙他說自己懷孕了。肖宗耀深感詫異，他知道父母不同意他倆的婚事，所以準備對孩子一事進行隱瞞。

沒想到回鄉路過山林的白虎聽到了他倆的談話，白虎要求他們交一萬塊做封口費。雙方爭執中，肖宗耀致白虎意外死亡，肖宗耀、黃歡驚慌之下簡單掩埋尸體，便慌張逃到縣城。

在酒席上喝多了的村長肖衛國路過樹林時解手，無意間目睹兒子宗耀錯手殺死白虎的整個過程。肖衛國在兒子離開后將白虎尸體燒了，試圖將現場弄成白虎因疏忽把自己燒死的樣子。

第二天村民發現尸體，開始認尸，除了肖衛國外，大家都不知道尸體的真實身份，肖衛國又有村長之權，他不讓村民報警，最大程度上保護了自己兒子的安全，即使最后真出了問題，尸體是肖衛國燒得，老子背鍋，兒子照樣能得救。

講到這里，看起來像是一位偉大的父親有勇有謀，舍身救子的故事。

細想之下，則不然。

這其實是一個自私自利的父親自作孽不可活的.故事。

咱們先從這對肖氏父子的矛盾開始講起。

肖衛國認為，給兒子找一個事少錢多離家近的工作，再給他娶一個城里媳婦，生個大胖小子，等自己退休可以坐享天倫之樂，兒子也衣食無憂，家庭幸福，這實在是兩全其美。

肖宗耀可不這么想，他看不上父親給自己找得“鐵飯碗”，覺得這種工作簡直是在浪費生命，他認為年輕人要有遠大的理想，應該去大城市里一展拳腳。

戀愛自由是自己的權利，父母沒有理由多加干涉，這又不是“梁祝化蝶”的時代。

老一輩的“圖安穩”和新生代的“求闖蕩”發生沖突。

和現實中大多數父親一樣，肖衛國以“過來人”自詡，用“我都是為你好”占據道德制高點，強迫兒子聽從自己的安排，并用手里的資源逼兒子就范。

俗話說，強扭得瓜不甜。

肖宗耀不但不感謝父親的付出，反而跟父親冷戰，甚至恨他。

世俗觀念認為，肖宗耀是年少無知，身在福中不知福，肖衛國真是為了兒子好，“鐵飯碗”是多少人搶破腦袋都得不到的寶貝，娶媳婦就要門當戶對才能長久，父母在不遠游，生活工作兩不誤，這簡直是人生贏家的標配。

再說了，養兒防老有什么錯，養育之恩，父母愛之偉大，做兒女的回饋一點又何妨，有什么事情能比一家人在一起更重要的呢？

但是，在肖宗耀眼里，父親貴為一村之長，不但沒給自己家帶來財富，反而往外貼錢，這不符合“常理”，以為父親無能，鄙視之。

父親對自己的夢想不但不支持，反而橫加阻撓，硬把自己剛開始的人生嫁接在他的生命里，把兒子當成老子的“延續”，把“養兒防老”當成父親給自己晚年買的一份保險，遂恨之。

《尋夢環游記》里米格的家人勸米格放棄音樂夢的理由也是說，有什么事情能比一家人在一起更重要的呢？

米格說，當然有，音樂就是。

家人認為音樂會使家人分開，所以禁止米格玩音樂，對他圍追堵截，即使到了陰間也沒放過他，

經過一番斗爭之后，米格和家人最后達成了和解。

但是和解的前提是，家人做出改變，打破禁止，接受音樂，支持米格做一個歌唱家。

可見，親情的本質是互相理解和支持。

肖衛國所謂的替孩子考慮，為孩子好，裹著愛的鮮亮外衣，內核卻是丑陋的自私自利。

肖衛國的計劃里只有自己。

他的社會道德要求他做一個清廉正直的村長，所以他從不收受賄賂，甚至貼錢做好事，客廳里擺滿的各種獎章比錢重要多了，那是他的驕傲。

攀比心要求村長的兒子要比別人家兒子的工作體面，所以他強迫兒子去上安排好的工作。兒媳婦要比別人家的上檔次，所以他必須要兒子娶一個城里媳婦。他更要求自己的晚年要比別人幸福，所以他不允許兒子遠行。

肖衛國一點都不考慮肖宗耀怎么想，他也不在乎肖宗耀怎么想，兒子是他意志的延伸，是他完成自己人生規劃的工具，他沉醉在美好晚年夢中不自省，用霸道和權力讓周圍的一切走向自己的軌道。

可惜天意弄人。

兒子失手殺人，還讓自己看見了，兒子成了殺人犯，這么大的污點肖衛國可承受不起。但是燒掉尸體，把黑的做成白的，就能承受得起了？

在利益受到危機時，肖衛國給自己精心搭建的完美人設開始破碎，無私正直的面具漸漸脫落，顯露出真實的人性。

兒子倉惶出逃，肖衛國一個電話都沒有給他打，精力全用在周旋尸體上。這能說他處理尸體是為了兒子嗎？他更多的為了拯救他自己的名譽，救兒子只不過是順手之勞。

尸體三次易主，最后無人認領，被遺棄山崗，本以為簡簡單單的一件事，最后竟然變成困局。

肖衛國和肖宗耀一起面對著無法處理的尸體，各有所想，沒有參與鬧劇的兒子誤以為父親幫自己平了事，感激之情沖垮了多年的恨，一聲“爸”脫口而出。

而肖衛國呢？

這具原本受他控制的尸體越來越不受他控制，就像他的兒子越長越大，越來越獨立，不再受他控制一樣。

肖衛國仿佛大夢初醒，他收起掛在客廳的獎章，辭去村長之職，心灰意冷，閉門思過。

不再強勢的父親終于能和兒子好好說一說話。

假想當初肖衛國不逼迫兒子走安排好的路，多和兒子溝通理解并尊重一下兒子的利益，兒子也不用和黃歡大晚上在林子里幽會，也就不會被白虎勒索，更不會失手殺人，這具尸體不會產生，這鬧劇也就無從發生。

這一切的起因，正是世俗眼里肖衛國對兒子的“愛”，真正讓肖衛國失去榮譽和美好晚年夢的其實是他的自私自利。

真正的親情絕不是“為了你好”強迫你必須聽我的，而是勇敢去做你喜歡的事吧，累了就回家的理解和支持。

第四篇：勇敢的心電影觀后感

勇敢的心電影觀后感范文

細細品味一部作品以后，相信大家的視野一定開拓了不少吧，這時我們很有必要寫一篇觀后感了。想必許多人都在為如何寫好觀后感而煩惱吧，下面是小編精心整理的勇敢的心電影觀后感范文，歡迎閱讀，希望大家能夠喜歡。

《勇敢的心》說起來算是一部很舊的片子，這樣說，不僅是因為他上映于1995年，更在于它是以13世紀末14世紀初蘇格蘭人民反抗英格蘭暴政為時代背景的。在電影史上，《勇敢的心》，已成為經典;正如在蘇格蘭，威廉。華勒已成為千百年間的民族英雄;就像在蘇格蘭，風笛已成為民族音樂之魂。

青山環繞的鄉村、溫柔恬靜的鄰家女孩、勇敢剛毅的民族英雄、氣勢磅礴的古戰場、時而憂傷時而歡快的蘇格蘭風笛……看完《勇敢的心》，閉上眼睛，我的腦海中迅速形成一幅唯美、平靜、安詳的蘇格蘭鄉村圖，但畫面很快被打散，支離破碎，緣于英格蘭暴君的丑惡嘴臉，正如影片所放的，唯美、平靜、安詳僅是短暫的.，在英格蘭軍隊鐵騎踐踏下，蘇格蘭人民長期受控于英格蘭暴政而無自由可言，但比起蘇格蘭英雄英俊剛毅的臉孔，英格蘭暴君的丑惡嘴臉當然不會常駐于我腦海之中，因此，當影片最后威廉。華勒高呼“自由”時，愛德華的軍隊、政權也就隨著這一聲喊叫而煙消云散了。而華勒的高呼卻永遠存在人們的心中，蕩氣回腸，千百年來激勵著各族人民為追求自由而奮斗。

“生命誠可貴，愛情價更高。若為自由故，兩者皆可拋。”也許是對華勒最好的詮釋。在很黑的夜里，聽著《For the love of a Princess》、《Son of Scottland》等《勇敢的心》原聲音樂，我會輕聲地問：到底自由是什么，可以讓英雄為之放棄一切當清晨的第一縷陽光射進房間，我恍然大悟，自由，正如陽光;英雄追求自由，正如我們在漆黑的夜晚對陽光的渴望。當我們為了前方某個不知名的夢想而投入到各種大小考試中去;當我們麻木地認為自由就是考上大學時，我們為之通宵達旦，為之嘔心瀝血。而結果呢恐怕我們只是贏了整個世界而迷失了自我。其實失去自由的不是別人，正是我們自己。但我們已經麻木到失去了為自由而戰的勇氣。電影《勇敢的心》正是給麻木的人們帶來“勇敢的心”。“Every man dies，not every man really lives。”正是影片中的這句話，讓我驚醒。其實剝奪我們自由的不是別人，正是我們的心。我們禁錮于自己的惰性，沉迷于網絡游戲的虛幻中，而斗志全無。我們真正該打敗的，是我們自己。為自由而戰斗，過真正的生活。《勇敢的心》正是那第一縷陽光。

第五篇：電影勇敢的心觀后感

為自由而戰——評電影《勇敢的心》

影片以蘇格蘭的藍天綠草、連綿起伏的山川為背景，通過威廉·華萊士起義過程為主線，加之他與妻子梅倫和伊莎貝拉的愛情情節，將英雄史詩與浪漫愛情相纏繞，既展現了戰場恢宏的氣勢，體現出戰爭的血腥與殘酷，又表現出愛情在現實面前的美好與無奈。善良與殘酷，溫婉與雄渾，美好與現實相結合，為觀眾展現了英雄傳說的血淚史。

導演梅爾·吉普森為我們呈現了一個有血有肉，為了自由而戰斗，為了愛情和命運而戰斗的英雄。《勇敢的心》不似《啟示》叢林中的驚心動魄；不同于《耶穌受難記》里無知與真理的對決；但梅爾·吉普森能夠讓觀眾在影片結束后腦中都是久久難以平息的澎湃。重要的是，這個故事會感動我們。

梅爾·吉普森將華萊士的智慧、英勇、善戰詮釋的淋漓盡致。影片中的場景、服飾和妝容充分展現了一個男人的勇猛，但華萊士所擁有的，不僅僅是勇猛，更多的是他的智慧、才能、號召力和為自由而戰的信念。然而，他同時擁有著自己對去世的妻子和皇后伊莎貝拉的情感，華萊士被塑造成近乎完美的英雄。梅爾·吉普森成功的演繹了史詩中的英雄，讓英雄的形象立體完整，用充滿深意的目光吸引和震撼著觀眾。

影片主色調為棕褐色，主要表現在戰爭場面。蘇格蘭戰士身上濃重的色調與藍天草地相對比，突出了蘇格蘭勇士們為自由而戰的無畏精神，和他們獨立蘇格蘭，建立自己美好家園的偉大理想。而出現在英國皇室的深色調，則顯現出英格蘭統治的黑暗與皇室的人性壓抑。在表現戰爭場面時，用了遠景、大全景來展現戰斗的宏大場面；運用中景和近景展現了戰斗的細部，更彰顯出了戰士們的英勇無畏，尤其是華萊士等人的驍勇善戰，也體現出戰爭的血腥和殘酷，從而反映爭取自由的不易和代價。

觀看影片后久久回蕩在耳邊的就是古老的蘇格蘭風笛，成為影片配樂的靈魂。影片的配樂來自詹姆斯霍納，曾經的一首《my heart will go on》不知迷倒了多少人。《勇敢的心》中風笛的悠揚與歡快，蒼白與悲壯，浪漫與傷感，使得影片中蘇格蘭的風光、恢宏的戰場和凄美的愛情都恰如其分的渲染和襯托。華萊士就義是全片最精彩的段落，音畫結合異常完美。當儈子手逼迫華萊士開口求饒時，圓號獨奏反復出現，低緩的旋律伴隨著華萊士的怒吼達到了高潮。蕩氣回腸的音樂回響在空中，英雄的主題得到了升華。

影片中有這樣一句臺詞：“Every man dies, not every man really lives.”每個人都會死，但不是每個人都活過。在這個喧囂嘈雜、霓虹炫彩的世界，人們逐漸淡化了曾經屬于我們的那些單純的感動，是否還有人像華萊士一樣為了信念，為了自由而奮戰一生？臨終前的威廉在飽受酷刑后的那句“freedom”，數百年后仍然振聾發聵。那具不屈的靈魂，威廉·華萊士，真正的活過了，在肉體的死亡中得到了精神的永生。